Mariannes Launen zu lesen. Das Stück „Laune der Marianne

Es gibt keinen kleinen Unterschied zwischen meiner ehrwürdigen Familie und einem Bund Spargel...

Alfred de Musset, „Die Launen der Marianne“

Die jüngere Generation der Familie, die mit fünfundvierzig Jahren zwanzig Jahre alt war, war ein ziemlich malerischer und weltoffener Verwandter. Der Geist der Franklin Street gehörte der fernen Vergangenheit an, und nach Marguerites Tod war es sogar schwer zu verstehen, wie diese furchtlose Frau es schaffte, ihre kleine Welt so viele Jahre lang gegen die Winde und Kräfte der Außenwelt zu verteidigen.

Im Poiraton-Zweig hinterließ ein Pflanzer aus Abidjan, der bei einem Schiffbruch ums Leben kam, völlig unverpaarte Söhne. Der Älteste, Charlot, dessen Haut in schönstem Ruß glänzte, aber hässlich bis zur Unmöglichkeit war, erbte die Aktivität seines Vaters: den gleichen Geist der Neugier, den gleichen Durst nach Leben, neuen Entdeckungen und die gleiche Neigung, weitreichend zu sein Pläne. Charlot war seiner Mutter und dem Land, in dem er geboren wurde, zutiefst ergeben und bereitete sich mit Begeisterung darauf vor, ein zertifizierter Agronom zu werden. Sein jüngerer Bruder, viel hellhäutiger und viel anmutiger, liebte Lieder, Tänze, lange Nachmittagsschläfchen und führte ein faules, fröhliches Leben, ohne Sorgen, ohne Neugierde, glücklich, diesen schönen harmonischen Körper geerbt zu haben, ganz zu seiner Befriedigung .

Charlot kam nach Paris, um sein Studium fortzusetzen. Seine Poitevin-Großmutter sah nicht ohne Rührung diesen aus Afrika eingetroffenen Enkel, dessen unvorstellbares Erscheinen sie nicht vorhersehen konnte, wie ein Teufel und doch der Sohn ihres Sohnes, vom Meer fortgetragen. Charlot hatte eine tiefe, tiefe Stimme, er sprach das "r" nicht aus. Aber tausend Zeilen in ihm spürten nicht nur eine Erinnerung, nicht nur den Einfluss seines Vaters – seine lebendige Gegenwart. Die alte Dame hatte Tränen in den Augen. Sehr bald bemerkte sie nicht einmal mehr, dass Charlot schwarze Haut hatte. Sie lachten beide über dasselbe: sie - aus Gewohnheit bedeckte ihren Mund mit ihrer Handfläche, er - rollte, warf den Kopf zurück, funkelte mit weißen Zähnen und rosa Zahnfleisch, unkontrolliert. Und doch war es dasselbe Lachen.

Am Ende Schuljahr Charlot verabschiedete sich liebevoll, aber entschieden von seiner Großmutter: Die Plantage seines Vaters brauchte ihn dringend. Die alte Madame Poiraton wurde irgendwie seltsam und still. Einsamkeit war ihr zu viel. Eine Zeit lang schien es ihr, als würde sie verfolgt, von unsichtbaren Feinden belagert. Sie lebte mehrere Monate, verbarrikadiert, starb dann, ohne einen Arzt hinzuzuziehen.

Der Sohn eines ungarischen Juden glänzte seinerseits. Seine Mutter brachte ihn dazu, seinen Namen zu ändern – denn wer konnte all diese Konsonantenblöcke auf einmal aussprechen? Der Vater ist vor langer Zeit verschwunden. Eine Familienlegende, die miteinander geflüstert wurde, besagt, dass ein nostalgischer Ungarn im verschneiten Winter schwerkrank nach Mitteleuropa reiste. Auf der Flucht vor der Verfolgung einer liebenden Frau, wie man sagt, fuhr er die Pferde, lieh sich von jemandem einen Schlitten und verbrachte Nächte im Stroh auf verlassenen Farmen in der Wildnis. Eine schreckliche und wunderbare Geschichte - es bleibt ungewiss, ob auch nur ein Körnchen Wahrheit darin steckt.

Wie dem auch sei, nachdem er den Mädchennamen seiner Mutter erhalten hatte – einen dieser superfranzösischen Namen, die Labish so sehr liebte – dachte der ungarische Sohn, dass der Fleck der Exotik vollständig von ihm abgewaschen war. Der begabte, fleißige, sachkundige, zähe junge Mann war wie geschaffen für eine glänzende medizinische Karriere und dachte bereits daran, eine seiner hübschen Klassenkameradinnen zu heiraten – so voller Gesundheit, dass sie mit ihrem gebräunten Gesicht immer so aussah, als wäre sie gerade aus den Ferien zurückgekehrt . Das Mädchen blieb der Werbung eines Freundes nicht gleichgültig. Der Tag kam, an dem sie davon sprach, ihn ihrem Vater vorstellen zu wollen. Für einen Rückzug war es zu spät, und der Student nahm all seinen Mut zusammen, um den unvermeidlichen Schritt zu tun.

Das Treffen hat ihn fassungslos gemacht. Tatsächlich stellte sich heraus, dass der Vater des dunkelhäutigen Mädchens ein notorischer Afrikaner war. Der junge Mann verbarg seine Überraschung. Er stand über Vorurteilen. Im Geiste schalt er sich für die kaum wahrnehmbare seelische Verlegenheit, die er empfand, als er seinen zukünftigen Schwiegervater sah. Er zeigte sich als wahrhaft aufrichtiger Mensch. Leider war er selbst nicht frei von vorgefassten Meinungen und konnte unnötigem Geschwätz nicht widerstehen: „Na, junger Mann! er weinte. - Wie ich sehe, haben Sie, wie meine Tochter, Mut gezeigt und sich nicht gescheut, dieses Feld zu wählen, auf dem alle möglichen Mischlinge und Juden arbeiten, nachdem Sie die besten Plätze erobert haben. Ich hoffe, Sie schaffen es, diesen Nachwuchs zu besiegen und ihm nicht nachzugeben! .. “- und weiter in die gleiche Richtung. Es war zu viel. Der Sohn des Ungarn wich zurück und beschloss in seinem Herzen, dass er nicht in eine Familie eintreten würde, die eine solche Intoleranz an den Tag legte. Und hat sich ziemlich schnell verabschiedet. Ein junges Mädchen, dünn genug, fühlte, dass er mit etwas unzufrieden war, und ging, um sich von dem zu verabschieden, der beinahe ihr Verlobter geworden wäre. „Ach“, sagte sie weinend, „mit meinem Vater ist es immer so: Du bist schon der vierte, den er wagt.“ Nach diesen Worten beschleunigte der Student nur noch seine Schritte.

Er heiratete ein Jahr später. Durch eine seltsame Laune des Schicksals verliebte er sich in eine Engländerin, blond und rosa, die kein Wort Französisch konnte. Er hatte das Vergnügen, sie zu unterrichten. Ihren Kindern wird eine große sprachliche Begabung nachgesagt.

Wer hätte ahnen können, dass die Familie so in alle Himmelsrichtungen verstreut sein würde? Und dass sich dieser Stamm, eingezwängt in seinen provinziellen Mikrokosmos, mit einer solchen Hemmungslosigkeit und einem so klaren Geschmack für das Andere und Unähnliche über die ganze Welt ausbreiten wird?

Das Gefühl der Fremdheit, Fremdheit, das die naive Germaine ergriff, als sie zum ersten Mal die Schwelle des Hauses in der Franklin Street betrat und die ganze Familie aufwühlte, war jedoch nur ein schüchterner Vorbote für alles, was dann geschah. Mir schwirrt der Kopf, es lohnt sich, sich eine Fortsetzung vorzustellen.

Was würde Margarete davon halten? Die eine, Tochter eines Arztes, Ehefrau eines Arztes, Mutter einer großen Familie, lehnt alles ab, um sich mit weit über dreißig Jahren der Truppe der antillanischen Tänzer anzuschließen. Die andere gibt den Griechisch- und Lateinunterricht auf, um sich leidenschaftlich der Kunst des Marionettentheaters zu widmen und Avantgarde-Aufführungen in Pariser Kabaretts zu zeigen.

Bei Charlottes Beerdigung wurde versucht, alle Familienmitglieder zu versammeln, die gefunden werden konnten. Der Versuch ist, um die Wahrheit zu sagen, ziemlich schleppend, da die Organisation der Trauerfeier niemandem eigens anvertraut wurde. Daher fehlten bei diesem Treffen einige wichtige Mosaiksteine. Die Anwesenden bildeten eine bunt gemischte Gesellschaft, in der Erinnerungen an Charlotte schweiften. Aber verschiedene Generationen hatten völlig unvereinbare Vorstellungen von ihr: ein junges Mädchen, eine eingefleischte alte Jungfer, eine ältere Dame – jede Generation begrub ihre Charlotte.

Ein riesiger Friedhof in der Nähe von Paris sah aus wie eine Fabrik der Toten. Am Eingang überreichten sie einen Plan, auf dem ein Tintenkreuz den Bestattungsort markierte. Ohne diesen Plan konnte das Grab nicht gefunden werden. Am aufrichtigsten erregt, viel stärker als alle anderen, war der Pfarrer; schließlich war er derjenige, der sie am besten kannte. Verwandte senkten die Nase und lauschten seiner Rede. Gedemütigt, geopfert, ein Verlierer in der Liebe, die elende Charlotte war überhaupt nicht das, was ihre Brüder, Neffen und Nichten von ihr hielten. Jeder machte sich Vorwürfe, sie vernachlässigt, nicht richtig gekannt und mehr als einmal laut über ihre unverbesserliche Naivität gelacht zu haben.

Am Rand des Grabes verspürten alle eine gewisse Unbeholfenheit. Ein leichter, gnädiger Schneeball wirbelte über die öde Ebene und puderte die Elend dieses Ortes mit einiger Anmut. Niemand dachte daran, Charlotte eine einzige Blume mitzubringen.

Die Familie landete in Port d'Italia. In Wintermäntel gehüllt, stampfte die Gruppe herum und trat wie ein Schwarm Pinguine von einem Fuß auf den anderen.

