=Geschichte des Gemäldes =Mona Lisa=. Das Hauptgeheimnis von Mona Lisa - ihr Lächeln - verfolgt immer noch Wissenschaftler Mona Lisa Biographie einer Frau

Er verbrachte viel Zeit damit und nahm, nachdem er Italien als Erwachsener verlassen hatte, neben einigen anderen ausgewählten Gemälden mit nach Frankreich. Da Vinci hatte eine besondere Verbundenheit zu diesem Porträt, und auch während des Entstehungsprozesses viel nachgedacht, in der „Abhandlung über die Malerei“ und in jenen Anmerkungen zu Maltechniken, die nicht darin enthalten waren, findet man viele Hinweise darauf, dass es zweifelsfrei ist siehe "Gioconda » .

Vasaris Botschaft

"Atelier von Leonardo da Vinci" in einem Stich von 1845 von Gioconda, der von Narren und Musikern unterhalten wird

Möglicherweise stammt diese Zeichnung aus der Hyde Collection in New York von Leonardo da Vinci und ist eine Vorzeichnung für ein Porträt der Mona Lisa. In diesem Fall ist es merkwürdig, dass er zuerst vorhatte, einen prächtigen Zweig in ihre Hände zu legen.

Höchstwahrscheinlich fügte Vasari zur Unterhaltung der Leser einfach eine Geschichte über Narren hinzu. Vasaris Text enthält auch eine genaue Beschreibung der Augenbrauen, die auf dem Gemälde fehlen. Diese Ungenauigkeit könnte nur entstehen, wenn der Autor das Bild aus dem Gedächtnis oder aus den Erzählungen anderer beschrieb. Aleksey Dzhivelegov schreibt, dass Vasaris Angabe, dass „die Arbeit an dem Porträt vier Jahre dauerte, eindeutig übertrieben ist: Leonardo blieb nicht so lange in Florenz, nachdem er von Caesar Borgia zurückgekehrt war, und wenn er begonnen hätte, ein Porträt zu malen, bevor er nach Caesar ging, würde Vasari es tun wahrscheinlich würde ich sagen, dass er es fünf Jahre lang geschrieben hat. Der Wissenschaftler schreibt auch über den fehlerhaften Hinweis auf die Unvollständigkeit des Porträts – „das Porträt wurde zweifellos lange gemalt und zu Ende gebracht, egal was Vasari sagte, der ihn in seiner Biografie zu einem Künstler stilisierte, der ihn konnte im Prinzip keine größeren Arbeiten abschließen. Und es war nicht nur fertig, sondern es ist eines der am sorgfältigsten fertiggestellten Dinge von Leonardo.

Eine interessante Tatsache ist, dass Vasari in seiner Beschreibung Leonardos Talent bewundert, physikalische Phänomene zu vermitteln, und nicht die Ähnlichkeit zwischen Modell und Malerei. Es scheint, dass dieses „physische“ Merkmal des Meisterwerks einen tiefen Eindruck bei den Besuchern des Ateliers des Künstlers hinterließ und fast fünfzig Jahre später Vasari erreichte.

Das Gemälde war unter Kunstliebhabern bekannt, obwohl Leonardo 1516 Italien verließ und das Gemälde mit nach Frankreich nahm. Italienischen Quellen zufolge befand es sich seitdem in der Sammlung des französischen Königs Franz I., aber es bleibt unklar, wann und wie er es erworben hat und warum Leonardo es nicht an den Kunden zurückgegeben hat.

Sonstiges

Vielleicht hat der Künstler das Gemälde wirklich nicht in Florenz fertiggestellt, sondern es bei seiner Abreise 1516 mitgenommen und in Ermangelung von Zeugen, die Vasari davon berichten konnten, den letzten Strich aufgetragen. Wenn ja, vollendete er es kurz vor seinem Tod im Jahr 1519. (In Frankreich lebte er in Clos-Luce in der Nähe des königlichen Schlosses von Amboise).

Obwohl Informationen über die Identität der Frau von Vasari gegeben wurden, gab es noch lange Zeit Unsicherheit über sie und viele Versionen wurden geäußert:

Randprüfung beweist korrekte Identifizierung des Mona Lisa-Modells

Laut einer der vorgeschlagenen Versionen ist "Mona Lisa" ein Selbstporträt des Künstlers

Die Version über die Übereinstimmung des allgemein akzeptierten Namens des Gemäldes mit der Persönlichkeit des Modells aus dem Jahr 2005 gilt jedoch als endgültig bestätigt. Wissenschaftler der Universität Heidelberg untersuchten die Randnotizen eines Wälzers aus dem Besitz eines florentinischen Beamten, eines persönlichen Bekannten des Künstlers Agostino Vespucci. In Notizen am Rand des Buches vergleicht er Leonardo mit dem berühmten antiken griechischen Maler Apelles und vermerkt dies "da Vinci arbeitet derzeit an drei Gemälden, eines davon ist ein Porträt von Lisa Gherardini". So entpuppte sich Mona Lisa wirklich als Ehefrau des Florentiner Kaufmanns Francesco del Giocondo - Lisa Gherardini. Wie Wissenschaftler in diesem Fall beweisen, wurde das Gemälde von Leonardo für das neue Zuhause der jungen Familie und zur Erinnerung an die Geburt ihres zweiten Sohnes namens Andrea in Auftrag gegeben.

Malerei

Beschreibung

Eine Kopie der „Mona Lisa“ aus der Wallace Collection (Baltimore) wurde angefertigt, bevor die Ränder des Originals beschnitten wurden, und ermöglicht es Ihnen, die verlorenen Säulen zu sehen

Das Bild im rechteckigen Format zeigt eine Frau in dunkler Kleidung, die sich halb umdreht. Sie sitzt mit gefalteten Händen in einem Sessel, legt eine Hand auf seine Armlehne und legt die andere darauf, dreht sich auf dem Stuhl fast so, dass sie den Betrachter ansieht. Durch einen Scheitel getrennt, fallen glatt und flach anliegende Haare, sichtbar durch einen darüber geworfenen transparenten Schleier (nach manchen Vermutungen ein Attribut der Witwenschaft), in zwei spärlichen, leicht gewellten Strähnen auf die Schultern. Ein grünes Kleid mit dünnen Rüschen und gelben Faltenärmeln, das auf einer niedrigen weißen Brust ausgeschnitten ist. Der Kopf ist leicht gedreht.

Fragment der „Mona Lisa“ mit Resten des Säulenfußes

Der untere Rand des Gemäldes schneidet die zweite Hälfte ihres Körpers ab, sodass das Porträt fast halb so lang ist. Der Sessel, in dem das Model sitzt, steht auf einem Balkon oder einer Loggia, deren Brüstungslinie hinter ihren Ellbogen sichtbar ist. Es wird angenommen, dass das Bild früher breiter hätte sein können und zwei seitliche Säulen der Loggia aufnehmen konnten, von denen sich derzeit zwei Säulenbasen befinden, deren Fragmente an den Rändern der Brüstung sichtbar sind.

Die Loggia überblickt eine trostlose Wildnis aus sich schlängelnden Bächen und einen von schneebedeckten Bergen umgebenen See, der sich bis zu einer hohen Skyline hinter der Figur erstreckt. „Mona Lisa wird in einem Sessel sitzend vor dem Hintergrund einer Landschaft dargestellt, und gerade der Vergleich ihrer dem Betrachter sehr nahen Figur mit einer weithin sichtbaren Landschaft wie einem riesigen Berg verleiht dem Bild eine außergewöhnliche Erhabenheit. Derselbe Eindruck wird durch den Kontrast der gesteigerten plastischen Greifbarkeit der Figur und ihrer glatten, verallgemeinerten Silhouette mit einer Landschaft begünstigt, die wie eine Vision in neblige Ferne gerät, zwischen der sich bizarre Felsen und Wasserkanäle winden.

Komposition

Das Gioconda-Porträt ist eines der schönsten Beispiele der italienischen Porträtmalerei der Hochrenaissance.

Boris Vipper schreibt das, trotz der Spuren des Quattrocento, „mit ihren Kleidern mit kleinem Ausschnitt auf der Brust und mit Ärmeln in freien Falten, genauso wie mit einer geraden Haltung, einer leichten Drehung des Körpers und einer sanften Geste der Hände , die Mona Lisa gehört ganz der Ära des klassischen Stils an“ . Mikhail Alpatov weist darauf hin, dass „La Gioconda perfekt in ein streng proportionales Rechteck eingeschrieben ist, seine Halbfigur bildet etwas Ganzes, gefaltete Hände vervollständigen sein Bild. Jetzt konnte natürlich von den bizarren Locken der frühen Verkündigung keine Rede sein. Doch wie weich alle Konturen auch sein mögen, die wellige Haarlocke der Gioconda harmoniert mit dem durchsichtigen Schleier, und der über die Schulter geworfene Stoff findet ein Echo in den glatten Windungen der fernen Straße. In all dem zeigt Leonardo seine Fähigkeit, nach den Gesetzen von Rhythmus und Harmonie zu schaffen.

Aktuellen Zustand

"Mona Lisa" ist sehr dunkel geworden, was als Ergebnis der Neigung seines Autors zum Experimentieren mit Farben angesehen wird, wodurch das Fresko " Das letzte Abendmahl"im Allgemeinen fast gestorben wäre. Den Zeitgenossen des Künstlers gelang es jedoch, ihre Begeisterung nicht nur über Komposition, Zeichnung und Hell-Dunkel-Spiel zum Ausdruck zu bringen – sondern auch über die Farbigkeit des Werkes. Vermutet wird zum Beispiel, dass die Ärmel ihres Kleides zunächst rot sein könnten – wie auf einer Kopie des Gemäldes aus dem Prado zu sehen ist.

Der aktuelle Zustand des Gemäldes ist ziemlich schlecht, weshalb die Mitarbeiter des Louvre ankündigten, es nicht mehr in Ausstellungen zu geben: „Auf dem Gemälde haben sich Risse gebildet, und einer davon endet wenige Millimeter über dem Kopf von Mona Lisa.“

Analyse

Technik

Wie Dzhivelegov feststellt, ist Leonardos Können zum Zeitpunkt der Erschaffung der Mona Lisa „bereits in eine Phase solcher Reife eingetreten, in der alle formalen Aufgaben kompositorischer und anderer Art festgelegt und gelöst wurden, als Leonardo anfing, nur darüber nachzudenken die letzten, schwierigsten Aufgaben der künstlerischen Technik verdienen es, sie zu erledigen. Und als er im Gesicht der Mona Lisa ein Modell fand, das seinen Bedürfnissen entsprach, versuchte er, einige der höchsten und schwierigsten Aufgaben der Maltechnik zu lösen, die er noch nicht gelöst hatte. Er wollte mit Hilfe von Techniken, die er bereits zuvor entwickelt und erprobt hatte, insbesondere mit Hilfe seiner berühmten sfumato, der zuvor außergewöhnliche Wirkungen erzielte, mehr zu tun als er zuvor: ein lebendiges Gesicht einer lebenden Person zu schaffen und die Züge und den Ausdruck dieses Gesichts so wiederzugeben, dass sie sich bis zum Ende zeigen würden Innere Person".

