Einführung...................................................................................................................................................................................... 2

Kapitel 1.......................................................................................................................................................................................... 3

Kapitel 2.......................................................................................................................................................................................... 5

Kapitel 3.......................................................................................................................................................................................... 7

Kapitel 4........................................................................................................................................................................................ 11

Kapitel 5........................................................................................................................................................................................ 19

Fazit........................................................................................................................................................................... 22

Einführung

Der Begriff „Klassizismus“ bedeutet im Lateinischen „vorbildlich“ und wird mit den Prinzipien der Nachahmung von Bildern in Verbindung gebracht.

Der Klassizismus entstand im 17. Jahrhundert in Frankreich als herausragende Strömung in seiner gesellschaftlichen und künstlerischen Bedeutung. Im Wesentlichen war es mit der absoluten Monarchie verbunden, der Behauptung edler Staatlichkeit.

Kapitel 1

Diese Richtung zeichnet sich durch ein hohes bürgerliches Thema und die strikte Einhaltung bestimmter kreativer Normen und Regeln aus. Der Klassizismus, als eine bestimmte künstlerische Richtung, neigt dazu, das Leben in idealen Bildern widerzuspiegeln, und strebt nach einer bestimmten „Norm“, einem Modell. Daher der Antikenkult im Klassizismus: Die klassische Antike erscheint darin als Beispiel moderner und harmonischer Kunst. Tragödie, Ode und Epos gehörten nach den Regeln der Klassizismus-Ästhetik, die sich strikt an die sogenannte „Genterhierarchie“ hält, zu den „hohen Gattungen“ und mussten unter Rückgriff auf antike und historische Handlungsstränge besonders wichtige Probleme entwickeln, und zeigen nur die erhabenen, heroischen Seiten des Lebens. Den "hohen Genres" standen "niedrige" gegenüber: Komödie, Fabel, Satire und andere, die die moderne Realität widerspiegeln sollten.

Jedes Genre hatte sein eigenes Thema (Themenauswahl), und jedes Werk wurde nach den dafür entwickelten Regeln aufgebaut. Es war strengstens verboten, die Techniken verschiedener literarischer Gattungen in der Arbeit zu mischen.

Die am weitesten entwickelten Genres in der Zeit des Klassizismus waren Tragödien, Gedichte und Oden.

Die Tragödie ist im Verständnis der Klassiker ein solches dramatisches Werk, das den Kampf eines in seiner geistigen Kraft herausragenden Menschen mit unüberwindlichen Hindernissen darstellt; ein solcher Kampf endet gewöhnlich mit dem Tod des Helden. Die klassischen Schriftsteller stellten die Tragödie in den Mittelpunkt des Zusammenstoßes (Konflikts) der persönlichen Gefühle und Bestrebungen des Helden mit seiner Pflicht gegenüber dem Staat. Dieser Konflikt wurde durch den Sieg der Pflicht gelöst. Die Handlungen der Tragödie wurden von den Schriftstellern des antiken Griechenlands und Roms entlehnt, manchmal aus historischen Ereignissen der Vergangenheit. Helden waren Könige, Feldherren. Wie in der griechisch-römischen Tragödie Figuren wurden entweder als positiv oder negativ dargestellt, wobei jede Person die Verkörperung eines bestimmten spirituellen Merkmals, einer Qualität war: positiver Mut, Gerechtigkeit usw., negativ - Ehrgeiz, Heuchelei. Dies waren bedingte Zeichen. Auch bedingt dargestellt und das Leben und die Ära. Es gab kein wahres Bild der historischen Realität, der Nationalität (es ist nicht bekannt, wo und wann die Handlung stattfindet).

Die Tragödie sollte fünf Akte haben.

Der Dramatiker musste sich streng an die Regeln der „drei Einheiten“ halten: Zeit, Ort und Handlung. Die Einheit der Zeit erforderte, dass alle Ereignisse der Tragödie in einen Zeitraum von nicht mehr als einem Tag passen. Die Einheit des Ortes drückte sich darin aus, dass die gesamte Handlung des Stücks an einem Ort stattfand - im Schloss oder auf dem Platz. Die Einheit der Handlung setzte einen inneren Zusammenhang der Ereignisse voraus; nichts Überflüssiges, für die Entwicklung der Handlung nicht Notwendiges, war in der Tragödie erlaubt. Die Tragödie musste in feierlich majestätischen Versen geschrieben werden.

Das Gedicht war ein episches (erzählendes) Werk, das in poetischer Sprache ein wichtiges historisches Ereignis darlegte oder die Heldentaten von Helden und Königen verherrlichte.

Ode ist ein feierliches Loblied zu Ehren von Königen, Feldherren oder einem über Feinde errungenen Sieg. Die Ode sollte die Freude, die Inspiration des Autors (Pathos) ausdrücken. Daher zeichnete es sich durch eine erhabene, feierliche Sprache, rhetorische Fragen, Ausrufe, Appelle, die Personifizierung abstrakter Konzepte (Wissenschaft, Sieg), Götter- und Göttinnenbilder und bewusste Übertreibungen aus. Bei der Ode war „lyrische Unordnung“ erlaubt, was sich in einer Abweichung von der Harmonik der Darstellung des Hauptthemas ausdrückte. Aber es war eine bewusste, streng überlegte Abschweifung („richtige Sauerei“).

Kapitel 2

Die Lehre des Klassizismus basierte auf der Idee des Dualismus der menschlichen Natur. Im Kampf zwischen dem Materiellen und dem Spirituellen offenbarte sich die Größe des Menschen. Die Persönlichkeit wurde im Kampf gegen „Leidenschaften“ bestätigt, befreit von egoistischen materiellen Interessen. Das rationale, spirituelle Prinzip in einer Person wurde als die wichtigste Eigenschaft einer Person betrachtet. Die Idee der Größe der Vernunft, die die Menschen vereint, fand ihren Ausdruck in der Schaffung der Kunsttheorie der Klassiker. In der Ästhetik des Klassizismus wird es als Möglichkeit gesehen, das Wesen der Dinge nachzuahmen. „Tugend“, schrieb Sumarokow, „verdanken wir nicht unserer Natur. Moral und Politik machen uns nützlich für das Gemeinwohl im Sinne von Aufklärung, Vernunft und Läuterung der Herzen. Und ohne das hätten sich die Menschen längst gegenseitig spurlos ausgerottet.

Klassizismus - urbane, großstädtische Poesie. Es gibt fast keine Naturbilder darin, und wenn Landschaften gegeben sind, dann städtische, werden Bilder künstlicher Natur gezeichnet: Plätze, Grotten, Brunnen, beschnittene Bäume.

Diese Richtung wird gebildet, indem sie den Einfluss anderer gesamteuropäischer Kunstrichtungen erfährt, die in direktem Kontakt mit ihr stehen: Sie wird von der ihr vorangegangenen Ästhetik abgestoßen. und widersetzt sich der Kunst, die aktiv mit ihr koexistiert, durchdrungen von dem Bewusstsein der allgemeinen Zwietracht, die durch die Krise der Ideale der vergangenen Epoche erzeugt wurde. In Fortsetzung einiger Traditionen der Renaissance (Bewunderung für die Antike, Glaube an die Vernunft, das Ideal von Harmonie und Maß) war der Klassizismus eine Art Antithese dazu; hinter der äußeren Harmonie verbirgt sich die innere Antinomie der Weltanschauung, die sie (bei all ihren tiefen Unterschieden) mit dem Barock verwandt macht. Generisches und Individuelles, Öffentliches und Privates, Vernunft und Gefühl, Zivilisation und Natur, die in der Kunst der Renaissance (in einer Tendenz) als harmonisches Ganzes wirkten, im Klassizismus polarisiert sind, werden zu sich gegenseitig ausschließenden Begriffen. Dies spiegelte einen neuen historischen Zustand wider, als die politischen und privaten Sphären zu zerfallen begannen, und Öffentlichkeitsarbeit zu einer separaten und abstrakten Kraft für eine Person werden.

Der Klassizismus hatte für seine Zeit eine positive Bedeutung. Schriftsteller proklamierten die Bedeutung einer Person, die ihre bürgerlichen Pflichten erfüllt, versuchten, eine Person zum Bürger zu erziehen; entwickelte die Frage nach Gattungen, deren Kompositionen, straffte die Sprache. Der Klassizismus versetzte der mittelalterlichen Literatur einen vernichtenden Schlag, voller Glaube an das Wunderbare, an Gespenster, indem er das menschliche Bewusstsein den Lehren der Kirche unterordnete.

Der Klassizismus der Aufklärung wurde früher als andere in der ausländischen Literatur gebildet. In Werken, die sich dem 18. Jahrhundert widmen, wird dieser Trend oft als der „hohe“ Klassizismus des 17. Jahrhunderts, der in Verfall geraten ist, bewertet. Dies ist nicht ganz richtig. Natürlich gibt es eine Sukzession zwischen Aufklärung und "hohem" Klassizismus, aber der aufklärerische Klassizismus ist eine integrale künstlerische Bewegung, die das bisher ungenutzte künstlerische Potenzial der klassischen Kunst offenbart und aufklärerische Züge hat.