Wer entscheidet, was als nächstes zu tun ist? Und hier weggehen, mitten auf der Straße? Wir gingen ins nächste Café, um darüber zu diskutieren. Alle sahen sich neugierig an. Die alten Leute waren überrascht - wie ihre Altersgenossen gealtert sind. Die Jungen verloren sich in Namen und Familienlegenden, verwechselten Onkel untereinander, die ganz anders aussahen, als sie sich vorstellten.

All dies erinnerte sehr an die alte Familiendebatte in Poitiers, als sie sich nicht entscheiden konnten, wohin sie ihre Füße richten sollten – in den Blossac-Park oder in die Stadt. Sie stimmten trotzdem für ein gemeinsames Abendessen. Die geschäftstüchtigsten rannten los, um am Telefon anzurufen, dass sie Verspätung hatten. Die Familie wärmte sich auf. Hier, in der Wärme, wurden rote Nasen blass und Augen funkelten bei einem Glas Aperitif.

Auf der Suche nach einem geeigneten Restaurant setzte sich der schwere Koloss in Bewegung. „Wir“, sagte jemand, „sind unentschlossen, wie ein Reiher aus einer Fabel.“ Die Ältesten dachten an Marguerite. Endlich ließ sich die Menge in einer Taverne nieder.

Im Hinterzimmer brummte ein uralter Ofen. Sie zogen sich aus und ließen ihre Mäntel auf einen lahmen Kleiderbügel fallen. Die Familie verlor plötzlich an Gewicht, verjüngte sich. Sie setzten sich hin und zeigten einander höflich Aufmerksamkeit. Niemand war bereit, das Risiko einzugehen, eine Position einzunehmen, die einem anderen gefallen hätte. Sie boten an, sich umzuziehen: „Möchtest du dich näher an den Herd setzen?“ "Möchtest du dich neben deinen Cousin setzen?" Endlich saßen alle. Und sie fühlten sich müde.

Der Kellner, nicht sehr gut ausgebildet, beschleunigte das Treffen grob. Noch hat niemand etwas gewählt. Die Jugendlichen waren empört. Die Ältesten entschuldigten sich. Alle konzentrierten sich darauf, die Speisekarte zu studieren. Und alle dachten an Charlotte, die alleine im Boden lag, die wahrscheinlich sagen würde: „Ich esse generell sehr wenig“ und sich mit etwas Salat begnügen würde.

Alle Räuchergeschirre verströmten einen Geruch – den ätzenden Geruch von abgestandenem Eintopf, der fest und aufdringlich über dem Tisch herrschte. Wir achteten auf einen Stuhl zwischen den Brüdern des Verstorbenen, der unbesetzt blieb. Ein klarer Platz für Charlotte, die einem solchen Treffen gerne beiwohnen würde. Aber wie soll man so viele Menschen versammeln, wenn nicht anlässlich eines Todesfalls?

Charlotte, die es gewohnt war, allein zu leben, wenn sie zwei Gäste empfangen musste, schwenkte weit, sogar zu weit. In letzter Minute vor dem geplanten Abendessen eilte sie noch einmal von Angst ergriffen nach unten, um noch etwas zu kaufen. Und um nichts von dem Gespräch zu verpassen, stellte sie alles auf einmal auf den Tisch, um die Gäste nicht für eine Minute zu verlassen. Es gab Pastete, Wurst, Sardinen, Butter, Makrele mit Weißwein, vier oder fünf verschiedene Salate, Hühnchen, drei oder vier Gemüsegerichte, eine große Käseauswahl, allerlei Cremes, Kuchen, Kekse, Süßigkeiten und viel Obst. Dann wurde sie furchtbar traurig und aufgebracht, weil fast alles ungefressen blieb. Sie befürchtete, dass das angebotene Abendessen nicht gut genug sei. Sie bat die Gäste, bei der Abreise das mitzunehmen, was sie nicht gegessen hatten. Im Moment des Abschieds, mit Tränen in den Augen, hetzte sie herum und hob Tüten und Gläser auf. Es kam oft vor, dass sie, um ihr zu gefallen, mit vollen Händen gingen.

Das dachte sich die Familie, die ohne sie an dem ihr gewidmeten Tisch saß.

Die Kälte draußen war schnell vergessen. Sowie über den stinkenden Geruch von Eintopf, weil jeder, nachdem er hineingestürzt war, davon gesättigt war. Alle hatten Durst. Wein, nicht dünn, aber stark, belebt. Es gab vernichtende Bemerkungen. Sie lachten über den Onkel, der zum Katholizismus konvertierte und für seine verspätete Heuchelei, Wallfahrten und Teilnahme an religiösen Prozessionen berühmt wurde. Eine Antillen-Tanzspezialistin wirft feurige Blicke auf ihre verhasste Schwiegermutter. Aber alles ziemlich harmlos. In dieser von einem Faden gehaltenen Versammlung war niemand zu wild. Bei den Jüngsten erwachten gegenseitige Sympathien, eigene Gespräche begannen. Adressbücher und Selbstauskünfte wurden herausgenommen. Wir haben Telefone ausgetauscht. Termine wurden gemacht. Kurz gesagt, sie vergaben einander die Blutsverwandtschaft. Weder Charlotte noch Marguerite hätten diese Treffen und diese Pläne missbilligt.

Beim Verlassen war die Familie fast überrascht, dass sie sich in dieser für alle ungewöhnlichen Randlage wiederfand. Der Himmel schwoll noch immer mit Schnee an, die erste Nacht der begrabenen Charlotte brach herein.

Nach der Hitze und dem Summen dieses langen Abendessens fühlten sich die Ältesten plötzlich sehr müde und die Jüngsten, dass ihre Geduld erschöpft war. Sie trennten sich ohne großes Zögern.

Einigen kam der Gedanke, dass die nächste gemeinsame Mahlzeit von Marguerites Kindern wahrscheinlich anlässlich der nächsten Beerdigung stattfinden würde. Sie grübelten – wirkungslos und flüchtig – darüber nach, wer von ihnen dabei fehlen würde.

In der Nähe der psychologischen Studie eines neuen Persönlichkeitstyps, der von der postrevolutionären Realität hervorgebracht wurde, dreht Musset die Stücke "Laune von Marianne", "Fantasie", "Liebe macht keine Witze". In all diesen Stücken, bizarr in Handlung und Setting, ist nur das Porträt des Helden wirklich modern – untätig, zerfressen von Reflexion, Zweifel, Ironie, Egoismus. Musset variiert dieses Bild endlos, taucht in die Tiefen seines Seelenlebens ein, allzu kompliziert, ohne Integrität, rastlos und unsicher. Alle seine Charaktere sind ängstlich, ironisch und den Launen ihrer skurrilen Vorstellungskraft unterworfen. Nachdem sie alle Illusionen abgelegt haben, glauben diese jungen Männer nicht mehr an hohe menschliche Gefühle. Skeptischer Unglaube führt sie oft zu Ausschweifungen. Der Held von Mariannas Launen (1833), der Spieler und Trinker Ottavio, hat viele positive Eigenschaften. Er ist der Freundschaft heilig treu, desinteressiert, verachtet Krämer.

Er ist witzig, eloquent, fühlt Schönheit, greift nach Freude. Aber er verbirgt unter der Maske eines sorglosen Nachtschwärmers auch eine schwere Sehnsucht, die aus Mangel an Ziel, Glauben und Idealen geboren wird. Musset stürzt die Liebe erneut von dem Sockel, auf den die Romantiker sie erhoben haben. Er beweist, dass Liebe frei von schöpferischer Kraft ist. Ihre Macken sind für Menschen destruktiv. Ein Freund von Ottavio Celio verliebte sich tief und leidenschaftlich in Marianna. Nichts auf der Welt existiert für ihn außer seiner Liebe. „Die Realität ist nur ein Gespenst“, sagt er; es ist nur von den Fantasien und dem Wahnsinn des Menschen inspiriert. Ein solches Gefühl, das die Menschenseele ganz in Anspruch nahm, war auch ein Produkt der Zeit, deren Söhne allen öffentlichen Angelegenheiten und Pflichten entrissen wurden. Diese jungen Männer, die von Liebe oder Ausschweifung besessen sind, sind mit nichts beschäftigt, sie tragen keine Verantwortung. Das Bewusstsein, das nur an die Betrachtung der eigenen Erfahrungen gefesselt ist, kommt unweigerlich zu einer schmerzhaften Übertreibung der kleinsten Emotionen, Stimmungen und Gedanken. Für einen solchen Menschen ist ein tolles Gefühl fatal.

Selbst geteilte Liebe kann einem instabilen Subjekt, das den Glauben an sich selbst und an die Menschen verloren hat, kein Glück bringen. Musset zeigte dies in Confessions of a Son of the Age. Unerwiderte Liebe tötet die Helden von Musset. Celio liegt im Sterben. Seine große Liebe war machtlos, eine Reaktion in Mariannes Seele hervorzurufen. Aber Marianna verliebte sich in Ottavio, der ihr gleichgültig war. Auch ihre Liebe ist hoffnungslos – Ottavio weiß nicht, wie man liebt. Seit seiner Jugend von Shakespeare fasziniert, lernt Musset von ihm vor allem die Fähigkeit zu enthüllen Innere Helden. Shakespeare wurde von den Dialogen von Ottavio und Marianne inspiriert, die in ihrer akuten Spannung, ihrem originellen Humor und ihrer bewussten Komplexität der Wendungen den verbalen Kämpfen von Biron und Rosalind ("Love's Labour's Lost"), Benedict und Beatrice ("Much Ado About Nothing"), Olivia und Viola ("Twelfth Night"). Aber die Helden von Musset werden der Integrität und spirituellen Stärke der Helden von Shakespeares Komödien beraubt. Aus einem lustigen Gedankenspiel wird für sie fast immer eine Tragödie. Kein Triumph, sondern der Zusammenbruch humanistischer Ideen, sagt Musset. Musset brachte viel Erfahrung in französischer Dramaturgie mit. Nach Mérimée brachte er eine hohe Beherrschung der Individualisierung und Individualisierung in die französische Dramaturgie Spracheigenschaften. Wenn Musset lebensecht reale Phänomene nachbildet, erreicht er ein realistisches Relief des Bildes. Dies wird besonders deutlich, wenn Musset die hässliche Seite der modernen Realität enthüllt. In "Marianne's Whims" erscheint das satirische Bild eines Händlers, eines bösen Besitzers, der bereit ist zu töten, um seine Rechte zu schützen.