Landschaft hinter der Mona Lisa

Boris Whipper stellt die Frage, „wodurch wird diese Spiritualität erreicht, dieser unsterbliche Bewusstseinsfunke im Bild der Mona Lisa, dann sind zwei Hauptmittel zu nennen. Einer ist der wunderbare Sfumato von Leonard. Kein Wunder, dass Leonardo gerne sagte, dass „Modellieren die Seele der Malerei ist“. Es ist Sfumato, das den feuchten Look der Gioconda, ihr Lächeln, leicht wie der Wind, und die unvergleichliche Zartheit der Berührung ihrer Hände kreiert. Sfumato ist ein subtiler Schleier, der Gesicht und Figur umhüllt und Konturen und Schatten weicher macht. Leonardo empfahl zu diesem Zweck, zwischen der Lichtquelle und den Körpern, wie er es ausdrückt, „eine Art Nebel“ zu platzieren.

Rotenberg schreibt, dass „Leonardo es geschafft hat, einen Grad an Verallgemeinerung in seine Schöpfung einzubringen, der es uns erlaubt, ihn als Abbild einer Person der Renaissance als Ganzes zu betrachten. Dieser hohe Grad an Verallgemeinerung spiegelt sich in allen Elementen der Bildsprache des Bildes wider, in seinen einzelnen Motiven - darin, wie ein leichter, transparenter Schleier, der Kopf und Schultern der Mona Lisa bedeckt, die sorgfältig gezogenen Haarsträhnen und kleinen verbindet Falten des Kleides zu einer gemeinsamen glatten Kontur; es ist fühlbar in der Modellierung des Gesichts, unvergleichlich in seiner sanften Weichheit (bei der die Augenbrauen nach damaliger Mode entfernt wurden) und schönen gepflegten Händen.

Alpatov fügt hinzu, dass „Leonardo es geschafft hat, in einem sanft schmelzenden Schleier, der Gesicht und Figur umhüllt, die grenzenlose Variabilität menschlicher Gesichtsausdrücke spüren zu lassen. Obwohl die Augen der Gioconda den Betrachter aufmerksam und ruhig anblicken, könnte man aufgrund der Schattierung ihrer Augenhöhlen meinen, dass sie leicht die Stirn runzeln; Ihre Lippen sind zusammengepresst, aber kaum wahrnehmbare Schatten zeichnen sich in der Nähe ihrer Ecken ab, was Sie glauben lässt, dass sie sich jede Minute öffnen, lächeln, sprechen werden. Schon der Kontrast zwischen ihrem Blick und dem halben Lächeln auf ihren Lippen lässt erahnen, wie widersprüchlich ihre Erfahrungen sind. (...) Leonardo hat mehrere Jahre daran gearbeitet, darauf geachtet, dass kein einziger scharfer Strich, keine einzige kantige Kontur im Bild verblieben ist; und obwohl die Kanten von Objekten darin deutlich wahrnehmbar sind, lösen sie sich alle in den subtilsten Übergängen von Halbschatten zu Halblicht auf.

Landschaft

Kunstkritiker betonen die Organizität, mit der sich der Künstler verbindet Porträt charakteristisch Persönlichkeit mit einer Landschaft voller besonderer Stimmung, und wie sehr dies die Würde des Porträts steigerte.

Eine frühe Kopie der „Mona Lisa“ aus dem Prado zeigt, wie sehr das Porträtbild verloren geht, wenn es vor einem dunklen, neutralen Hintergrund platziert wird.

2012 wurde eine Kopie der „Mona Lisa“ aus dem Prado geräumt, und unter den späteren Aufnahmen stellte sich heraus, dass sich unter den späteren Aufnahmen ein Landschaftshintergrund befand – das Gefühl der Leinwand ändert sich sofort.

Vipper betrachtet die Landschaft als das zweite Mittel, das die Spiritualität des Bildes erzeugt: „Das zweite Mittel ist die Beziehung zwischen der Figur und dem Hintergrund. Die fantastische, felsige, wie durchs Meer durchschaute Wasserlandschaft im Porträt der Mona Lisa hat eine andere Realität als ihre Figur selbst. Die Mona Lisa hat die Realität des Lebens, die Landschaft hat die Realität eines Traums. Durch diesen Kontrast erscheint Mona Lisa so unglaublich nah und greifbar, und wir nehmen die Landschaft als Ausstrahlung ihres eigenen Traums wahr.

Der Renaissance-Kunstforscher Viktor Grashchenkov schreibt, dass Leonardo, auch dank der Landschaft, kein Porträt einer bestimmten Person, sondern ein universelles Bild geschaffen habe: „In diesem mysteriösen Bild schuf er mehr als ein Porträtbild der unbekannten Florentiner Mona Lisa, die dritte Frau von Francesco del Giocondo. Das Aussehen und die mentale Struktur einer bestimmten Person werden ihnen mit einer nie dagewesenen Synthetizität vermittelt. Dieser unpersönliche Psychologismus korrespondiert mit der kosmischen Abstraktion der Landschaft, fast völlig ohne menschliche Präsenz. Im rauchigen Hell-Dunkel werden nicht nur alle Umrisse von Figur und Landschaft und alle Farbtöne gemildert. In den subtilsten, für das Auge kaum wahrnehmbaren Übergängen von Licht zu Schatten, in der Schwingung von Leonards „sfumato“, wird alle Bestimmtheit der Individualität und ihrer psychischen Verfassung bis an die Grenze aufgeweicht, zerschmilzt und ist bereit zu verschwinden. (...) "La Gioconda" ist kein Porträt. Dies ist ein sichtbares Symbol für das Leben von Mensch und Natur, vereint zu einem Ganzen und abstrakt aus ihrer individuellen konkreten Form dargestellt. Aber hinter der kaum wahrnehmbaren Bewegung, die wie leichte Wellen über die regungslose Oberfläche dieser harmonischen Welt läuft, lässt sich der ganze Reichtum der Möglichkeiten körperlicher und geistiger Existenz erahnen.

"Mona Lisa" wird in goldbraunen und rötlichen Tönen des Vordergrunds und smaragdgrünen Tönen der Ferne gehalten. „Durchsichtige Farben bilden wie Glas eine Legierung, als wären sie nicht von menschlicher Hand geschaffen worden, sondern von jener inneren Kraft der Materie, die aus einer Lösung formvollendete Kristalle entstehen lässt.“ Wie viele von Leonardos Werken ist dieses Werk mit der Zeit dunkler geworden, und seine Farbverhältnisse haben sich etwas verändert, aber selbst jetzt sind nachdenkliche Vergleiche in den Farbtönen von Nelken und Kleidung und ihr allgemeiner Kontrast zu Blaugrün deutlich wahrnehmbar. "Unterwasser"-Ton der Landschaft .

Die Stellung des Gemäldes in der Entwicklung der Porträtgattung

„Mona Lisa“ gilt als eines der besten Werke der Porträtgattung, das die Werke der Hochrenaissance und indirekt durch sie beeinflusste – auf alle nachfolgenden Entwicklungen der Gattung, die „immer wieder auf die Mona Lisa als unerreichbar zurückgehen sollte , aber obligatorisches Modell" .

Kunsthistoriker stellen fest, dass das Porträt der Mona Lisa ein entscheidender Schritt in der Entwicklung der Porträtkunst der Renaissance war. Rotenberg schreibt: „Obwohl die Quattrocento-Maler eine Reihe bedeutender Werke dieser Gattung hinterlassen haben, standen ihre Leistungen in der Porträtmalerei sozusagen in keinem Verhältnis zu den Leistungen in den wichtigsten Bildgattungen – in Kompositionen zu religiösen und mythologischen Themen. Die Ungleichheit des Porträtgenres zeigte sich bereits in der „Ikonographie“ der Porträtbilder. Tatsächlich zeichneten sich die Porträtwerke des 15. Jahrhunderts bei aller unbestreitbaren physiognomischen Ähnlichkeit und dem von ihnen ausgestrahlten Gefühl innerer Stärke noch durch ihre äußere und innere Zwanghaftigkeit aus. All jener Reichtum an menschlichen Gefühlen und Erfahrungen, der die biblischen und mythologischen Bilder der Maler des 15. Jahrhunderts auszeichnet, war ihren Porträtarbeiten meist nicht eigen. Anklänge davon finden sich in früheren Porträts von Leonardo selbst, die von ihm in den ersten Jahren seines Aufenthaltes in Mailand geschaffen wurden. (...) Im Vergleich dazu wird das Porträt der Mona Lisa als Ergebnis einer gigantischen qualitativen Verschiebung wahrgenommen. Erstmals ist das Porträtbild in seiner Bedeutung mit den plastischsten Bildern anderer Bildgattungen gleichgesetzt worden.

„Donna Nuda“ (das heißt „Nude Donna“). Unbekannter Künstler, spätes 16. Jahrhundert, Eremitage

In seiner Pionierarbeit verlegte Leonardo den Hauptschwerpunkt auf das Gesicht des Porträts. Gleichzeitig nutzte er seine Hände als mächtiges Mittel zur psychologischen Charakterisierung. Durch die generationsübergreifende Formatierung des Porträts konnte der Künstler ein breiteres Spektrum an Bildtechniken demonstrieren. Und das Wichtigste im figurativen Aufbau des Porträts ist die Unterordnung aller Einzelheiten unter die Leitidee. „Kopf und Hände sind das unbestrittene Zentrum des Bildes, dem die übrigen Elemente geopfert werden. Die märchenhafte Landschaft scheint sozusagen durch das Meerwasser, sie scheint so fern und ungreifbar. Sein Hauptzweck besteht nicht darin, die Aufmerksamkeit des Betrachters vom Gesicht abzulenken. Und die gleiche Rolle kommt dem Gewand zu, das sich in kleinste Falten auflöst. Leonardo verzichtet bewusst auf schwere Faltenwürfe, die die Ausdruckskraft von Händen und Gesicht verdecken könnten. So lässt er letztere mit besonderer Kraft auftreten, je mehr, je bescheidener und neutraler Landschaft und Kleidung, assimiliert zu einer leisen, kaum wahrnehmbaren Begleitung.

Leonardos Schüler und Anhänger schufen zahlreiche Repliken der Mona Lisa. Einige von ihnen (aus der Sammlung Vernon, USA; aus der Sammlung Walter, Baltimore, USA; und seit einiger Zeit die Isleworth Mona Lisa, Schweiz) werden von ihren Besitzern als echt angesehen, und das Gemälde im Louvre ist eine Kopie. Es gibt auch eine Ikonographie der „Nude Mona Lisa“, dargestellt durch mehrere Optionen („Schöne Gabrielle“, „Monna Vanna“, die Eremitage „Donna Nuda“), die anscheinend von den eigenen Schülern des Künstlers angefertigt wurden. Eine große Anzahl von ihnen führte zu einer unbeweisbaren Version, dass es eine Version der nackten Mona Lisa gab, die vom Meister selbst geschrieben wurde.

Der Ruf des Gemäldes

"Mona Lisa" hinter Panzerglas im Louvre und Museumsbesucher drängen sich in der Nähe

Trotz der Tatsache, dass die "Mona Lisa" von den Zeitgenossen der Künstlerin sehr geschätzt wurde, verblasste ihr Ruhm in der Zukunft. An das Gemälde wurde bis Mitte des 19. Jahrhunderts nicht besonders erinnert, als Künstler, die der symbolistischen Bewegung nahestanden, begannen, es zu loben und es mit ihren Ideen über das weibliche Mysterium in Verbindung brachten. Der Kritiker Walter Pater drückte seine Meinung in seinem Essay über da Vinci von 1867 aus und beschrieb die Figur auf dem Gemälde als eine Art mythische Verkörperung der ewigen Weiblichkeit, die „älter ist als die Felsen, zwischen denen sie sitzt“ und die „viele Male starb und lernte die Geheimnisse des Jenseits".