Die literarische Lehre des Klassizismus war mit fortgeschrittenen philosophischen Systemen verbunden, die eine Reaktion auf die mittelalterliche Mystik und Scholastik darstellten. Diese philosophischen Systeme waren insbesondere die rationalistische Theorie von Descartes und die materialistische Lehre von Gassendi. Einen besonders großen Einfluss auf die Gestaltung der ästhetischen Prinzipien des Klassizismus hatte die Philosophie von Descartes, der die Vernunft zum einzigen Kriterium der Wahrheit erklärte. In der Theorie von Descartes wurden die materialistischen Prinzipien, die auf den Daten der exakten Wissenschaften beruhen, in besonderer Weise mit den idealistischen Prinzipien verbunden, mit der Behauptung der entscheidenden Überlegenheit des Geistes, des Denkens über die Materie, des Seins, mit der Theorie der sogenannten "angeborenen" Ideen.

Der Vernunftkult liegt der Ästhetik des Klassizismus zugrunde. Da für die Anhänger der Theorie des Klassizismus jedes Gefühl zufällig und willkürlich war, war für sie das Maß des Wertes eines Menschen die Übereinstimmung seines Handelns mit den Gesetzen der Vernunft. Der Klassizismus stellte dem Menschen vor allem die „vernünftige“ Fähigkeit zur Unterdrückung persönlicher Gefühle und Leidenschaften in sich selbst im Namen der Staatspflicht auf. Ein Mensch ist in den Werken der Klassizismus-Anhänger zunächst ein Diener des Staates, ein Mensch überhaupt, weil sich aus dem Prinzip der Unterordnung des Besonderen unter das Allgemeine naturgemäß die Ablehnung des Innenlebens des Einzelnen ergibt vom Klassizismus proklamiert. Der Klassizismus zeigte weniger Menschen als Charaktere, Bilder-Konzepte. Aus diesem Grund wurde eine Typisierung in Form von Bildmasken durchgeführt, die die Verkörperung menschlicher Laster und Tugenden waren. Ebenso abstrakt war das zeitlose und raumlose Umfeld, in dem diese Bilder agierten. Der Klassizismus war auch dort ahistorisch, wo er sich der Darstellung historischer Ereignisse und historischer Figuren zuwandte, denn die Schriftsteller interessierten sich nicht für historische Authentizität, sondern für die Möglichkeit, durch den Mund pseudohistorischer Helden ewiger und allgemeiner Wahrheiten, ewiger und allgemeiner Eigenschaften von Charakteren, die Menschen aller Zeiten und Völker angeblich innewohnen.

Kapitel 3

Der Theoretiker des französischen Klassizismus, Nicolas Boileau, skizzierte in seiner Abhandlung The Art of Poetry (1674) die Prinzipien der klassizistischen Poetik in der Literatur wie folgt:

Aber Malherbe kam und zeigte es den Franzosen

Ein einfacher und harmonischer Vers, der den Musen in allem gefällt,

Er befahl der Harmonie, der Vernunft zu Füßen zu fallen

Und indem er die Worte platzierte, verdoppelte er ihre Kraft.

Nachdem wir unsere Zunge von Grobheit und Schmutz gereinigt haben,

Er bildete einen anspruchsvollen und treuen Geschmack,

Die Leichtigkeit des Verses wurde genau verfolgt

Und der Zeilenumbruch war streng verboten.

Boileau hat das argumentiert Literarische Arbeit alles sollte auf Vernunft beruhen, auf tief durchdachten Prinzipien, Regeln.

In der Theorie des Klassizismus manifestierte sich auf seine Weise der Wunsch nach der Wahrheit des Lebens. Boileau erklärte: „Nur das Wahre ist schön“ und forderte die Nachahmung der Natur. Allerdings haben sowohl Boileau selbst als auch die meisten Schriftsteller, die sich unter dem Banner des Klassizismus vereinten, den Begriffen „Wahrhaftigkeit“ und „Natur“ aufgrund des soziohistorischen Wesens dieser literarischen Bewegung eine begrenzte Bedeutung beigemessen. Mit der Aufforderung, die Natur nachzuahmen, hatte Boileau nicht irgendeine Natur im Sinn, sondern nur die „schöne Natur“, die zwar zur Abbildung der Wirklichkeit führte, aber verschönert, „geadelt“. Der poetische Kodex von Boileau schützte die Literatur vor dem Eindringen der demokratischen Strömung in sie. Und es ist ganz bezeichnend, dass Boileau ihn bei aller Freundschaft mit Moliere dafür verurteilte, dass er oft von den ästhetischen Anforderungen des Klassizismus abwich und der künstlerischen Erfahrung des Volkstheaters folgte. Als höchste Autoritäten in Sachen poetischer Kunst, die ewige und unbenannte Lösungen für ideologische und künstlerische Probleme gaben, erkannte der Klassizismus die antiken - griechischen und römischen - Klassiker an und erklärte ihre Werke zu "Modellen" zur Nachahmung. Die Poetik des Klassizismus stützte sich weitgehend auf die mechanischen und historisch assimilierten Regeln der antiken Poetik (Aristoteles und Horaz). Insbesondere die Regeln der sogenannten drei Einheiten (Zeit, Ort und Handlung), die für den Dramatiker der Schule des Klassizismus obligatorisch sind, gehen auf die alte Tradition zurück.

Alexander Pope (1688-1744) ist der bedeutendste Vertreter der englischen gegenständlichen klassizistischen Dichtung.

In An Essay on Criticism (1711) fasste er unter Berufung auf Boileaus Poetic Art und Horaces Science of Poetry die klassizistischen Prinzipien zusammen und entwickelte sie mit ungewöhnlicher Weitsicht für einen jungen Mann mit aufklärerischem Geist. Er betrachtete "Nachahmung der Natur" als Nachahmung eines antiken Modells. An den Begriffen „Maß“, „Relevanz“, „Plausibilität“ festhaltend, forderte er als Bildungshumanist ein vernünftiges, „natürliches“ Leben. Papst betrachtete den Geschmack als angeboren, der jedoch unter dem Einfluss der Bildung richtig wurde und daher einer Person jeder Klasse innewohnt. Er widersetzte sich dem pompösen Stil des Barock, aber die „Einfachheit“ der Sprache erschien in seinem Verständnis als „Klarheit“ und „Relevanz“ des Stils, und nicht die Erweiterung des Wortschatzes und die Demokratisierung von Ausdrücken. Wie alle Aufklärer stand Papst dem „barbarischen“ Mittelalter ablehnend gegenüber. Im Allgemeinen ging Papst über die strenge klassizistische Lehre hinaus: Er leugnete nicht die Möglichkeit, von alten Regeln abzuweichen; er erkannte den Einfluss von „Genie“ und „Klima“ auf das Erscheinen von Meisterwerken der Kunst, nicht nur im antiken Griechenland und Rom. Indem er sich gegen die zwölfsilbige Strophe aussprach, trug er zur endgültigen Genehmigung des heroischen Verses bei. In An Essay on Criticism berührte Pope nicht nur allgemeine Themen – Egoismus, Witz, Demut, Stolz usw. – sondern auch besondere Themen, einschließlich der Motive von Kritikern.

Die französische Klassik erreichte ihren Höhepunkt in den Tragödien von Corneille und Racine, in den Fabeln von Lafontaine und den Komödien von Molière. Allerdings ist die künstlerische Praxis dieser Koryphäen der Franzosen Literatur XVIII Jahrhundert oft von den theoretischen Vorgaben des Klassizismus abgewichen. So gelang es ihnen beispielsweise trotz der Ein-Linearität, die dieser Richtung im Bild einer Person innewohnt, komplexe Charaktere voller innerer Widersprüche zu schaffen. In den Tragödien von Corneille und Racine verbindet sich die Predigt einer öffentlichen „angemessenen“ Pflicht mit der Betonung der tragischen Unausweichlichkeit der Unterdrückung persönlicher Gefühle und Neigungen. In den Werken von La Fontaine und Moliere – Autoren, deren Werk eng mit der humanistischen Literatur der Renaissance und der Folklore verbunden war – sind demokratische und realistische Tendenzen tief entwickelt. Aus diesem Grund sind einige Komödien Molières wesentlich und äußerlich mit der dramatischen Theorie des Klassizismus verbunden.

Moliere glaubte, dass die Komödie zwei Aufgaben hat: zu lehren und zu unterhalten. Nimmt man der Komödie ihre erbauliche Wirkung, wird sie zu leerem Spott; nimmt man ihm seine unterhaltenden Funktionen, so hört er auf, Komödie zu sein, und auch die moralisierenden Ziele werden nicht erreicht. Mit einem Wort: "Die Pflicht der Komödie ist es, die Menschen zu korrigieren, indem man sie amüsiert."