Die satirischen Töne werden in der Komödie Fantasio (1834) in zwei Akten intensiviert, einem der bizarrsten, handlungsintensivsten Stücke Mussets. Die ganze Geschichte, wie der Bürger Fantasio in Kostüm und Maske eines gerade verstorbenen Hofnarren eine junge bayerische Prinzessin vor der Ehe mit einem absurden Narren – dem Prinzen von Mantua – rettet, ist eine geradezu demonstrative Herausforderung an die Glaubwürdigkeit des Lebens. Das bedingte München eines unbekannten Zeitalters ist ein perfekt geeigneter Rahmen für die fantastischen Ereignisse dieses Stücks, in dem drei Charaktere verkleidet agieren und Dinge tun, die der Logik und dem gesunden Menschenverstand zuwiderlaufen, und die Probleme von Krieg und Frieden mit dem gelöst werden Hilfe einer Perücke, die mit einer Angelrute vom Kopf eines unglücklichen Bräutigams abgerissen wird.

(1 Stimmen, Durchschnitt: 5,00 von 5)

ALFRED DE MUSSET

THEATER

Das Schicksal des Theaters Alfred de Musset war ungewöhnlich. Einige seiner Stücke gelten heute als Meisterwerke des französischen Theaters. Moderne Regisseure nehmen ihre Produktion gerne wieder auf. Schauspieler und Schauspielerinnen fordern sich gegenseitig um Rollen in diesen Stücken heraus. Kritiker vergleichen Mussets Komödien mit den Komödien von Marivaux, Aristophanes und Shakespeare. Und wir glauben, dass sie Recht haben.

Über den Autor wurden von seinen Zeitgenossen durchaus unterschiedliche Meinungen geäußert. Sogar Sainte-Beuve, ein Mann von ziemlich feinem Geschmack, vor allem wenn er nicht von Leidenschaft geblendet war, schrieb über das Stück „Wette nicht“ in diesen Worten: „Es gibt einige schöne Teile darin, aber ich war beeindruckt durch die Zufälligkeit des Spiels und den Mangel an gesundem Menschenverstand. Ihre Bilder sind wirklich einer sehr fremden Welt entlehnt; was nützt ein Onkel, der ständig Predigten liest, ein Nörgler, der am Ende betrunken ist; oder ein junger Mann, eher dick und grob als ein liebenswürdiger und witziger Jüngling; oder ein sehr promiskuitives Mädchen, eine echte Hutmacherin aus der Rue Vivien, die uns als Clarissa gegeben wird ... Und das alles extrem oberflächlich, leicht, inkonsequent. Sie alle sind einer fiktiven Welt entnommen oder vom Autor erdacht, als er während eines lustigen Festes beschwipst war ... Alfred de Musset ist eine Laune einer abgestumpften und frei denkenden Ära.

Überraschend unfaire Strenge, jedoch durchaus erklärbar durch Motive, die nichts mit Literatur zu tun haben. Musset war zunächst fasziniert, fing dann aber an, Sainte-Beuve und seine Freunde zu ärgern. Sowohl Proust als auch Alfred de Musset wurden später auch von ihm einen Bärendienst erwiesen glückliche Kindheit und Jugend. Er stammte aus einer völlig wohlhabenden und aufgeklärten Familie, war gutaussehend, zeichnete sich durch feine Manieren aus, war ein enger Freund des Herzogs von Orleans, besaß eine so poetische Begabung, dass er ein so schönes Gedicht wie „Mardosh“ oder „Namuna“ schreiben konnte ein paar Tage. Wie konnten seine galligen Brüder einen solchen Diener des Schicksals ruhig behandeln? Wenn der erste Schüler der Klasse auch noch ein guter Cherub ist, darf man sich nicht wundern, dass er schwarzen Neid erregt. Alfred de Musset könnte vielleicht erreichen, dass ihm sein Talent und sein Charme verziehen würden, wenn er die damals modischen Götter verehrte. Wäre er einer Literaturschule beigetreten, wäre ihm die Unterstützung einer bestimmten Gruppe von Schriftstellern sicher gewesen. Das war die Zeit, in der sich Klassiker und Romantiker gegenseitig herausforderten, als Victor Hugo die Rebellen anführte, aber den Mächtigen sehr nahe stand; das war die Zeit, in der Sainte-Beuve die Zeitschriftenkritik überragte. Musset, der sein Debüt gab romantische Arbeit"Spanish and Italian Tales" könnte durchaus ein Fahnenträger in dieser illustren Armee werden. Aber hier ist das Pech: Er fühlte sich gleichzeitig als Klassiker und Romantiker. Wie alle jungen Schriftsteller dieser Zeit las er mit Freude Shakespeare und Byron, bewunderte aber auch La Fontaine, Molière und Voltaire:

Ja, ich habe in zwei feindlichen Lagern gekämpft, Schläge geschlagen und bin der Welt bekannt geworden. Meine Trommel ist kaputt – ich sitze kraftlos darauf, Und auf meinem Tisch Racine, sich an Shakespeare lehnend, Schläft neben Boileau, der ihnen vergeben hat *.

Musset litt nach eigenem Bekunden an der Jahrhundertkrankheit, konnte aber selbst darüber lachen. In seinem dramatischen Gedicht „The Mouth and the Cup“ imitierte er Byron, den Schöpfer von „Childe Harold“ oder „Manfred“, und seine Gedichte „Mardosh“ und „Namuna“ erinnern eher an Byron, den Schöpfer von „Don Juan“. Es kann keinen Zweifel geben, dass Byron selbst diese Haltung gegenüber der Welt, die als "Byronismus" bezeichnet wird, gnadenlos verurteilen und grausam verspotten würde. Als Anhänger Byrons byronisierte Musset, indem er das Gedicht „Rolla“ schuf, und Shakespeareisierte, indem er das Stück „Lorenzaccio“ schuf, aber er wagte es auch, „Briefe von Dupuis und Cotone“ zu schreiben, die man „Briefe an den Provinzial“ nennen könnte] der Romantik. Mit einem Wort, Musset war ein Partisan, und die Partisanen waren immer in größerer Gefahr als die Soldaten der regulären Armee. Mussets Epoche, eine pompöse und pompöse Epoche, warf dem Schriftsteller seine Ironie vor. „Ein wunderbares Talent, aber nur für Parodien“, sprach ein Kritiker aus dem romantischen Lager von Sainte-Beuve mit verächtlicher Arroganz über ihn; und Anselo, ein Akademiker und Altphilologe, bemerkte: "Der arme Alfred ist ein charmanter junger Mann und ein charmanter Mann von Welt, aber unter uns gesagt, er wusste nie, wie und wird es nie lernen, wertvolle Gedichte zu verfassen."

Das Lustige an dieser Geschichte ist, dass heutzutage nur noch wenige Menschen die Gedichte von Sainte-Beuve lesen und die Gedichte von Anselo völlig vergessen sind, während wir und unsere Kinder Mussets ganze Gedichte auswendig kennen. Die Zeit ist der ehrlichste Kritiker.

Bevor wir zu Mussets Komödien übergehen, seien wir ehrlich: Er hatte ein viel tieferes Talent, als zu seiner Zeit allgemein angenommen wurde und als heute angenommen wird. Er war vielleicht der intellektuellste unter den Dichtern der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Natürlich waren auch Victor Hugo und Alfred de Vigny sehr gebildete Menschen mit einem erstaunlich kreativen Geist. Aber weder der eine noch der andere zeichnet sich durch die geistige Klarheit aus, mit der Musset ausgestattet ist. Beide waren oft von ihrer eigenen Virtuosität gefangen. Musset hielt seine Virtuosität im Zaum. Er war einsichtiger als Victor Hugo. Aus bereits erwähnten Gründen schien er jedoch nicht die Größe von Hugo zu haben. Sein ganzes Leben lang spielte er die Rolle eines verwöhnten Kindes, das von allen um ihn herum bemitleidet werden möchte, insbesondere von Frauen. So bekommt man keinen Respekt. Er galt als eitel, bis zu einem gewissen Grad war er es auch. Aber Eitelkeit verbirgt oft eine feurige Veranlagung; für Musset diente Eitelkeit als Maske für feurige und aufrichtige Leidenschaften. Er drückte diese Leidenschaften in Poesie aus, die jedoch nie in Mode kam, denn Mode hat keineswegs immer Recht. Doch selbst diejenigen, die Mussets Poesie heute wegen der Sorglosigkeit der Form verurteilen, erkennen die vollendete Schönheit seiner Komödien.

MUSSE DIE DRAMEWORLD

Man kann Romanautor oder Historiker werden, aber ein Dramatiker wird geboren. Es liegt etwas von der Meisterschaft eines Schauspielers darin, die Gesetze der Bühne zu verstehen, im Rhythmusgefühl, in der Fähigkeit, eine spektakuläre Linie zu komponieren – in all jenen Eigenschaften, die ein Theaterschreiber besitzen sollte. Die größten Dramatiker – Molière, Shakespeare – waren selbst Schauspieler. Alfred de Musset nahm in seiner Jugend oft an Hausaufführungen teil. Sein Vater liebte fröhliche Gesellschaft, und das Wohnzimmer ihres Hauses war immer voller junger Frauen und Dichter. Hier wurden Scharaden gespielt. Damals waren „dramatische Sprichwörter“ en vogue – die Theaterstücke von Carmontel, Colet, Leclerc waren mir noch frisch in Erinnerung. Sensibel und frivol, wie ein Page, kannte er von früher Jugend an das Spiel von Liebe und Zufall. Das Leben erschien vor ihm in Gestalt einer Komödie voller Wollust und Melancholie.

