Joseph Haydn: Abschiedssymphonie. Was machen Musiker traditionell während der Aufführung von Haydns Abschiedssinfonie? Warum Haydn die 45. Sinfonie verabschiedete

Orchesterbesetzung: 2 Oboen, Fagott, 2 Hörner, Streicher (nicht mehr als 9 Personen).

Geschichte der Schöpfung

Um die Wende der 60er-70er Jahre vollzog sich ein stilistischer Wandel im Schaffen des Komponisten. Pathetische Symphonien reihen sich aneinander, nicht selten in Moll. Sie repräsentieren Haydns neuen Stil, der sein Streben nach Ausdruckskraft mit der deutschen Literaturbewegung Sturm und Drang verbindet.

Symphonie Nr. 45 erhielt den Namen Farewell, wofür es mehrere Erklärungen gibt. Einer ist laut Haydn selbst in den Erinnerungen seiner Zeitgenossen erhalten geblieben. Zur Zeit der Entstehung dieser Symphonie diente Haydn in der Kapelle des Fürsten Esterhazy, eines der ungarischen Magnaten, dessen Reichtum und Luxus mit denen des Kaisers konkurrierten. Ihre Hauptwohnsitze befanden sich in der Stadt Eisenstadt und auf dem Gut Estergaz. Im Januar 1772 verfügte Fürst Nikolaus Esterhazy, dass während seines Aufenthalts in Esterhaz die Familien der Kapellenmusiker (damals waren es 16) dort wohnten. Nur in Abwesenheit des Prinzen konnten die Musiker Estergaz verlassen und ihre Frauen und Kinder besuchen. Eine Ausnahme wurde nur für den Kapellmeister und den ersten Geiger gemacht.

In diesem Jahr blieb der Prinz ungewöhnlich lange auf dem Gut, und die vom Junggesellenleben erschöpften Musiker wandten sich hilfesuchend an ihren Leiter, den Kapellmeister. Haydn löste dieses Problem geistreich und schaffte es, dem Fürsten bei der Aufführung seiner neuen, 45. Sinfonie die Bitte der Musiker zu überbringen. Einer anderen Version zufolge betraf die Bitte ein Gehalt, das der Prinz seit langem nicht mehr an das Orchester gezahlt hatte, und die Symphonie enthielt einen Hinweis darauf, dass die Musiker bereit waren, sich von der Kapelle zu verabschieden. Eine andere Legende ist genau das Gegenteil: Der Prinz selbst beschloss, die Kapelle aufzulösen, und ließ die Orchestermitglieder ohne Existenzgrundlage zurück. Und schließlich das letzte, dramatische, das die Romantiker im 19. Jahrhundert vorschlugen: Die Abschiedssymphonie verkörpert den Abschied vom Leben. Allerdings fehlt der Titel im Manuskript der Partitur. Die Inschrift am Anfang – teils in lateinischer, teils in italienischer Sprache – lautet: „Symphonie in fis-Moll. Im Namen des Herrn von mir, Giuseppe Haydn. 772", und am Ende auf Latein: "Gepriesen sei Gott!".

Die Uraufführung fand im Herbst desselben Jahres 1772 in Estergaz durch die Fürstliche Kapelle unter der Leitung von Haydn statt.

Die Abschiedssymphonie sticht in Haydns Schaffen heraus. Seine Tonalität ist ungewöhnlich - fis-Moll, damals selten verwendet. Nicht typisch für das 18. Jahrhundert ist das gleichnamige Dur, in dem die Sinfonie endet und in dem das Menuett steht. Das Einzigartige aber ist der langsame Schluss der Symphonie, eine Art zusätzliches Adagio, das dem Finale folgt, weshalb die Abschiedssymphonie oft als fünfsätzige Symphonie bezeichnet wird.

Musik

Der pathetische Charakter des ersten Satzes wird bereits im Hauptteil bestimmt, der ohne langsame Einleitung die Symphonie sogleich eröffnet. Das ausdrucksstarke Thema der Violinen, die über die Töne des Moll-Dreiklangs fallen, wird durch den charakteristischen synkopischen Rhythmus der Begleitung, die Gegenüberstellung von Forte und Piano und plötzliche Modulationen in Moll-Tonarten verschärft. In einer der Moll-Tonarten erklingt eine für eine klassische Symphonie unerwartete Seitenstimme (das gleichnamige Dur wird vorausgesetzt). Der Nebensatz ist, wie bei Haydn üblich, melodisch nicht eigenständig und wiederholt den Hauptsatz, nur mit einem fallenden Stöhnmotiv der Geigen am Ende. Der kurze Schlussteil, ebenfalls in Moll, mit gewundenen, wie flehentlichen Zügen, verstärkt das klagende Pathos der Exposition, die fast jeder großen Grundlage entbehrt. Andererseits bestätigt die Durchführung sofort das Dur, und sein zweiter Abschnitt bildet eine helle Episode mit neues Thema- befriedet, galant gerundet. Nach einer Pause wird mit plötzlicher Wucht das Pro ausgerufen Hauptthema- Reprise beginnt. Dynamischer, ohne Wiederholungen, voller aktiver Entwicklung.