Molieres Vorstellungen über die Aufgaben der Komödie gehen nicht über den Kreis der klassizistischen Ästhetik hinaus. Die Aufgabe der Komödie, wie er sie sich vorstellte, „besteht darin, auf der Bühne eine gefällige Darstellung gewöhnlicher Laster zu geben“. Er zeigt hier die Neigung der Klassiker zur rationalistischen Abstraktion der Typen. Molieres Komödien berühren ein breites Spektrum von Problemen des modernen Lebens: Beziehungen zwischen Vätern und Kindern, Erziehung, Ehe und Familie, die moralische Verfassung der Gesellschaft (Heuchelei, Eigennutz, Eitelkeit usw.), Klasse, Religion, Kultur, Wissenschaft (Medizin, Philosophie) etc. . Dieser Themenkomplex wird anhand von Pariser Stoffen gelöst, mit Ausnahme der Gräfin d'Escarbagna, deren Handlung in der Provinz spielt. Molière entnimmt Handlungen nicht nur aus dem wirklichen Leben, er schöpft sie aus der Antike (Plavt, Terence) und italienische und spanische Dramaturgie der Renaissance (N. Barbieri, N. Secchi, T. de Molina) sowie in der französischen mittelalterlichen Volkstradition (Fablios, Farces).

Racine J en ist ein französischer Dramatiker, dessen Werk den Höhepunkt des klassischen französischen Theaters darstellt. Die einzige Komödie von Racine Sutyagi wurde 1668 aufgeführt. 1669 wurde die Tragödie Britannicus mit mäßigem Erfolg gespielt. In Andromache verwendete Racine zunächst ein Handlungsschema, das in seinen späteren Stücken üblich wurde: A verfolgt B, und er liebt C. Eine Variante dieses Modells wird in Britannica gegeben, wo die kriminellen und unschuldigen Paare gegenüberstehen: Agrippina und Nero - Junia und Britannicus. Die Produktion von Berenice im nächsten Jahr mit Racines neuer Geliebter Mademoiselle de Chanmelet wurde zu einem der größten Mysterien der Literaturgeschichte. Es wurde behauptet, dass Racine in den Bildern von Titus und Berenice auch seine Schwiegertochter Henrietta von England hervorbrachte, die Racine und Corneille angeblich auf die Idee brachte, ein Stück über dieselbe Handlung zu schreiben. Jetzt scheint die Version zuverlässiger, dass die Liebe von Titus und Berenice eine kurze, aber stürmische Romanze des Königs mit Maria Mancini widerspiegelte, der Nichte von Kardinal Mazarin, die Ludwig auf den Thron setzen wollte. Auch die Version der Rivalität zwischen den beiden Dramatikern ist umstritten. Es ist möglich, dass Corneille von Racines Absichten erfuhr und gemäß den literarischen Sitten des 17. Jahrhunderts seine Tragödie Titus und Berenice in der Hoffnung schrieb, seinen Rivalen zu besiegen. Wenn ja, hat er leichtsinnig gehandelt: Racine hat den Wettbewerb triumphal gewonnen.

Jean de la Fontaine(1621–1695), französischer Dichter. 1667 wurde die Herzogin von Bouillon Patronin von La Fontaine. Er komponierte weiterhin Gedichte mit recht freiem Inhalt und veröffentlichte 1665 seine erste Sammlung Geschichten in Versen, gefolgt von Tales and Stories in Verse und The Love of Psyche and Cupid. Lafontaine blieb bis 1672 der Protegé der Herzogin von Bouillon und wollte ihr gefallen. Er begann Fabeln zu schreiben und veröffentlichte 1668 die ersten sechs Bücher. Während dieser Zeit gehörten zu seinen Freunden N. Boileau-Despreo, Madame de Sevigne und J. Racine und Moliere. Der Dichter, der schließlich unter der Schirmherrschaft der Marquise de la Sablière stand, vollendete 1680 die Veröffentlichung von zwölf Büchern mit "Fabeln" und wurde 1683 zum Mitglied der französischen Akademie gewählt. Lafontaine starb am 14. April 1695 in Paris.

Die Geschichten in Versen und kurzen Gedichten von Lafontaine sind heute fast vergessen, obwohl sie voller Witz sind und ein Beispiel der klassizistischen Gattung darstellen. Der Mangel an moralischer Erbauung steht auf den ersten Blick in klarem Widerspruch zum Wesen der Gattung. Aber bei einer sorgfältigeren Analyse wird deutlich, dass viele der Fabeln von Äsop, Phaidros, Nevle und anderen Autoren in der Anordnung von Lafontaine ihre lehrreiche Bedeutung verloren haben, und wir verstehen, dass sich hinter den traditionellen Urteilen nicht ganz orthodoxe Urteile verbergen bilden.

Lafontaines Fabeln zeichnen sich durch ihre Vielfalt, rhythmische Perfektion, den geschickten Einsatz von Archaismen (die den Stil des mittelalterlichen Fuchsromans wiederbeleben), ihre nüchterne Weltanschauung und ihren tiefen Realismus aus. Ein Beispiel ist die Fabel „Der Wolf und der Fuchs im Prozess vor dem Affen“:

Der Wolf richtete eine Bitte an den Affen,

Lisa wurde vorgeworfen, darin geschummelt zu haben

Und im Diebstahl; Füchse Temperament ist bekannt

Schlau, schlau und unehrlich.

Und jetzt wird Lisa vor Gericht geladen.

Der Fall wurde ohne Anwälte behandelt, -

Der Wolf klagte an, der Fuchs verteidigte sich;

Natürlich stand jeder für seinen eigenen Vorteil.

Themis niemals, so der Richter,

So einen verwirrenden Fall gab es noch nie ...

Und der Affe dachte, stöhnte,

Und nach Streitigkeiten, Schreien und Reden,

Sowohl der Wolf als auch der Fuchs kennen die Manieren sehr gut,

Sie sagte: „Nun, Sie liegen beide falsch;

Ich kenne dich schon lange...

Ich lese jetzt mein Urteil vor:

Der Wolf ist schuldig an der Falschheit der Anklage,

Der Fuchs hat sich des Raubes schuldig gemacht."

Der Richter entschied, dass er recht haben würde

Bestrafung derjenigen, bei denen die Diebe ein Temperament haben.

In dieser Fabel werden unter dem Deckmantel von Tieren echte Menschen dargestellt, nämlich: der Richter, der Kläger und der Angeklagte. Und was sehr wichtig ist, es sind die Leute der Bourgeoisie, die dargestellt werden, und nicht die Bauern.

Der französische Klassizismus manifestierte sich am deutlichsten in der Dramaturgie, aber in der Prosa, wo die Anforderungen an die Einhaltung ästhetischer Normen weniger streng waren, schuf er ein ihm innewohnendes eigentümliches Genre - das Genre des Aphorismus. In Frankreich des 17. Jahrhunderts erschienen mehrere Schriftsteller - Aphoristen. Das sind die Schriftsteller, die keine Romane, Kurzgeschichten oder Kurzgeschichten geschaffen haben, sondern nur kurze, extrem komprimierte Prosa-Miniaturen oder ihre Gedanken aufgeschrieben haben – die Frucht der Beobachtungen und Reflexionen des Lebens.

Kapitel 4

In Russland findet die Herausbildung des Klassizismus fast ein dreiviertel Jahrhundert später statt als in Frankreich. Für russische Schriftsteller war Voltaire, ein Vertreter der zeitgenössischen französischen Klassik, nicht weniger eine Autorität als solche Begründer dieser literarischen Bewegung wie Corneille oder Racine.

Die Besonderheiten des russischen Klassizismus sind folgende: Erstens hat der russische Klassizismus von Anfang an eine starke Verbindung zur modernen Realität, die in den besten Werken vom Standpunkt fortschrittlicher Ideen beleuchtet wird.

Das zweite Merkmal des russischen Klassizismus ist der hetzerisch-satirische Strom in ihrem Werk, der durch die fortschrittlichen sozialen Ideen der Schriftsteller bedingt ist. Das Vorhandensein von Satire in den Werken russischer klassischer Schriftsteller verleiht ihren Werken einen vital wahrheitsgetreuen Charakter. Gelebte Moderne, russische Realität, russisches Volk und russische Natur spiegeln sich gewissermaßen in ihren Werken wider.

Das dritte Merkmal des russischen Klassizismus ist aufgrund des leidenschaftlichen Patriotismus russischer Schriftsteller ihr Interesse an der Geschichte ihres Heimatlandes. Sie alle studieren russische Geschichte, schreiben Arbeiten zu nationalen, historischen Themen. Sie bemühen sich, Belletristik und ihre Sprache auf nationaler Ebene zu schaffen, geben ihr ein eigenes, russisches Gesicht, zeigen Aufmerksamkeit für Volkspoesie und Volkssprache.