Wenn Mussets erste Experimente im Theater erfolgreich gewesen wären, wäre er vielleicht in ein paar Jahren ein kluger Dramatiker geworden, ein Mann, der die Geheimnisse des Handwerks kennt, der leicht in der Lage ist, ein gut gemachtes Stück zu komponieren, und mehr Interesse daran hat die Technik des Dramas als seine Poesie. Doch der junge Autor hatte Glück: Er wurde ausgebuht. Sein erstes Stück „Venezianische Nacht“ wurde am 1. Dezember 1830 aufgeführt (als der Schriftsteller zwanzig Jahre alt war), und das Publikum des Odeon-Theaters nahm es sehr schlecht auf. Die Schauspielerin, die Loretta spielte, trug ein weißes Kleid, sie lehnte an einem frisch gestrichenen Gitter, und ihr Rock war mit grünen Streifen bedeckt. Dies löste im Saal Gelächter aus. Das Theaterstück ist gescheitert. Der verwundete Autor schwor, sich nie wieder mit dieser „grausamen Menagerie“ auseinanderzusetzen.

Musset jedoch liebte das Theater leidenschaftlich und schrieb deshalb weiterhin Theaterstücke, aber als er sie schuf, kümmerte er sich überhaupt nicht um die Inszenierung auf der Bühne, passte sich nicht dem Geschmack der Kritiker, den Anforderungen eines launischen Publikums an, und tat es an die finanziellen Schwierigkeiten von Theaterregisseuren wollen sie gar nicht denken. Und das Ergebnis war nicht zu übersehen: Die Fantasie des Autors blieb völlig frei. Das Theater war damals schon ein ganz anderes als zu Shakespeares Zeiten, als die dramatische Kunst erst ihre ersten Schritte machte und sich Gesetze schuf. In Frankreich unterdrückte die klassische Tradition jede Unabhängigkeit; diese Tradition konnte nur durch romantische Rebellion gerettet werden, aber die Romantik arbeitete ihre eigenen Muster aus. Musset, der sein eigenes Theater schuf, aber nicht für das Theater, blieb am Rande. Die ersten dramatischen Werke – „Mund und Kelch“ und „Wovon Mädchen träumen“ – veröffentlicht er in der Sammlung „Performance in an Armchair“; seine nächsten Stücke wurden in der Zeitschrift Revue de de Monde veröffentlicht, die Buloz kurz zuvor gegründet hatte, und dann in zwei Bände von Komödien und Sprichwörter aufgenommen.

Ab 1847 begannen Mussets Stücke, die nach Meinung von Theaterbeteiligten nicht aufgeführt waren, wie sie den Autor selbst überzeugen konnten, ihren Weg auf die Bühne zu finden. Allmählich traten sie alle in das Repertoire ein und verließen es nie wieder. Die erste wurde im Theater "Comedy Francaise" "Caprice" aufgeführt. Es wurde oft erzählt, wie Mrs. Allan, eine damals berühmte Schauspielerin, während ihrer Tournee in St. Petersburg eine charmante Komödie mit drei Charakteren sah, um eine französische Übersetzung bat und überrascht war, zu erfahren, dass der Originaltext der Komödie war Mussets. Diese Anekdote scheint unwahrscheinlich. Mrs. Allan kannte Musset und las natürlich seine Caprice. Aber eines ist wahr: Sie hat dieses Meisterwerk wirklich aus Russland mitgebracht, das auf den Seiten einer Sammlung verloren gegangen ist. Der Erfolg des Stücks übertraf alle ihre Erwartungen.

„Dieses kleine Theaterstück“, schrieb Théophile Gauthier, „ist tatsächlich ein großes literarisches Ereignis. Viele sehr lange Stücke, die ein halbes Jahr im Voraus ausposaunt werden, sind die Zeile dieser Komödie nicht wert ... Seit der Zeit von Marivaux, dessen Talent auf sprühendem Witz beruht, nichts so Subtiles, so Elegantes und so Fröhliches. Dass Alfred de Musset eine Komödie voller Witz, Humor und Poesie geschrieben hat, ist nicht verwunderlich; etwas ganz anderes kann als unerwartet bezeichnet werden (zumal es sich um ein dramatisches Sprichwort handelt, das nicht einmal für das Theater bestimmt war) - außergewöhnliche Fähigkeiten, geschickte Intrigen, hervorragende Kenntnisse der Bühnengesetze; Es sind diese Tugenden, die in der Komödie "Caprice" erraten werden. Alles darin ist so gekonnt vorbereitet, aufeinander abgestimmt, gewebt, und alles wird buchstäblich auf der Nadelspitze im Gleichgewicht gehalten.

Gauthier stellt fest, dass nicht nur die intellektuelle Elite, sondern auch das breite Publikum diese Komödie mit Freude begrüßen wird und dass es ausreicht, Plakate in der ganzen Stadt anzubringen, um eine vollständige Sammlung zu gewährleisten, und spricht mit Empörung über den Wahn französischer Theaterfiguren Sie leben schon so lange: „Aufführung Die Komödie „Caprice“, die zwischen Teetisch und Pianoforte und einer Dekoration gespielt wird, für die eine gewöhnliche Leinwand durchaus dienen könnte, bestätigte uns, was wir bereits wussten, aber umstritten war von theatralischen Orakeln: Von nun an ist jedem klar, dass das Publikum sehr dünn, sehr schlau und allem Neuen gegenüber sehr freundlich ist, und alle Zugeständnisse, die man ihrem Namen abverlangt, völlig unnötig. Theaterregisseure und Schauspieler sind das einzige Hindernis für das Neue. Sie sind es, die an allem Verfallenen festhalten, hartnäckig der Routine folgen, sich an veraltete Methoden halten; Sie lieben alles Flache und Banale und haben eine unwiderstehliche Abneigung gegen alles Seltene, Helle, Unerwartete. Gauthier erklärt abschließend, dass gerade diese pedantische Vorliebe für ein „anständiges“ Theater, das eigentlich zu anständig ist, die französische Bühne um zwei natürliche Dramatiker und gleichzeitig außerordentlich begabte Mérimée und Musset gebracht hat. Die Nachwelt erkannte die Richtigkeit des guten Theo gegenüber diesen seiner Zeitgenossen.

1848 wurde das Theaterstück „Wette nicht“ aufgeführt; es geschah am Vorabend der Junirevolution. Doch trotz der Tatsache, dass das Publikum mit ernsteren Dingen beschäftigt war, war das Stück ein Erfolg und wurde im August wieder aufgenommen. „Was für eine Freude ist es für eine Person, die für immer dazu verdammt ist, Varietés und Melodramen zu sehen“, schrieb derselbe Gauthier, „endlich ein Stück zu sehen, in dem sie eine menschliche Sprache sprechen, in reinem Französisch, und das Gefühl haben, einmal und für alle befreit von dem schrecklichen und flachen Jargon, der heutzutage überall gesprochen wird. Welche Reinheit, Lebendigkeit und Ungestüm zeichnet den Satz aus! Wie witzig der Dialog ist. Welche Schlauheit und zugleich welche Zärtlichkeit!... Jetzt, da die öffentliche Rezeption dieses dramatischen, nur zum Lesen bestimmten Sprichworts gezeigt hat, wie unfair das Vorurteil ist, mit dem Theaterregisseure jedes Kunstwerk behandeln, das nicht danach komponiert ist die Rezepte von Herren „Dramamachern“, hätten auf der Bühne gezeigt werden sollen, ohne ein einziges Wort in ihnen zu ändern, wirklich poetische Stücke von Alfred de Musset: „Fantasio“, „Andrea del Sarto“, „Laune von Marianne“, „ Liebe scherzt nicht“, „Was träumen sie von jungen Mädchen“ und vor allem „Lorenzaccio“ – ein wahres Meisterwerk, das an die Tiefe der Analyse von Shakespeares Schöpfungen erinnert.

Ein paar Tage später inszenierte Austen den Candlestick im Historic Theatre, „ein weiteres Juwel aus einer kostbaren Kiste, die so lange offen gelassen wurde, ohne dass sich jemals jemand gefragt hat, was sich darin befindet“. Die Produktion dieses Stücks wurde 1850 vom Theater der Republik (wie das Theater vorübergehend Comédie Française hieß) wieder aufgenommen, und das Theater aktualisierte sein Repertoire zehn Jahre lang dank Mussets Dramaturgie. Ein gewisser Minister hielt dieses Stück für unmoralisch, weil Jacqueline und ihr Liebhaber ihr Glück auf Kosten der ehelichen Treue finden. Musset komponierte eine neue Auflösung: Die Liebenden trennten sich traurig. Die Tugend wurde gerettet, die Kunst litt. Jetzt sind wir zu einer vernünftigeren – und moralischeren – Aufrichtigkeit zurückgekehrt.

Bettina, Barberina, Karmozina, Louison waren weniger erfolgreich, und das zu Recht. Das Stück "Kein Scherz mit der Liebe" wurde erst nach dem Tod von Musset im Jahr 1861 auf der Bühne gespielt; es wurde gut aufgenommen, aber dann erlebte das Publikum, wie auch die aktuellen, ein gewisses Gefühl der Unzufriedenheit: Es erzeugt einerseits die zweideutige und widersprüchliche Natur von Camille, die weder der Liebe noch ganz treu bleibt Religion und andererseits der Tod von Rosetta. Das Stück "Fantasio" wurde erstmals 1866 gezeigt, es war nicht sehr erfolgreich, und das ist verständlich. Das Publikum mag es nicht, wenn der erste Liebhaber das Kostüm eines hässlichen und herzlosen Narren trägt. Kurz gesagt, die Dramaturgie von Musset und Marivaux haben ein gemeinsames Schicksal: Nur ihre Meisterwerke haben sich auf der Bühne fest etabliert. Zeitgenossen machen manchmal Fehler, aber die Zeit urteilt gerecht. 189

DIE NATUR DES MUSSET THEATER

Wie ist zu erklären, dass die freie Fantasie das Theater von Musset vor dem Vergessen bewahrte, während uns die listigen Intrigen von Scribe zu Tode langweilten? Warum erscheinen uns Mussets Stücke, die in märchenhaften Königreichen und imaginären Ländern spielen, so viel wahrer als viele historische Dramen? Denn das Theater ist nicht beabsichtigt, kann und soll das Leben nicht einfach kopieren. Das Publikum kommt nicht nur ins Theater, um die ungeschminkte Realität von der Bühne aus zu sehen. Der bewegungslose Bühnenvorhang umrahmt das Stück, wie ein Rahmen ein Bild umrahmt. Kein einziger wahrer Liebhaber der Malerei verlangt, dass das Porträt nur eine Kopie der Natur sei, kein einziger wahrer Freund des Theaters verlangt, dass die Aufführung nur die Realität abbilde. Gerade weil die Kunst ihre eigenen Gesetze hat, die sich zweifelsohne wesentlich von den Naturgesetzen unterscheiden, erlauben uns die Kunstwerke, frei über die Natur der Leidenschaften nachzudenken.