Der zweite Teil – Adagio – ist leicht und heiter, raffiniert und galant. Es erklingt überwiegend ein Streichquartett (der Part der Kontrabässe ist nicht hervorgehoben) und die Violinen – mit Dämpfern, die Dynamik innerhalb des Pianissimo. Die Sonatenform wird mit ähnlichen Themen verwendet, mit einer Durchführung, die nur von Streichern ausgeführt wird, und einer komprimierten Reprise, in der der Hauptteil mit dem "goldenen Zug" der Hörner verziert ist.

Der dritte Satz, das Menuett, gleicht einem Dorftanz mit ständigem Nebeneinander von Piano- (nur Violinen) und Forte-Effekten (gesamtes Orchester), mit einem klar definierten Thema und einer Fülle von Wiederholungen. Das Trio beginnt mit dem „goldenen Zug“ der Hörner, und am Ende kommt es zu einer unerwarteten Verdunkelung – das Dur weicht dem Moll und nimmt die Stimmung des Finales vorweg. Die Rückkehr des ersten Abschnitts lässt Sie diesen flüchtigen Schatten vergessen.

Der vierte Teil erinnert bildlich an den ersten. Die Seitenstimme ist wiederum nicht melodisch eigenständig, sondern anders als die Hauptmollstimme in unbeschwerten Durtönen gehalten. Entwicklung ist zwar klein, aber ein wirklich klassisches Beispiel für die Beherrschung der motivierten Entwicklung. Die Reprise ist düster, wiederholt nicht die Exposition, sondern bricht im Anstieg plötzlich ab ... Nach einer Generalpause beginnt ein neues Adagio mit Variationen. Das zarte, in Terzen vorgetragene Thema wirkt heiter, aber die Klangfülle verblasst allmählich, ein Gefühl der Beklemmung stellt sich ein. Einer nach dem anderen verstummen die Instrumente, die Musiker löschen, nachdem sie ihren Part beendet haben, die brennenden Kerzen vor ihren Konsolen und gehen. Nach den ersten Variationen verlassen die Blechbläser das Orchester. Der Aufbruch der Streichorchester beginnt mit dem Bass; die Bratsche und zwei Violinen bleiben auf der Bühne, und schließlich beendet das Duett der Violinen mit Dämpfern leise ihre berührenden Passagen.

Ein solch beispielloses Finale machte immer einen unwiderstehlichen Eindruck: „Als die Orchestermusiker begannen, die Kerzen zu löschen und sich leise zurückzuziehen, tat allen das Herz weh ... Als schließlich die leisen Klänge der letzten Geige verklungen waren, begann sich das Publikum schweigend zu zerstreuen und berührt ...“ - schrieb die Leipziger Zeitung 1799. „Und niemand hat gelacht, weil es überhaupt nicht zum Spaß geschrieben wurde“, wiederholte Schumann fast vierzig Jahre später.

A. Königsberg

Haydn schrieb 104 Symphonien, von denen die erste 1759 für die Kapelle des Grafen Morzin und die letzte 1795 im Zusammenhang mit einer London-Tournee geschaffen wurde.

Die Gattung der Symphonie entwickelte sich in Haydns Werk von alltagsnahen Samples und Kammermusik zu den „Pariser“ und „Londoner“ Symphonien, in denen die klassischen Gesetzmäßigkeiten der Gattung, die charakteristischen Thementypen und Durchführungstechniken etabliert wurden.

Die reiche und komplexe Welt von Haydns Sinfonien besitzt bemerkenswerte Qualitäten der Offenheit, Geselligkeit und Fokussierung auf den Zuhörer. Genrealltags-, Lied- und Tanzstimmungen, teilweise direkt aus folkloristischen Quellen entlehnt, sind die Hauptquelle ihrer musikalischen Sprache und eröffnen, eingebunden in den komplexen Prozess der symphonischen Entwicklung, neue figurative, dynamische Möglichkeiten.

In Haydns reifen Sinfonien ist die klassische Besetzung des Orchesters etabliert, einschließlich aller Instrumentengruppen (Streicher, Holzbläser, Blechbläser, Schlagzeug).

Fast alle Sinfonien Haydns kein Programm, Sie haben keine bestimmte Handlung. Die Ausnahme bilden drei frühe Symphonien, die vom Komponisten selbst „Morgen“, „Mittag“, „Abend“ genannt werden (Nr. 6, 7, 8). Alle anderen den Symphonien Haydns gegebenen und in der Praxis festgelegten Namen gehören den Zuhörern. Einige von ihnen vermitteln den allgemeinen Charakter des Werks („Lebewohl“ - Nr. 45), andere spiegeln die Besonderheiten der Orchestrierung wider („Mit einem Hornsignal“ - Nr. 31, „Mit einer Tremolo-Pauke“ - Nr. 103) oder akzentuieren Sie ein einprägsames Bild ("Bär" - Nr. 82, "Huhn" - Nr. 83, "Uhr" - Nr. 101). Manchmal werden die Namen von Sinfonien mit den Umständen ihrer Entstehung oder Aufführung in Verbindung gebracht ("Oxford" - Nr. 92, sechs "Paris"-Symphonien der 80er Jahre). Der Komponist selbst hat sich jedoch nie zum figurativen Gehalt seiner Instrumentalmusik geäußert.