Neben den allgemeinen Merkmalen, die sowohl dem französischen als auch dem russischen Klassizismus innewohnen, weist letzterer auch solche Merkmale auf, die ihm den Charakter einer nationalen Identität verleihen. Dies ist zum Beispiel ein gesteigertes bürgerlich-patriotisches Pathos, eine viel stärker ausgeprägte anklagend-realistische Tendenz, weniger Entfremdung von der mündlichen Volkskunst. Alltägliche und feierliche Gesänge der ersten Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts bereiteten die Entwicklung verschiedener Lyrikgattungen in der Mitte und zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts weitgehend vor.

Die Hauptsache in der Ideologie des Klassizismus ist Staatspathos. Der in den ersten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts geschaffene Staat wurde zum höchsten Wert erklärt. Die Klassiker glaubten, inspiriert von den petrinischen Reformen, an die Möglichkeit ihrer weiteren Verbesserung. Es schien ihnen ein rational organisierter sozialer Organismus, in dem jeder Stand die ihm zugewiesenen Aufgaben erfüllt. „Bauern pflügen, Kaufleute handeln, Krieger verteidigen das Vaterland, Richter richten, Wissenschaftler pflegen die Wissenschaft“, schrieb A. P. Sumarokov. Das Staatspathos der russischen Klassiker ist ein zutiefst widersprüchliches Phänomen. Sie spiegelte fortschrittliche Tendenzen wider, die mit der endgültigen Zentralisierung Russlands verbunden waren, und gleichzeitig utopische Ideen, die aus einer klaren Überschätzung der sozialen Möglichkeiten des aufgeklärten Absolutismus stammten.

Vier große Literaten trugen zur Anerkennung des Klassizismus bei: A.D. Kantemir, V.K. Trediakovsky, M. V. Lomonosov und A.P. Sumarokow.

A. D. Kantemir lebte in einer Zeit, als gerade die ersten Grundlagen der modernen russischen Literatursprache gelegt wurden; seine Satiren wurden nach dem damals schon überlebten Silbensystem der Verse geschrieben, und dennoch hat der Name Cantemir, so Belinsky, „schon viele vergängliche Berühmtheiten, sowohl klassische als auch romantische, überdauert und wird es noch viele tausend von ihnen überdauern,“ seit Cantemir „erstmals in Russland Poesie zum Leben erweckte. „Symphony on the Psalter“ ist das erste gedruckte Werk von A. Kantemir, aber nicht sein erstes literarisches Werk im Allgemeinen, was durch ein autorisiertes Manuskript der wenig bekannten Übersetzung von Antiochus Kantemir mit dem Titel „Mr. Philosopher Constantine Manassis Synopsis Historical “, datiert 1725.

In der nur ein Jahr später (1726) von A. Cantemir angefertigten „Übersetzung eines bestimmten italienischen Briefes“ ist die Umgangssprache nicht mehr in Form zufälliger Elemente vorhanden, sondern als dominante Norm, obwohl die Sprache dieser Übersetzung ebenfalls vorhanden war Cantemir aus Gewohnheit „herrlich-russisch“ genannt.

Der rasch vollzogene Übergang von kirchenslawischem Wortschatz, Morphologie und Satzbau zur Umgangssprache, als Norm der literarischen Sprache, lässt sich am besten nachvollziehen frühe Arbeiten A. Kantemir, spiegelte nicht nur die Entwicklung seiner Indie-idealen Sprache und seines Stils wider, sondern auch die Entwicklung des sprachlichen Bewusstseins der Epoche und die Entstehung der russischen Literatursprache als Ganzes.

Bis 1726-1728 sollte die Arbeit von A. Cantemir über Liebesgedichte, die uns nicht überliefert sind, zugeschrieben werden, über die er später mit einem gewissen Bedauern in der zweiten Ausgabe der IV-Satire schrieb. In dieser Zeit zeigte Antioch Cantemir ein verstärktes Interesse an der französischen Literatur, was sowohl durch die oben erwähnte „Übersetzung eines bestimmten italienischen Briefes“ als auch durch Cantemirs Notizen in seinem Kalender von 1728 bestätigt wird, aus denen wir von der Bekanntschaft des jungen Schriftstellers erfahren mit französischen Satirezeitschriften englischen Typs wie „Le Mentor moderne“, sowie mit den Werken von Molière („Der Menschenfeind“) und den Komödien von Marivaux. Der gleichen Zeit sind auch die Arbeiten von A. Cantemir über die Übersetzung der vier Satiren von Boileau ins Russische und die Abfassung der Originalgedichte „Über ein ruhiges Leben“ und „Über Zoila“ zuzuordnen.

Die frühen Übersetzungen von A. Cantemir und seinen Liebeslyriken waren nur eine Vorstufe im Werk des Dichters, die erste Kraftprobe, die Entwicklung von Sprache und Stil, der Art der Darstellung, der eigenen Weltanschauung.

Gedichte aus Philosophischen Briefen

Ich ehre hier das Gesetz, gehorche den Rechten;

Es steht mir jedoch frei, nach meinen Chartas zu leben:

Der Geist ist ruhig, jetzt geht das Leben ohne Unglück weiter,

Jeden Tag, um meine Leidenschaften auszurotten

Und wenn ich auf die Grenze schaue, errichte ich das Leben,

Gelassen führe ich meine Tage zu Ende.

Ich vermisse niemanden, Strafen sind nicht nötig,

Ich bin froh, dass ich die Tage meiner Wünsche verkürzt habe.

Ich kenne jetzt die Vergänglichkeit meines Alters,

Ich will nicht, ich habe keine Angst, ich erwarte den Tod.

Wenn du mir unwiderruflich gnädig bist

Reveal, dann bin ich rundum zufrieden.

Ab 1729 beginnt die Zeit der Schaffensreife des Dichters, in der er seine Aufmerksamkeit ganz bewusst fast ausschließlich auf die Satire richtet:

Mit einem Wort, in Satiren will ich alt werden,

Und ich kann nicht nicht schreiben: Ich kann es nicht ertragen.

(IV Satire, I Hrsg.)

Die erste Satire von Cantemir, „Über diejenigen, die die Lehren lästern“ („Dem eigenen Geist“), war ein Werk von großer politischer Resonanz, da es sich gegen die Ignoranz als spezifische soziale und politische Kraft und nicht als abstraktes Laster richtete ; gegen Ignoranz „im gestickten Kleid“, gegen die Transformationen von Peter I und Aufklärung, gegen die Lehren von Copernicus und den Buchdruck; die Ignoranz der Militanten und Triumphierenden; ausgestattet mit der Autorität der staatlichen und kirchlichen Autoritäten.

Stolz, Faulheit, Reichtum - Weisheit siegte,
Unwissenheit ist bereits ein fester Ort;
Es ist stolz unter der Mitra, geht in einem bestickten Kleid,
Es richtet das rote Tuch, führt die Regimenter.
Die Wissenschaft ist zerfetzt, in Lumpen gehüllt,
Von allen vornehmsten Häusern wurde sie mit einem Fluch niedergeschossen.

Im Gegensatz zum Vorwort zur Satire, in dem der Autor dem Leser zu versichern versuchte, alles sei „zum Spaß geschrieben“ und er, der Autor, sich „niemanden bestimmtes eingebildet“ habe, richtete sich Cantemirs erste Satire durchaus dagegen bestimmte und "besondere" Personen, - das waren die Feinde der Sache von Peter und der "wissenschaftlichen Truppe". „Der Charakter des Bischofs“, schrieb Cantemir in einer der Notizen zur Satire, „obwohl der Autor ihn von einer unbekannten Person beschreibt, hat er viele Ähnlichkeiten mit D ***, der bei Zeremonien im Freien das gesamte Amt des Hohepriesters versorgte .“ In der Satire eines Geistlichen verspottend, dessen gesamte Ausbildung sich auf die Assimilation des „Steins des Glaubens“ von Stefan Yavorsky beschränkt, verwies Kantemir unmissverständlich auf seine eigene ideologische Position – ein Unterstützer der „wissenschaftlichen Truppe“. Die von Cantemir geschaffenen Kirchenmännerbilder entsprachen sehr realen Vorbildern, und doch waren es Verallgemeinerungen, sie erregten die Gemüter, reaktionäre Kirchenmänner neuer Generationen erkannten sich in ihnen weiter, als der Name Antiochus Cantemir zum Eigentum der Geschichte wurde und als die Namen von Georgy Dashkov und seinen Mitarbeitern wurden völlig in Vergessenheit geraten.

Wenn Kantemir Proben russischer Satire gab, dann gehört Trediakovsky zur ersten russischen Ode, die 1734 als separate Broschüre unter dem Titel „Ode feierlich über die Kapitulation der Stadt Danzig“ (Danzig) veröffentlicht wurde. Es sang von der russischen Armee und Kaiserin Anna Ioannovna. 1752 wurde im Zusammenhang mit dem fünfzigsten Jahrestag der Gründung von St. Petersburg das Gedicht "Lob an das Izherskaya-Land und die regierende Stadt St. Petersburg" geschrieben. Dies ist eines der ersten Werke, das die nördliche Hauptstadt Russlands verherrlicht.