Das Theater war in seinen Anfängen eine feierliche Handlung. Er zeigte das Leben von Göttern oder Helden. Die Sprache der Schauspieler war erhabener und wohlklingender als in Alltagsleben. Es wäre eine Täuschung zu glauben, dass die moderne Öffentlichkeit andere Bedürfnisse hat. Noch heute wartet das Publikum, das ins Theater kommt, auf eine feierliche Handlung. Allein die Tatsache, dass er in einem von Menschen überfüllten Saal sitzt, löst stärkere Gefühle in ihm aus, als er es gewohnt ist. Und das erklärt die Besonderheit des theatralischen Dialogs. Welche Schriftsteller werden die größten Dramatiker? Diese flügellosen Kopisten, die auf gedankenloser Naturnachahmung und bedeutungsvollen Pausen reiten wollen? Nein. Die berühmtesten Dramatiker waren Dichter. Der Erfolg von Aristophanes zu seiner Zeit, der Erfolg von Claudel in unserer Zeit, der Erfolg von Musset im Laufe des Jahrhunderts ist der echten Poesie ihres Dialogs zu verdanken.

Bei Musset, wie bei Aristophanes, mischt sich der Chor in die Handlung ein und kündigt in lyrischem Ton das Erscheinen von Master Briden und Lady Plush an: „Auf ihrem eingeseiften Esel, heftig zitternd, erklimmt Lady Plush den Hügel; Ihr Bräutigam schlägt erschöpft mit aller Kraft auf das arme Tier ein, und es schüttelt den Kopf und hält eine Klette zwischen den Zähnen ... Grüße an Sie, Lady Plush; Sie erscheinen wie ein Fieber, zusammen mit dem Wind, von dem die Blätter gelb werden. Sprechen die Dorfbewohner diese Sprache im wirklichen Leben? Natürlich nicht. Aber, wie der Philosoph Alain subtil feststellte: „Der Schauspieler braucht ein besonderes Rezitativ, und auf der Suche nach einem natürlichen Ton sollte er auf keinen Fall die Alltagssprache imitieren: Es gibt keine gefährlichere Falle für ihn.“ Musset hat wie Giraudoux sein Rezitativ gefunden, und sein Theater ist außerordentlich sorgfältig »ausgeschrieben«. Dies erklärt zum Teil den Erfolg und die Langlebigkeit seiner Stücke.

Andererseits, und vielleicht weil Musset seine Stücke komponierte, ohne sich Gedanken darüber zu machen, ob sie im Theater aufgeführt würden, hielt er an der Einteilung in Bühnen fest, wie Shakespeare, ungeachtet der Einheit von Zeit und Ort, die gehorsam befolgt wurde, und Klassikern , und sogar Romantiker, zumindest in einem Akt. Häufige Handlungsunterbrechungen verstärken den Eindruck von Träumen, Träumen. Unerwartet unterbrochene Dialoge regen die Fantasie an, so wie eine verkrüppelte Statue zum Nachdenken anregt. „Shakespeare kümmert sich nicht um die Symmetrie seiner Stücke, er strebt nicht nach listigen Intrigen“, bemerkt derselbe Alain. - Seine Kreationen scheinen aus Trümmern zusammengebaut: Hier ragt ein Bein heraus, dort eine Faust, hier ist ein offenes Auge zu sehen, und dann fällt plötzlich ein Wort auf, das von nichts vorbereitet ist und dem nichts folgt. Aber alles zusammengenommen ist das wahre Leben.

Die Beachtung der Formgesetze im Stil und eine gewisse Verwirrung der Komposition - das ist vielleicht das Geheimnis der größten Poesie.

Handlung und Charakter

Für Musset gibt es nur eine Handlung, nur ein Thema – Liebe. Aber das kann man vielleicht von vielen anderen Dramatikern sagen. Der einzige Unterschied besteht darin, dass für andere, zum Beispiel für Moliere, eine Liebesaffäre nur ein Handlungsrahmen ist und der Autor darin eine Sittensatire schafft. Und im Musset-Theater ist Liebe alles. Wie in den Komödien von Marivaux sind die Liebenden in Mussets Komödien nicht mit äußeren Hindernissen konfrontiert, wie z. B. der Sturheit des Vaters, der Familienfehde; Das Haupthindernis für das Glück ist ihre eigene Leichtsinnigkeit. Aber nur die Zusammenstöße in Marivaux 'Stücken können mit "Degenfechten" verglichen werden. Es sind "all diese Tricks, vorsichtigen Annäherungen, geschickt platzierten Fallen, die raffinierte Köpfe mit ihrer Anmut fesseln"; mit einem Wort, die Schauspieler selbst nehmen die Stücke von Marivaux nicht allzu ernst, während für Musset die Liebe ein ernstes, oft trauriges Gefühl ist; Liebe ist eine fesselnde Krankheit, die durch die Schönheit und manchmal auch die Reinheit des geliebten Wesens verursacht wird und spurlos von einem Menschen Besitz ergreift.

Die verführerische Jacqueline betrügt ihren alten Mann mit einem Martinet; Um den Verdacht abzuwenden, bekundet sie vorgetäuschtes Interesse an dem bescheidenen Angestellten. Dieser junge Mann, Fortunio, ist jedoch unsterblich in Jacqueline verliebt und stirbt fast, als er herausfindet, dass er nur eine Fassade für ihre Liebesaffäre mit einer anderen ist. Das ist der Inhalt des Theaterstücks "Candlestick". Perdikan liebt seine Cousine Camilla, aber aus Stolz und Frömmigkeit flieht sie vor seiner Liebe; genervt wendet sich Perdican dem charmanten, wenn auch armen Mädchen Rosetta zu. Und dann kehrt Camilla zu Perdican zurück, aber Rosetta kann den Verrat von Perdican nicht überleben, der mit ihrem Herzen spielte - das ist der Inhalt des Stücks "Liebe ist kein Witz". Der verträumte und sanfte Celio, der in Marianna verliebt ist, vertraut seinen Freund Ottavio, einen Juir, Skeptiker und Nachtschwärmer, mit dem Schutz seiner Interessen an. Unterdessen verliebt sich Marianna in Ottavio selbst: „Eine Frau ist wie dein Schatten: Du willst sie einholen, sie rennt vor dir weg, du willst selbst vor ihr weglaufen, sie holt dich ein.“ Das ist der Inhalt des Theaterstücks „Laune der Marianne“. Die exzentrische Prinzessin ist aus staatlichen Gründen bereit, einen Narren zu heiraten. Der junge Schuljunge verkleidet sich als Narr, und die Interessen der Liebe haben Vorrang vor den Interessen des Staates. Das ist der Inhalt des Stücks Fantasio.

Diese Handlungen sind an einem lebendigen Faden genäht, aber was ist damit? Schließlich sind sie nur eine Ausrede. Im Wesentlichen stellt Musset in seinem Theater nur die Gefühle dar, aus denen seine Gedichte gewoben sind, und zwar sein ganzes Leben. Tatsache ist, dass er sowohl ein frivoler als auch sentimentaler Mensch war, ein Pariser, der die Liebe gerne als Scherz auffasste, und ein Franzose, der sie ernst nahm. In seiner Jugend kannte er zweimal die Qualen der Eifersucht. Das erste Mal geschah es zu Beginn seiner Jugend, als ihn eine junge Schönheit zwang, die Rolle des Fortunio zu spielen. Und das zweite Mal geschah es, als George Sand, den Musset leidenschaftlich liebte, ihn wegen des „dummen Pagello“ verließ – ihr Verrat verletzte Mussets Herz schwer und überschattete sein gesamtes weiteres Leben.

Fast alle verliebten jungen Menschen, die in Mussets Stücken mitspielen, sind gewissermaßen "Porträts des Autors selbst". Musset schafft Bilder von Ottavio und Celio und scheint sich in zwei Teile zu spalten. Er schrieb an George Sand: „Sie müssen sich erinnern – Sie haben es mir einmal gesagt –, dass Sie jemand gefragt hat, ob Ottavio oder Celio von mir abgeschrieben wurden, und Sie antworteten: „Ich denke, beide. Mein fataler Fehler, Georges, war, dass ich Ihnen nur eine meiner Hypostasen offenbart habe. Alle Freunde des Schriftstellers sagten, dass sie in Fantasios lyrischen Monologen jene Monologe erkennen, die vor Intelligenz und Poesie sprühen, die Musset, ein wenig beschwipst, von sich gab, wenn er sich verliebt und glücklich fühlte. Musset porträtierte sich in den Bildern von Valentin und Perdikan, und laut dem Bruder des Schriftstellers, Paul de Musset, ist der Graf aus der Komödie „Es ist notwendig, dass die Tür offen oder geschlossen ist“ „ein Porträt von Alfred selbst“.

Im Gegenteil, die verliebten Frauen, die in Mussets Stücken auftreten, sind andere als die Frauen, die er in seinem Leben am meisten geliebt hat. Musset, der die Vergänglichkeit kennengelernt hat und sogar der Zügellosigkeit begegnet ist, strebt kläglich nach Reinheit. Mädchenhafte Naivität fesselt und erregt ihn zutiefst:

Ein Hort der Unschuld, wo Glut und Zärtlichkeit verborgen sind, Träume der Liebe, naives Geschwätz, Gelächter Und schüchterne Reize, die jeden zu Tode verletzen werden (Faust selbst zitterte an Marguerites Tür), Jungfrauenreinheit - wo ist das alles jetzt?