Der weitere Anstieg des Ruhms des Gemäldes hängt mit seinem mysteriösen Verschwinden zu Beginn des 20. Jahrhunderts und seiner glücklichen Rückkehr ins Museum einige Jahre später zusammen (siehe unten, Abschnitt Der Diebstahl), dank der es die Seiten von nicht verlassen hat Zeitungen.

Ein Zeitgenosse ihrer Abenteuer, der Kritiker Abram Efros, schrieb: „... der Wächter des Museums, der seit seiner Rückkehr in den Louvre nach der Entführung im Jahr 1911 keinen einzigen Schritt vom Bild abgewichen ist, hat kein Porträt seiner Frau bewacht Francesca del Giocondo, sondern ein Abbild einer halbmenschlichen, halbschlangenhaften Kreatur, entweder lächelnd oder düster, die den kalten, kahlen, felsigen Raum beherrscht, der sich hinter ihrem Rücken ausdehnt.

„Mona Lisa“ ist heute eines der berühmtesten Gemälde der westeuropäischen Kunst. Ihr hohes Ansehen hängt nicht nur mit ihrem hohen künstlerischen Verdienst zusammen, sondern auch mit der geheimnisvollen Atmosphäre, die dieses Werk umgibt.

Jeder weiß, was für ein unlösbares Rätsel Mona Lisa seit vierhundert Jahren den Bewunderern stellt, die sich vor ihr Bild drängen. Nie zuvor hat ein Künstler die Essenz der Weiblichkeit zum Ausdruck gebracht (ich zitiere die Zeilen eines raffinierten Schriftstellers, der sich hinter dem Pseudonym Pierre Corlet verbirgt): andere betrachten nur ihre Brillanz. (Eugen Muntz).

Eines der Geheimnisse hängt mit der tiefen Zuneigung zusammen, die der Autor für dieses Werk hatte. Verschiedene Erklärungen wurden angeboten, zum Beispiel romantische: Leonardo verliebte sich in Mona Lisa und zog die Arbeit bewusst in die Länge, um länger bei ihr zu bleiben, und sie neckte ihn mit ihrem geheimnisvollen Lächeln und brachte ihn in die größten kreativen Ekstasen. Diese Version gilt als reine Spekulation. Dzhivelegov glaubt, dass diese Bindung darauf zurückzuführen ist, dass er darin den Anwendungspunkt vieler seiner kreativen Recherchen gefunden hat (siehe Abschnitt Technik).

Giocondas Lächeln

Das Lächeln der Mona Lisa ist eines der berühmtesten Geheimnisse des Gemäldes. Dieses leicht wandernde Lächeln findet sich in vielen Werken sowohl des Meisters selbst als auch der Leonardesques, aber in Mona Lisa erreichte sie ihre Perfektion.

Der dämonische Charme dieses Lächelns fasziniert den Betrachter besonders. Hunderte von Dichtern und Schriftstellern haben über diese Frau geschrieben, die entweder verführerisch zu lächeln scheint oder erstarrt, kalt und seelenlos ins Leere blickt, und niemand ahnte ihr Lächeln, niemand deutete ihre Gedanken. Alles, sogar die Landschaft, ist geheimnisvoll, wie ein Traum, zitternd, wie ein Vorsturmdunst der Sinnlichkeit (Muter).

Grashchenkov schreibt: „Die unendliche Vielfalt menschlicher Gefühle und Wünsche, gegensätzlicher Leidenschaften und Gedanken, geglättet und verschmolzen, antwortet in der harmonisch teilnahmslosen Erscheinung der Mona Lisa nur durch die Unsicherheit ihres Lächelns, das kaum auftaucht und verschwindet. Diese bedeutungslose flüchtige Bewegung ihrer Mundwinkel, wie ein fernes Echo, das zu einem Klang verschmolzen ist, vermittelt uns aus der grenzenlosen Ferne die bunte Polyphonie des spirituellen Lebens eines Menschen.

Der Kunstkritiker Rotenberg glaubt, dass „es nur wenige Porträts in der gesamten Weltkunst gibt, die der Mona Lisa in Bezug auf die Ausdruckskraft der menschlichen Persönlichkeit, die in der Einheit von Charakter und Intellekt verkörpert ist, ebenbürtig sind. Es ist die außergewöhnliche intellektuelle Intensität von Leonards Porträt, die es von den Porträtbildern des Quattrocento unterscheidet. Dieses seine Merkmal wird umso deutlicher wahrgenommen, als es sich auf ein Frauenporträt bezieht, in dem sich der Charakter des Modells zuvor in einem ganz anderen, überwiegend lyrischen figurativen Ton offenbarte. Das Kraftgefühl, das von der „Mona Lisa“ ausgeht, ist eine organische Verbindung von innerer Gelassenheit und persönlichem Freiheitsgefühl, der seelischen Harmonie eines Menschen, die auf dem Bewusstsein seiner eigenen Bedeutung beruht. Und ihr Lächeln selbst drückt keineswegs Überlegenheit oder Verachtung aus; es wird als Ergebnis von ruhigem Selbstvertrauen und vollständiger Selbstbeherrschung wahrgenommen.

Boris Whipper weist darauf hin, dass das oben erwähnte Fehlen von Augenbrauen und eine rasierte Stirn, vielleicht unwissentlich, das seltsame Mysterium in ihrem Ausdruck verstärkt. Weiter schreibt er über die Wirkungskraft des Bildes: „Wenn wir uns fragen, was die große Anziehungskraft der Mona Lisa ist, ihre wahrlich unvergleichliche hypnotische Wirkung, dann kann es nur eine Antwort geben – in ihrer Spiritualität. Die genialsten und gegensätzlichsten Interpretationen wurden in das Lächeln der Mona Lisa gesteckt. Stolz und Zärtlichkeit, Sinnlichkeit und Koketterie, Grausamkeit und Bescheidenheit wollten sie darin lesen. Der Fehler war erstens, dass man im Bild der Mona Lisa um jeden Preis nach individuellen, subjektiven spirituellen Eigenschaften suchte, während Leonardo zweifellos genau die typische Spiritualität erreicht hat. Zweitens, und das ist vielleicht noch wichtiger, versuchten sie, der Spiritualität von Mona Lisa einen emotionalen Inhalt zuzuschreiben, während sie tatsächlich intellektuelle Wurzeln hat. Das Wunder der Mona Lisa liegt gerade darin, dass sie denkt; dass wir vor einem vergilbten, rissigen Brett unwiderstehlich die Anwesenheit eines vernunftbegabten Wesens spüren, mit dem man sprechen kann und von dem man eine Antwort erwarten kann.

Lazarev analysierte es als Kunstwissenschaftler: „Dieses Lächeln ist nicht so sehr ein individuelles Merkmal der Mona Lisa, sondern eine typische Formel der psychologischen Erweckung, eine Formel, die sich wie ein roter Faden durch alle Jugendbilder von Leonardo zieht, eine Formel, die später verwandelte sich in den Händen seiner Schüler und Anhänger in einen traditionellen Stempel. Wie die Proportionen von Leonards Figuren baut es auf feinsten mathematischen Maßen auf, unter strenger Berücksichtigung der Ausdruckswerte einzelner Gesichtspartien. Dabei ist dieses Lächeln absolut natürlich, und genau das macht seinen Reiz aus. Sie nimmt dem Gesicht alles Harte, Angespannte, Gefrorene, verwandelt sie in einen Spiegel vage, unbestimmter Gefühlserlebnisse, in ihrer flüchtigen Leichtigkeit ist sie nur mit einer durchs Wasser rauschenden Dünung zu vergleichen.

Ihre Analyse erregte nicht nur die Aufmerksamkeit von Kunsthistorikern, sondern auch von Psychologen. Sigmund Freud schreibt: „Wer die Gemälde von Leonardo präsentiert, dem drängt sich in ihm die Erinnerung an ein fremdes, fesselndes und geheimnisvolles Lächeln auf, das auf seinen Lippen lauert. weibliche Bilder. Das Lächeln, eingefroren auf länglichen, zuckenden Lippen, wurde charakteristisch für ihn und wird am häufigsten als "Leonards" bezeichnet. In der eigentümlich schönen Erscheinung der Florentiner Mona Lisa del Gioconda fesselt und verwirrt vor allem sie den Betrachter. Dieses Lächeln verlangte nach einer Deutung, fand aber die verschiedensten, von denen keine befriedigte. (…) Die Vermutung, dass in Mona Lisas Lächeln zwei verschiedene Elemente kombiniert wurden, wurde von vielen Kritikern getragen. Daher sahen sie im Gesichtsausdruck der schönen Florentinerin das vollkommenste Bild des Antagonismus, der das Liebesleben einer Frau beherrscht, Zurückhaltung und Verführung, aufopfernde Zärtlichkeit und rücksichtslos fordernde Sinnlichkeit, die einen Mann als etwas Fremdes in sich aufnimmt. (...) Leonardo gelang es, im Gesicht von Mona Lisa die Doppeldeutigkeit ihres Lächelns wiederzugeben, das Versprechen grenzenloser Zärtlichkeit und eine bedrohliche Drohung.

Kopie des 16. Jahrhunderts, befindet sich in der Eremitage, St. Petersburg

Der dämonische Charme dieses Lächelns fasziniert den Betrachter besonders. Hunderte von Dichtern und Schriftstellern haben über diese Frau geschrieben, die entweder verführerisch zu lächeln scheint oder erstarrt, kalt und seelenlos ins Leere blickt, und niemand ahnte ihr Lächeln, niemand deutete ihre Gedanken. Alles, sogar die Landschaft, ist geheimnisvoll, wie ein Traum, zitternd, wie ein Vorsturmdunst der Sinnlichkeit (Muter).

Die Geschichte der Malerei in der Neuzeit

Am Tag seines Todes im Jahr 1525 besaß Leonardos Assistent (und möglicherweise Liebhaber) namens Salai, nach Hinweisen in seinen persönlichen Papieren zu urteilen, ein Porträt einer Frau namens "Gioconda" ( quadro de una dona aretata), die ihm von seinem Lehrer vermacht wurde. Salai hinterließ das Gemälde seinen Schwestern, die in Mailand lebten. Es bleibt ein Rätsel, wie in diesem Fall das Porträt von Mailand zurück nach Frankreich gelangte. Es ist auch nicht bekannt, wer und wann genau die Ränder des Gemäldes mit Säulen abgeschnitten hat, die nach Ansicht der meisten Forscher, basierend auf Vergleichen mit anderen Porträts, in der Originalversion existierten. Im Gegensatz zu einem anderen beschnittenen Werk von Leonardo – „Portrait of Ginevra Benci“, dessen unterer Teil abgeschnitten wurde, da es Wasser oder Feuer ausgesetzt war, waren die Gründe in diesem Fall höchstwahrscheinlich kompositorischer Natur. Es gibt eine Version, dass dies von Leonardo da Vinci selbst gemacht wurde.

Menschenmenge heute im Louvre in der Nähe des Gemäldes

Es wird angenommen, dass König Franz I. das Gemälde von den Erben von Salai (für 4.000 Ecus) gekauft und in seinem Schloss Fontainebleau aufbewahrt hatte, wo es bis zur Zeit Ludwigs XIV. blieb. Letztere verlegte sie ins Schloss Versailles und nach der Französischen Revolution landete sie im Louvre. Napoleon hängte das Porträt in seinem Schlafzimmer des Tuilerienpalastes auf, dann kehrte sie ins Museum zurück.

