Šesť známych plátien s oveľa viac, než sa na prvý pohľad zdá. Šesť slávnych plátien, ktoré ukazujú oveľa viac, než sa zdá Rýchle a ľahké ťahy, jasné farby a obraz prírody - Monet

Obrazy a maliari

Umenie bolo vždy spôsobom chápania sveta a vyjadrovania pocitov a emócií. Existuje mnoho rôznych foriem umenia a maľba je len jednou z nich.
Horace povedal, že „obraz je báseň bez slov“ a skutočne je to tak. V priebehu storočí sa vyvinulo mnoho techník, ktoré umožňujú umelcom premeniť svoje pocity na obrazy na plátne.
Ruskí maliari reprezentujú ruské umenie, ktoré je v mnohých ohľadoch jedinečné a vždy zapôsobilo na ľudí na celom svete. Pochádza od svetoznámych maliarov ikon, z ktorých najznámejší je Andrey Rublyov.
Mnoho ruských maliarov vo svojich dielach ospevuje krásu ruskej prírody. Ivan Shishkin je známy najmä svojimi plátnami predstavujúcimi ruský les (napr. „Ráno v borovicovom lese“), zatiaľ čo Isaac Levitan čerpal inšpiráciu z ruskej jesene.
Peredvizhniki zahŕňali umelcov 19. storočia. Jedným z nich bol Ilya Repin, ktorý je umelcom oslavujúcim pre svoje veľké plátna ako „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“ alebo „Barge Haulers on the Volga“. Victor Vasnetsov si pre svoje „Bogatyrs“ vybral ľudový ruský štýl a Michail Vrubel je známy originalitou myslenia. Jeho „Démon“ je plodom jeho fantastickej predstavivosti.
Ivan Ajvazovský si získal svetovú slávu svojimi romantickými maľbami zobrazujúcimi more. "Deviata vlna" je majstrovské dielo odhaľujúce krásu mocného mora v búrlivom dni.
Ruské umenie je vystavené v Štátnom ruskom múzeu v Petrohrade. A v oddelení anglického umenia v Ermitáži si môžete vychutnať niektoré z majstrovských diel britských maliarov.
Jedným z najznámejších z nich je John Constable - anglický romantický maliar, ktorý je známy predovšetkým svojimi krajinomaľbami Dedham Vale, oblasť blízko jeho domu v Suffolku, ktorá je teraz známa ako "Constable Country".
William Turner bol krajinár, o ktorého štýle možno povedať, že položil základy impresionizmu.
William Hogarth je známy nielen svojimi portrétmi, ale aj sériou obrazov so satirickými detailmi, ktoré charakterizujú anglickú vysokú spoločnosť v 40. rokoch 18. storočia.
Thomas Gainsborough je jedným z najznámejších maliarov portrétov a krajiniek v Británii 18. storočia. V Národnej galérii v Londýne môžete vidieť farebný obraz „Mr. a pani Andrews“, ktorý je kombináciou rodinného portrétu a krajiny a tmavého portrétu „Pána a pani William Hal-lettových“, ktorý je príkladom vyspelého Gainsboroughovho štýlu.
William Blake je anglický básnik a maliar. Jeho diela, ktoré boli počas jeho života do značnej miery neuznané, sa dnes považujú za významné v dejinách poézie aj výtvarného umenia. Jeho obrazy sa môžu zdať veľmi nezvyčajné a fantastické. Isaaca Newtona napríklad zobrazil ako božského geometra.

Obrazy a umelci

Umenie bolo vždy spôsobom chápania sveta a vyjadrovania pocitov a emócií. Existuje mnoho foriem umenia a maľba je len jednou z nich.
Horace povedal, že „obraz je verš, len bez slov“ a je to skutočne tak. Vyvinutý v priebehu storočí rôzne techniky umožňujúci umelcom premeniť svoje pocity na obrazy na plátne.
Ruskí umelci predstavujú ruské umenie, ktoré je v mnohých smeroch jedinečné a ktoré vždy udivovalo ľudí na celom svete. Pochádza od svetoznámych maliarov ikon, z ktorých najznámejší je Andrey Rublev.
Mnoho ruských umelcov vo svojich dielach ospevuje krásu ruskej prírody. Ivan Shishkin sa preslávil najmä svojimi ruskými lesnými maľbami, ako napríklad Ráno v borovicovom lese, zatiaľ čo Isaac Levitan čerpal inšpiráciu z ruskej jesene.
K Wanderers patrili umelci 19. storočia. Jedným z nich bol Iľja Repin – umelec známy svojimi veľkými plátnami, ako napríklad „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“ alebo „Barge Haulers on the Volga“. Viktor Vasnetsov si pre svoje Bogatyrs zvolil rusko-ľudový štýl. Michail Vrubel je známy svojou originalitou myslenia. Jeho „Démon“ je výplodom fantastickej predstavivosti.
Ivan Aivazovský dostal svetová sláva vďaka svojmu romantickému zobrazeniu mora. Deviata vlna je majstrovské dielo, ktoré odhaľuje krásu morskej sily v búrke.
ruské umenie prezentované v Štátnom ruskom múzeu v Petrohrade. A na oddelení anglického umenia v Hermitage si môžete vychutnať niektoré z majstrovských diel britských umelcov.
Jedným z najznámejších z nich je John Constable - anglický romantický maliar, slávny, hlavne, pre jeho krajinu Dedham Vale, oblasť blízko jeho domova v Suffolku, ktorá je dnes známa ako Constable's Land.
William Turner bol krajinárom, môžeme povedať, že jeho štýl položil základ impresionizmu.
William Hogarth je známy nielen svojimi portrétmi, ale aj sériou obrazov so satirickými detailmi, ktoré charakterizujú anglickú vysokú spoločnosť 40. rokov 18. storočia.
Thomas Gainsborough je jedným z najznámejších maliarov portrétov a krajiniek v Británii 18. storočia. V Národnej galérii v Londýne môžete vidieť farebného pána a pani Andrewsovcov, ktorý je kombináciou rodinného portrétu a krajiny, a tmavého pána a pani William Hallettovcov, ktorý je príkladom zrelšieho štýlu Gainsborough.
William Blake je anglický básnik a maliar. Počas svojho života neuznaný, dnes sa jeho diela považujú za dôležité v histórii a poézii a výtvarné umenie. Jeho obrazy sa môžu zdať nezvyčajné a fantastické. Isaaca Newtona napríklad zobrazil ako božského geometra.