Die jungen Mädchen, denen wir in seinen Stücken begegnen, wie Camille, Cécile, Karmozina, sind die lebendigsten seiner Kreationen. Er stellt gerne dar, wie eine Frau in einem Mädchen kaum erwacht. „In ihren Augen liegt etwas ungewohnt Frisches und Zartes, was sie selbst nicht ahnt.“ Cecile ist vielleicht naiv oder scheint es eher so zu sein, aber wie viel Geschicklichkeit und Schlauheit zeigt sich in dieser einfachen Frau, sobald sie sich verliebt, und mit welcher Leichtigkeit erobert sie einen Junggesellen, der sich für einen abgestumpften Mann hielt. Camilla ist jedoch ein komplexeres Bild, und sie ist entzückend. Sie wollte die Liebe aufgeben, weil die Frauen in dem Kloster, in dem sie aufgewachsen war, ihr von der Täuschung und Täuschung der Männer erzählten. Als Perdican, den sie weggestoßen hat, sich in Rosetta verliebt, verliebt sich Camille gegen ihren Willen selbst in Perdican. „Eine Frau ist wie dein Schatten …“ Denn so lautet die Lehre von Musset, wie Racine in Andromache, wie Proust in Swanns Liebe, und sie lässt sich so formulieren: Zu offen ausgedrückte Liebe bewirkt selten Gegenseitigkeit. "Wenn du mich nicht liebst, liebe ich dich..." Das ist eine alte und traurige Geschichte.

Was die anderen Schauspieler von Mussets Truppe betrifft – lächerliche und herablassende Witwen, mürrische, aber gutmütige Onkel, gefräßige und exzentrische Äbte, übertrieben tugendhafte, aber sich gerne an Gouvernanten ergötzende, entnahm er sie gleichzeitig aus Carmontels „Sprichwörtern“ und aus den Erinnerungen von seine eigene Jugend. Sainte-Beuve warf Musset die Monotonie dieser Nebenfiguren vor und die Tatsache, dass der Autor sie in einer Art fiktiver Welt suchte. Aber in Wahrheit sind sie nicht eintöniger und nicht eingebildeter als Molières Hähne, seine skrupellosen Lakaien, seine Marquisen, seine Pedanten und Ärzte. Der Abt aus dem Stück "Du musst nicht wetten" zeichnet sich durch ein Dutzend Zeilen aus, aber er ist das Leben selbst. Und die Schauspieler verstehen das sehr gut. Das Theater erfordert solche Übertreibungen, weil der Zuschauer die Äußerungen nach Gehör wahrnimmt, er kann nicht anders als der Leser zum Text zurückkehren. Eine berühmte Schauspielerin sagte mir einmal: „Das Publikum hört meistens nicht zu, wenn es zuhört, hört es nicht, und wenn es hört, versteht es nicht.“ Das ist die pessimistische und etwas gekünstelte Meinung des Künstlers über den durchschnittlichen Betrachter. Doch an diesem witzigen Scherz ist etwas Wahres dran: Um beim Publikum für Aufregung oder Lacher zu sorgen, muss auch der subtilste Dramatiker mitunter zu billigen Effekten greifen.

QUELLEN DES DRAMAS MUSSET

Musset und Giraudou haben gemeinsames Merkmal: beide sind sehr gebildete Menschen, beide haben ihr Leben lang viel gelesen, und die lyrischen Tiraden von Shakespeare oder Aristophanes klingen für sie wie bekannte Musikphrasen. Musset erzielte bereits in seinen Lehrjahren glänzende Erfolge auf dem Gebiet der Belletristik und wurde beim Wettbewerb mit einem Ehrenpreis ausgezeichnet; Anders als Giraudoux studierte Musset nicht an der École Normale, wuchs jedoch nicht nur mit den klassischen Texten griechischer, lateinischer und französischer Schriftsteller auf, sondern auch mit den Büchern großer englischer und deutscher Autoren. Er drang in das Geheimnis Shakespeares ein; er war, wie wir bereits sagten, der einzige Franzose, der Byron in dieser Zeit wirklich verstand.

Die literarischen Quellen von Mussets Dramaturgie sind also sehr vielfältig. Er hat Shakespeare viel zu verdanken, er hat auch Goethe zu verdanken (die idyllischen Züge im Stück „Man kann sich nicht mit der Liebe anlegen“ erinnern an „Die Leiden des jungen Werther“), er hat Jean-Paul Richter etwas zu verdanken (insbesondere , ungewöhnliche, oft groteske und zynische Vergleiche). Die Italiener haben ihn schon immer angezogen. Er las nicht nur die Werke von Dante, Alfieri, Machiavelli, er studierte auch die Chroniken von Varca, als er Lorenzaccio schrieb, und suchte in Florenz nach Materialien für seine Szenen. Boccaccios Novellen dienten ihm ebenso wie die von Bandello als Quelle für Handlungsstränge. Unter den französischen Dramatikern - das erfahren wir aus Mussets bekanntem Gedicht - war sein Idol Molière. Musset hat zweifellos – und in allen Einzelheiten – die literarischen Mittel von Molière studiert: Natürlich reduziert sich das Genie des Schriftstellers nicht auf seine Technik, sondern manifestiert sich in ihr. Musset wandte sich bei der Erstellung seiner dramatischen Sprichwörter auch an bescheidenere Quellen - an Carmontel und Theodore Leclerc, die er um ein Vielfaches übertraf.

Aber die Hauptinspirationsquelle für Musset waren sein eigenes Leben und seine eigenen Gefühle. Die weitverbreitete Meinung, man dürfe der Biographie des Künstlers keine Bedeutung beimessen, ist einfach lächerlich. Natürlich ist jedes Meisterwerk an sich schön, es erscheint selbst jenen Menschen schön, die nichts über die Entstehungsgeschichte wissen. Aber es ist auch wahr, dass jedes Werk eine Art Verschmelzung von Denken und Fühlen ist; Diese Wirkung der Ereignisse auf den Geist des Künstlers und die Rückwirkung seines Talents auf die dargestellten Ereignisse ist ein erstaunliches Phänomen von großem Interesse, und wir selbst werden uns der Gelegenheit berauben, uns auf faszinierende Forschungen einzulassen, wenn wir anfangen Vernachlässigen Sie die Umstände, oft die unbedeutendsten, die als unmittelbare Ursache für die Geburt eines Theaterstücks oder Romans dienten. Schließlich ist eine solche Recherche – sie kann mit einem Theaterstück hinter den Kulissen eines Theaterstücks oder einem Roman am Rande eines Romans verglichen werden – an sich oft schön.

Musset liefert mehr als jeder andere Material für eine solche Studie. Seine Liebe zu George Sand, die geistige Bereicherung, die ihm seine Freundschaft mit dieser herausragenden Frau, die so viel las und liebte, brachte, die Fähigkeit, seine Arbeit ernst zu nehmen, die sie ihm in diesen leider viel zu kurzen Zeiten beibrachte er unterwarf sich ihrem Einfluss; schließlich und vor allem das Leid und die Angst der Liebe wegen des schmerzhaften Bruchs mit ihr - all das gab vielen Stücken von Alfred de Musset einen tiefen und aufrichtigen Klang. Bevor er George Sand traf, war er ein charmanter junger Mann, und nach ihrer Trennung wurde er zu einem Mann, der die Tragödie des Lebens verstand. Wenn die Figur von Camille in Love Isn't Joking so komplex ist, liegt das daran, dass George Sand eine komplexe Person war. Sand und Musset spielten dasselbe gefährliche Spiel wie Perdican und Camilla. Hier ist, was George Sand an ihren Geliebten schrieb: „Siehst du, was wir tun, kann als Spiel bezeichnet werden, aber unsere Herzen und unser Leben stehen dabei auf dem Spiel, und deshalb ist dieses Spiel überhaupt nicht so lustig, wie es scheinen mag .“

Diese Worte erinnern an eine von Perdicans Äußerungen, und das überrascht nicht: Die Briefsilbe von George Sand und die Silbe ihres Tagebuchs sind wie zwei Wassertropfen, ähnlich der Silbe Mussets in seinen Stücken. Das war so unbestreitbar, dass es ihm manchmal erlaubte, Zeilen aus den Briefen von George Sand zu übernehmen und sie, ohne dort ein Wort zu ändern, in seine Komödie aufzunehmen: „Ich habe oft gelitten, ich wurde mehr als einmal betrogen, aber ich liebte. Und ich lebte, ich, und nicht ein künstliches Geschöpf, das meiner Fantasie und meiner Langeweile entsprungen war. Woher kommt dieser schöne Satz? Es ist ein Auszug aus einem Brief von George Sand an Musset; dieser Satz wurde zu einer von Perdicans Bemerkungen. Hat der Schriftsteller das Richtige getan, indem er einen Brief seiner Geliebten nahm und ihn zu einem der Elemente eines Kunstwerks machte? Hat er hier Fehler gemacht? Im Gegenteil, meiner Meinung nach drückte er damit die höchste Ehrerbietung aus und verschmolz auf diese Weise mit ihr in die Unsterblichkeit (ach, vergänglich!), mit der man ein Genie krönt.

Das Stück „Kein Scherz mit der Liebe“ entstand im Sommer 1834, als Musset, verlassen von George Sand, versuchte, seine seelischen Wunden zu heilen. Was Lorenzaccio betrifft, so wurde ihm die Handlung dieses Stücks vollständig vom Autor vorgeschlagen: 1831 verfasste George Sand eine historische Chronik nach dem Vorbild der in jenen Jahren von Mérimée geschaffenen. Sie nannte es "Verschwörung im Jahr 1537". Musset nutzte die Leinwand dieses Werks ausgiebig, er entlehnte ganze Szenen daraus, vorgefertigte Bemerkungen, aber es muss zugegeben werden, dass George Sands Text ziemlich flach war, während Mussets Stück eine ausgezeichnete Schöpfung ist, und das umso mehr auffallend, weil der Autor damals 20 Jahre alt war.