Während des Zweiten Weltkriegs wurde das Gemälde aus Sicherheitsgründen vom Louvre zum Schloss Amboise (dem Todes- und Begräbnisort von Leonardo), dann zur Abtei von Loc-Dieu und schließlich zum Ingres-Museum in Montauban transportiert wo es nach dem Sieg sicher an seinen Platz zurückkehrte.

Vandalismus

1956 wurde der untere Teil des Gemäldes beschädigt, als ein Besucher Säure darüber goss. Am 30. Dezember desselben Jahres warf der junge Bolivianer Hugo Ungaza Villegas einen Stein nach ihr und beschädigte die Farbschicht am Ellbogen (der Verlust wurde später aufgezeichnet). Danach wurde die Mona Lisa durch Panzerglas geschützt, was sie vor weiteren schweren Angriffen schützte. Doch im April 1974 versuchte eine Frau, frustriert über die Behindertenpolitik des Museums, rote Farbe aus einer Sprühdose zu sprühen, als das Gemälde in Tokio ausgestellt war, und am 2. April 2009 eine Russin, die kein Französisch erhielt Citizenship warf einen Tonbecher ins Glas. Beide Fälle taten dem Bild keinen Abbruch.

In Kunst

Kasimir Malewitsch. Komposition mit Mona Lisa.

Malerei:

• Kasimir Malewitsch machte 1914 „Komposition mit Mona Lisa“.
• Der Dadaist Marcel Duchamp schuf 1919 das Werk „L.H.O.O.Q.“ , die eine Reproduktion der berühmten Leinwand mit angesetztem Schnurrbart war.
• Fernand Léger malte 1930 Mona Lisa mit Schlüsseln.
• Rene Magritte schuf 1960 das Gemälde „La Gioconda“, auf dem keine Mona Lisa, aber ein Fenster zu sehen ist.
• Andy Warhol machte 1963 und 1978 die Komposition "Four Mona Lisa" und "Thirty Are Better Than One Andy Warhol" (1963), "Mona Lisa (Two Times)" ().
• Salvador Dali malte 1964 ein Selbstporträt als Mona Lisa.
• Vertreter der figurativen Kunst

Mona Lisa ist am meisten berühmtes Werk in die Kunstwelt, das vom berühmtesten Autor - Leonardo da Vinci - geschaffen wurde. Dies ist ein legendäres Kunstwerk, das in Hunderte von Geheimnissen und ungelösten Mysterien gehüllt ist und die Köpfe vieler Forscher und gewöhnlicher uneingeweihter Betrachter fasziniert.

Es gab schon immer ein Interesse an der Schöpfung, aber es ist besonders akut geworden letzten Jahren nach der Veröffentlichung des Romans "The Da Vinci Code" von Dan Brown, sowie Filme, die auf diesem Buch basieren. Und jetzt erfahren Sie die unglaublichsten und interessantesten Fakten über Leonardo da Vincis Mona Lisa.

Fakten über die Mona Lisa

• Das Präfix Mona bedeutet „Madonna“ oder „Mylady“, während Lisa nur ein Name ist.
• Die Identität der Person auf dem Gemälde ist für immer ein Rätsel geblieben. Einige Forscher neigen dazu zu glauben, dass dies ein Selbstporträt von Leonardo da Vinci in weiblicher Form ist, aber die meisten halten die Mona Lisa für die 24-jährige Lisa Geraldine, auch bekannt als Lisa del Giocondo, die die Frau von war der Kaufmann Francesco del Giocondo. Es ist auch möglich, dass es sich um ein Porträt der Mutter des Künstlers handelt.
• 1956 ereignete sich im Louvre ein Notfall. Hugo Ungaze warf einen Stein auf das Porträt, wodurch das Meisterwerk in der Nähe des linken Ellbogens von Mona Lisa beschädigt wurde.
• Was denken Sie, wie viel ist dieses Gemälde wert? Hunderttausende von Dollar? Millionen? Milliarden? Nein! Sie ist unbezahlbar! Und deshalb ist das Meisterwerk auch noch unversichert.
• Interessante Faktenüber Mona Lisa Leonardo da Vinci muss durch die Tatsache ergänzt werden, dass die auf dem Bild dargestellte Frau keine Augenbrauen hat. Es ist nicht sicher bekannt, warum dies geschah. Es wird angenommen, dass die Augenbrauen bei einer der Restaurierungen im Mittelalter entfernt wurden, seitdem war es in Mode, die Augenbrauen vollständig zu entfernen. Es gibt auch eine Meinung, dass das Bild vom Autor absichtlich unvollendet ist.

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• Das Gemälde befindet sich in einem speziellen Raum im Louvre. Dieser Raum wurde speziell für die Mona Lisa für 7 Millionen Dollar geschaffen. Das Meisterwerk befindet sich unter Panzerglas, und die erforderliche Temperatur wird mithilfe eines Computers und eines komplexen Sensorsystems gehalten.
• Die Mona Lisa wurde um 1505 im Château d'Amboise in Frankreich fertiggestellt. Einer Hypothese zufolge ist Leonardo da Vinci in diesem Schloss begraben.
• Die Pupillen der Mona Lisa sind mit mikroskopisch kleinen Zahlen und Buchstaben bemalt. Sie sind nur mit Spezialausrüstung zu sehen. Es wird angenommen, dass dies das Datum der Fertigstellung des Gemäldes und die Initialen des Autors sind.
• Mona Lisa gilt als eine der enttäuschendsten Sehenswürdigkeiten. So viel Lärm und Legenden, aber du kommst ins Museum, es ist unter Glas versteckt und so weit weg von dir ... nur ein Bild ...
• Eine besondere Popularitätswelle der Mona Lisa entstand nach der Entführung. Am 21. August 1911 wurde das Gemälde von Vincenzo Perugio, einem Angestellten des Pariser Museums, gestohlen. Während der Ermittlungen wurde die Führung des Louvre entlassen, berühmte Persönlichkeiten wie Pablo Picasso und Guillaume Apollinaire standen unter Verdacht. Infolgedessen wurde das Gemälde am 4. Januar 1914 in Italien entdeckt. Danach wurden mehrere Ausstellungen mit ihr durchgeführt, und dann wurde sie nach Paris zurückgebracht. Die Motive für das Verbrechen sind nicht sicher bekannt, es ist wahrscheinlich, dass Perugio das Meisterwerk in die Heimat von Leonardo da Vinci zurückbringen wollte.

Im Königsschloss von Amboise (Frankreich) vollendete Leonardo da Vinci die berühmte „La Gioconda“ – „Mona Lisa“. Es ist allgemein anerkannt, dass Leonardo in der Kapelle St. Hubert des Schlosses von Amboise begraben liegt.

In Mona Lisas Augen verbergen sich winzige Zahlen und Buchstaben, die mit bloßem Auge nicht zu erkennen sind. Vielleicht sind das die Initialen von Leonardo da Vinci und das Entstehungsjahr des Gemäldes.

„Mona Lisa“ gilt als das mysteriöseste Gemälde, das jemals geschaffen wurde. Kunstexperten lüften immer noch seine Geheimnisse. Gleichzeitig ist die Mona Lisa eine der enttäuschendsten Sehenswürdigkeiten in Paris. Fakt ist, dass sich täglich riesige Schlangen anstellen. Die Mona Lisa ist durch Panzerglas geschützt.

Am 21. August 1911 gab es einen hochkarätigen Diebstahl von "Mona Lisa". Sie wurde vom Louvre-Mitarbeiter Vincenzo Perugia entführt. Es besteht die Vermutung, dass Perugia das Gemälde in seine historische Heimat zurückbringen wollte. Die ersten Versuche, das Bild zu finden, führten zu nichts. Die Verwaltung des Museums wurde entlassen. Im Rahmen dieses Falls wurde der Dichter Guillaume Apollinaire festgenommen und später wieder freigelassen. Auch Pablo Picasso stand unter Verdacht. Das Gemälde wurde zwei Jahre später in Italien gefunden. Am 4. Januar 1914 kehrte das Gemälde (nach Ausstellungen in italienischen Städten) nach Paris zurück. Nach diesen Ereignissen erlangte das Bild eine beispiellose Popularität.

Im DIDU-Café steht eine große Mona Lisa aus Plastilin. Es wurde innerhalb eines Monats von gewöhnlichen Cafébesuchern geformt. Der Prozess wurde von dem Künstler Nikas Safronov geleitet. Gioconda, das von 1700 Moskowitern und Gästen der Stadt geprägt wurde, kam ins Guinness-Buch der Rekorde. Es wurde die größte Plastilin-Reproduktion der Mona Lisa, die von Menschen geformt wurde.

Während des Zweiten Weltkriegs wurden viele Werke aus der Sammlung des Louvre im Chateau de Chambord versteckt. Unter ihnen war die Mona Lisa. Auf den Bildern - Notfallvorbereitungen für den Versand des Gemäldes vor der Ankunft der Nazis in Paris. Der Ort, an dem die Mona Lisa versteckt ist, wurde streng vertraulich behandelt. Die Gemälde wurden nicht umsonst versteckt: Wie sich später herausstellte, plante Hitler, in Linz „das größte Museum der Welt“ zu errichten. Und dafür organisierte er eine ganze Aktion unter der Leitung des deutschen Kunstkenners Hans Posse.

Nach 100 Jahren ohne Menschen wird die Mona Lisa im History Channel-Film Life After People von Käfern gefressen.

Die meisten Forscher glauben, dass die hinter der Mona Lisa gemalte Landschaft fiktiv ist. Es gibt Versionen, dass dies das Valdarno-Tal oder die Montefeltro-Region ist, aber es gibt keine überzeugenden Beweise für diese Versionen. Es ist bekannt, dass Leonardo das Gemälde in seiner Mailänder Werkstatt gemalt hat.

Die Mona Lisa des großen Leonardo da Vinci, auch Gioconda genannt, ist eines der geheimnisvollsten Werke der Kunstgeschichte. Seit mehreren Jahrhunderten ist der Streit darüber, wer tatsächlich auf dem Porträt abgebildet ist, nicht abgeklungen. Nach verschiedenen Versionen handelt es sich um die Frau eines florentinischen Kaufmanns, einen Transvestiten in Frauenkleidung, die Mutter des Künstlers und schließlich um den als Frau verkleideten Künstler selbst ... Aber das ist nur ein Teil der Geheimnisse, die mit dem Gemälde verbunden sind .

„Mona Lisa“ ist nicht „La Gioconda“?

Es wird angenommen, dass das Gemälde zwischen 1503 und 1505 gemalt wurde. Das Modell für sie war laut offizieller Version eine Zeitgenossin der großen Malerin, geborene Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, deren Porträt angeblich von ihrem Ehemann, dem Florentiner Seidenhändler Francesco del Giocondo, in Auftrag gegeben wurde. Der vollständige Name der Leinwand lautet „Ritratto di Monna Lisa del Giocondo“ – „Porträt von Frau Lisa Giocondo“. Gioconda (la Gioconda) bedeutet auch „fröhlich, spielend“. Vielleicht ist es ein Spitzname, kein Nachname.

Allerdings gibt es in der kunsthistorischen Community Gerüchte, dass es sich bei der berühmten „Mona Lisa“ von Leonardo da Vinci und seiner „La Gioconda“ um zwei völlig unterschiedliche Gemälde handelt.

Tatsache ist, dass keiner der Zeitgenossen des großen Malers das Porträt vollendet gesehen hat. Giorgio Vasari behauptet in seinem Buch Lives of Artists, Leonardo habe vier Jahre an dem Gemälde gearbeitet, aber nie Zeit gehabt, es fertigzustellen. Das jetzt im Louvre ausgestellte Porträt ist jedoch vollständig fertiggestellt.

Ein anderer Künstler, Raphael, bezeugt, dass er die La Gioconda in der da Vinci-Werkstatt gesehen hat. Er zeichnete ein Porträt. Darauf posiert das Model zwischen zwei griechischen Säulen. In dem bekannten Porträt gibt es keine Säulen. Den Quellen nach zu urteilen, war die Gioconda auch größer als die uns bekannte ursprüngliche Mona Lisa. Darüber hinaus gibt es Hinweise darauf, dass die unfertige Leinwand dem Kunden – dem Ehemann des Modells, dem Florentiner Kaufmann Francesco del Giocondo – übergeben wurde. Dann wurde es von Generation zu Generation vererbt.

Das Porträt mit dem Namen "Mona Lisa" zeigt angeblich den Liebling von Herzog Giuliano de' Medici, Constance d'Avalos. 1516 brachte der Künstler dieses Gemälde mit nach Frankreich. Bis zum Tod von da Vinci befand sich das Gemälde in seinem Anwesen in der Nähe von Amboise. 1517 fand sie sich in der Sammlung des französischen Königs Franz I. wieder. Sie ist es, die heute im Louvre zu sehen ist.

1914 kaufte ein britischer Antiquar für nur wenige Guineen auf dem Kleidermarkt in Bass ein Bild der Mona Lisa, das er für eine gelungene Kopie von Leonardos Schöpfung hielt. Später wurde dieses Porträt als "Iuor Mona Lisa" bekannt. Es sieht unvollendet aus, im Hintergrund stehen zwei griechische Säulen, wie in den Erinnerungen Raffaels.

Dann kam die Leinwand nach London, wo sie 1962 von einem Syndikat von Schweizer Bankiers gekauft wurde.

Gibt es eine solche Ähnlichkeit zwischen zwei verschiedenen Frauen, dass sie verwirrt waren? Oder gibt es nur ein Gemälde und das zweite nur eine Kopie eines unbekannten Künstlers?

verstecktes Bild

Übrigens hat der französische Experte Pascal Cotte kürzlich bekannt gegeben, dass sich ein weiteres Bild, die echte Lisa Gherardini, unter einer Farbschicht im Bild versteckt. Er kam zu diesem Schluss, nachdem er zehn Jahre lang das Porträt mit einer von ihm entwickelten Technologie untersucht hatte, die auf der Reflexion von Lichtstrahlen basiert.

Laut dem Wissenschaftler war es möglich, das zweite Porträt unter der "Mona Lisa" zu "erkennen". Es zeigt auch eine Frau, die in genau der gleichen Position wie Gioconda sitzt, jedoch im Gegensatz zu dieser ein wenig zur Seite schaut und nicht lächelt.

tödliches Lächeln

Und das berühmte Lächeln der Mona Lisa? Was für Hypothesen wurden nicht darüber aufgestellt! Einigen scheint Gioconda überhaupt nicht zu lächeln, jemandem scheint sie keine Zähne zu haben, und jemandem scheint etwas Unheilvolles in ihrem Lächeln zu liegen ...

Bereits im 19. Jahrhundert bemerkte der französische Schriftsteller Stendhal, dass er, nachdem er das Gemälde lange bewundert hatte, einen unerklärlichen Zusammenbruch erlebte ... Mitarbeiter des Louvre, wo die Leinwand heute hängt, sagen, dass die Betrachter vor der Mona Lisa oft in Ohnmacht fallen. Darüber hinaus bemerkten Museumsmitarbeiter, dass das Bild zu verblassen scheint, wenn die Öffentlichkeit den Saal nicht betreten darf, aber sobald Besucher auftauchen, scheinen die Farben heller zu werden und das mysteriöse Lächeln klarer durchzudringen ... Parapsychologen erklären das Phänomen dadurch, dass die Gioconda ein Bild-Vampir ist, sie trinkt die Lebenskraft eines Menschen ... Dies ist jedoch nur eine Vermutung.

Ein weiterer Versuch, das Geheimnis zu lüften, wurde von Nitz Zebe von der Universität Amsterdam und seinen amerikanischen Kollegen von der University of Illinois unternommen. Sie nutzten ein Special Computer Programm, Vergleichen des Bildes eines menschlichen Gesichts mit einer Datenbank menschlicher Emotionen. Der Computer lieferte sensationelle Ergebnisse: Es stellt sich heraus, dass auf dem Gesicht von Mona Lisa äußerst gemischte Gefühle zu lesen sind, und darunter gehören nur 83% der Freude, 9% dem Ekel, 6% der Angst und 2% der Wut ...

Unterdessen haben italienische Historiker entdeckt, dass, wenn man Mona Lisas Augen unter einem Mikroskop betrachtet, einige Buchstaben und Zahlen sichtbar werden. So sieht man auf dem rechten Auge die Buchstaben LV, die aber möglicherweise nur die Initialen des Namens Leonardo da Vinci darstellen. Die Symbole im linken Auge wurden noch nicht erkannt: Entweder sind dies die Buchstaben CE oder B ...

Im Brückenbogen, der sich im Hintergrund des Bildes befindet, „protzt“ die Zahl 72, obwohl es andere Versionen gibt, zum Beispiel, dass es 2 oder der Buchstabe L ist ... Die Zahl 149 (die Vier ist gelöscht ) ist auch auf der Leinwand sichtbar. Dies kann auf das Entstehungsjahr des Gemäldes hinweisen - 1490 oder später ...

Aber wie dem auch sei, das geheimnisvolle Lächeln der Gioconda wird für immer Vorbild bleiben die höchste Kunst. Immerhin war der göttliche Leonardo in der Lage, etwas zu schaffen, das Nachkommen für viele, viele Jahrhunderte begeistern wird …

Ritratto di Monna Lisa del Giocondo- "Porträt von Frau Lisa Giocondo." Auf Italienisch Mama bedeutet "meine Geliebte" (vgl. engl. Mylady und fr. "Madam"), in einer abgekürzten Version wurde dieser Ausdruck umgewandelt in Montag oder Mona. Der zweite Teil des Namens des Models, der als Name ihres Mannes gilt - del Giocondo, hat im Italienischen auch eine direkte Bedeutung und wird entsprechend mit „freudig, spielend“ übersetzt la Gioconda- „fröhlich, spielend“ (vgl. mit englischem Scherz).

Der Name „La Joconda“ wurde erstmals 1525 in der Liste des Nachlasses des Künstlers Salai, Erbe und Schüler von da Vinci, erwähnt, der das Gemälde seinen Schwestern in Mailand hinterließ. Die Inschrift beschreibt es als Porträt einer Dame namens La Gioconda.

Geschichte der Malerei

Schon die ersten italienischen Biographen von Leonardo da Vinci schrieben über den Platz, den dieses Gemälde im Werk des Künstlers einnahm. Leonardo schreckte nicht davor zurück, an der Mona Lisa zu arbeiten – wie bei vielen anderen Aufträgen, sondern gab sich ihr im Gegenteil mit einer Art Leidenschaft hin. Die ganze Zeit, die ihm von der Arbeit an der Schlacht von Anghiari blieb, war ihr gewidmet. Er verbrachte viel Zeit damit und nahm, nachdem er Italien als Erwachsener verlassen hatte, neben einigen anderen ausgewählten Gemälden mit nach Frankreich. Da Vinci hatte eine besondere Verbundenheit zu diesem Porträt, und auch während des Entstehungsprozesses viel nachgedacht, in der „Abhandlung über die Malerei“ und in jenen Anmerkungen zu Maltechniken, die nicht darin enthalten waren, findet man viele Hinweise darauf, dass es zweifelsfrei ist siehe "Gioconda » .

Vasaris Botschaft

Höchstwahrscheinlich fügte Vasari zur Unterhaltung der Leser einfach eine Geschichte über Narren hinzu. Vasaris Text enthält auch eine genaue Beschreibung der Augenbrauen, die auf dem Gemälde fehlen. Diese Ungenauigkeit könnte nur entstehen, wenn der Autor das Bild aus dem Gedächtnis oder aus den Erzählungen anderer beschrieb. Aleksey Dzhivelegov schreibt, dass Vasaris Angabe, dass „die Arbeit an dem Porträt vier Jahre dauerte, eindeutig übertrieben ist: Leonardo blieb nicht so lange in Florenz, nachdem er von Caesar Borgia zurückgekehrt war, und wenn er begonnen hätte, ein Porträt zu malen, bevor er nach Caesar aufbrach, würde Vasari es tun wahrscheinlich würde ich sagen, dass er es fünf Jahre lang geschrieben hat. Der Wissenschaftler schreibt auch über den irrtümlichen Hinweis auf die Unvollständigkeit des Porträts – „das Porträt wurde zweifellos lange gemalt und zu Ende gebracht, egal was Vasari sagte, der ihn in seiner Biographie von Leonardo als einen stilisierte Künstler, der im Prinzip kein größeres Werk vollenden konnte. Und es war nicht nur fertig, sondern es ist eines der am sorgfältigsten fertiggestellten Dinge von Leonardo.

Eine interessante Tatsache ist, dass Vasari in seiner Beschreibung Leonardos Talent bewundert, physikalische Phänomene zu vermitteln, und nicht die Ähnlichkeit zwischen Modell und Malerei. Es scheint, dass dieses „physische“ Merkmal des Meisterwerks einen tiefen Eindruck bei den Besuchern des Ateliers des Künstlers hinterließ und fast fünfzig Jahre später Vasari erreichte.

Das Gemälde war unter Kunstliebhabern bekannt, obwohl Leonardo 1516 Italien verließ und das Gemälde mit nach Frankreich nahm. Laut italienischen Quellen befand es sich seitdem in der Sammlung des französischen Königs Franz I., aber es bleibt unklar, wann und wie er es erworben hat und warum Leonardo es nicht an den Kunden zurückgegeben hat.

Sonstiges

Vielleicht hat der Künstler das Gemälde wirklich nicht in Florenz fertiggestellt, sondern es bei seiner Abreise 1516 mitgenommen und in Ermangelung von Zeugen, die Vasari davon berichten konnten, den letzten Strich aufgetragen. Wenn ja, vollendete er es kurz vor seinem Tod im Jahr 1519. (In Frankreich lebte er in Clos-Luce in der Nähe des königlichen Schlosses von Amboise).

Obwohl Informationen über die Identität der Frau von Vasari gegeben wurden, gab es noch lange Zeit Unsicherheit über sie und viele Versionen wurden geäußert:

Die Version über die Übereinstimmung des allgemein akzeptierten Namens des Gemäldes mit der Persönlichkeit des Modells aus dem Jahr 2005 gilt jedoch als endgültig bestätigt. Wissenschaftler der Universität Heidelberg untersuchten die Randnotizen eines Wälzers aus dem Besitz eines florentinischen Beamten, eines persönlichen Bekannten des Künstlers Agostino Vespucci. In Notizen am Rand des Buches vergleicht er Leonardo mit dem berühmten antiken griechischen Maler Apelles und vermerkt dies "da Vinci arbeitet derzeit an drei Gemälden, eines davon ist ein Porträt von Lisa Gherardini". So entpuppte sich Mona Lisa wirklich als Ehefrau des Florentiner Kaufmanns Francesco del Giocondo - Lisa Gherardini. Wie Wissenschaftler in diesem Fall beweisen, wurde das Gemälde von Leonardo für das neue Zuhause der jungen Familie und zur Erinnerung an die Geburt ihres zweiten Sohnes namens Andrea in Auftrag gegeben.