Neben siegreich und lobenswert schrieb Trediakovsky auch "spirituelle" Oden, dh poetische Transkriptionen ("Paraphrasen") biblischer Psalmen. Am erfolgreichsten von ihnen ist die Paraphrase "The Second Songs of Moses", die mit Versen begann:

Wonmi oh! Himmel und Fluss

Lass die Erde den Mund der Verben hören:

Wie Regen werde ich mit einem Wort fließen;

Und sie werden herabsteigen wie Tau zu einer Blume,

Meine Sendungen sind ausgefallen.

Sehr herzliche Gedichte sind „Lobgedichte für Russland“, in denen Trediakovsky klare und präzise Worte findet, um sowohl seine große Bewunderung für das Vaterland als auch die Sehnsucht nach seiner Heimat zum Ausdruck zu bringen.

Ich fange mit der Flöte an, Gedichte sind traurig,

Vergebens nach Russland durch ferne Länder:

Für den ganzen Tag zu mir ihre Freundlichkeit

Mit dem Verstand zu denken ist eine kleine Jagd.

Mutter russisch! mein unendliches Licht!

Lass mich dein treues Kind fragen,

Oh, wie rot sitzt du auf dem Thron!

Der russische Himmel, du bist die Sonne, ist klar

Goldene Zepter malen alle anderen,

Und kostbarer Porphyr, Mitra;

Du hast dein Zepter mit dir selbst geschmückt,

Und sie ehrte die Krone mit einem hellen Lyzeum ...

Um 1735 geht die „Epistole from Russian Poetry to Apollinus“ (an Apollo) zurück, in der der Autor einen Überblick über die europäische Literatur unter besonderer Berücksichtigung der antiken und französischen Literatur gibt. Letzteres wird durch die Namen Malherbe, Corneille, Racine, Moliere, Boileau, Voltaire repräsentiert. Die feierliche Einladung „Apollins“ nach Russland symbolisierte die Annäherung der russischen Poesie an die jahrhundertealte europäische Kunst.

Der nächste Schritt, den russischen Leser mit der europäischen Klassik bekannt zu machen, war die Übersetzung von Boileaus Abhandlung Die Kunst der Poesie (aus Trediakovskys The Science of Poetry) und Horaces Epistle to the Pisons. Hier werden nicht nur „exemplarische“ Schriftsteller vorgestellt, sondern auch poetische „Regeln“, an die sich nach fester Überzeugung des Übersetzers auch russische Autoren halten müssen. Trediakovsky schätzte Boileaus Abhandlung sehr und betrachtete sie als den vollkommensten Leitfaden auf dem Gebiet des künstlerischen Schaffens. „Seine piitistische Wissenschaft“, schrieb er, „scheint vor allem ausgezeichnet zu sein, sowohl in der Begründung der Verskomposition und der Reinheit der Sprache als auch in der Begründung ... der darin vorgeschlagenen Regeln.“

1751 veröffentlichte Trediakovsky seine eigene Übersetzung des Romans Argenida des englischen Schriftstellers John Barclay. Der Roman wurde in lateinischer Sprache verfasst und gehörte zu den moralischen und politischen Werken. Die Wahl von Trediakovsky ist kein Zufall, da die Probleme von Argenida die politischen Aufgaben Russlands zu Beginn des 18. Jahrhunderts widerspiegelten. Der Roman verherrlichte den „aufgeklärten“ Absolutismus und verurteilte aufs Schärfste jede Opposition gegen die höchste Macht, von religiösen Sekten bis hin zu politischen Bewegungen. Diese Ideen entsprachen der Ideologie des frühen russischen Klassizismus. Im Vorwort des Buches wies Trediakovsky darauf hin, dass die darin dargelegten staatlichen „Regeln“ für die russische Gesellschaft nützlich seien.

1766 veröffentlichte Trediakovsky ein Buch mit dem Titel „Tilemakhida oder die Wanderung des Tilemakh, des Sohnes des Odysseus, beschrieben als Teil einer ironischen Piima“ – eine freie Übersetzung des Romans des frühen französischen Pädagogen Fenelon „Die Abenteuer des Telemachus“. Fenelon schrieb sein Werk in den letzten Jahren der Herrschaft Ludwigs XIV., als Frankreich unter verheerenden Kriegen litt, deren Folge der Niedergang von Landwirtschaft und Handwerk war.

Die historische und literarische Bedeutung der Tilemakhida liegt jedoch nicht nur in ihrem kritischen Inhalt, sondern auch in den komplexeren Aufgaben, die sich Trediakovsky als Übersetzer stellte. Im Kern ging es nicht um eine Übersetzung im üblichen Sinne des Wortes, sondern um eine radikale Überarbeitung der eigentlichen Gattung Buch. Auf der Grundlage von Fenelons Roman schuf Trediakovsky ein Heldengedicht nach dem Vorbild des homerischen Epos und nannte das Buch seiner Aufgabe entsprechend nicht „Die Abenteuer des Telemachos“, sondern „Tilemachis“.

Trediakovsky verwandelt den Roman in ein Gedicht und führt viele Dinge ein, die nicht in Fenelons Buch standen. Der Anfang des Gedichts gibt also den Anfang wieder, der für das antike griechische Epos charakteristisch ist. Hier ist das berühmte „Ich singe“ und der Hilferuf an die Muse und Zusammenfassung den Inhalt der Arbeit. Fenelons Roman ist in Prosa geschrieben, Trediakovskys Gedicht in Hexametern. Der Stil des fenelonischen Romans wird ebenso radikal aktualisiert. Laut AN Sokolov "entsprach Fenelons prägnante, strenge Prosa, geizig mit Prosaverzierungen, nicht den Stilprinzipien des poetischen Epos als Hochgenre ... Trediakovsky poetisiert Fenelons Prosastil." Zu diesem Zweck führt er komplexe Beinamen in Tilemakhida ein, die so charakteristisch für das homerische Epos sind und in Fenelons Roman völlig fehlen: honigfließend, vielstrahlig, scharf-ernst, umsichtig, blutend. Es gibt mehr als hundert solcher komplexer Adjektive in Trediakovskys Gedicht. Nach dem Vorbild komplexer Epitheta entstehen komplexe Substantive: Lichtdurchlässigkeit, Kampf, gute Nachbarschaft, Pracht.

Trediakovsky bewahrte sorgfältig das aufklärerische Pathos von Fenelons Roman. Ging es bei den Argeniden um die Rechtfertigung des Absolutismus, der jeglichen Ungehorsam unterdrückt, so wird bei den Tilemakhis die höchste Macht zum Gegenstand der Verurteilung. Es spricht von der Despotie der Herrscher, ihrer Sucht nach Luxus und Glückseligkeit, der Unfähigkeit der Könige, tugendhafte Menschen von Gier und Geldräubern zu unterscheiden, Schmeichlern, die den Thron umgeben und Monarchen daran hindern, die Wahrheit zu sehen.

Ich fragte ihn, worin besteht die zaristische Souveränität?

Er antwortete: Der König ist in allem mächtig über das Volk,

Aber die Gesetze über ihm sind natürlich in allem mächtig.

"Tilemakhida" verursachte sowohl bei Zeitgenossen als auch bei Nachkommen eine andere Einstellung zu sich selbst. In Tilemakhida demonstrierte Trediakovsky anschaulich die Vielfalt der Möglichkeiten des Hexameters als epischer Vers. Trediakovskys Erfahrung wurde später von N. I. Gnedich bei der Übersetzung der Ilias und V. A. Zhukovsky in seiner Arbeit über die Odyssee genutzt.

Lomonosovs erstes Werk, das sich mit Sprachproblemen befasste, war der Brief über die Regeln der russischen Poesie (1739, veröffentlicht 1778), der in Deutschland geschrieben wurde und in dem er die Anwendbarkeit der syllabo-tonischen Verse auf die russische Sprache begründete.

Laut Lomonosov, jeder Literarisches Genre sollte in einer gewissen "Ruhe" geschrieben werden: "hohe Ruhe" ist "erforderlich" für Heldengedichte, Oden, "prosaische Reden über wichtige Dinge"; Mitte - für poetische Botschaften, Elegien, Satiren, beschreibende Prosa usw .; niedrig - für Komödien, Epigramme, Lieder, "Schriften der gewöhnlichen Angelegenheiten". "Shtils" wurden zunächst im Bereich des Wortschatzes nach dem Verhältnis von neutralen (gemeinsam für russische und kirchenslawische Sprachen), kirchenslawischen und russischen Umgangswörtern geordnet. "Hohe Ruhe" ist durch eine Kombination slawischer Wörter mit neutralen Wörtern gekennzeichnet, "mittlere Ruhe" basiert auf einem neutralen Vokabular mit einer bestimmten Anzahl slawischer Wörter und umgangssprachlicher Wörter, "niedrige Ruhe" kombiniert neutral und umgangssprachlich Wörter. Ein solches Programm ermöglichte es, die noch in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts spürbare russisch-kirchenslawische Diglossie zu überwinden und eine einheitliche stilistisch differenzierte Literatursprache zu schaffen. Die Theorie der "drei Ruhen" hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Literatursprache in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. bis hin zu den Aktivitäten der Schule von N. M. Karamzin (seit den 1790er Jahren), die die Weichen für die Annäherung der russischen Schriftsprache an die gesprochene Sprache stellten.