Über das Stück „Laune der Marianne“ bemerkte Paul de Musset: „Jeder, der Alfred de Musset kannte, verstand, inwieweit der Autor beiden Helden gleichzeitig ähnelte – Ottavio und Celio.“ Im Alltag war Musset Ottavio – er lächelte immer, hatte Spaß, scherzte. Aber sobald er sich verliebte, verwandelte er sich in Celio. Fantasio ist auch ein Stück, dessen Held vom Autor abgeschrieben wird, das gleiche gilt für Fortunio, den Helden des Stücks Candlestick. Paul de Musset behauptet, dass dieses Stück von einer unglücklichen Episode erzählt, die seinem Bruder passierte, als er achtzehn Jahre alt war. Der junge Alfred war in eine sehr witzige, spöttische und sehr kokette Frau verliebt. Mit Worten behandelte sie ihn wie einen Liebhaber, aber tatsächlich behandelte sie ihn wie ein Kind, und das beunruhigte ihn. Trotzdem dauerte es lange, bis ihm klar wurde, dass er gezwungen war, die Rolle einer bekannten Figur aus Candlestick zu spielen. Die Dame hatte ihren Clavarosh, aber sie hatte nicht Jacquelines Herz. Alfred ging nicht mehr zu ihr nach Hause, zeigte aber weder Verachtung noch Wut. Und hier ist, was Paul de Musset über das Stück „Du musst nicht wetten“ sagt: „Alfred rotierte gleichzeitig in zwei übermäßig fröhlichen Gesellschaften; Eines schönen Tages fing er sich plötzlich und entschied, dass er genug von einem zerstreuten Leben hatte ... Er zog einen Morgenmantel an, setzte sich in einen Sessel und rezitierte sich im Geiste nicht weniger strenge Moral, als es ein Vater oder Onkel tun könnte . Dieser stumme Dialog diente später als Vorbild für die Szene zwischen Valentin und Onkel Van Boek.

Paul de Musset kann nicht als absolut zuverlässiger Zeuge angesehen werden; Wir glauben jedoch, dass die Werke von Alfred de Musset eng mit seinem Leben verbunden sind, da dies für jeden Schriftsteller gilt. Tatsache ist aber, dass eine reale Begebenheit aus dem Leben, die der Schriftsteller selbst erlebt oder beobachtet hat, nicht vollständig auf das Drama übertragen werden kann. Dieser Episode fehlt das, was man Stil nennen kann. Glücklicherweise hatte Musset - entgegen der unter den Theaterschaffenden vorherrschenden Meinung - natürlich das Talent eines Dramatikers und Sinn für theatralischen Stil. Denn die Bühne braucht treffsichere Zeilen, einen Schluss jedes Geschehens, bei dem die Schauspieler rechtmäßig aussteigen können, einen Schluss jedes Akts, bei dem der Vorhang fallen muss, Applaus muss erklingen, und die Zuschauer müssen mit einem solchen ergriffen werden Gefühl der Befriedigung, das durch stumme Erregung oder stürmische Freude aufgelöst werden kann. Musset verstand all dies instinktiv.

KOMIKANISCHE UND LYRISCHE ANFÄNGE IN MUSSETS DRAMA

Musset erzielt wie Moliere einen komischen Effekt, indem er auf Wiederholungen und Übertreibungen zurückgreift. Lesen Sie noch einmal die vierte Szene aus dem zweiten Akt des Theaterstücks „Liebe ist kein Witz“ (mehrmalige Wiederholung der Worte: „unter den Mauserbsen“) oder die erste Szene aus dem zweiten Akt des Theaterstücks „Du musst nicht wetten ." Beachten Sie auch die Symmetrie, die die Szene aus dem ersten Akt zwischen Van Boek und Valentin in derselben Komödie kennzeichnet: „Mein lieber Neffe, ich wünsche Ihnen gute Gesundheit. - Mein verehrter Onkel, Ihr gehorsamer Diener. Diese Eröffnung erinnert an Molières Dialog, aber der Dialog geht, wie es für Musset charakteristisch ist, in einem ganz eigentümlichen Ton weiter. Scheinbare Widersprüchlichkeit und Inkohärenz machen den Reiz von Mussets Stil aus, und große, ausgefeilte und flüssig fließende Tiraden, wie die von Perdican und Camille, beeindrucken besonders, weil sie sich deutlich vom Rest des Textes abheben, als wären sie von a umrissen gepunktete Linie. Nur Shakespeare verstand es, eine solche Wirkung zu erzielen, indem er zwischen Lyrik und Witz wechselte.

Einer der deutlichsten Beweise für Mussets angeborenen Sinn für theatralischen Stil ist die Schnelligkeit seiner Zeilen. Wenn Sie möchten, hier ein paar Beispiele.

Im Stück "Fantasie":

Du bist hässlich, um es gelinde auszudrücken; es ist unbestreitbar. „Nicht sicherer als dass du schön bist.

Im Stück "Caprice":

Glauben Sie nicht, dass ein Kleid wie ein Talisman vor Widrigkeiten schützt? Es ist eine Barriere, die ihnen den Weg versperrt. „Oder der Schleier, der sie umhüllt.

Im Stück "Lorenzaccio":

Der Priester muss auf Latein schwören. - Es gibt auch toskanischen Missbrauch, der beantwortet werden kann.

Im Stück "Candlestick":

Schweigen und Vorsicht. Abschied. Freundin bin ich; der Vertraute bist du; und der Geldbeutel liegt am Fuß des Stuhls.

Ich möchte auch die Schlussbemerkung im Stück "Candlestick" erwähnen: "Oh, das ist ein altes Lied! .. So singen Sie, Mr. Clavarosh!" Wie elegant spiegelt diese Zeile die Worte von Clavaros wider, der im zweiten Akt ausrief: „Oh, das ist ein altes Lied! Also singen Sie, Monsieur Fortunio!“

Was die symmetrische Struktur des Dialogs betrifft, so findet sich ein hervorragendes Beispiel dafür am Anfang des Stücks „Du musst nicht wetten“, ein weiteres Beispiel lässt sich leicht im dritten Akt des ersten Akts der Komödie finden Wovon Mädchen träumen. Solche Symmetrie ist ein beliebtes Mittel von Moliere, und wenn wir von Tragödien sprechen, dann – von Corneille; im Allgemeinen ist es sehr charakteristisch für die französische Sprache. Sie werden es nicht bei Shakespeare finden. Es mildert den Ernst lyrischer Tiraden ein wenig. Aber andererseits verdankt Musset Shakespeare die leidenschaftliche Erregung intermittierender Monologe: Erinnern Sie sich an Madame de Lerys Rede in dem Stück „Caprice“ … Diese leidenschaftliche Erregung wird in dem Stück „Man kann nicht an alles denken“ zu einer Übertreibung Einmal".

Und all dies ist dem Autor vollkommen bewusst. Bei Musset, wie bei jedem großen Künstler, koexistiert Besessenheit mit Schreibtechnik. Und die Technologie gewinnt normalerweise. Er weiß ganz genau, dass er sich, abweichend von Scribes „gerade Linie“, in die richtige Richtung bewegt. „Ich hingegen“, gab Musset zu, „wenn ich eine Szene oder eine poetische Strophe komponiere, kann ich plötzlich alles ändern, meinen eigenen Plan auf den Kopf stellen, mich meinem Lieblingshelden widersetzen und seinem Gegner erlauben, ihn in einem Streit zu besiegen ... In ein Wort, ich wollte nach Madrid gehen, aber ich ging nach Konstantinopel.“ Musset versteht es wie kein anderer, in Ruhe den Moment zu wählen, in dem es gilt, die "Schlüsselszene", wie man mit seiner Terminologie sagen sollte, in Gang zu setzen. „Um eine wichtige Szene richtig zu arrangieren“, schrieb er, „muss man die Zeit und die Umstände gut kennen und genau den Moment bestimmen, in dem das Interesse und die Neugier des Zuschauers ausreichend geweckt sind und daher die Entwicklung der Handlung ausgesetzt werden kann , und es muss in ihrer ganzen Fülle von Leidenschaft, reinem Gefühl ersetzt werden. Solche Szenen, wenn der Gedanke des Autors sozusagen die Handlung verlässt, um bald zu ihr zurückzukehren, und, als ob er die Intrige und tatsächlich das ganze Stück vergisst, in das Element der universellen Humanität eintaucht - solche Szenen sind extrem schwierig zu erstellen. Hamlets berühmter Monolog ist ein hervorragendes Beispiel für eine solche Szene. Musset lernte die Lektionen seines Lehrers gut.

Man kann nur bewundern, wie er seine Kreativität mit den dramatischen Ereignissen seines eigenen Lebens füttern konnte. Manchmal scheint es sogar, als hätte er sein eigenes Leben den Aufgaben seiner Dramaturgie untergeordnet. Es ist unendlich schwierig für einen Künstler, Fehler und Hobbys aufzugeben, die sein Talent schärfen. Er ist sich bewusst, dass bestimmte Empfindungen eine besonders starke und reine Reaktion in seiner Seele hervorrufen. Chateaubriand wusste, dass er „sein gebrochenes Herz zeigen“ sollte. So sehr dieses oder jenes Gefühl dem Dichter auch noch so weh tut, so gefährlich es für ihn auch sein mag, er wird nie freiwillig von der Krankheit geheilt werden wollen, die sein Genie nährt. Mussets Poesie ist eine schmerzhafte Verschmelzung von Liebe und Bitterkeit, Hoffnung und Wahnsinn. Die Liebhaber des Dichters fanden in ihm gleichsam immer zwei unterschiedliche Leute: man war "weich, sanft, enthusiastisch, naiv, bescheiden, sensibel, leidenschaftlich, mit einer leicht verletzlichen Seele"; der andere ist "gewalttätig, unverblümt, tyrannisch, misstrauisch, empfindlich" und "mit einer Last bitterer Erinnerungen niedergedrückt, wie es für einen Mann charakteristisch ist, der in seiner Jugend ein Rechen war". Darin lebten Ottavio und Celio bis zuletzt zusammen.