• Der untere Rand des Gemäldes schneidet die zweite Hälfte ihres Körpers ab, sodass das Porträt fast halb so lang ist. Der Sessel, in dem das Model sitzt, steht auf einem Balkon oder einer Loggia, deren Brüstungslinie hinter ihren Ellbogen sichtbar ist. Es wird angenommen, dass das Bild früher breiter hätte sein können und zwei seitliche Säulen der Loggia aufnehmen konnten, von denen sich derzeit zwei Säulenbasen befinden, deren Fragmente an den Rändern der Brüstung sichtbar sind.

  Die Loggia überblickt eine trostlose Wildnis aus sich schlängelnden Bächen und einen von schneebedeckten Bergen umgebenen See, der sich bis zu einer hohen Skyline hinter der Figur erstreckt. „Mona Lisa wird in einem Sessel sitzend vor dem Hintergrund einer Landschaft dargestellt, und gerade der Vergleich ihrer dem Betrachter sehr nahen Figur mit einer weithin sichtbaren Landschaft wie einem riesigen Berg verleiht dem Bild eine außergewöhnliche Erhabenheit. Derselbe Eindruck wird durch den Kontrast der gesteigerten plastischen Greifbarkeit der Figur und ihrer glatten, verallgemeinerten Silhouette mit einer Landschaft begünstigt, die wie eine Vision in neblige Ferne gerät, zwischen der sich bizarre Felsen und Wasserkanäle winden.

  Komposition

  Boris Vipper schreibt, trotz der Spuren des Quattrocento, „mit ihren Kleidern mit kleinem Ausschnitt auf der Brust und mit Ärmeln in freien Falten ebenso wie mit einer geraden Körperhaltung, einer leichten Drehung des Körpers und einer sanften Geste der Hände gehört die Mona Lisa ganz der Ära des klassischen Stils" . Mikhail Alpatov weist darauf hin, dass „La Gioconda perfekt in ein streng proportionales Rechteck eingeschrieben ist, seine Halbfigur bildet etwas Ganzes, gefaltete Hände vervollständigen sein Bild. Jetzt konnte natürlich von den skurrilen Locken der frühen Verkündigung keine Rede sein. Doch wie weich alle Konturen auch sein mögen, die wellige Haarlocke der Gioconda harmoniert mit dem durchsichtigen Schleier, und der über die Schulter geworfene Stoff findet ein Echo in den glatten Windungen der fernen Straße. In all dem zeigt Leonardo seine Fähigkeit, nach den Gesetzen von Rhythmus und Harmonie zu schaffen.

  Aktuellen Zustand

  "Mona Lisa" ist sehr dunkel geworden, was als Ergebnis der Neigung seines Autors zum Experimentieren mit Farben angesehen wird, wodurch das Fresko " Das letzte Abendmahl"im Allgemeinen fast gestorben wäre. Den Zeitgenossen des Künstlers gelang es jedoch, ihre Begeisterung nicht nur über Komposition, Zeichnung und Hell-Dunkel-Spiel zum Ausdruck zu bringen – sondern auch über die Farbigkeit des Werkes. Vermutet wird zum Beispiel, dass die Ärmel ihres Kleides zunächst rot sein könnten – wie auf einer Kopie des Gemäldes aus dem Prado zu sehen ist.

  Der aktuelle Zustand des Gemäldes ist ziemlich schlecht, weshalb die Mitarbeiter des Louvre ankündigten, es nicht mehr in Ausstellungen zu geben: „Auf dem Gemälde haben sich Risse gebildet, und einer davon endet wenige Millimeter über dem Kopf von Mona Lisa.“

  Analyse

  Technik

  Wie Dzhivelegov feststellt, ist Leonardos Können zum Zeitpunkt der Erschaffung der Mona Lisa „bereits in eine Phase solcher Reife eingetreten, in der alle formalen Aufgaben kompositorischer und anderer Art festgelegt und gelöst wurden, als Leonardo anfing, nur darüber nachzudenken die letzten, schwierigsten Aufgaben der künstlerischen Technik verdienen es, sie zu erledigen. Und als er im Gesicht der Mona Lisa ein Modell fand, das seinen Bedürfnissen entsprach, versuchte er, einige der höchsten und schwierigsten Aufgaben der Maltechnik zu lösen, die er noch nicht gelöst hatte. Er wollte mit Hilfe von Techniken, die er bereits zuvor entwickelt und erprobt hatte, insbesondere mit Hilfe seiner berühmten sfumato, der zuvor außergewöhnliche Wirkungen erzielte, mehr zu tun als er zuvor: ein lebendiges Gesicht eines lebenden Menschen zu schaffen und die Züge und den Ausdruck dieses Gesichts so wiederzugeben, dass sie am Ende die innere Welt eines Menschen offenbaren. Boris Whipper stellt die Frage, „wodurch wird diese Spiritualität erreicht, dieser unsterbliche Bewusstseinsfunke im Bild der Mona Lisa, dann sind zwei Hauptmittel zu nennen. Einer ist der wunderbare Sfumato von Leonard. Kein Wunder, dass Leonardo gerne sagte, dass „Modellieren die Seele der Malerei ist“. Es ist Sfumato, das den feuchten Look der Gioconda, ihr Lächeln, leicht wie der Wind, und die unvergleichliche Zartheit der Berührung ihrer Hände kreiert. Sfumato ist ein subtiler Schleier, der Gesicht und Figur umhüllt und Konturen und Schatten weicher macht. Leonardo empfahl zu diesem Zweck, zwischen der Lichtquelle und den Körpern, wie er es ausdrückt, „eine Art Nebel“ zu platzieren.

  Alpatov fügt hinzu, dass „Leonardo es geschafft hat, in einem sanft schmelzenden Schleier, der Gesicht und Figur umhüllt, die grenzenlose Variabilität menschlicher Gesichtsausdrücke spüren zu lassen. Obwohl die Augen der Gioconda den Betrachter aufmerksam und ruhig anblicken, könnte man aufgrund der Schattierung ihrer Augenhöhlen meinen, dass sie leicht die Stirn runzeln; Ihre Lippen sind zusammengepresst, aber kaum wahrnehmbare Schatten zeichnen sich in der Nähe ihrer Ecken ab, was Sie glauben lässt, dass sie sich jede Minute öffnen, lächeln, sprechen werden. Schon der Kontrast zwischen ihrem Blick und dem halben Lächeln auf ihren Lippen lässt erahnen, wie widersprüchlich ihre Erfahrungen sind. (...) Leonardo hat mehrere Jahre daran gearbeitet, darauf geachtet, dass kein einziger scharfer Strich, keine einzige kantige Kontur im Bild verblieben ist; und obwohl die Kanten von Objekten darin deutlich wahrnehmbar sind, lösen sie sich alle in den subtilsten Übergängen von Halbschatten zu Halblicht auf.

  Landschaft

  Kunstkritiker betonen die organische Natur, mit der der Künstler die Porträteigenschaften eines Menschen mit einer Landschaft voller besonderer Stimmung verband und wie sehr dies die Würde des Porträts steigerte.

  Vipper betrachtet die Landschaft als das zweite Mittel, das die Spiritualität des Bildes erzeugt: „Das zweite Mittel ist die Beziehung zwischen der Figur und dem Hintergrund. Die fantastische, felsige, wie durchs Meer durchschaute Wasserlandschaft im Porträt der Mona Lisa hat eine andere Realität als ihre Figur selbst. Die Mona Lisa hat die Realität des Lebens, die Landschaft hat die Realität eines Traums. Durch diesen Kontrast erscheint Mona Lisa so unglaublich nah und greifbar, und wir nehmen die Landschaft als Ausstrahlung ihres eigenen Traums wahr.

  Der Renaissance-Kunstforscher Viktor Grashchenkov schreibt, dass es Leonardo auch dank der Landschaft gelang, kein Porträt einer bestimmten Person, sondern ein universelles Bild zu schaffen: „In diesem mysteriösen Bild schuf er etwas mehr als ein Porträtbild der unbekannten Florentiner Mona Lisa, die dritte Frau von Francesco del Giocondo. Das Aussehen und die mentale Struktur einer bestimmten Person werden ihnen mit einer nie dagewesenen Synthetizität vermittelt. Dieser unpersönliche Psychologismus korrespondiert mit der kosmischen Abstraktion der Landschaft, fast völlig ohne menschliche Präsenz. Im rauchigen Hell-Dunkel werden nicht nur alle Umrisse von Figur und Landschaft und alle Farbtöne gemildert. In den subtilsten, für das Auge kaum wahrnehmbaren Übergängen von Licht zu Schatten, in der Schwingung von Leonards „sfumato“, wird alle Bestimmtheit der Individualität und ihrer psychischen Verfassung bis an die Grenze aufgeweicht, zerschmilzt und ist bereit zu verschwinden. (...) "La Gioconda" ist kein Porträt. Dies ist ein sichtbares Symbol für das Leben von Mensch und Natur, vereint zu einem Ganzen und abstrakt aus ihrer individuellen konkreten Form dargestellt. Aber hinter der kaum wahrnehmbaren Bewegung, die wie leichte Wellen über die regungslose Oberfläche dieser harmonischen Welt läuft, lässt sich der ganze Reichtum der Möglichkeiten körperlicher und geistiger Existenz erahnen.

  "Mona Lisa" wird in goldbraunen und rötlichen Tönen des Vordergrunds und smaragdgrünen Tönen der Ferne gehalten. „Durchsichtige Farben bilden wie Glas eine Legierung, als wären sie nicht von menschlicher Hand geschaffen worden, sondern von jener inneren Kraft der Materie, die aus einer Lösung formvollendete Kristalle entstehen lässt.“ Wie viele von Leonardos Werken ist dieses Werk mit der Zeit dunkler geworden, und seine Farbverhältnisse haben sich etwas verändert, aber selbst jetzt sind nachdenkliche Vergleiche in den Farbtönen von Nelken und Kleidung und ihr allgemeiner Kontrast zu Blaugrün deutlich wahrnehmbar. "Unterwasser"-Ton der Landschaft .

  Giocondas Lächeln

  Der Kunstkritiker Rotenberg glaubt, dass „es nur wenige Porträts in der gesamten Weltkunst gibt, die der Mona Lisa in Bezug auf die Ausdruckskraft der menschlichen Persönlichkeit, die in der Einheit von Charakter und Intellekt verkörpert ist, ebenbürtig sind. Es ist die außergewöhnliche intellektuelle Intensität von Leonards Porträt, die es von den Porträtbildern des Quattrocento unterscheidet. Dieses seine Merkmal wird umso deutlicher wahrgenommen, als es sich auf ein Frauenporträt bezieht, in dem sich der Charakter des Modells zuvor in einem ganz anderen, überwiegend lyrischen figurativen Ton offenbarte. Das Kraftgefühl, das von der „Mona Lisa“ ausgeht, ist eine organische Verbindung von innerer Gelassenheit und persönlichem Freiheitsgefühl, der seelischen Harmonie eines Menschen, die auf dem Bewusstsein seiner eigenen Bedeutung beruht. Und ihr Lächeln selbst drückt keineswegs Überlegenheit oder Verachtung aus; es wird als Ergebnis von ruhigem Selbstvertrauen und vollständiger Selbstbeherrschung wahrgenommen.

  Boris Whipper weist darauf hin, dass das oben erwähnte Fehlen von Augenbrauen und eine rasierte Stirn, vielleicht unwissentlich, das seltsame Mysterium in ihrem Ausdruck verstärkt. Weiter schreibt er über die Wirkungskraft des Bildes: „Wenn wir uns fragen, was die große Anziehungskraft der Mona Lisa ist, ihre wahrlich unvergleichliche hypnotische Wirkung, dann kann es nur eine Antwort geben – in ihrer Spiritualität. Die genialsten und gegensätzlichsten Interpretationen wurden in das Lächeln der Mona Lisa gesteckt. Stolz und Zärtlichkeit, Sinnlichkeit und Koketterie, Grausamkeit und Bescheidenheit wollten sie darin lesen. Der Fehler war erstens, dass man im Bild der Mona Lisa um jeden Preis nach individuellen, subjektiven spirituellen Eigenschaften suchte, während Leonardo zweifellos genau die typische Spiritualität erreicht hat. Zweitens, und das ist vielleicht noch wichtiger, versuchten sie, der Spiritualität von Mona Lisa einen emotionalen Inhalt zuzuschreiben, während sie tatsächlich intellektuelle Wurzeln hat. Das Wunder der Mona Lisa liegt gerade darin, dass sie denkt; dass wir vor einem vergilbten, rissigen Brett unwiderstehlich die Anwesenheit eines vernunftbegabten Wesens spüren, mit dem man sprechen kann und von dem man eine Antwort erwarten kann.

  Lazarev analysierte es als Kunstwissenschaftler: „Dieses Lächeln ist nicht so sehr ein individuelles Merkmal der Mona Lisa, sondern eine typische Formel der psychologischen Erweckung, eine Formel, die sich wie ein roter Faden durch alle Jugendbilder von Leonardo zieht, eine Formel, die später verwandelte sich in den Händen seiner Schüler und Anhänger in einen traditionellen Stempel. Wie die Proportionen von Leonards Figuren baut es auf feinsten mathematischen Maßen auf, unter strenger Berücksichtigung der Ausdruckswerte einzelner Gesichtspartien. Dabei ist dieses Lächeln absolut natürlich, und genau das macht seinen Reiz aus. Sie nimmt dem Gesicht alles Harte, Angespannte, Gefrorene, verwandelt sie in einen Spiegel vage, unbestimmter Gefühlserlebnisse, in ihrer flüchtigen Leichtigkeit ist sie nur mit einer durchs Wasser rauschenden Dünung zu vergleichen.

  Ihre Analyse erregte nicht nur die Aufmerksamkeit von Kunsthistorikern, sondern auch von Psychologen. Sigmund Freud schreibt: „Wer auch immer die Gemälde von Leonardo präsentiert, in ihm taucht die Erinnerung an ein seltsames, fesselndes und geheimnisvolles Lächeln auf, das auf den Lippen seiner Frauenbilder lauert. Das Lächeln, eingefroren auf länglichen, zuckenden Lippen, wurde charakteristisch für ihn und wird am häufigsten als "Leonards" bezeichnet. In der eigentümlich schönen Erscheinung der Florentiner Mona Lisa del Gioconda fesselt und verwirrt vor allem sie den Betrachter. Dieses Lächeln verlangte nach einer Deutung, fand aber die verschiedensten, von denen keine befriedigte. (…) Die Vermutung, dass in Mona Lisas Lächeln zwei verschiedene Elemente kombiniert wurden, wurde von vielen Kritikern getragen. Daher sahen sie im Gesichtsausdruck der schönen Florentinerin das vollkommenste Bild des Antagonismus, der das Liebesleben einer Frau beherrscht, Zurückhaltung und Verführung, aufopfernde Zärtlichkeit und rücksichtslos fordernde Sinnlichkeit, die einen Mann als etwas Fremdes in sich aufnimmt. (...) Leonardo gelang es, im Gesicht von Mona Lisa die Doppeldeutigkeit ihres Lächelns wiederzugeben, das Versprechen grenzenloser Zärtlichkeit und eine bedrohliche Drohung.

  Der dämonische Charme dieses Lächelns fasziniert den Betrachter besonders. Hunderte von Dichtern und Schriftstellern schrieben über diese Frau, die verführerisch zu lächeln scheint, dann erstarrt, kalt und seelenlos ins Leere blickt, und niemand ahnte ihr Lächeln, niemand deutete ihre Gedanken. Alles, sogar die Landschaft, ist geheimnisvoll, wie ein Traum, zitternd, wie ein Vorsturmdunst der Sinnlichkeit (Muter).

  Platz in der Entwicklung des Genres

  „Mona Lisa“ gilt als eines der besten Werke der Porträtgattung, das die Werke der Hochrenaissance beeinflusste und indirekt durch sie – auf die gesamte spätere Entwicklung der Porträtgattung, die „wie immer auf die Mona Lisa zurückgehen sollte ein unerreichbares, aber verbindliches Modell".

  Kunsthistoriker stellen fest, dass das Porträt der Mona Lisa ein entscheidender Schritt in der Entwicklung der Porträtkunst der Renaissance war. Rotenberg schreibt: „Obwohl die Quattrocento-Maler eine Reihe bedeutender Werke dieser Gattung hinterlassen haben, standen ihre Leistungen in der Porträtmalerei sozusagen in keinem Verhältnis zu den Leistungen in den wichtigsten Bildgattungen – in Kompositionen zu religiösen und mythologischen Themen. Die Ungleichheit des Porträtgenres zeigte sich bereits in der „Ikonographie“ der Porträtbilder. Tatsächlich zeichneten sich die Porträtwerke des 15. Jahrhunderts bei aller unbestreitbaren physiognomischen Ähnlichkeit und dem von ihnen ausgestrahlten Gefühl innerer Stärke noch durch ihre äußere und innere Zwanghaftigkeit aus. All jener Reichtum an menschlichen Gefühlen und Erfahrungen, der die biblischen und mythologischen Bilder der Maler des 15. Jahrhunderts auszeichnet, war ihren Porträtarbeiten meist nicht eigen. Anklänge davon finden sich in früheren Porträts von Leonardo selbst, die von ihm in den ersten Jahren seines Aufenthaltes in Mailand geschaffen wurden. (...) Im Vergleich dazu wird das Porträt der Mona Lisa als Ergebnis einer gigantischen qualitativen Verschiebung wahrgenommen. Erstmals ist das Porträtbild in seiner Bedeutung mit den plastischsten Bildern anderer Bildgattungen gleichgesetzt worden.

  In seiner Pionierarbeit verlegte Leonardo den Hauptschwerpunkt auf das Gesicht des Porträts. Gleichzeitig nutzte er seine Hände als mächtiges Mittel zur psychologischen Charakterisierung. Durch die generationsübergreifende Formatierung des Porträts konnte der Künstler ein breiteres Spektrum an Bildtechniken demonstrieren. Und das Wichtigste im figurativen Aufbau des Porträts ist die Unterordnung aller Einzelheiten unter die Leitidee. „Kopf und Hände sind das unbestrittene Zentrum des Bildes, dem die übrigen Elemente geopfert werden. Die märchenhafte Landschaft scheint sozusagen durch das Meerwasser, sie scheint so fern und ungreifbar. Sein Hauptzweck besteht nicht darin, die Aufmerksamkeit des Betrachters vom Gesicht abzulenken. Und die gleiche Rolle kommt dem Gewand zu, das sich in kleinste Falten auflöst. Leonardo verzichtet bewusst auf schwere Faltenwürfe, die die Ausdruckskraft von Händen und Gesicht verdecken könnten. So lässt er letztere mit besonderer Kraft auftreten, je mehr, je bescheidener und neutraler Landschaft und Kleidung, assimiliert zu einer leisen, kaum wahrnehmbaren Begleitung.

  Leonardos Schüler und Anhänger schufen zahlreiche Repliken der Mona Lisa. Einige von ihnen (aus der Sammlung Vernon, USA; aus der Sammlung Walter, Baltimore, USA; und seit einiger Zeit die Isleworth Mona Lisa, Schweiz) werden von ihren Besitzern als echt angesehen, und das Gemälde im Louvre ist eine Kopie. Es gibt auch eine Ikonographie der „Nude Mona Lisa“, dargestellt durch mehrere Optionen („Schöne Gabrielle“, „Monna Vanna“, die Eremitage „Donna Nuda“), die anscheinend von den eigenen Schülern des Künstlers angefertigt wurden. Eine große Anzahl von ihnen führte zu einer unbeweisbaren Version, dass es eine Version der nackten Mona Lisa gab, die vom Meister selbst geschrieben wurde.

  • Nachdem die Mona Lisa durch ihren Diebstahl im Jahr 1911 eine unglaubliche Popularität erlangte (siehe Abschnitt unten), wurde sie von Künstlern wahrgenommen, was sie zu einem Experimentierobjekt machte und ihrer Popularität einen zusätzlichen Schub gab. „Malevich und Duchamp stellten ihre Anti-Experimentierkunst der traditionellen Kunst mit all ihren „bürgerlichen“ Werten entgegen. Die Öffentlichkeit war zutiefst beleidigt und die Mona Lisa wurde noch berühmter.

    • Kasimir Malewitsch fertigte 1914 eine Collage „Komposition mit Mona Lisa“ an, in der er das Bild ihrer Reproduktion zweimal durchstrich und oben „Teilliche Sonnenfinsternis“ schrieb.
    • Der Dadaist Marcel Duchamp schuf 1919 die L.H.O.O.Q. , das eine Reproduktion des berühmten Schnurrbart-Gemäldes war. Der Name verbarg den Schmutz: Wenn Sie schnell „L.H.O.O.Q.“ sagen, dann erhalten Sie auf Französisch die Phrase "Elle a chaud au cul"(„sie hat einen geilen Arsch“, das heißt „das Mädchen ist sehr erregt“).
    • Fernand Léger malte 1930 Mona Lisa mit den Schlüsseln.
    • Rene Magritte schuf 1960 das Gemälde „La Gioconda“, auf dem keine Mona Lisa, aber ein Fenster zu sehen ist.
    • Salvador Dali malte 1964 "Selbstporträt" als Mona Lisa.

    Die Weltausstellungstournee der Mona Lisa in den 1960er Jahren trug zur Globalisierung ihres Ruhms bei (siehe unten). Dies spiegelte sich in der Kunst wider: „Amerikanische Avantgarde-Künstler haben die Mona Lisa nicht vom Sockel gestürzt, wie es einst ihre europäischen Pendants taten. Im Gegenteil, Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg und andere Pop-Art-Stars begannen, das Bild der Mona Lisa auf die gleiche Weise zu instrumentalisieren wie andere Produkte der Populärkultur - von einer Dose Campbell's Soup bis hin zu Marilyn Monroe.