Haydns Symphonie erhält die Bedeutung eines verallgemeinerten „Weltbildes“, in dem unterschiedliche Aspekte des Lebens – ernst, dramatisch, lyrisch-philosophisch, humorvoll – zur Einheit und Balance gebracht werden.

Haydns symphonischer Zyklus enthält normalerweise die typischen vier Sätze (Allegro, Andante , Menuett und Finale), obwohl der Komponist die Anzahl der Stimmen manchmal auf fünf erhöhte (Symphonien "Mittag", "Abschied") oder auf drei beschränkte (in den allerersten Sinfonien). Manchmal änderte er, um eine besondere Stimmung zu erreichen, die übliche Satzfolge (Symphonie Nr. 49 beginnt mit einem traurigen Adagio).

Abgeschlossene, perfekt ausbalancierte und logisch arrangierte Formen von Teilen des symphonischen Zyklus (Sonate, Variation, Rondo usw.) enthalten Elemente der Improvisation, wunderbare Abweichungen von Unerwartetem schärfen das Interesse am eigentlichen Prozess der Gedankenentwicklung, der immer faszinierend und voller ist Veranstaltungen. Die beliebtesten Haydnschen "Überraschungen" und "Streiche" halfen bei der Wahrnehmung des ernstesten Genres der Instrumentalmusik.

Unter den zahlreichen Symphonien, die Haydn für das Orchester des Fürsten Nikolaus I Esterhazy, eine Gruppe kleiner Sinfonien der späten 60er bis frühen 70er Jahre sticht hervor. Dies ist Symphonie Nr. 39 ( g-moll ), Nr. 44 („Beerdigung“, e- Einkaufszentrum ), Nr. 45 ("Abschied", fis-moll) und Nr. 49 (f-moll, „La Passione , also bezogen auf das Thema des Leidens und Sterbens Jesu Christi).

"Londoner" Sinfonien

Haydns 12 „Londoner“ Sinfonien gelten als höchste Errungenschaft der Haydn-Symphonie.

"London" die Symphonien (Nr. 93-104) wurden von Haydn in England während zweier Tourneen geschrieben, die von dem renommierten Geiger und Konzertunternehmer Salomon arrangiert wurden. Die ersten sechs erschienen 1791-92, sechs weitere - 1794-95, d.h. nach Mozarts Tod. Mit den Londoner Symphonien schuf der Komponist im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen seine eigene stabile Art von Symphonie. Dieses Haydn-typische Sinfoniemodell ist anders:

Alle "Londoner" Sinfonien geöffnet langsame Einleitungen(außer dem kleinen 95.). Einführungen erfüllen eine Vielzahl von Funktionen:

Sie bilden einen starken Kontrast zum übrigen Material des ersten Teils, daher verzichtet der Komponist in seiner weiteren Entwicklung in der Regel auf einen Vergleich verschiedener Themen;
Die Einleitung beginnt immer mit einer lauten Bestätigung der Tonika (auch wenn sie gleichnamig ist, Moll - wie zB in der Sinfonie Nr. 104) - was bedeutet, dass der Hauptteil des Sonaten-Allegros leise, allmählich beginnen kann und weichen sogar sofort in eine andere Tonart aus, was den Anspruch der Musik nach vorne zu bevorstehenden Höhepunkten erzeugt;
Manchmal wird das Material der Einleitung zu einem wichtigen Akteur in der thematischen Dramaturgie. So erscheint in der Sinfonie Nr. 103 (Es-dur, „Mit einer Tremolo-Pauke“) das große, aber düstere Thema der Einleitung sowohl in der Ausarbeitung als auch in der Coda I Teil, und in der Entwicklung wird es unkenntlich und verändert das Tempo, den Rhythmus und die Textur.

Sonatenform in den London Symphonies ist sehr eigentümlich. Haydn schuf diese Art von Sonate allegro , in denen Haupt- und Nebenthema nicht kontrastieren und oft im Allgemeinen aus demselben Material aufgebaut sind. Beispielsweise sind Expositionen der Symphonien Nr. 98, 99, 100, 104 mono-dunkel. ich Teile Symphonie Nr. 104( D-dur ) wird das Gesangs- und Tanzthema des Hauptteils nur durch Streicher dargeboten p , erst in der Schlusskadenz setzt das ganze Orchester ein und bringt munteren Spaß mit sich (eine solche Technik ist in den Londoner Symphonien zur künstlerischen Norm geworden). Im Abschnitt der Seitenstimme erklingt das gleiche Thema, aber nur in der Dominante, und im Ensemble mit Streichern treten nun abwechselnd Holzbläser auf.

In den Ausstellungen I Teile der Symphonien Nr. 93, 102, 103 Nebenthemen sind auf einem eigenständigen, aber aufgebaut nicht kontrastierend in Bezug auf die Hauptthemen Material. Also zum Beispiel im ich Teile Symphonie Nr. 103 beide Themen der Exposition sind inbrünstig, heiter, genremäßig dem österreichischen Lendler nahe, beide in Dur: das Hauptthema in der Haupttonart, das Nebenthema in der Dominante.