MUSSET UND WIR

Der Erfolg der Dramaturgie von Giraudoux und die Wiederbelebung des poetischen Theaters machten Musset berühmt. Dennoch stehen viele, die den exquisiten Charme von Komödien erkennen, seinen Gedichten und Essays eher ablehnend gegenüber. Die Dichtungstraditionen ganz anderer Art, in deren Ursprung Mallarme steht, haben uns strengere Anforderungen an die Harmonie der Verse gestellt. Größter Dichter unserer Zeit schrieb: "Ein Gedicht besteht nicht aus Gefühlen, sondern aus Worten." Musset, der Gedichte genau aus Gefühlen komponierte und wie aus Protest schlechte Reime und einfache Verse bevorzugte, fand sich abseits vom Mainstream der französischen Poesie.

Aber das ist nur eine Täuschung. Während Musset von Kritikern und Literaturhistorikern mit größter Verachtung behandelt wird, behält er seine Macht über die Herzen der Leser. Wenn man seine Gedichte liest, sieht man, wie die Augen der Zuhörer aufleuchten, und die aufrichtigen Gefühle, die in diesen Versen zum Ausdruck kommen, eine Reaktion in den Seelen hervorrufen:

An jenem Abend war ich allein im Theatersaal... Meine Freunde, wenn ich sterbe, Pflanzen Sie eine Weide an meinen Kopf... Bedauern Sie nicht die Zeiten, als das Firmament über der Erde hing und mit einer Menge Atem atmete Götter?

Welche französische Jugend kennt diese Verse nicht? Und haben wir nicht eine außerordentliche Ähnlichkeit zwischen den Gedichten von Musset und jenen entdeckt, die während des letzten Krieges in Frankreich erschienen sind? Man kann Debussy lieben, aber man muss Beethoven keineswegs vernachlässigen. Sie können Valerie bewundern, aber Sie müssen nicht aufhören, Musset zu bewundern.

Nein, Alfred de Musset ist nicht „eine Laune einer abgestumpften und frei denkenden Ära“, wie Sainte-Beuve in einer seiner unfreundlichen Tage über ihn sagte; Musset ist ein wahrer Freund feinsinniger Menschen, er ist einer der größten französischen Schriftsteller und, wenn Sie so wollen, unser Shakespeare.

Anmerkungen

* In diesem Artikel gehören die poetischen Übersetzungen Y. Lesiuk

** Musset A. Fav. Prod. M., Goslitizdat, 1952, p. 192-193.

*** Musset A. Fav. Prod. M., Goslitizdat, 1952, p. 214.

Kommentare

ALFRED DE MUSSE. THEATER

Alfred de Musset (1810-1857) debütierte in der Literatur mit der Gedichtsammlung Spanische und italienische Märchen (1830) und wurde schnell zu einem der führenden Köpfe der jüngeren Generation französischer Romantiker. Seine Texte, Comic-Parodie-Gedichte ("Mardosh" - 1830, "Namuna" - 1832), der Roman "Confession of the Son of the Century" (1836) erfreuten sich großer Berühmtheit; Der wichtigste Teil seines Erbes ist die Dramaturgie („Laune von Marianne“ - 1833, „Lorenzaccio“ - 1834, „Niemand scherzt mit Liebe“ - 1834, „Kerzenhalter“ - 1835 usw.). Mutiger als jeder andere Romantiker transformierte Musset die Kanons dramatischer Genres, indem er Tragik und Komik kombinierte und die Konventionalität der Theateraufführung betonte. Er verbindet eine Entschuldigung für Leidenschaft, "unmittelbares Gefühl", mit einem Spott darüber im Geiste romantischer Ironie.

1 Herzog von Orleans Ferdinand Philippe Louis Charles Henri (1810-1842) - Sohn von König Louis Philippe.

2 "Briefe an einen Provinzial" (1656-1657) - ein polemischer Aufsatz von B. Pascal.

3 Anselo Arsen (1794-1854) - Dramatiker der konservativ-klassischen Richtung.

4 "Dramatisches Sprichwort" - ein dramatisches Genre, ein Stück, das ein Sprichwort illustriert; Carmontel (Louis Carrogi, 1717-1806), Colle Charles (1709-1789), Leclerc Michel Theodore (1777-1851) - Komiker des 18. Jahrhunderts.

5 Gauthier Theophile (1811-1872) - romantischer Schriftsteller, prominenter Theaterkritiker.

6 Gemeint ist der Juniaufstand der Pariser Arbeiter (1848).

7 Austen Jules Jean-Baptiste Hippolyte (1814-1879) - Dramatiker und Direktor mehrerer Theater.

8 Scribe Eugene (1791-1861) - Dramatiker, Meister unterhaltsamer Komödien.

9 Claudel Paul (1868-1955) - Dichter und Dramatiker der "katholischen" Richtung, einer der Klassiker der französischen Literatur des 20. Jahrhunderts.

10 Es geht um die Liebesbeziehung zwischen George Sand und dem italienischen Arzt Pietro Pagello (1807-1898) im Jahr 1834. Einer der Memoiren zufolge überreichte George Sand ihrem Geliebten eine Liebeserklärung in einem unbeschrifteten Umschlag und auf die Frage, an wen dieser Brief adressiert sei, schrieb sie auf den Umschlag: „Dummer Pagello“.

11 Ecole Normal - Höhere Normalschule in Paris, eine Bildungseinrichtung, die Lehrer ausbildet.

12 Jean-Paul (Johann Paul Friedrich Richter, 1763-1825) war ein deutscher Schriftsteller.

13 Alfieri Vittorio (1749-1803) - Italienischer Dramatiker.

14 Gemeint ist das 1721 erstmals veröffentlichte Werk „Die Geschichte von Florenz“ des italienischen Humanisten Benedetto Varca (1502-1565).

15 Bandello Matteo (1485-1561) - Italienischer Kurzgeschichtenschreiber.

16 Dies sind Mérimées Stücke aus der mittelalterlichen Geschichte Jacquerie und The Carchaval Family (1828).

17 Stéphane Mallarmé (Etienne Mallarmé, 1842-1898) – symbolistischer Dichter, Kunsttheoretiker.

18 Bezugnehmend auf Paul Valéry.

19 Debussy Claude (1862-1918) - Komponist; Begründer des musikalischen Impressionismus.

Das Bild einer der Hauptfiguren, des souveränen Prinzen von Mantua, ist von Musset in spöttisch spöttischer, karikierender Weise geschrieben. Fantasio nennt diesen narzisstischen Monarchen, der droht, einen Krieg zu beginnen, wenn ihm die Prinzessin nicht gegeben wird, "ein widerliches Tier", "dem das Schicksal eine Krone auf den Kopf gesetzt hat". Mit der Schaffung dieser Figur setzt Musset in seiner charakteristischen ironischen Art im Wesentlichen die Tradition der demokratischen Dramaturgie Frankreichs fort. Monarchische Illusionen sind dem Dramatiker fremd. Doch im Gegensatz zum gekrönten Hofnarren wird Fantasio eines gesellschaftlich kreativen Ideals beraubt. Als sorgloser Zecher, der sein Vermögen verschwendet und sich vor Gläubigern versteckt, ist Fantasio, wie Ottavio in Mariannas Launen, in melancholische Reflexionen über die Bedeutungslosigkeit der Zeit, über die Leere des Lebens versunken. Der Gedanke an die Einsamkeit der Menschen quält ihn, die fröhliche Menge erfüllt ihn mit Abscheu. Sein scharfer Verstand erlaubt es ihm, den Grund für seine Sehnsucht zu lokalisieren: Ihm und seinen Freunden entgeht ein wichtiges Geschäft. Aber er will nichts tun – alles sei sinnlos, sagt Fantasio, jedes Geschäft sei nutzlos. In diesem Stück wiederholt sich erneut das Bild einer sterbenden, machtlosen Zeit. Im zweiten Kapitel von Die Bekenntnisse eines Sohnes des Jahrhunderts hat Musset die großen sozialen Katastrophen aufgezeigt, die „die Flügel des Jahrhunderts beschnitten“ haben. Im Stück spricht er nicht darüber. Aber das Bild des flügellosen Zeitalters ist in der ganzen Atmosphäre der Komödie zu spüren, und sogar Fantasios Witze geben einen Geschmack von Bitterkeit und Tränen. Der einzige Wert, den Fantasio findet, sind zwei Tränen, die aus den Augen einer Prinzessin gefallen sind, die aus Gründen der Staatsräson mit dem Prinzen von Mantua verheiratet ist. Um das Mädchen zu retten, vollbringt Fantasio eine exzentrische Leistung – er fängt die Perücke des Prinzen mit einem Köder. Er weiß, dass es um das Glück zweier Staaten, um die Ruhe zweier Völker geht. Aber das Schicksal der Völker regt ihn nicht auf. Mussets humanistisches Denken verengt sich. Das lyrische Thema des Stücks steht offen im Gegensatz zum Thema öffentliche Pflicht, bürgerliche Leistung. In Andrea del Sarto, in Mariannes Launen, in Fantasio zerstört Musset mit der gleichen unbekümmerten Leichtigkeit wie in seinen ersten dramatischen Experimenten die klassizistische Ordnung. Er verzichtet entschieden auf die Einheit von Ort und Zeit, viel subtiler als andere Autoren des romantischen Dramas verwebt er das Tragische und Komische in seinen Stücken. In den dramatischsten Momenten steigt in ihm ein ironischer Tonfall auf, und eine lustige Idylle endet plötzlich in einer tragischen Auflösung.

Eine solche Konstruktion von Stücken ist tief verbunden mit Mussets Wahrnehmung der modernen Realität als Tragödie des Todes menschlicher Ideale und gleichzeitig als widerliche Komödie der wohlgenährten Selbstgefälligkeit eines Kaufmanns. Manche seien verzweifelt, sagt Musset in „Bekenntnisse eines Jahrhundertsohns“, andere, „Kinder des Fleisches“ – die Bourgeois, zählten ihr Geld. "Die Seele schluchzte, der Körper lachte." Diese Dualität der Haltung angesichts der von Spott und Verzweiflung diktierten Position des Nichteingreifens des Künstlers bestimmt die Originalität von Mussets dramatischer Poetik. In keinem anderen Stück Mussets tritt die innere Widersprüchlichkeit seines Bewusstseins so deutlich zutage wie in der dreiaktigen Komödie No Joking With Love (1834), die sowohl die Komposition des Stücks als auch die Konstruktion seiner Bilder und das Gefühlsleben bestimmt der Charaktere.