    • Andy Warhol machte 1963 und 1978 die Komposition "Four Mona Lisa" und "Thirty Are Better Than One Andy Warhol" (1963), "Mona Lisa (Two Times)" ().
    • Der Vertreter der figurativen Kunst Fernando Botero schrieb 1959 „Mona Lisa, Alter zwölf“, und 1963 schuf er ein Bild von Mona Lisa in seiner üblichen Weise, wobei er ihr Gewicht übertrieb.
    • Jasper Johns verwendete ihre Ähnlichkeit 1968 für Figure 7.
    • Robert Rauschenberg schuf 1982 Pneumonia Lisa.
    • Der berühmte Graffiti-Künstler Banksy schuf eine Zeichnung von Mona Lisa, die in vollem Wachstum dargestellt ist, dem Betrachter den Rücken zukehrt, ihren Saum hochzieht und ihren nackten Hintern zeigt. Er besitzt auch "Mona Lisa Mujaheddin" - Gioconda mit einem Granatwerfer.
    Siehe auch de:Mona Lisa Repliken und Neuinterpretationen

    In der neuen Zeit

    Ort

    Am Tag seines Todes im Jahr 1525 besaß Leonardos Assistent (und möglicherweise Liebhaber) namens Salai, nach Hinweisen in seinen persönlichen Papieren zu urteilen, ein Porträt einer Frau namens "Gioconda" ( quadro de una dona aretata), die ihm von seinem Lehrer vermacht wurde. Salai hinterließ das Gemälde seinen Schwestern, die in Mailand lebten. Es bleibt ein Rätsel, wie in diesem Fall das Porträt von Mailand zurück nach Frankreich gelangte. Es ist auch nicht bekannt, wer und wann genau die Ränder des Gemäldes mit Säulen abgeschnitten hat, die nach Ansicht der meisten Forscher, basierend auf Vergleichen mit anderen Porträts, in der Originalversion existierten. Anders als bei einem anderen Ausschnitt von Leonardo – „Portrait Ginevra Benchi“, dessen unterer Teil abgeschnitten wurde, da er Wasser oder Feuer ausgesetzt war, waren die Gründe in diesem Fall höchstwahrscheinlich kompositorischer Natur. Es gibt eine Version, dass dies von Leonardo da Vinci selbst gemacht wurde.

    Es wird angenommen, dass König Franz I. das Gemälde von den Erben von Salai (für 4.000 Ecus) gekauft und in seinem Schloss Fontainebleau aufbewahrt hatte, wo es bis zur Zeit Ludwigs XIV. blieb. Letzterer verlegte sie ins Schloss Versailles, und nach der Französischen Revolution landete sie 1793 im Louvre. Napoleon hängte das Porträt in seinem Schlafzimmer im Tuilerienpalast auf, dann kehrte sie ins Museum zurück. Während des Zweiten Weltkriegs wurde das Gemälde aus Sicherheitsgründen vom Louvre zum Schloss Amboise (dem Todes- und Begräbnisort von Leonardo), dann zur Abtei von Loc-Dieu und schließlich zum Ingres-Museum in Montauban transportiert wo es nach dem Sieg sicher an seinen Platz zurückkehrte.

    Eines der Geheimnisse hängt mit der tiefen Zuneigung zusammen, die der Autor für dieses Werk hatte. Verschiedene Erklärungen wurden angeboten, zum Beispiel romantische: Leonardo verliebte sich in Mona Lisa und zog die Arbeit bewusst in die Länge, um länger bei ihr zu bleiben, und sie neckte ihn mit ihrem geheimnisvollen Lächeln und brachte ihn in die größten kreativen Ekstasen. Diese Version gilt als reine Spekulation. Dzhivelegov glaubt, dass diese Bindung darauf zurückzuführen ist, dass er darin den Anwendungspunkt vieler seiner kreativen Recherchen gefunden hat (siehe Abschnitt Technik). Trotz der Tatsache, dass die "Mona Lisa" von den Zeitgenossen der Künstlerin sehr geschätzt wurde, verblasste ihr Ruhm in der Zukunft. An das Gemälde wurde bis Mitte des 19. Jahrhunderts nicht besonders erinnert, als Künstler, die der symbolistischen Bewegung nahestanden, begannen, es zu loben und es mit ihren Ideen über das weibliche Mysterium in Verbindung brachten. Der Kritiker Walter Pater drückte in seinem Essay über da Vinci von 1867 seine Meinung aus, indem er die Figur auf dem Gemälde als eine Art mythische Verkörperung des ewig Weiblichen beschrieb, die „älter als die Felsen ist, zwischen denen sie sitzt“ und die „gestorben“ sei viele Male und lernte die Geheimnisse des Jenseits" .

    Der weitere Aufstieg des Gemäldes hängt mit seinem mysteriösen Verschwinden zu Beginn des 20. Jahrhunderts und einer glücklichen Rückkehr ins Museum einige Jahre später zusammen, dank der es die Seiten der Zeitungen nicht mehr verließ. Der Kunstkritiker Grigory Kozlov in seiner Studie „Attempt on Art“ im Kapitel „La Gioconda. How to Become a Star beschreibt ihren Weg zum Ruhm im Laufe der Jahrhunderte. Er vergleicht ihren Ruhm mit der Ausbreitung von Kreisen auf dem Wasser von einem umgestürzten Stein und weist darauf hin, dass dieser Ruhm im Laufe der Jahrhunderte mehrere Phasen durchlaufen hat:

    • 1. Kreis: Künstler und Kritiker (XVI Jahrhundert). Zeitgenossen von Leonardo, die sich mit Kunst beschäftigten, schätzten diese Arbeit sehr. Zu den Bewunderern der „Mona Lisa“ gehörten Raphael, Vasari und andere.
    • 2. Kreis: Könige (XVI-XVIII Jahrhundert). Standort in der Sammlung von Franz I. von Frankreich (der es in seinem Lieblingszimmer - dem Bad - aufhängte), dann ihre Reise durch die Königsschlösser (Fontainebleau, Louvre, Versailles, Tuilerien). Allerdings zu XVIII Jahrhundert es verdunkelte sich und geriet völlig in Vergessenheit, aber die Französische Revolution änderte alles – das Gemälde wurde für das erste öffentliche Museum der Welt im Louvre beschlagnahmt, wo Fragonard es sah und schätzte und es zu einem der wertvollsten Gemälde des Museums machte. Napoleon, der an die Macht gekommen war, brachte sie in sein Schlafzimmer, das für sie zu einem "Sprungbrett zum Ruhm" wurde, aber nachdem er Kaiser geworden war, brachte er sie nach 3 Jahren in das nach ihm benannte Louvre-Museum zurück. Das Bild war jedoch nur Kennern ein Begriff und galt keineswegs als das beste Werk des Künstlers.
    • 3. Kreis: Intelligenzia (19. Jahrhundert). Im Louvre nahm die „Mona Lisa“ nicht gleich den ersten Platz ein – die „Primadonna“ des Museums war die „Himmelfahrt Mariens“ von Murillo (jetzt im Prado). Zum ersten Mal in einem Bild, das das Innere des Louvre darstellt, erschien sie 1833 (Art. S. Morse). Die entscheidende Rolle in dieser Phase spielten romantische Schriftsteller, die in ihr das von Leonardo geschaffene Ideal einer femme fatale fanden, den sie verehrten (Walter Pater, Theophile Gaultier – der das Lächeln „erfand“, Jules Verne – der die Liebe der Autorin erfand Geschichte für das Model und eine Dreiecksbeziehung mit ihrem Mann). Die „Entdeckung“ des Lächelns wurde für die Intellektuellen zur „Entdeckung“ des Bildes. Die Erfindung der Fotografie trug zur Verbreitung von Reproduktionen bei. „Die Intellektuellen der viktorianischen Ära wurden zu einem Kult, der eine mysteriöse und tödliche Frau verehrte, deren Foto sie auf ihrem Schreibtisch aufbewahrten. Die Worte von Walter Pater: "Sie, die älter ist als die Felsen ..." - wurden zu ihrem Passwort. Merezhkovskys europäischer Bestseller Die auferstandenen Götter über Leonardo griff das Thema auf.
    • 4. Kreis: Masse (seit 1911). Ein qualitativer Sprung in der Berühmtheit des Gemäldes ist mit seinem Diebstahl und seiner Rückgabe verbunden (siehe Abschnitt unten). Dann machten die Avantgarde-Künstler einen Schritt und wählten sie als Objekt ihrer Experimente.
    • 5. Kreis: Das Zeitalter der Globalisierung (2. Hälfte des 20. Jahrhunderts). De Gaulle, der das Bild 1962 als „Diplomat“ in die Vereinigten Staaten schickte, trug zu weiterem Ruhm bei. Jacqueline Kennedy war die persönliche Schirmherrin des berühmten Werks von Leonardo während des Besuchs der "Mona Lisa", und die Medien verglichen beide Damen - Gioconda und Jacqueline - und nannten die zweite moderne amerikanisch-französische Mona Lisa. Amerika wurde von Giocondomania umarmt, woraufhin das Bild in der Werbung erschien und zu einem Markenzeichen wurde. Und amerikanische Künstler (Warhol, Rauschenberg usw.) führten sie in die Pop-Art ein, wie Marilyn Monroe. Während der weiteren Tournee des Bildes, über das die Presse ausführlich berichtete, sahen es Millionen, zum Beispiel in der UdSSR, 4.600 Menschen sahen es sich täglich an. Sie wurde wiederholt versucht (siehe den Abschnitt Vandalismus unten), und jeder Vorfall drehte das Schwungrad des Ruhms noch mehr.

    Der Diebstahl

    Mona Lisa wäre lange Zeit nur Kennern bekannt gewesen bildende Kunst, wäre da nicht ihre außergewöhnliche Geschichte, die ihr Weltruhm bescherte.

    Ein Zeitgenosse ihrer Abenteuer, der Kritiker Abram Efros, schrieb: „... der Museumswächter, der sich seit seiner Rückkehr in den Louvre nach der Entführung im Jahr 1911 keinen Schritt von dem Gemälde entfernt hat, hat kein Porträt von ihm bewacht Francesco del Giocondos Frau, sondern das Bild einer Art halb Mensch, halb Schlange, die entweder lächelnd oder düster den kalten, kahlen, felsigen Raum beherrschte, der sich hinter ihm erstreckte.

    Vandalismus

    • 1956 wurde der untere Teil des Gemäldes beschädigt, als ein Besucher Säure darüber goss.
    • Am 30. Dezember desselben Jahres warf der junge Bolivianer Hugo Ungaza Villegas einen Stein nach ihr und beschädigte die Farbschicht am Ellbogen (der Verlust wurde später aufgezeichnet). Danach wurde die Mona Lisa durch Panzerglas geschützt, was sie vor weiteren schweren Angriffen schützte.
    • Im April 1974 versuchte eine Frau bei einer Ausstellung in Tokio, verärgert über die Behindertenpolitik des Museums (die nicht zur Ausstellung zugelassen wurden, um die Kapazität der Halle zu erhöhen), rote Farbe aus einer Dose zu sprühen.
    • Am 2. April 2009 warf eine Russin, die keine französische Staatsbürgerschaft erhielt, einen Tonbecher auf das Glas. Beide Fälle taten dem Bild keinen Abbruch.

    In der Kultur

    • Der Krater Mona Lisa auf der Venus ist nach ihr benannt.
    Literatur:
    • Der Diebstahl der Mona Lisa ist der Kurzgeschichte von Georg Game „Der Dieb“ () gewidmet, die der gleichnamigen Sammlung von Kurzgeschichten den Namen gab.