Lomonosovs poetisches Erbe umfasst feierliche Oden, philosophische Oden-Reflexionen „Morgenreflexion über Gottes Majestät“ (1743) und „Abendreflexion über Gottes Majestät“ (1743), poetische Transkriptionen von Psalmen und die angrenzende Ode, ausgewählt aus Hiob (1751), dem Unvollendeten Heldengedicht Peter der Große (1756–1761), satirische Gedichte (Hymne an den Bart, 1756–1757 usw.), das philosophische „Gespräch mit Anacreon“ (Übersetzung der anacreontischen Oden in Verbindung mit eigenen Antworten darauf; 1757 –1761), Heldenidylle Polydor (1750), zwei Tragödien, zahlreiche Gedichte zu verschiedenen Festlichkeiten, Epigramme, Parabeln, übersetzte Gedichte.

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Der Klassizismus markierte eine wichtige Etappe in der Entwicklung der russischen Literatur. Zur Zeit der Etablierung dieser literarischen Strömung war die historische Aufgabe der Verwandlung gelöst. Gleichzeitig wurde ein solides Fundament für die Bildung der russischen Literatursprache gelegt, indem der Widerspruch zwischen dem neuen Inhalt und den alten Ausdrucksformen beseitigt wurde, der sich in seiner ganzen Schärfe in der Literatur der ersten drei Jahrzehnte offenbarte das 18. Jahrhundert.

Kapitel 5

Als literarischer Trend zeichnete sich der russische Klassizismus durch seine innere Komplexität, Heterogenität aufgrund der unterschiedlichen ideologischen und literarischen und künstlerischen Merkmale der Arbeit seiner Gründer aus. Die führenden Gattungen, die von den Vertretern des Klassizismus in der Etablierungszeit dieser literarischen Strömung entwickelt wurden, waren einerseits Ode und Tragödie, die in positiven Bildern die Ideale des aufgeklärten Absolutismus propagierten, andererseits Satire Genres, die gegen die politische Reaktion, gegen die Feinde der Aufklärung, gegen soziale Laster usw.

Der russische Klassizismus schreckte nicht vor nationaler Folklore zurück. Im Gegenteil, in der Wahrnehmung der Tradition der volkspoetischen Kultur in bestimmten Genres fand er Anreize für seine Bereicherung. Schon bei den Anfängen der neuen Richtung, der Reform der russischen Verse, bezieht sich Trediakovsky direkt auf die Lieder des einfachen Volkes als Vorbild, dem er bei der Festlegung seiner Regeln folgte.

Im rein künstlerischen Bereich standen die russischen Klassiker vor so schwierigen Aufgaben, die ihre europäischen Kollegen nicht kannten. Französische Literatur Mitte des 17. Jahrhunderts. verfügte bereits über eine gut ausgearbeitete Literatursprache und weltliche Gattungen, die sich über einen langen Zeitraum entwickelt hatten. Russische Literatur zu Beginn des 18. Jahrhunderts. hatte weder das eine noch das andere. Daher der Anteil der russischen Schriftsteller des zweiten Drittels des 18. Jahrhunderts. Die Aufgabe bestand nicht nur darin, eine neue literarische Strömung zu schaffen. Sie sollten die Literatursprache reformieren, bis dahin in Russland unbekannte Gattungen beherrschen. Jeder von ihnen war ein Pionier. Kantemir legte den Grundstein für die russische Satire, Lomonossow legitimierte die Gattung der Oden, Sumarokow trat als Autor von Tragödien und Komödien auf. Im Bereich der literarischen Sprachreform Hauptrolle gehörte Lomonossow.

Die kreative Tätigkeit russischer Klassiker wurde von zahlreichen theoretischen Arbeiten auf dem Gebiet der Gattungen, der Literatursprache und der Verse begleitet und unterstützt. Trediakovsky schrieb eine Abhandlung mit dem Titel „A New and Short Way to Add Russian Poetry“, in der er die Grundprinzipien eines neuen Silben-Tonika-Systems begründete. Lomonosov führte in seiner Diskussion „Über die Nützlichkeit von Kirchenbüchern in russischer Sprache“ eine Reform der literarischen Sprache durch und schlug die Lehre von den „drei Ruhen“ vor. Sumarokov beschrieb in seiner Abhandlung „Unterweisung für diejenigen, die Schriftsteller werden wollen“ den Inhalt und Stil klassischer Genres.

Russischer Klassizismus des 18. Jahrhunderts. hat in seiner Entwicklung zwei Phasen durchlaufen. Der erste von ihnen bezieht sich auf die 30-50er Jahre. Dies ist die Bildung einer neuen Richtung, wenn in Russland bis dahin unbekannte Genres nacheinander geboren werden, die literarische Sprache und Verse reformiert werden. Die zweite Stufe fällt auf die letzten vier Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts. und ist mit den Namen solcher Schriftsteller wie Fonvizin, Kheraskov, Derzhavin, Knyazhnin, Kapnist verbunden. In ihrer Arbeit offenbarte der russische Klassizismus seine ideologischen und künstlerischen Möglichkeiten am vollständigsten und umfassendsten.

Die Originalität des russischen Klassizismus liegt darin, dass er in seiner Entstehungszeit das Pathos des Dienstes am absolutistischen Staat mit den Ideen der frühen europäischen Aufklärung verband. Im Frankreich des 18. Jahrhunderts der Absolutismus hatte seine fortschrittlichen Möglichkeiten bereits erschöpft, und die Gesellschaft stand vor einer bürgerlichen Revolution, die von den französischen Aufklärern ideologisch vorbereitet wurde. In Russland in den ersten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts. Der Absolutismus stand immer noch an der Spitze der fortschreitenden Transformationen des Landes. Daher übernahm der russische Klassizismus in der ersten Phase seiner Entwicklung einige seiner Soziallehren von der Aufklärung. Dazu gehört in erster Linie die Idee des aufgeklärten Absolutismus. An der Spitze des Staates sollte nach dieser Theorie ein weiser, „aufgeklärter“ Monarch stehen, der in seinen Vorstellungen über die eigennützigen Interessen einzelner Stände steht und von jedem einen ehrlichen Dienst zum Wohle der ganzen Gesellschaft fordert. Ein Beispiel für einen solchen Herrscher war der russische Klassiker Peter I., eine einzigartige Person in Bezug auf Geist, Energie und breite Staatsanschauung.

Im Gegensatz zum französischen Klassizismus des 17. Jahrhunderts. und in direkter Übereinstimmung mit dem Zeitalter der Aufklärung im russischen Klassizismus der 30-50er Jahre wurde den Wissenschaften, dem Wissen und der Aufklärung ein großer Platz eingeräumt. Das Land hat den Übergang von der kirchlichen Ideologie zur säkularen vollzogen. Russland brauchte genaues, nützliches Wissen für die Gesellschaft. Lomonosov sprach in fast allen seinen Oden über die Vorteile der Wissenschaften. Die erste Satire von Kantemir „To your mind. Auf diejenigen, die die Lehre lästern." Schon das Wort „aufgeklärt“ bedeutete nicht nur einen gebildeten Menschen, sondern einen Bürger, dem das Wissen half, seine Verantwortung gegenüber der Gesellschaft wahrzunehmen. „Ignoranz“ bedeutete nicht nur Unwissenheit, sondern gleichzeitig Unverständnis für die Pflicht gegenüber dem Staat. In der westeuropäischen Bildungsliteratur des 18. Jahrhunderts, besonders in der späten Entwicklungsphase, wurde „Aufklärung“ durch den Grad der Opposition gegen das Bestehende bestimmt. Im russischen Klassizismus der 30er bis 50er Jahre wurde "Erleuchtung" am Maß des Beamtendienstes für den absolutistischen Staat gemessen. Die russischen Klassiker – Kantemir, Lomonosov, Sumarokov – standen dem Kampf der Aufklärer gegen Kirche und Kirchenideologie nahe. Aber wenn es im Westen darum ging, das Prinzip der religiösen Toleranz und in einigen Fällen den Atheismus zu schützen, dann die russischen Aufklärer in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. verurteilte die Ignoranz und unhöfliche Moral des Klerus, verteidigte die Wissenschaft und ihre Anhänger vor der Verfolgung durch die kirchlichen Autoritäten. Schon die ersten russischen Klassiker kannten die aufschlussreiche Idee der natürlichen Gleichheit der Menschen. „Das Fleisch in deinem Diener ist einseitig“, wies Cantemir einen Adligen darauf hin, der einen Kammerdiener schlug. Sumarokov erinnerte die „edle“ Klasse daran, dass „von Frauen und Damen geboren / Ohne Ausnahme alle Vorfahren Adam“. Aber diese These war damals noch nicht verkörpert in der Forderung nach der Gleichheit aller Klassen vor dem Gesetz. Cantemir forderte die Adligen auf der Grundlage der Prinzipien des "Naturrechts" zu einer humanen Behandlung der Bauern auf. Sumarokov wies auf die natürliche Gleichheit von Adligen und Bauern hin und forderte von den "ersten" Mitgliedern des Vaterlandes der Bildung und des Dienstes, ihren "Adel" und ihre Kommandoposition im Land zu bestätigen.