Hauptpartei:

Nebenpartei:

bei Sonaten Entwicklungen„Londoner“ Sinfonien dominieren motivierte Art der Entwicklung. Dies liegt an dem tänzerischen Charakter der Themen, in denen große Rolle Rhythmusspiele (Tanzthemen lassen sich leichter in einzelne Motive unterteilen als Kantilenen). Das auffälligste und einprägsamste Motiv des Themas wird entwickelt und nicht unbedingt das anfängliche. Zum Beispiel in Entwicklung I Teile Symphonie Nr. 104 das Motiv der 3-4 Takte des Hauptthemas entwickelt sich als das wandlungsfähigste: es klingt fragend und unsicher, dann bedrohlich und beharrlich.

Bei der Entwicklung des thematischen Materials beweist Haydn unerschöpflichen Einfallsreichtum. Er verwendet helle tonale Vergleiche, Register- und Orchesterkontraste und polyphone Techniken. Themen werden oft stark umgedacht, dramatisiert, obwohl es keine großen Konflikte gibt. Die Proportionen der Sektionen werden streng eingehalten - Entwicklungen machen meistens 2/3 der Expositionen aus.

Haydns Lieblingsform langsam Teile sind doppelte Variationen, die manchmal als "Haydnian" bezeichnet werden. Abwechselnd variieren zwei Themen (meist in gleichen Tonarten), unterschiedlich in Klang und Textur, aber in der Intonation nahe und daher friedlich nebeneinander. In dieser Form zum Beispiel die berühmte Andanteaus 103 Sinfonien: seine beiden Themen sind in volkstümlicher (kroatischer) Farbe gestaltet, bei beiden geht die Aufwärtsbewegung aus T bis D , punktierter Rhythmus, Veränderung vorhanden IV Bund Bühne; das kleine erste Thema (Streicher) hat jedoch einen konzentrierten erzählerischen Charakter, während das große zweite Thema (das gesamte Orchester) marschierend und energisch ist.

Erstes Thema:

Zweites Thema:

Auch in den "Londoner" Symphonien gibt es gewöhnliche Variationen, wie zum Beispiel in Andanteaus 94 Sinfonien.Hier wird ein Thema variiert, das sich durch seine besondere Schlichtheit auszeichnet. Diese gewollte Schlichtheit erzwingt eine plötzliche Unterbrechung des Musikflusses durch den ohrenbetäubenden Schlag des gesamten Orchesters mit Pauken (das ist die „Überraschung“, mit der der Name der Symphonie verbunden ist).

Neben der Variation verwendet der Komponist oft in langsamen Teilen und komplexe dreiteilige Form, wie zum Beispiel in Symphonie Nr. 104. Alle Abschnitte der dreistimmigen Form enthalten hier etwas Neues gegenüber dem musikalischen Ausgangsgedanken.

Traditionell sind die langsamen Teile der Sonaten-Symphonie-Zyklen das Zentrum des Liedtextes und der wohlklingenden Melodie. Haydns Texte in Symphonien tendieren jedoch eindeutig zu Genre. Viele der Themen der langsamen Sätze basieren auf Liedern oder Tänzen und zeigen zum Beispiel Züge eines Menuetts. Es ist bezeichnend, dass von allen "Londoner" Symphonien die Bemerkung "melodiös" nur in der Largo 93-Symphonie vorkommt.

Menuett - der einzige Satz in den Symphonien von Haydn, wo es einen obligatorischen inneren Kontrast gibt. Haydns Menuette wurden zum Maßstab für Vitalität und Optimismus (man kann sagen, dass sich hier die Individualität des Komponisten – die Züge seines persönlichen Charakters – am unmittelbarsten manifestierten). Meistens sind dies Live-Szenen des Volkslebens. Menuette überwiegen, tragen die Traditionen der bäuerlichen Tanzmusik, insbesondere des österreichischen Lendlers (wie zum Beispiel in Symphonie Nr. 104) Ein galanteres Menuett in der "Military" -Symphonie, skurriles Scherzo (dank des scharfen Rhythmus) - in Symphonie Nr. 103.

Menuett der Symphonie Nr. 103:

Überhaupt verändert die akzentuierte rhythmische Schärfe in vielen Menuetten Haydns deren Gattungserscheinung derart, dass sie im Wesentlichen direkt zu Beethovens Scherzi führt.

Menuettform - immer komplexes 3-stimmiges Da Capo mit einem kontrastierenden Trio in der Mitte. Das Trio kontrastiert normalerweise sanft mit dem Hauptthema des Menuetts. Sehr oft spielen hier wirklich nur drei Instrumente (oder jedenfalls wird die Textur leichter und transparenter).

Die Finals der „Londoner“ Sinfonien sind ausnahmslos groß und fröhlich. Hier kam Haydns Veranlagung zu den Elementen des Volkstanzes voll zum Ausdruck. Sehr oft erwächst die Musik des Finales aus echten Folk-Themen, wie in Symphonie Nr. 104. Sein Finale basiert auf einer tschechischen Volksmelodie, die so präsentiert wird, dass ihre volkstümliche Herkunft sofort offensichtlich ist – vor dem Hintergrund eines tonischen Orgelpunkts, der Dudelsäcke imitiert.

Das Finale behält die Symmetrie in der Komposition des Zyklus bei: es kehrt zum schnellen Tempo I zurück Teile, zu effektiver Aktivität, zu einer fröhlichen Stimmung. Finale Form - Rondo oder Rondo-Sonate (in Sinfonie Nr. 103) oder (seltener) - Sonate (in Sinfonie Nr. 104). Auf jeden Fall ist es frei von widersprüchlichen Momenten und rauscht wie ein Kaleidoskop bunter Festbilder vorbei.

Bestand in Haydns frühesten Symphonien die Bläsergruppe nur aus zwei Oboen und zwei Hörnern, so findet sich in den späteren Londoner Symphonien systematisch eine vollständige paarige Komposition von Holzbläsern (einschließlich Klarinetten) und in einigen Fällen auch Trompeten und Pauken.

„Militärisch“ hieß die Symphonie Nr. 100, G-dur: In ihrem Allegretto erahnte das Publikum den zeremoniellen Ablauf der Wachparade, unterbrochen vom Signal der Militärtrompete. In Nr. 101, D-dur, entfaltet sich das Andante-Thema vor dem Hintergrund des mechanischen „Tickens“ zweier Fagotte und Pizzicato-Streicher, in dessen Zusammenhang die Sinfonie „Die Stunden“ genannt wurde.

Vorbereitet von Julia Bederova

Eine der wenigen Moll-Sinfonien von Haydn und die einzige Symphonie des 18. Jahrhunderts, geschrieben in der damals unbequemen Tonart fis-Moll. Im Finale verlassen die Musiker abwechselnd die Bühne, die Stimmen verschiedener Instrumente werden nach und nach von der Musik abgeschaltet, und am Ende erklingen nur noch zwei Geigen.

Der Legende nach der Kunde Prinz Esterhazy Haydn fungierte als Kapellmeister des Fürsten, und die Familie Esterhazy besaß eigentlich die Rechte an seiner gesamten Musik und verfügte sogar über die Freizeit der Musiker., schuldete den Mitgliedern einen Urlaub (nach einer anderen Version - ein Gehalt) - darauf deuteten sie mit einem so ungewöhnlichen Ende hin. Es ist nicht bekannt, ob dieser witzige Kunstgriff Gerechtigkeit bewirkte, aber das langsame Finale der Abschiedssymphonie, deren Musik vom Einfluss des Sturmertums beeinflusst wurde "Sturm und Drang"(deutsch: Sturm und Drang) ist eine vorromantische literarische und künstlerische Bewegung, die viele Komponisten in der Musik beeinflusst hat, von Haydn und Mozart bis zu Beethoven und den Romantikern. Vertreter der Bewegung werden Stürmer genannt., beeinflusste wiederum die weitere Geschichte der Sinfonien – von Beethoven über Tschaikowsky bis zu Mahler. Nach dem Farewell Steel sind langsame Finals möglich, die das klassische Modell nicht vorgesehen hat.

„Haydns Abschiedssymphonie“

Aufsatz

Abgeschlossen von einem Schüler der Klasse 7 A Timofey O.

Einführung

Symphonie - musikalische Komposition für das Orchester. Sinfonien werden in der Regel für ein großes gemischtes Orchester geschrieben, es gibt aber auch Sinfonien für Streich-, Kammer-, Blas- und andere Orchester; in die Symphonie können ein Chor und Sologesangsstimmen eingeführt werden.

Über den Komponisten

Joseph Haydn wurde am 31. März 1732 (getauft am 1. April 1732) im Dorf Rorau (Niederösterreich) geboren.

Im Alter von sechs Jahren wurde Haydn in Hainburg zur Schule geschickt, wo er verschiedene Instrumente erlernte Musikinstrumente und singen. Bereits 1740 wurde Haydn dank seiner schönen Stimme Chorknabe im Stephansdom in Wien. Bis 1749 sang er im Domchor. Haydn lebte in äußerster Armut und Not und fand Trost nur im Musikunterricht. In der österreichischen Hauptstadt lernte er den italienischen Dichter, Dramatiker und Librettisten P. Metastasio kennen, der Haydn wiederum dem Komponisten und Lehrer N. Porpora vorstellte.

Von 1753 bis 1756 arbeitete Haydn als Korrepetitor für Porpora und studierte gleichzeitig die Grundlagen der Komposition. 1759 erhielt er vom böhmischen Grafen Morcin eine Stelle als Kapellmeister. Dann schrieb er die erste Sinfonie, die ein großer Erfolg wurde und ihm die Sympathie von Fürst Esterhazy einbrachte, der Haydn die Stelle des Kapellmeisters in seinem Orchester anbot.

Der Musiker nahm dieses Angebot 1761 an und diente dem Prinzen 30 Jahre lang. Nach dem Tod von Esterhazy im Jahr 1790 blieb Haydn ohne bestimmte Position, aber sein Name als Komponist war bereits weithin bekannt. Haydn war vor allem für seine Symphonien berühmt. Insgesamt schrieb er 119 Symphonien, darunter die 45. „Farewell“ (1772), sechs Pariser Symphonien (1785–1786), die 92. „Oxford“ (1789), zwölf Londoner Symphonien (1791–1795), die eine Antwort auf diese waren Reisen nach London 1791-1792 und 1794-1795.

Neben Symphonien schrieb der Komponist 22 Opern, 19 Messen, 83 Streichquartette, 44 Klaviersonaten und viele andere Werke.

Geschichte der Schöpfung

"Abschiedssymphonie" Es wird auch „Symphonie bei Kerzenschein“ genannt. Hinter Nummer 45. Fis-Moll. Geschrieben von Josef vermutlich 1772. Wie Sie wissen, war Haydn dreißig Jahre lang Kapellmeister unter Fürst Esterhazy. Es gab Zeiten, in denen das Schreiben auf Bestellung als die Norm galt. Und diese „Made-to-Order“-Musik war makellos, inspirierend, emotional und vom kreativen Geist des Komponisten durchdrungen. So bestellte es Herr Esterhazy, ein leidenschaftlicher Musikliebhaber, für zahlreiche Familienurlaube und nicht nur.

Und dann geschah es eines Tages, dass Prinz Esterhazy die Musiker nicht lange in den Urlaub ließ, und einer anderen Version zufolge blieb er lange auf seinem Anwesen und verzögerte seine Rückkehr nach Wien. Die Musiker waren an die harten Vertragsbedingungen gebunden und durften das Anwesen nicht ohne Erlaubnis verlassen. Sie waren erschöpft von der Arbeit und der Erwartung der Ruhe, viele Chormitglieder verzweifelten und baten Josef, ein Werk mit einem Hinweis zu schreiben. Dann schrieb Haydn, ein weiser Führer und sensibler Komponist, eine äußerst subtile emotionale Symphonie mit einer ungewöhnlichen Struktur. Die 4 Sätze, die normalerweise die Standardstruktur einer Symphonie ausmachen, wurden um einen 5-Satz ergänzt. Eine Überraschung erwartete den Prinzen und seine Gäste ..! Und in Teil 5 löschten die Musiker nacheinander die Kerzen auf den Konsolen und verließen die Bühne. Als letzter ging die erste Geige, Haydn selbst. Erst nachdem er die traurige und zitternde Melodie beendet hatte, ging der Maestro. Die Halle tauchte in Dunkelheit. Die Legende besagt, dass Prinz Esterhazy, ein sehr gebildeter Mensch, der Musik sensibel versteht, alles verstand und nach Wien ging, um die Kapelle zu verlassen, um sich auszuruhen.

Klangbeschreibung

Der pathetische Charakter des ersten Satzes wird bereits im Hauptteil bestimmt, der ohne langsame Einleitung die Symphonie sogleich eröffnet. Das ausdrucksstarke Thema der Violinen, die über die Töne des Moll-Dreiklangs fallen, wird durch den charakteristischen synkopischen Rhythmus der Begleitung, die Gegenüberstellung von Forte und Piano und plötzliche Modulationen in Moll-Tonarten verschärft. In einer der Moll-Tonarten erklingt eine für eine klassische Symphonie unerwartete Seitenstimme (das gleichnamige Dur wird vorausgesetzt). Der Nebensatz ist, wie bei Haydn üblich, melodisch nicht eigenständig und wiederholt den Hauptsatz, nur mit einem fallenden Stöhnmotiv der Geigen am Ende. Der kurze Schlussteil, ebenfalls in Moll, mit gewundenen, wie flehentlichen Zügen, verstärkt das klagende Pathos der Exposition, die fast jeder großen Grundlage entbehrt. Andererseits bekräftigt die Ausarbeitung sofort das Dur, und sein zweiter Abschnitt bildet eine helle Episode mit einem neuen Thema - befriedet, galant gerundet. Nach einer Pause wird das Hauptthema mit plötzlicher Wucht proklamiert – die Reprise beginnt. Dynamischer, ohne Wiederholungen, voller aktiver Entwicklung.

Nach einer Generalpause beginnt ein neues Adagio mit Variationen. Das zarte, in Terzen vorgetragene Thema wirkt heiter, aber die Klangfülle verblasst allmählich, ein Gefühl der Beklemmung stellt sich ein. Einer nach dem anderen verstummen die Instrumente, die Musiker löschen, nachdem sie ihren Part beendet haben, die brennenden Kerzen vor ihren Konsolen und gehen. Nach den ersten Variationen verlassen die Blechbläser das Orchester. Der Aufbruch der Streichorchester beginnt mit dem Bass; die Bratsche und zwei Violinen bleiben auf der Bühne, und schließlich beendet das Duett der Violinen mit Dämpfern leise ihre berührenden Passagen.

„Und niemand hat gelacht, weil es überhaupt nicht zum Spaß geschrieben wurde“, wiederholte Schumann fast vierzig Jahre später.

Fazit

Bei solch einem scheinbar zufälligen Anlass geschrieben, lebt die "Farewell"-Symphonie bis heute weiter. Bis jetzt verlassen die Orchesterspieler nacheinander die Bühne, und das Orchester klingt leiser, schwächer: Die einsamen Geigen frieren immer noch auf die gleiche Weise ein.. Es ist ein sehr angenehmes und melodisches Werk geworden

Wir warten auf *Farewell Symphony*.
Letzten Minuten.
Plötzlich erlöschen die Kerzen im Flur
Aus irgendeinem Grund.

Seit zweihundert Jahren ist die Tradition so:
Alle Musiker beginnen zu spielen
Wenn die Kerzen vor ihnen brennen,
Die Arbeit wird ausgeführt.

Zitternd, wie aufgeregt,
Flamme von Kerzen.
Und die Musik ist wunderbar
Endlos.

Nimm so schnell ab, ängstlich
Bögen. Und es ist unmöglich, wegzukommen
Von den Klängen, die deine Seele durchdringen.
Und ich will zuhören, zuhören, zuhören...

Die Melodie hat es eilig (und nicht umsonst)
Sag alles, bis das Feuer ausgeht.
Es klingt, und daran gibt es keinen Zweifel,
Das ist im Einklang mit meinem Herzschlag.

Und dieser musikalische Monolog heißt
Der Schöpfer seiner Abschiedssymphonie.

"Noch frieren die einsamen Geigen"... Josef Haydn. Symphonie Nr. 45 (Abschied)

Der Komponist Joseph Haydn war ein sehr fröhlicher Mensch. Seine Musik war genauso fröhlich und fröhlich.
In fast jeder Symphonie – und er schrieb mehr als hundert – gibt es etwas Unerwartetes, Interessantes, Lustiges.
Entweder wird er in der Symphonie einen tollpatschigen Bären darstellen, dann das Gackern eines Huhns – diese Symphonien heißen dann so: „Bär“, „Huhn“, dann kauft er diverses Kinderspielzeug – Pfeifen, Rasseln, Hörner und bindet sie ein die Partitur seiner "Kinder"-Symphonie. Eine seiner Symphonien heißt "The Hours", die andere - "Surprise", weil dort inmitten langsamer, leiser und ruhiger Musik plötzlich ein sehr lauter Schlag zu hören ist, und dann wieder langsam, als wäre nichts passiert, die Ruhe, auch was einige wichtige Musik.
All diese Erfindungen, all diese "Überraschungen" waren nicht nur dem fröhlichen Wesen des Komponisten zu verdanken. Es gab noch andere, viel wichtigere Gründe. Haydn begann Musik zu schreiben, als Werke in Form einer Symphonie gerade erst zu erscheinen begannen. Deshalb hat dieser wunderbare deutsche Komponist beim Schreiben seiner Musik so viel erfunden - er hat versucht, gesucht, eine neue Art von Musikwerk geschaffen.

Kaum vorstellbar, dass der „Vater der Symphonie“, der „große Haydn“, wie er schon zu Lebzeiten genannt wurde, nur der Hofkapellmeister des österreichisch-ungarischen Fürsten Nicolò Esterhazy war.
Kaum zu glauben, dass der Komponist, den ganz Europa kannte, dessen Konzerte in Paris und London wie ein Feiertag erwartet wurden, immer wieder derselbe Komponist „den Meister“ um Erlaubnis bitten musste, das Esterhazy-Gut zu verlassen, um seine zu arrangieren Konzerte.
Der Prinz liebte Musik, aber nicht genug, um einen so "profitablen" Diener abzulehnen.
Der Vertrag von Kapellmeister Haydn legte seine zahlreichen Aufgaben fest. Haydn leitete die Esterhazy-Hauskapelle – einen Chor, Solisten und ein Orchester. Haydn war verantwortlich für alle Probleme, für alle Streitigkeiten und Abweichungen von den Verhaltensregeln der Diener-Musiker. Als Dirigent war er auch für die Qualität der Musikaufführung verantwortlich. Er musste auf Wunsch des Fürsten keine Musik komponieren, ohne irgendwelche Rechte dazu zu haben eigene Kompositionen- auch sie gehörten dem Fürsten, wie Haydn selbst.
Und er konnte sich nicht einmal nach seinem Wunsch und Geschmack kleiden. Die Form der Kleidung – vom Strumpf bis zur Perücke – wurde vom Fürsten festgelegt.
Haydn lebte 30 Jahre bei Esterhazy und blieb 30 Jahre „Leibeigener“. So nannte er sich, so nannte sich Prinz Nicolò Esterhazy.
Und doch war der Komponist Haydn ein fröhlicher Mann!

Eine seiner Symphonien – „Farewell“ – endet mit einer Musik, die man eher traurig als heiter nennen kann. Aber es ist diese Symphonie, die einem in den Sinn kommt, wenn man über Haydn sprechen möchte – einen fröhlichen und freundlichen Menschen.
Die Musiker von Prinz Esterhazy bekamen lange keinen Urlaub und kein Geld. Ihr „Vater Haydn“ konnte dies mit Bitten und Bitten nicht erreichen. Die Musiker wurden traurig, und dann fingen sie an zu murren. Wie Haydn wusste, wie er mit seinen Musikern auskommen sollte, und dann hörten sie nicht mehr auf ihn - es wurde schwierig zu arbeiten, zu proben. Und der Prinz forderte am bevorstehenden Feiertag die Aufführung einer neuen Symphonie.
Und Haydn schrieb eine neue Symphonie.
Welche Art von Musik das war, wusste der Prinz nicht, und vielleicht interessierte es ihn auch nicht sehr - darin vertraute er seinem Kapellmeister vollkommen. Aber nur die Musiker zeigten plötzlich einen außerordentlichen Probeneifer...
Der Tag des Feiertags ist gekommen. Der Prinz informierte die Gäste vorab über die neue Sinfonie, und nun freuten sie sich auf den Beginn des Konzerts.
Auf den Notenständern wurden Kerzen angezündet, Noten aufgeschlagen, Instrumente präpariert ... Ein dicker, stämmiger „Vater Haydn“ kam heraus in Frackuniform und frisch gepuderter Perücke. Die Symphonie erklang...
Jeder hört gerne Musik - ein Teil, ein anderer ... der dritte ... schließlich der vierte, das Finale. Aber dann stellte sich heraus, dass die neue Symphonie einen weiteren Teil hat - den fünften und außerdem langsam, traurig. Es war gegen die Regeln: Eine Symphonie sollte in vier Sätzen geschrieben werden, und der letzte, der vierte, sollte der lebhafteste, der schnellste sein. Aber die Musik ist schön, das Orchester spielt sehr gut, und die Gäste lehnten sich wieder in ihren Stühlen zurück. Hör mal zu.

Symphonie Nr. 45 (fis-moll), "Abschied"

Der pathetische Charakter des ersten Satzes wird bereits im Hauptteil bestimmt, der ohne langsame Einleitung die Symphonie sogleich eröffnet. Das ausdrucksstarke Thema der Violinen, die über die Töne des Moll-Dreiklangs fallen, wird durch den charakteristischen synkopischen Rhythmus der Begleitung, die Gegenüberstellung von Forte und Piano und plötzliche Modulationen in Moll-Tonarten verschärft. In einer der Moll-Tonarten erklingt eine für eine klassische Symphonie unerwartete Seitenstimme (das gleichnamige Dur wird vorausgesetzt). Der Nebensatz ist, wie bei Haydn üblich, melodisch nicht eigenständig und wiederholt den Hauptsatz, nur mit einem fallenden Stöhnmotiv der Geigen am Ende. Der kurze Schlussteil, ebenfalls in Moll, mit gewundenen, wie flehentlichen Zügen, verstärkt das klagende Pathos der Exposition, die fast jeder großen Grundlage entbehrt. Andererseits bekräftigt die Ausarbeitung sofort das Dur, und sein zweiter Abschnitt bildet eine helle Episode mit einem neuen Thema - befriedet, galant gerundet. Nach einer Pause wird das Hauptthema mit plötzlicher Wucht proklamiert – die Reprise beginnt. Dynamischer, ohne Wiederholungen, voller aktiver Entwicklung.

Der zweite Teil – Adagio – ist leicht und heiter, raffiniert und galant. Es klingt überwiegend wie ein Streichquartett (der Part der Kontrabässe ist nicht hervorgehoben), außerdem sind die Geigen gedämpft, die Dynamik im Pianissimo. Die Sonatenform wird mit ähnlichen Themen verwendet, mit einer Durchführung, die nur von Streichern ausgeführt wird, und einer komprimierten Reprise, in der der Hauptteil mit dem "goldenen Zug" der Hörner verziert ist.

Der dritte Satz, das Menuett, erinnert an einen Dorftanz mit ständigem Nebeneinander von Piano- (nur Violinen) und Forte- (gesamtes Orchester) Effekten, mit einem klar definierten Thema und einer Fülle von Wiederholungen. Das Trio beginnt mit dem „goldenen Zug“ der Hörner, und am Ende tritt eine unerwartete Verdunkelung ein – das Dur weicht dem Moll und nimmt die Stimmung des Finales vorweg. Die Rückkehr des ersten Abschnitts lässt Sie diesen flüchtigen Schatten vergessen.

„Und niemand hat gelacht, weil es überhaupt nicht zum Spaß geschrieben wurde“, wiederholte Schumann fast vierzig Jahre später.

Die Musik ist traurig und scheint ein wenig zu meckern. Plötzlich ... Was ist das? Der Prinz runzelt wütend die Stirn. Einer der Hornisten spielte einige Takte seiner Rolle; Klappte die Noten zu, faltete dann sorgfältig sein Instrument zusammen, löschte die Kerze auf dem Notenpult ... und ging!
Haydn merkt das nicht, dirigiert weiter.
Wunderbare Musik strömt, eine Flöte setzt ein. Der Flötist spielte ebenso wie der Hornist seinen Part, schloss die Noten, löschte die Kerze und ging ebenfalls.
Und die Musik geht weiter. Niemand im Orchester achtet darauf, dass der zweite Hornist, gefolgt vom Oboisten, ruhig und ohne Eile die Bühne verlässt.
Einer nach dem anderen erlöschen die Kerzen auf den Notenständern, die Musiker gehen einer nach dem anderen weg... Was ist mit Haydn? Hört er nicht? Sieht er nicht? Haydn zu sehen ist allerdings ziemlich schwierig, da der Dirigent zu der fraglichen Zeit mit dem Rücken zum Orchester dem Publikum zugewandt saß. Nun, er hörte es natürlich perfekt.
Jetzt ist es fast komplett dunkel auf der Bühne – nur noch zwei Geiger sind übrig geblieben. Zwei kleine Kerzen beleuchten ihre ernst gebeugten Gesichter.
Was für ein erstaunlicher „musikalischer Schlag“ Haydn sich ausgedacht hat! Natürlich war es ein Protest, aber so witzig und elegant, dass der Prinz wahrscheinlich vergaß, sich zu empören. Und Haydn hat gewonnen.

Bei solch einem scheinbar zufälligen Anlass geschrieben, lebt die "Farewell"-Symphonie bis heute weiter. Bis jetzt verlassen die Orchesterspieler einer nach dem anderen die Bühne, und das Orchester klingt leiser, schwächer: Die einsamen Geigen frieren immer noch ...