Slovná zásoba:

plátno — plátno, plátno
oslava - slávna
líčiť — líčiť
čerpať inšpiráciu – prijímať inšpiráciu
božský - božský
vyvolať - spôsobiť, prebudiť (pocity)
exemplifikovať – slúžiť ako príklad
ľudový — ľudový
plod predstavivosti – plod predstavivosti
Horace - Horace
krajina - krajina
krajinár – krajinár
položiť základy (pre) - položiť základy, začať
majstrovské dielo
zrelý — zrelý
mocný — mocný, mocný
poznamenal - pozoruhodný, slávny
vznikať – vznikať
chvála — chvála
prevládať — dominovať
renomovaný - renomovaný
odhaliť - otvoriť, odhaliť
nerozpoznaný — nepoznaný
vizuálne umenie – výtvarné umenie
svetoznámy – svetoznámy

Odpovedz na otázku
l.Čo povedal Horác o obrazoch? Ako rozumiete jeho slovám?
2. Kto je Andrey Rublyov? Čím sa preslávil?
3. Ktorí ruskí umelci ospevovali krásu prírody?
4. Akí umelci sa nazývajú The Peredvizhniki?
5. Aké obrazy od Ilju Repina poznáte?
6. Čím je známy Ivan Ajvazovský?
7. V ktorých múzeách môžete vidieť obrazy ruských umelcov?
8. V ktorých múzeách môžete vidieť obrazy britských umelcov?
9. Čo je to „štát strážcu“? Prečo sa to tak volá?
10. Koho štýl položil základ impresionizmu?
11. Ktorý maliar sa preslávil aj satirickým zobrazovaním vysokej spoločnosti?
12. Čím sa preslávil Thomas Gainsborough?
13. Čo viete o Williamovi Blakeovi?
14. Akí sú tvoji obľúbení umelci a prečo?

Títo umelci udivujú svojím talentom a spôsobom, akým vytvárajú svoje hyperrealistické maľby. Je ťažké uveriť, ale nie sú to fotografie, ale skutočné maľby nakreslené ceruzkou, farbami a dokonca aj guľôčkovými perami. Nechápeme ako to robia?! Užite si ich kreativitu.

Omar Ortiz je hyperrealistický umelec z Mexika s bakalárom grafického dizajnu. Hlavným námetom jeho obrazov sú ľudské postavy, väčšinou nahé ženy. Na obrázku umelec rozlišuje tri prvky: postavu muža, zahalené látky, bielu farbu. Charakteristickým znakom Omarovej tvorby je minimalistický štýl, lakonizmus v prenose jemných kriviek a línií tela, olejová práca.

Paul Cadden - súčasný umelec svetovej triedy zo Škótska. Paul pre svoju prácu používa iba bielu kriedu a grafit, s ktorými dokáže vytvoriť takmer akúkoľvek fotografiu, pričom dbajú na nepostrehnuteľné malé detaily. Ako sám umelec priznáva, neprichádza s novými detailmi, ale iba ich zdôrazňuje, čím vytvára ilúziu nová realita, čo na pôvodných fotografiách často nie je vidieť.

Kamalky Laureano- umelec sa narodil v Dominikánskej republike v roku 1983, v súčasnosti žije a tvorí v Mexico City. Kamalki vyštudoval Školu dizajnu a umenia so špecializáciou na tvorbu hyperrealistických portrétov. Scény sú ťažko rozoznateľné od skutočných fotiek, hoci sú maľované akrylom na plátno. Pre autora jeho diela - nielen imitácia fotografií, ale celý život stelesnený na plátne.

Gregory Thielker- Narodil sa v New Jersey v roku 1979, študoval dejiny umenia a maľbu na Washingtonskej univerzite. Presťahovanie sa do Bostonu sa stalo východiskom pre jeho prácu na hyperrealistických mestských panorámach, ktoré ho preslávili po celom svete. Tilkerove obrazy sú cestou autom v chladnom daždivom dni. Autor inšpirovaný dielami umelcov 70. rokov vytvára svoje realistické maľby pomocou akvarelov a olejových farieb.

Lee Price- umelec z New Yorku, vyštudovaný na univerzite v odbore maľba, sa venuje figuratívnej maľbe. Hlavnou zápletkou Leeho tvorby je ťažký vzťah žien k jedlu. Divák akoby zvonku sleduje ženy, ktoré potajomky jedia niečo chutné, no škodlivé. Samotná umelkyňa hovorí, že vo svojich dielach sa snaží ukázať, že ženy obdarúvajú jedlo vlastnosťami, ktoré mu nie sú vlastné, útechu hľadajú v nevhodnom zdroji. Obrázky sprostredkúvajú absurdnosť situácie, snahu uniknúť z reality, zmierniť nepohodlie.