Wenn in westeuropäischen Versionen des Klassizismus und insbesondere im Genresystem des französischen Klassizismus der dominierende Platz dem dramatischen Genre - Tragödie und Komödie - gehörte, dann verlagert sich im russischen Klassizismus die Genredominanz in den Bereich der Lyrik und Satire.

Gemeinsame Gattungen mit dem französischen Klassizismus: Tragödie, Komödie, Idylle, Elegie, Ode, Sonett, Epigramm, Satire.

Fazit

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts lebten und schrieben noch herausragende Anhänger des Klassizismus: M. M. Kheraskov (1733-1807) und Derzhavin (1743-1816). Aber ihre Arbeit, die eine komplexe stilistische Entwicklung durchgemacht hat, ging allmählich zurück.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts verlor die russische Klassik als literarische Bewegung ihre einstigen progressiven Züge: bürgerliches Aufklärungspathos, Bejahung des menschlichen Geistes, eine Rede gegen die religiöse asketische Scholastik, eine kritische Haltung gegenüber der monarchischen Despotie und den Missbräuchen der Leibeigenschaft . Dennoch sind die fortschrittlichen Traditionen des Klassizismus in der russischen Literatur seit langem in den Werken führender Schriftsteller erhalten. Der Klassizismus wurde mehr und mehr zur Arena des Epigonismus. Die offiziell unterstützte und geförderte klassizistische Richtung erfreute sich jedoch durch Trägheit immer noch großer Aufmerksamkeit.

Zu den künstlerischen Stilrichtungen von nicht geringer Bedeutung gehört der Klassizismus, der sich in der Zeit vom 17. bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts in den fortgeschrittenen Ländern der Welt verbreitete. Er wurde zum Erben der Ideen der Aufklärung und trat in fast allen Arten europäischer und russischer Kunst auf. Oft geriet er in Konflikt mit dem Barock, besonders in der Entstehungsphase in Frankreich.

Das Zeitalter des Klassizismus ist in jedem Land unterschiedlich. Zunächst entwickelte es sich in Frankreich - etwas später schon im 17. Jahrhundert - in England und Holland. In Deutschland und Russland wurde die Richtung näher an der Mitte des 18. Jahrhunderts festgelegt, als in anderen Staaten bereits die Zeit des Neoklassizismus begann. Aber das ist nicht so bedeutsam. Wichtiger ist etwas anderes: Diese Richtung wurde zum ersten ernsthaften System auf dem Gebiet der Kultur, das den Grundstein für seine weitere Entwicklung legte.

Was ist Klassik als Richtung?

Der Name kommt vom lateinischen Wort classicus, was „vorbildlich“ bedeutet. Das Hauptprinzip manifestierte sich in der Berufung auf die Traditionen der Antike. Sie wurden als Norm wahrgenommen, die man anstreben sollte. Die Autoren von Werken wurden von Eigenschaften wie Einfachheit und Klarheit der Form, Prägnanz, Strenge und Harmonie in allem angezogen. Dies galt für alle Werke, die während der Zeit des Klassizismus geschaffen wurden: literarisch, musikalisch, bildlich, architektonisch. Jeder Schöpfer suchte seinen Platz für alles zu finden, klar und streng definiert.

Die Hauptmerkmale des Klassizismus

Alle Arten von Kunst waren durch die folgenden Merkmale gekennzeichnet, die helfen zu verstehen, was Klassizismus ist:

• ein rationaler Umgang mit dem Bild und der Ausschluss von allem, was mit Sinnlichkeit zu tun hat;
• der Hauptzweck einer Person ist es, dem Staat zu dienen;
• strenge Regeln in allem;
• etablierte Hierarchie von Genres, deren Vermischung nicht akzeptabel ist.

Angabe künstlerischer Merkmale

Eine Analyse der einzelnen Kunstarten hilft zu verstehen, wie der Stil des „Klassizismus“ in jeder von ihnen verkörpert war.

Wie der Klassizismus in der Literatur verwirklicht wurde

In dieser Kunstform wurde der Klassizismus als eine besondere Richtung definiert, in der der Wunsch nach Umerziehung mit einem Wort deutlich zum Ausdruck kam. Die Autoren Kunstwerke an eine glückliche Zukunft geglaubt, in der Gerechtigkeit, Freiheit aller Bürger und Gleichheit herrschen werden. Es bedeutete vor allem die Befreiung von allen Arten der Unterdrückung, einschließlich religiöser und monarchischer. Der Klassizismus in der Literatur erforderte sicherlich die Beachtung von drei Einheiten: Handlung (nicht mehr als eine Handlung), Zeit (alle Ereignisse passen in einen Tag), Ort (es gab keine Bewegung im Raum). J. Moliere, Voltaire (Frankreich), L. Gibbon (England), M. Twain, D. Fonvizin, M. Lomonosov (Russland) erhielten mehr Anerkennung in diesem Stil.

Die Entwicklung des Klassizismus in Russland

Die neue künstlerische Richtung etablierte sich in der russischen Kunst später als in anderen Ländern - näher zur Mitte des 18. Jahrhunderts - und nahm bis zum ersten Drittel des 19. Jahrhunderts eine führende Position ein. Der russische Klassizismus stützte sich im Gegensatz zum westeuropäischen mehr auf nationale Traditionen. Darin manifestierte sich seine Originalität.

Zunächst kam es zur Architektur, wo es seine größten Höhen erreichte. Dies war auf den Bau einer neuen Hauptstadt und das Wachstum russischer Städte zurückzuführen. Die Leistung der Architekten war die Schaffung majestätischer Paläste, komfortabler Wohngebäude und vorstädtischer Adelssitze. Besondere Aufmerksamkeit verdient die Schaffung von architektonischen Ensembles im Stadtzentrum, die den Klassizismus voll und ganz klar machen. Dies sind zum Beispiel die Gebäude von Zarskoje Selo (A. Rinaldi), das Alexander-Newski-Kloster (I. Starov), die Nehrung der Wassiljewski-Insel (J. de Thomon) in St. Petersburg und viele andere.

Als Höhepunkt der Tätigkeit der Architekten kann der Bau des Marmorpalastes nach dem Projekt von A. Rinaldi bezeichnet werden, bei dessen Dekoration zum ersten Mal Naturstein verwendet wurde.

Nicht weniger berühmt ist Petrodvorets (A. Schluter, V. Rastrelli), ein Beispiel für Garten- und Parkkunst. Zahlreiche Gebäude, Brunnen, Skulpturen, die Anlage selbst – alles besticht durch seine Proportionalität und Reinheit der Ausführung.

Literarische Richtung in Russland

Die Entwicklung des Klassizismus in der russischen Literatur verdient besondere Aufmerksamkeit. Seine Gründer waren V. Trediakovsky, A. Kantemir, A. Sumarokov.

Den größten Beitrag zur Entwicklung des Konzepts des Klassizismus leistete jedoch der Dichter und Wissenschaftler M. Lomonosov. Er entwickelte ein System von drei Stillen, das die Anforderungen an das Schreiben von Kunstwerken bestimmte, und schuf ein Muster einer feierlichen Botschaft - eine Ode, die in der Literatur der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts am beliebtesten war.

Die Traditionen des Klassizismus manifestierten sich vollständig in den Stücken von D. Fonvizin, insbesondere in der Komödie "Undergrowth". Neben der obligatorischen Einhaltung der drei Einheiten und dem Kult der Vernunft gehören folgende Punkte zu den Merkmalen der russischen Komödie:

• eine klare Unterteilung der Helden in negative und positive und das Vorhandensein eines Denkers, der die Position des Autors zum Ausdruck bringt;
• das Vorhandensein einer Dreiecksbeziehung;
• die Bestrafung des Lasters und der Triumph des Guten im Finale.

Die Werke der gesamten Epoche des Klassizismus sind zum wichtigsten Bestandteil der Entwicklung der Weltkunst geworden.

"Denkwürdige Daten"- M. Yu. Lermontov - 190 Jahre alt. Kir Bulychev Igor Vsevolodovich Mozheiko 18. Oktober 1934 - 5. September 2003. Aus dem Buch von G. Sergeeva "Wir entwickeln uns vor der Geburt." Januar. Geschichte des Patriotismus. 5. Januar 1920 - 28. Juni 1996. Stepan Grigoryevich Pisakhov 25. Oktober 1879 - 3. Mai 1960. http://n-sladkov.ru/index.php. Der Autor des Denkmals ist P. I. Bondarenko.