Ben Weiner narodený 10. novembra 1980 v Burlingtone, Vermont, vyštudoval University of the Arts, maľuje olejmi na plátno. Zvláštnosťou umelcovej práce je nezvyčajná zápletka. Ben maľuje! Najprv umelec nanáša farby na pracovnú plochu, odfotografuje ich a potom píše z hotovej fotografie maľba na plátne.

Narodil sa v roku 1950 v severnej Kalifornii a je známy svojimi realistickými akrylovými maľbami na plátne. Ako dieťa autor zdieľal lásku ku kresleniu s úspechom v športe, ale zranenie chrbta určilo Rayovo hlavné zamestnanie. Ako umelec priznal, kreslenie ho odvádzalo od neustálych bolestí chrbta. Už v mladosti získal majster široké uznanie a množstvo ocenení na umeleckých súťažiach.

Alyssa Monksovážije a tvorí svoje obrazy v Brooklyne, sa stala všeobecne známou svojimi realistickými „mokrými“ maľbami. Umelec používa filtre ako voda, sklo alebo para na vytváranie abstraktných vzorov. Alyssa pri svojej práci často využíva fotografie z osobných archívov svojej rodiny a priateľov. Ženské tváre a postavy na obrazoch sú si navzájom podobné - umelkyňa často kreslí autoportréty, pretože tvrdí, že je pre ňu „jednoduchšie“ vytvoriť potrebný dej.

Pedro Campos- hyperrealista z Madridu, začal maľovať olejmi až vo veku 30 rokov. Umelec vytvára svoje realistické zátišia pomocou olejových farieb. Campos pracoval ako interiérový dizajnér, ilustrátor, umelecký reštaurátor nábytku, sôch a obrazov. Umelec verí, že to bola jeho práca reštaurátora, ktorá mu pomohla zdokonaliť jeho zručnosti.

Dirk Dzimirsky- výtvarník z Nemecka, narodený v roku 1969, získal výtvarné vzdelanie, pracuje v technike ceruzky. Umelec kreslí obrázky z fotografií bez toho, aby zachádzal do najmenších detailov, veľa improvizuje. Dirk hovorí, že pri práci na maľbe predstavuje živú modelku, takže fotografiu používa len na dôkladné prenesenie vopred určených proporcií. Autor považuje za svoju hlavnú úlohu vytvoriť pocit prítomnosti subjektu v obraze.

Thomas Arvid- Americký hyperrealistický umelec z New Orleans, ktorý sa narodil a vyrastal v Detroite, nemá žiadne formálne vzdelanie, je majstrom takzvaného "oversized" zátišia. Jeho sériou realistických obrazov „Vínna pivnica“ sú zátky, fľaše, poháre s perlivými alebo sýtočervenými nápojmi. Autoritatívni kritici a publikácie zaznamenali viac ako 70 diel umelca. Majstrove obrazy zdobia nielen steny vinárstiev a prestížnych vinárskych salónov, ale aj súkromné ​​zbierky a galérie.

Robin Eley Narodil sa v Británii, vyrástol a naďalej žije a pracuje v Austrálii, má titul bakalára výtvarných umení a získal Národnú cenu za portrét Douga Morana. Svoje hyperrealistické maľby tvorí olejom a za hlavného „koňa“ považuje dej „ľudia a celofán“. Majster pracuje na jednom obraze asi 5 týždňov, 90 hodín týždenne, takmer na každom obraze sú vyobrazení ľudia zabalení v celofáne.

Samuel Silva- portugalský amatérsky umelec bez špeciálneho vzdelania, ktorý osobným príkladom dokazuje, že majstrovské dielo vytvoríte z čohokoľvek. Pri tvorbe obrazov umelec používa paletu ôsmich farieb guľôčkových pier od Bic. Silva je povolaním právnička a svoju vášeň pre kreslenie považuje za koníček. Dnes svetoznámy autodidakt ovláda nové maliarske techniky pomocou farieb, kriedy, farebných ceruziek, pastelov atď.

Gottfried Helnwein- rakúsky umelec, autor hyperrealistických obrazov na sociálne, politické a historické témy, "majster nečakaného uznania", ako ho nazval spisovateľ W. Burroughs. Autor získal vzdelanie na viedenskej Akadémii výtvarných umení, patrí k umelcom na vysokej profesionálnej úrovni. Slávu mu priniesli trochu kontroverzné témy, surrealistické kompozície. Majster na svojich obrazoch často zobrazoval postavy z komiksov a priznáva, že „od káčera Donalda sa naučil viac ako vo všetkých školách, na ktorých študoval“.

Franco Clun je taliansky samouk, ktorý uprednostňuje kresbu grafitom pred všetkými ostatnými výtvarnými technikami. Jeho čiernobiele realistické maľby sú výsledkom Francovho nezávislého štúdia rôznej literatúry o technikách kresby.

Kelvin Okafor je hyperrealistický umelec, narodený v roku 1985, žije a tvorí v Londýne. Kelvin vyštudoval výtvarné umenie na Middlesex University. Autor vytvára svoje obrazy jednoduchou ceruzkou, hlavnou témou jeho tvorby sú portréty celebrít.

Amy Robinsová je britská umelkyňa, ktorá pre svoje hyperrealistické diela používa farebné ceruzky a hrubý papier. Umelec má bakalársky titul z umenia a dizajnu a žije a pracuje v Bristole. O mladej autorke sa vie len málo, no jej diela sa už preslávili po celom svete, zarážajúce svojím realizmom a technikou.

Robert Longo- Americký maliar a sochár, narodený v Brooklyne v roku 1953, vyznamenaný legendárnym prsteňom Goslara Kaisera. Umelec kreslí svoje trojrozmerné obrazy jadrových výbuchov, tornád, hurikánov a žralokov dreveným uhlím na papier. Longo je často označovaný ako „maliar smrti“. slávny obraz Untitled (Skull Island) s vlnou sa predal v Christie's v Londýne za 392 000 dolárov.

Diego Fazio- výtvarník samouk, narodený v roku 1989 v Taliansku, nemá umelecké vzdelanie, začal s vývojom náčrtov na tetovanie, časom si vyvinul vlastnú techniku ​​kreslenia. Mladý umelec bol členom mnohých medzinárodných súťaží, kde získal ceny, bol prezentovaný na výstavách po celom svete. Umelec pracuje pod pseudonymom DiegoKoi.

Bryan Drury narodený v roku 1980 v Salt Lake City, má diplom z New York Academy of Art, tvorí obrazy v žánri realizmu. Umelec maľuje svoje obrazy olejovými farbami. Ako autor priznáva, vo svojich dielach sa snaží zamerať na organické kvality pokožky, jej nedostatky.

Steve Mills je americký umelec, ktorý predal svoj prvý obraz vo veku 11 rokov. Umelec vytvára svoje obrazy olejovými farbami so zameraním na najmenšie detaily. Každodenný život, ktoré si vo večnom zhone často nevšimneme. Umelec poznamenáva, že zobrazuje predmety také, aké sú v skutočnom živote, bez toho, aby menil a zveličoval ich pôvodnú podobu.

Paul Lung narodený v Hong Kongu, kreslí automatickou ceruzkou na listy A2. Znakom techniky vytvárania obrazov je zásadné odmietnutie použitia gumy, všetky diela sú nakreslené čisto. Hlavnými „múzami“ umelca sú mačky, hoci kreslí aj ľudí a iné zvieratá. Na každé dielo potrebuje autor minimálne 40 hodín.

Roberto Bernardi narodil sa v Taliansku, o hyperrealizmus sa začal zaujímať ako 19-ročný, pracoval ako reštaurátor v kostole San Francesco. Na tvorbu obrazov používa olejové farby. Svetovú slávu umelcovi priniesla séria diel zobrazujúcich predmety charakteristické pre konzumnú spoločnosť. Obrazy so sladkosťami, predajné automaty, police v chladničke sú vizitkou umelca, hoci jeho arzenál obsahuje krajiny, zátišia a oveľa viac.

Juan Francisco Casas- španielsky umelec, ktorý vytvára svoje obrazy obyčajným guľôčkovým perom Bic. Casas bol tradičným umelcom, ktorý sa rozhodol dokázať ostatným, že nie je dôležitý materiál na prácu, ale spôsob a technika kresby. Celosvetovú slávu mu priniesla hneď prvá výstava kreatívneho Španiela. Väčšina obrazov Casasa zobrazuje jeho priateľov.

Tereza Elliottová je americký umelec, ktorý 26 rokov úspešne pracoval ako ilustrátor, kým vytvoril realistické olejomaľby. Tereza má bakalársky titul výtvarného umenia, vracajúca sa ku klasickému umeniu, sa vďaka svojim portrétom, pravdivým do najmenších detailov, preslávila po celom svete.

rozhovor sa zvrtol na to, ako rôzni umelci zobrazujú rovnakú tému.
Dané: dva obrazy na tému, ako belosi na lodiach utekali z boľševického Ruska.

a) Ivan Vladimirov (1869-1947). "Útek buržoázie z Novorossijska" (1926)

b) Dmitrij Beljukin (nar. 1962). "Biele Rusko. Exodus". 1992-4

Ktorý z nich historicky správne zobrazuje udalosť? Ktorému z týchto umelcov treba dôverovať? argumentujú komentátori.

Tu si na ich príklade (ako aj na iných obrazoch) analyzujme, čo je na obrazoch vo všeobecnosti „pravda“ a komu treba dôverovať.
Ako sa ukazuje, niektorí ľudia to nechápu.

Aby sme si teda správne užili význam umeleckého diela, jeho históriu atď. (a nielen samostatne estetická dokonalosť, harmónia), je veľmi užitočné pochopiť, čo bolo CIEĽ umelca, ktorý toto dielo vytvoril.

1) Vyjadrite sa
(sebaobdiv, obdivovanie obľúbených vecí)

Dal som to na začiatok zoznamu, pretože v 20. a 21. storočí pociťuje verejnosť (a možno aj samotní umelci) tento cieľ pre umelcov ako prioritu.

Spoločnosť v tomto období tak zbohatla, vytvoril sa taký prebytok zdrojov, že sa človek mohol venovať umeniu veľké množstvoľudí, profesionálov aj laikov. Všetci, ktorí len radi kreslia (píšu poéziu, hudbu, fotia na Instagram atď.). Dýchajte, ako môžem vyrezávať halušky / kresliť klaunov / vyšívať saténovým stehom atď., aká som krásna, moje deti a moja jachta.

Keď však vo vnútri používate diela absolútne akéhokoľvek druhu umenia (maľba, literatúra atď.), VŽDY pamätajte, že táto sloboda, tento cieľ, táto myšlienka umenia ako „instagramu umelca“ je úspech, ktorý sa stal dostupným pre tvorcov. iba v najnovšom čase. V predchádzajúcich storočiach, čím ďalej - tým silnejšie, bola takáto pozícia neprijateľná, neslušnosť, bola vnímaná ako veľtrh márnosti. V žiadnom prípade pri pohľade na diela „starých majstrov“ ich nesúďte z pozície „urobil to, lebo chcel“. Samozrejme, nechcel by som - neurobil by to, ale až do éry impresionizmu sa toto „chcené“ prepletá v zozname cieľov pri vytváraní umeleckého diela. veľmi veľmi chvost. Nesúďte podľa seba, z pozície človeka 21. storočia.

2) Vyjadrite svojich vnútorných démonov
(alebo erotické fantázie)

Ale to je naopak klasický cieľ umenia, jeden z najstarších.
Prvý verejný cieľ tvorby umenia bol s najväčšou pravdepodobnosťou náboženský (šamanizmus za dobrý lov mamutov, pohrebné rituály atď.), ale individuálnym, osobným cieľom prvých autorov bolo aj vyjadrenie svojich emócií, obáv, snov.

Ale aj tu je veľmi dôležitou črtou, ktorá odlišuje človeka modernej doby – a človeka minulosti, umelca modernizmu (počnúc impresionistami) – opäť miera voľnosti vo vyjadrovaní týchto fantázií.

obviňovať avantgardu moderné umenie za to, že sú nepochopiteľné a nie realistické - nestojí to za to; stalo sa im to, pretože samotný život v 20. storočí sa globálne zmenil. Pozrite, nastala sexuálna revolúcia a bolo možné chodiť po uliciach prakticky v šortkách alebo dokonca bez nohavičiek. Čo sa týka umenia, ako by mal človek reagovať na túto zrútenú slobodu, na nové príležitosti robiť, čo chce? Umelci kreslia ženy bez nohavičiek v umení úplne voľne už päťsto rokov, to nikoho neprekvapí. Takže sexuálna revolúcia vo výtvarnom umení bola vyjadrená v odmietnutí realizmu, prirodzenej podobnosti; v skutočnosti zo všetkých pravidiel výtvarného umenia bolo vynájdených predchádzajúcich päťsto rokov. To je úplne normálna reakcia umelcov na to, čo sa globálne dialo v spoločnosti všeobecne. Sú to ryšavky, aby boli slušné, keď si všetci naokolo robia, čo chcú?

Pamätajte teda, že umelec predchádzajúcich storočí, ktorý vyjadroval svojich démonov, mal jasné hranice, ktoré mu stanovila spoločnosť. A aby to vyjadril, musel nájsť ten správny výklenok povolený cenzúrou (spoločnosťou), slušný výklenok.
Spravidla to boli všelijaké hrôzy náboženského umenia.

V prípade erotických fantázií to bolo jednoduchšie - neboli tabuizované umením (s výnimkou vysloveného porna, ako aj príliš realistických maličkostí ako ochlpenie).

Sloboda sa začína objavovať s rozvojom autorovej osobnosti, individuality, kedy sa umelec prestáva cítiť ako remeselník a stáva sa „básnikom“. Takže na konci 18. storočia dostávame fatamorgány Goyu, Williama Blakea, Fuseliho atď., všetky druhy romantizmu. A tak individualita nebola vždy podporovaná, napríklad v niektorých obdobiach bolo jednoducho neslušné umiestniť autorský podpis na stredoveké náboženské umenie (preto poznáme tak málo majstrov týchto období).

Vo všeobecnosti by ste nemali merať sami, mali by ste sa snažiť interpolovať.

3) Peniaze

Tiež prastarý cieľ vytvorenia diela, podobne mimoriadne obľúbeného.
Veľmi, veľmi hodný gól. Je to ona, ktorá núti umelcov dotiahnuť prácu do konca, lebo inak zákazník nezaplatí, ona núti ľudí vstať od sporáka a hľadať si prácu, aby uživili deti, zlepšili ich zručnosti a nie premeniť na UG.
Pretože trh vždy diktuje (diktuje) a nikto nekupoval zlé obrazy.

(Viete si predstaviť, aké by to bolo cool, keby bol Leonardo da Vinci vyplatený až dodatočne a navyše by bol povinný poskytnúť 10-ročnú záruku? Svoju bystrú myseľ by uplatnil v otázkach bezpečnosti a oveľa viac nás .. Ale žiaľ, podarilo sa mu napumpovať svoju osobnú značku a platili mu jednoducho za meno).

Opäť však musíte pochopiť rozdiel medzi modernistickým umelcom a „starým majstrom“. Ekonomika sa veľmi zmenila a ovplyvňuje to. Ekonomika a technický pokrok. Vytvorenie obrazu bolo predovšetkým remeslom, prácou a nie myšlienkovým úletom génia. Zoberme si architektúru, v tomto zmysle je viac nezmenená: rozhodnete sa postaviť si kaštieľ. Išli sme za architektom, vyjadrili svoje želania, podpísali zmluvu. Nakreslil náčrt, schválil, postavil murovaný dom, dokončil ho mramorom, zaplatil architektovi a potom dom používate na zamýšľaný účel. To isté sa stalo s maľbou: v roku 1311 sa komunita katedrály rozhodla objednať oltárny obraz, povedal Duccio, vyjadril svoje želanie, podpísal zmluvu bod po bode. Duccio si vezme drahú drevenú dosku, dokonale pripravenú, a dokonca aj obrovskú veľkosť a zložitý tvar. Farby: drvený lapis lazuli, bledomodrá, privezený z Indie a stojí to pekelné peniaze; pozlátenie tiež akosi nie je lacné atď.

Normálneho architekta uprostred stavby kaštieľa nenadchne k zmene konceptu, pretože je Autorom, Tvorcom, chcel, vie, že táto hostina nie je na jeho náklady. Umelec si tiež musel jednoducho odviesť svoju prácu dobre, dodať objednávku načas (moderní dizajnéri to už pochopia. A nech závidia: v tých časoch neexistovali e-maily, takže nikto nemohol často žiadať „hrať sa s fontami“).

Trh s umením po dlhú dobu prešiel do filmovej situácie, ktorú poznáme dnes: keď taký skvelý umelec sedí v štúdiu posiatom jeho elegantnými obrazmi. Potom k nemu príde známy a privedie svojich bohatých amerických priateľov, ktorí nadšene hovoria: "Ale my berieme toto, a toto, a toto! a čo ešte máte, zabaľte to!".
Predtým bola ešte jedna etapa, ktorá sa už nedá porovnávať s architektúrou, ale s tortami. Tu máte domácu pekáreň a peniaze na suroviny na 10 koláčov. Neexistujú žiadni konkrétni zákazníci, ktorí s vami podpísali zmluvu na vaše koláče, ale viete, že v zásade k vám ľudia chodia. Neurobíte 20 koláčov, pretože toľko zákazníkov sa k vám nedostane. Všetko, čo ste upiekli, musíte predať, inak nebudete mať peniaze na nákup nových surovín. Vidíte, farby boli drahé, plátna boli drahé (ale lacnejšie ako staromódne drevo, nabudúce vám to poviem podrobne), prenájom dielne je drahý. Prečo v 17. storočí v Holandsku „malí Holanďania“ tak aktívne maľovali zátišia, každodenné výjavy a krajiny? Pretože krajina začala veľmi prosperovať a každý miestny obyvateľ si mohol dovoliť (a dovoliť) prísť do „obchodu s hotovými obrazmi“ a vybrať si krásku na stenu. V súlade s tým sa objavila veľmi silná vrstva umelcov, ktorí slúžili týmto mešťanom.

A napokon v 19. storočí sa objavuje životný štýl umelca, ktorý nám pripadá ako učebnicový: s kopou plátien namaľovaných „na stole“, ktoré by sa síce dobre predávali, ale nemôžete, aj tak je tu niečo jesť, ale nechať visieť na stenách nepredané.
Zámerne sa nezaoberám sociálnymi, ideologickými, psychologickými aspektmi, iba ekonomikou.
Umelci túžili po Paríži nielen preto, že tam bola zábava, ale aj preto, že mesto vytvorilo prostredie pre ich služby: predajcovia farieb a plátien (objednávajú vo veľkom, takže predávajú lacnejšie), veľa loftov pre nájomné, modelky cielene prichádzajú do práce, kupci cielene prichádzajú nakupovať a pod.
Dnes je to vo všeobecnosti také lacné, že každý môže robiť umenie a zarábať peniaze úplne iným spôsobom (možno preto máme v konečnom dôsledku toľko odpadu?)

Aby ste teda pochopili, prečo je obrázok nakreslený, skúste ho pochopiť z pohľadu peňazí – písal ho umelec na konkrétnu objednávku? len tak na predaj mešťanom, na stôl (lebo ho dostal), ako dar matke alebo na čo?

4) Sláva
(a konjunktúra)

Tiež veľmi pochopiteľný motív. Pravda, nie veľmi starodávne, to si pamätajte. Umelci sa začali riadiť cieľom získať Slávu pri tvorbe umeleckých diel len z určitého obdobia (len Sláva, nie povesť + veľa klientov). V stredoveku, ako som už povedal, bolo maľovanie len remeslom, ako šperk alebo nábytok. V renesancii začínajú umelci zdvíhať hlavy a postupne s pomocou susednej spisovateľskej inteligencie (napríklad Vasari) vytvárajú okolo svojho povolania kult, ktorý ho premieňajú z remesla na umenie. Podpisovanie sa stáva normou. Byť umelcom sa postupne (pomaly) stáva cool (hoci ich vysoká spoločnosť stále neakceptuje). Podobný proces s konaním - vždy je to najnižší obslužný personál, ktorý má zakázané pochovávať sa na posvätnej pôde a je považovaný za smilnice; teraz sa z nich stali celebrity kráľovskej hodnosti.

Vo všeobecnosti v tvorbe mnohých umelcov existujú programové diela, ktoré autor napísal bez konkrétnej objednávky od patróna, ale jednoducho preto, že k nemu prišla inšpirácia. Keď to vytvoril, jasne pochopil (teda aspoň dúfal), že to s nimi „zvládne“, stane sa slávnym. Ak sa hviezdy zbiehajú a na obrázku bolo možné spojiť estetiku (krásu) s týmto nepolapiteľným, vznášajúcim sa vo vzduchu, potom obraz začne hrmieť. A skutočne sa zapíše do histórie ako majstrovské dielo. (Pozor, deti: majstrovské dielo nie je synonymom slova „maľba“, umelec dokáže za život namaľovať 200 plátien a len 1 majstrovské dielo a len vďaka nemu si ho zapamätajú).

Napísané niekoľko mesiacov po zobrazenej udalosti.

Veľkí umelci sú práve tí, ktorí vedia dobre kresliť (anatomicky správne, harmonicky kombinovať farby atď.) + zároveň cítiť Ducha doby a dokážu ho reflektovať. Preto v jednej generácii môže byť veľa dobrých kresličov, ale málo skutočne veľkých majstrov (dokonca aj v renesancii). Na niektorých sa to nájde len raz za život a vytvoria toto "vtipné majstrovské dielo" (napríklad Pukirevovo "Nerovné manželstvo" alebo). Iní, ako David alebo Repin, budú neustále produkovať takéto hity. Nemyslite si, že umelec sedí na stoličke a hovorí „teraz nakreslím majstrovské dielo a zaslúžim si za to slávu“. Tak to samozrejme nejde. Pre umelcov (spisovateľov, hudobníkov) tejto vysokej kategórie zručností sa rodia majstrovské diela vďaka kombinácii vynikajúcich vrodených schopností, neustálych cvičení (rozvoj zručností). A to aj kvôli neskutočne rozvinutej intuícii. A intuícia, ako viete, je napumpovaná, ak niečo zopakujete miliónkrát, mozog urobí prudký kvalitatívny skok a začne rýchlo a spontánne produkovať výsledky. A autorovi výsledku sa zdá, že mozog vlastne nevykonal žiadnu prácu, zostúpil z neba – a tak sa vymyslel výraz, že autora navštívila Múza.

Vo všeobecnosti umelci tejto úrovne už nemaľujú obrazy pre Slávu a nie preto, aby sa zbavili svojich démonov, ale zo zložitejších dôvodov. Stávajú sa ako rozhlasový prijímač, zachytávajúci očakávania okolitej spoločnosti, ale aj okolitej umeleckej komunity, od štýlu, ktorý je teraz módny a pod. - a podarí sa im to všetko vysypať na plátno a prejsť cez seba.
A tak z toho vznikne majstrovské dielo.
Zapíšte si to, nesnažte sa to opakovať doma.

A tu by sme do tejto kategórie cieľov mali zaradiť praktickejších umelcov, ktorí vedome zachytávajú vlnu, rádiové signály vysielané spoločnosťou (ale predovšetkým štátom). A nevyrábajú obrazy len preto, aby sa stali slávnymi (a vstúpili do dejín umenia), ale skôr preto, aby sa im dobre žilo a mali najrôznejšie dobroty. V niektorých prípadoch je takýto oportunizmus, servilita osobnou voľbou autora alebo vo všeobecnosti normou pre túto éru (pozri Derzhavinove ódy venované cisárovnej). V 20. storočí, v podmienkach totalitných štátov, ako chápete, nebola otázka len zohnať peniaze, ale niekedy to bola banálna otázka prežitia. Ako však ukazujú početné psychologické štúdie všetkých druhov štokholmských syndrómov, najhoršie je, že ľudia, vrátane umelcov, začnú úprimne veriť a oslavovať. Takže zostať chladnokrvným oportunistom v takýchto podmienkach – možno to nie je až taká zlá možnosť, čo?

5) Kázeň

A tak, najtrpezlivejší a najinteligentnejší z mojich čitateľov, ktorí sa dostali na toto miesto v mojom liste, teraz, keď ste pochopili základné, základné ciele, sme dospeli k tomu, ktorý je spojený s dvoma obrazmi o belochoch na Kryme, ktorým sa tento text začal.

Účelom umeleckého diela je vyjadriť myšlienky autora, jeho predstavu o svete, o tom, čo je správne a čo nesprávne. Preskočme prvých pár tisíc rokov, tam je všetko jednoduché: vtedy umelec veril v bohov a potom v Boha a vyjadril svoju vieru, modlitbu, vytvoril „ikonu“, modlitebný obraz, a tak pochopil Pane. Dobrí maliari ikon v tom pokračujú aj dnes. Potrebujeme New Age, keď bude možné kázať umením nielen vierou. Vyššie som napísal, že od renesancie sa umelci postupne menia v mysliach verejnosti z remeselníkov na Tvorcov, ich postavy sa romantizujú. Umelci sa stávajú Osobnosťami, celebritami, najdôležitejšie je, že aj v ich vlastných hlavách; rozhodnú sa, že sú arbitrami názorov a musia ľudí učiť pravdu, kázať. (Prečo nie? Hlavné je, že s chuťou, ale nie každému sa to podarí).

Takže umenie má svoje poslanie.
(Mimochodom, o tom, aké ciele má umenie, musíme hovoriť oddelene - vôbec sa nezhodujú s cieľmi umelcov).

A teraz chápete, čo je to za vec. Jedna vec je, keď sa umelci so silnou školou, stojaci na pleciach obrov, venovali „kázne“. A potom sú tieto diela z 19. storočia niekedy otravné, morálka sa bolestne zmenila a história prinášala všelijaké ponaučenia.
Ale v 20. storočí to z nejakého dôvodu radi robili najmä umelci - Vasiliev, Glazunov, Ryzhenko, Nesterenko ... A ak si prejdete tento zoznam od úplného začiatku, dostanete zaujímavú situáciu. Téma milovaného (mačky, deti) nie je pre nich zaujímavá - malá, priťahuje ich svetové úspechy. Nemajú démonov a erotické fantázie, alebo nie sú vôbec zaujímavé (a to okamžite pripravuje kreativitu o zrnká korenia, pozri Konstantin Vasiliev, ktorý na rozdiel od ostatných, ktorých som vymenoval, má stále svoje fetiše, a ako ho to pozitívne odlišuje , robí ho výnimočným, nezabudnuteľným).

Ukazuje sa, že pod obrázkami niektorých slávnych umelcov ostatné obrázky sú skryté. Niekedy, ak sa pozriete pozorne, sú viditeľné voľným okom. Častejšie ich však nachádzajú historici umenia pri štúdiu obrazov slávnych majstrov alebo reštaurátorov pracujúcich na reštaurovaní obrazov. V našej recenzii šesť zaujímavé prípady keď boli obrazy plné skrytých obrazov.

Pri odpovedi na otázku o skrytých obrazoch vedci poznamenávajú, že dôvody ich vzhľadu na známych plátnach sú rôzne. Niekedy sa umelcom jednoducho nepáčila pôvodná verzia, niekedy bolo potrebné obrázok prekresliť verejný názor, a stávalo sa aj to, že umelci sa ocitli vo finančnej tiesni, nemohli si dovoliť kúpiť nové plátno a na svoje nové diela použili staré.

1. Busta panovníka na obraze Jeana Augusta Ingresa

Na ľavej strane obrazu francúzskeho neoklasicistického umelca Ingresa „Portrét Jacquesa Marqueta, baróna de Montbreton de Norvin“ (1811-12), ktorý zobrazuje náčelníka polície v Ríme po dobytí mesta Napoleonom aj s. voľným okom môžete vidieť poprsie detskej hlavy. Predpokladá sa, že ide o bustu hlavy syna Napoleona, ktorého jeho otec vyhlásil za rímskeho kráľa. V roku 1814, keď bol Napoleon konečne porazený a abdikoval, Ingres obraz z politických dôvodov premaľoval a na jeho vrch namaľoval nový.

2. Žena v Picassovom „starom gitare“

Pablo Picasso mal ťažké obdobie v rokoch 1901-1904, keď nemal peniaze ani na nákup nových materiálov pre prácu. Staré plátna často natieral základným náterom a používal ich na tvorbu nových obrazov. Jeden z najviac slávne príklady Pentimento v dielach Picassa je obraz „Starý gitarista“, v ktorom bola nájdená maľovaná postava ženy.

Historici umenia si už skôr všimli nejasnú kontúru za zakriveným krkom gitaristu, no až röntgenovým žiarením na obrázku odhalili starý obraz ženy, ktorá kŕmi malé dieťa a vedľa nich býk a ovca.

3. Bradatý muž v Picassovej modrej izbe

Picassova maľba Modrá izba namaľovaná v roku 1901 obsahuje aj tajomstvo, ktoré nedávno odhalila infračervená optická tomografia. Ak položíte obrázok zvisle, pod vrstvou farby sa nájde istý fúzatý muž s mnohými prsteňmi na prstoch.

4. Ramenný popruh vo filme Johna Singera Sargenta „Portrait of Madame X“

„Portrét Madame X“, ktorý je vystavený v Metropolitnom múzeu umenia, je považovaný za ikonu štýlu vďaka jednoduchému čiernemu oblečeniu dámy, ktorá je na ňom zobrazená, jej majestátnej postave a povýšeneckému výrazu tváre. Tento portrét bol však svojho času považovaný za škandalózne urážku slušnosti a mal veľmi negatívny vplyv na umelcovu kariéru v Európe.

Žena na portréte je slávna parížska prominentka Virginie Gautreau. Bledosť jej pokožky, ktorá bola v tom čase považovaná za stelesnenie krásy, viedla jedného súčasného kritika k tomu, aby opísal Gautreauov tón pleti ako „mŕtvolný“. Tento účinok sa dosiahol použitím arzénu. Gautreau si pre väčší kontrast zafarbila vlasy aj henou. Na zdôraznenie nezvyčajnej krásy Gautreau ju Sargent zobrazil v čiernych šatách, ktorých jeden z ramienok jej koketne padal cez rameno.

Keď bol portrét prvýkrát vystavený na parížskom salóne, verejnosť vybuchla rozhorčením, pretože sa zistilo, že napoly spustený ramenný popruh je veľmi obscénny. V dôsledku toho Sargent prepísal tento detail šiat a zdvihol ich cez rameno.

5. Žena pri okne

AT Národná galéria v Londýne, v procese reštaurovania plátna z 16. storočia neznámym umelcom, bol objavený nezvyčajný „make-up“. Ukázalo sa, že blondínka na obrázku je v skutočnosti brunetka a farbu vlasov jej umelec prepísal nad originál. Dnes je obraz zreštaurovaný do pôvodného stavu a nachádza sa v Národnej galérii.

6. Veľryba v "Plážovej scéne" Hendricka van Antonissena

Keď bol tento holandský obraz zo sedemnásteho storočia darovaný múzeu Fitzwilliam, jednoducho zobrazoval plážovú scénu. Historici umenia si však lámali hlavu nad tým, prečo obraz zobrazuje dav zhromaždený pri vode bez zjavného dôvodu. Po reštaurovaní sa pod vrstvou farby objavil obraz veľryby vyplavenej na breh. Predpokladá sa, že veľryba bola premaľovaná z estetických dôvodov v 18. alebo 19. storočí.

Znalci umenia sa budú zaujímať o ďalšie informácie.