"Russische Literatur des 19.-20. Jahrhunderts"- Gattungen und Stilmerkmale realistischer Prosa. „Russische Literatur ... war schon immer das Gewissen der Menschen. Die neue Ära wurde von Zeitgenossen als „Frontier“ bezeichnet. Die Moderne in der Kunstkultur der Jahrhundertwende war ein komplexes Phänomen. Nikolai Alexandrowitsch Berdjajew. Philosophen und Künstler forderten die innere Vollkommenheit des Menschen.

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"Kalender der literarischen Termine"- G. Walka. 115 Jahre alt - „Die Bremse“ (1897) E.-L. 55 Jahre alt - "Über Tomka" (1957) E. Charushina. 14. September - 75 Jahre seit der Geburt des russischen Dichters Alexander Semenovich Kushner (1936). Olga Romanova. Künstler O. Vereisky. 55 Jahre Magazin“ Junger Techniker(veröffentlicht seit September 1956). Illustrationen von V. Kurchevsky und N. Serebryakov.

"Literatur des 20. Jahrhunderts"- Das zwanzigste Jahrhundert… Das Problem der Existenz des Schriftstellerverbandes. Historische Ereignisse. Das Problem der Periodisierung der Literatur. Das Problem der Methode des sozialistischen Realismus. Erster Tschetschenienkrieg 1995-1996 Unblutige Revolution von 1991 bis 2000 A. Blok "Vergeltung". Zurückgegebene Literatur. Akute Probleme in der Literatur. Periodisierung der Literatur des zwanzigsten Jahrhunderts.

„Literatur des Goldenen Zeitalters“- "Inländische Notizen". Zwischen Westlern und Slawophilen entbrennt ein Streit über die Wege der historischen Entwicklung Russlands. Schriftsteller wenden sich den gesellschaftspolitischen Problemen der russischen Realität zu. Einer dieser Dichter war M.Yu. Lermontow. Die Entwicklung der Poesie lässt etwas nach. Ihre Werke werden von I.S. Turgenew, F.M. Dostojewski, L. N. Tolstoi, I.A. Goncharov.

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An der Spitze der Entwicklung des Klassizismus stand das napoleonische Frankreich, gefolgt von Deutschland, England und Italien. Später kam diese Richtung nach Russland. Der Klassizismus in der Architektur wurde zu einer Art Ausdruck rationalistischer Philosophie und war dementsprechend geprägt von dem Wunsch nach einer harmonischen, rationalen Lebensordnung.

Die Entstehung des Klassizismus

Obwohl der Klassizismus in der Renaissance entstand, begann er sich im 17. Jahrhundert aktiv zu entwickeln und war im 18. Jahrhundert bereits ziemlich fest in der europäischen Architektur verankert. Das Konzept des Klassizismus war es, alle architektonischen Formen nach dem Vorbild der Antike zu gestalten. Die Architektur der Epoche des Klassizismus ist geprägt von der Rückbesinnung auf so alte Maßstäbe wie Monumentalität, Strenge, Schlichtheit und Harmonie.

Der Klassizismus in der Architektur entstand dank der Bourgeoisie - er wurde zu seiner Kunst und Ideologie, da die bürgerliche Gesellschaft die Antike mit der richtigen Ordnung der Dinge und der Struktur des Universums verband. Das Bürgertum stellte sich der Aristokratie der Renaissance und damit dem Klassizismus der „dekadenten Kunst“. Sie schrieb solche Architekturstile wie Rokoko und Barock dieser Kunst zu - sie galt als zu kompliziert, nicht streng, nicht linear.

Johann Winckelmann, ein deutscher Kunstkritiker, gilt als Begründer und Begründer der Ästhetik des Klassizismus, der als Begründer der Kunstgeschichte als Wissenschaft gilt, sowie der aktuellen Vorstellungen über die Kunst der Antike. Die Theorie des Klassizismus wird in seinem Werk "Laokoon" von dem deutschen Kritiker-Pädagogen Gotthold Lessing bestätigt und gestärkt.

Klassizismus in der Architektur Westeuropas

Der französische Klassizismus entwickelte sich viel später als der englische. Die rasche Entwicklung dieses Stils wurde durch die Anlehnung an die architektonischen Formen der Renaissance, insbesondere des spätgotischen Barock, behindert, aber bald gaben die französischen Architekten vor dem Einsetzen von Reformen in der Architektur auf und ebneten den Weg für den Klassizismus.

Die Entwicklung des Klassizismus in Deutschland verlief eher wellenförmig: Sie war entweder durch ein striktes Festhalten an den architektonischen Formen der Antike oder durch deren Vermischung mit den Formen des Barockstils gekennzeichnet. Bei alledem war der deutsche Klassizismus dem Klassizismus in Frankreich sehr ähnlich, so dass ziemlich bald die führende Rolle bei der Verbreitung dieses Stils in Westeuropa an Deutschland und seine Architekturschule ging.

Aufgrund der schwierigen politischen Situation kam der Klassizismus noch später nach Italien, aber bald darauf wurde Rom zum internationalen Zentrum der klassizistischen Architektur. Der Klassizismus erreichte in England als Dekorationsstil für Landhäuser ein hohes Niveau.

Merkmale des Klassizismus in der Architektur

Die Hauptmerkmale des klassizistischen Stils in der Architektur sind:

• einfache und geometrische Formen und Volumen;
• Wechsel von horizontalen und vertikalen Linien;
• ausgewogene Raumaufteilung;
• zurückhaltende Proportionen;
• symmetrische Dekoration des Hauses;
• monumentale Bogen- und Rechteckbauten.

In Anlehnung an das Ordnungssystem der Antike werden Elemente wie Kolonnaden, Rotunden, Portiken, Reliefs auf der Wandfläche und Statuen auf dem Dach zur Gestaltung von Häusern und Grundstücken im Stil des Klassizismus verwendet. Die Hauptfarblösung für die Gestaltung von Gebäuden im Stil des Klassizismus sind helle Pastellfarben.

Fenster im Stil des Klassizismus sind in der Regel nach oben verlängert, rechteckig und ohne auffällige Dekoration. Die Türen sind meistens getäfelt, manchmal mit Statuen in Form von Löwen, Sphinxen usw. geschmückt. Das Dach im Haus hingegen hat eine ziemlich komplizierte Form und ist mit Ziegeln bedeckt.

Die am häufigsten verwendeten Materialien für klassizistische Häuser sind Holz, Ziegel und Naturstein. Beim Dekorieren werden Vergoldung, Bronze, Schnitzereien, Perlmutt und Intarsien verwendet.

Russischer Klassizismus

Klassizismus in der Architektur Russland XVIII Jahrhunderts unterscheidet sich ganz wesentlich vom europäischen Klassizismus, da er sich von den Vorbildern Frankreichs verabschiedete und einen eigenen Entwicklungsweg einschlug. Obwohl sich die russischen Architekten auf das Wissen der Renaissance-Architekten stützten, versuchten sie dennoch, traditionelle Techniken und Motive in der Architektur des russischen Klassizismus anzuwenden. Anders als der europäische, russische Klassizismus des 19. Jahrhunderts und später das Russische Reich, verwendeten sie in ihrer Gestaltung (Wanddekoration, Stuck, Auswahl der Statuen) militärische und patriotische Themen vor dem Hintergrund des Krieges von 1812.

Die russischen Architekten Ivan Starov, Matvey Kazakov und Vasily Bazhenov gelten als Begründer des Klassizismus in Russland. Der russische Klassizismus ist bedingt in drei Perioden unterteilt:

• früh - die Zeit, als die Merkmale von Barock und Rokoko noch nicht vollständig aus der russischen Architektur verdrängt waren;
• ausgereift - strenge Nachahmung der Architektur der Antike;
• spät oder hoch (Russisches Reich) - gekennzeichnet durch den Einfluss der Romantik.

Der russische Klassizismus unterscheidet sich auch durch den Baumaßstab vom europäischen: Es war geplant, ganze Stadtteile und Städte in diesem Stil zu schaffen, während neue klassische Gebäude mit der alten russischen Architektur der Stadt kombiniert werden mussten.

Ein markantes Beispiel des russischen Klassizismus ist das berühmte Paschkow-Haus oder Paschkow-Haus - heute die Russische Staatsbibliothek. Das Gebäude folgt einem ausgewogenen, U-förmigen Grundriss des Klassizismus: Es besteht aus einem Mittelbau und Seitenflügeln (Flügeln). Die Nebengebäude sind als Portikus mit Giebel ausgeführt. Auf dem Dach des Hauses befindet sich ein Belvedere in Form eines Zylinders.

Andere Beispiele für Gebäude im Stil des Klassizismus in der Architektur Russlands sind die Hauptadmiralität, der Anitschkow-Palast, die Kasaner Kathedrale in St. Petersburg, die Sophienkathedrale in Puschkin und andere.

Alle Geheimnisse des Klassizismus in Architektur und Interieur erfahren Sie im folgenden Video: