Was soll man tun, dem seine Rebellion so viel bedeutet? Reise nach Moskau. Und wenn er (oder besser gesagt sie) nicht in Form ist? Um zu sehen, wie sich ihre Arbeit in deiner Seele widerspiegelt ...

Krönungsporträt von Königin Victoria (1837 - 1901) - der letzten Vertreterin der hannoverschen Dynastie auf dem britischen Thron. Geboren 1819. Der Vorname - Alexandrina - wurde ihr zu Ehren des russischen Kaisers Alexander I. gegeben, der ihr Pate war.

Das Gesellschaftsbild der Epoche ist geprägt von einem strengen Sittenkodex (Gentlemanship), der konservative Wertvorstellungen und Klassenunterschiede festigte.

Die Gesellschaft wurde von den Werten der Mittelschicht dominiert und sowohl von der anglikanischen Kirche als auch von der Meinung der bürgerlichen Elite der Gesellschaft unterstützt.
Nüchternheit, Pünktlichkeit, Fleiß, Genügsamkeit und Sparsamkeit wurden schon vor der Herrschaft von Victoria geschätzt, aber in ihrer Zeit wurden diese Eigenschaften zur vorherrschenden Norm. Die Königin selbst ging mit gutem Beispiel voran: Ihr Leben, ganz der Pflicht und der Familie untergeordnet, unterschied sich auffallend von dem Leben ihrer beiden Vorgängerinnen. Ein Großteil der Aristokratie folgte diesem Beispiel und gab den auffälligen Lebensstil der vorherigen Generation auf. Ebenso der erfahrene Teil der Arbeiterklasse. Die Mittelklasse glaubte, dass Wohlstand der Lohn für Tugend sei und deshalb die Unglücklichen kein besseres Schicksal verdienten. Puritanismus auf die Spitze getrieben Familienleben führte zu Schuldgefühlen und Heuchelei.

Joshua Reynolds (1723-1792). Ato-Porträt 1782.
Künstler und Kunsttheoretiker. Organisator und Präsident der 1768 gegründeten Royal Academy of Arts in London.

Reynolds, der bis zu seinem Tod den Posten des Präsidenten der Royal Academy of Arts innehatte, führte historische und mythologische Kompositionen auf und widmete viel Energie pädagogischen und sozialen Aktivitäten. Als Kunsttheoretiker forderte Reynolds das Studium des künstlerischen Erbes der Vergangenheit, insbesondere der Kunst der Antike und der Renaissance. In Anlehnung an klassizistische Anschauungen betonte Reynolds zugleich die besondere Bedeutung von Vorstellungskraft und Gefühl und nahm damit die Ästhetik der Romantik vorweg.

Joshua Reynolds. "Amor löst den Gürtel der Venus". 1788. Sammlung der Eremitage. St. Petersburg.

1749 ging Reynolds nach Italien, wo er die Werke der großen Meister studierte, vor allem Tizian, Correggio, Raphael und Michelangelo. Als er 1752 nach London zurückkehrte, machte er sich bald einen großen Namen als außerordentlich geschickter Porträtmaler und stieg in eine hohe Position unter den englischen Malern auf.

Viele Werke von Reynolds haben ihren ursprünglichen Farbglanz verloren und Risse bekommen, weil er bei der Aufführung versucht hat, statt Öl andere Stoffe wie Bitumen zu verwenden.

William Holman Hunt. "Fischerboote in einer Mondnacht".
Die Präraffaeliten gaben im Gegensatz zu den Akademikern die „Kabinett“-Malerei auf und begannen in der Natur zu malen ...

Die Pre-Raphaelite Society wurde 1848 von drei jungen Künstlern gegründet: William Holman Hunt, Dante Gabriel Rossetti und John Everett Milles. Die Herausforderung steckte schon im Namen der Gruppe: „Pre-Raphaelites“ bedeutet „vor Raffael“. „Ihre akademische Kunst, meine Herren Professoren, mit dem süßlichen Raphael als Leitfaden, ist veraltet und unaufrichtig. Wir nehmen uns ein Beispiel an den Malern, die vor ihm lebten “, schienen die Präraffaeliten mit ihrem Namen zu erklären.

Jugendrebellion gegen die akademische Malerei ist keine Seltenheit. In Russland entstand die Gesellschaft der Wanderer auf genau die gleiche Weise. Russische Künstler malten jedoch aus Protest gegen die offizielle Kunst meist melancholische Genrebilder, die von anklagendem Pathos durchdrungen waren. Die Briten hingegen verehrten Einfachheit, Schönheit, die Renaissance.

„Madonna und Kind“. Fra Filippo Lippi (1406-1469).
Florentiner Maler, einer der bedeutendsten Meister der Frührenaissance. Das ist eines der Vorbilder für die Präraffaeliten (welche Reinheit der Farben ...).

In den von Lippi gemalten Figuren steckt so viel Aufrichtigkeit, Lebensfreude, Menschlichkeit und ein subtiles Verständnis für Schönheit, dass sie einen unwiderstehlichen Eindruck machen, obwohl sie manchmal den Anforderungen der Kirchenmalerei direkt widersprechen. Seine Madonnen sind bezaubernde unschuldige Mädchen oder zärtlich liebende junge Mütter; seine Babys – Christusse und Engel – sind liebenswerte echte Kinder, die vor Gesundheit und Spaß nur so strotzen. Die Würde seiner Malerei wird durch eine kräftige, brillante, vitale Farbe und eine fröhliche Landschaft oder elegante architektonische Motive, die die Szenerie ausmachen, erhöht.

"Madonna und Kind, umgeben von Engeln". Sandro Botticelli (1445 - 1510). Großer italienischer Maler, Vertreter der Florentiner Malschule. Das ist eines der Vorbilder für die Präraffaeliten (wie eine lineare Zeichnung verfeinert wird)

Die Animation der Landschaft, die zerbrechliche Schönheit der Figuren, die Musikalität des Lichts, zitternde Linien, die Transparenz kalter, raffinierter, wie aus Reflexen gewebter Farben schaffen eine Atmosphäre der Verträumtheit, leichter lyrischer Traurigkeit.

Die Komposition, die klassische Harmonie erlangt hat, wird durch ein skurriles Spiel linearer Rhythmen bereichert. In einer Reihe von Botticellis Werken der 1480er Jahre schlüpft ein Hauch von Angst, vage Angst durch.

"Verkündigung". Fra Beato Angelico. Um 1426.
Das ist ein Altarbild in einem mannshohen geschnitzten vergoldeten Rahmen, in Tempera auf ein Holzbrett gemalt.
Das ist eines der Vorbilder für die Präraffaeliten, perfekt in allem ...

Die Aktion findet unter einem Portikus statt, der sich zum Garten hin öffnet. Portikussäulen teilen die Mitteltafel optisch in drei Teile. Rechts ist die Jungfrau Maria. Vor ihr der gebeugte Erzengel Gabriel. Im Hintergrund sieht man den Eingang zu Marys Zimmer. Gott der Vater ist in einem skulpturalen Medaillon über der Mittelsäule dargestellt. Auf der linken Seite ist eine Ansicht von Eden zu sehen, die eine biblische Episode darstellt: Der Erzengel Michael vertreibt Adam und Eva aus dem Paradies, nachdem sie in Sünde gefallen sind.

Die Kombination der alttestamentlichen Episode mit dem neuen Testament macht Maria zu einer „neuen Eva“, frei von den Mängeln des Stammvaters.

Dante Gabriel Rossetti. Selbstportrait.
Geboren 1828 in London. Mit fünf Jahren komponierte er ein Drama, mit 13 eine dramatische Geschichte, mit 15 begannen sie zu drucken. Mit 16 Jahren trat er in die Zeichenschule ein, dann - die Akademie der Malerei ...

Der Vater des zukünftigen Künstlers - ein ehemaliger Kurator des Bourbon-Museums in Neapel - gehörte der Carbonari-Gesellschaft an, die am Aufstand von 1820 teilnahm, der nach dem Verrat von König Ferdinand von österreichischen Truppen niedergeschlagen wurde. In London war Gabriele Rossetti (Vater) Professor am King's College. In seiner Freizeit beschäftigte er sich mit der Erstellung des "Analytical Commentary on" Göttliche Komödie»Dante. Mutter – geborene Mary Polidori – war die Tochter des berühmten Übersetzers Milton. Sie gaben ihre literarischen Leidenschaften an ihre Kinder weiter.

Zu Ehren von Dante wurde der Sohn benannt. Die älteste Tochter - Maria Francesca - schrieb das Buch "Shadow of Dante". Die jüngste - Christina - wurde eine berühmte englische Dichterin. Jüngster Sohn - William Michael - Literaturkritiker und Bruders Biograf.

"Diener des Herrn" Dante Gabriel Rossetti. 1849-1850.
Geschrieben beim Beitritt zur Präraffaeliten-Bruderschaft.
Die Leinwand zeigt die "Verkündigung", hergestellt mit Abweichungen vom christlichen Kanon.

Die Meister der italienischen Renaissance stellten die Madonna als Heilige dar, die nichts mit dem Alltag zu tun hatte. Indem Rossetti die Verkündigung realistisch darstellte, brach er mit allen Traditionen. Seine Madonna ist ein gewöhnliches Mädchen, verlegen und verängstigt von der Nachricht, die ihr der Erzengel Gabriel überbracht hat. Diese ungewöhnliche Herangehensweise, die viele Kunstliebhaber wütend machte, stand im Einklang mit der Absicht der Präraffaeliten, Bilder wahrheitsgemäß zu malen.

Das Gemälde "Die Verkündigung" gefiel der Öffentlichkeit nicht: Dem Künstler wurde vorgeworfen, die alten italienischen Meister nachzuahmen. Der Realismus des Bildes stieß auf heftige Missbilligung, Rossetti wurde der Sympathie für das Papsttum verdächtigt.

"Erziehung der Jungfrau", D. G. Rossetti 1848-1849,
Mutter Gottes, Eltern - der rechtschaffene Joachim und Anna, ein Engel mit einer Lilie in einem Krug, einem Bücherstapel und einem Stab im Vordergrund.
Die Mutter Gottes wird von ihrer Schwester geschrieben, und St. Anna stammt von der Mutter des Künstlers.

Maria arbeitet an dem violetten Garn für den Tempelvorhang. Das ist ein Symbol für das bevorstehende „Spinnen“ des Säuglingsleibes Jesu Christi aus dem „Purpur“ des mütterlichen Blutes im Schoß Mariens. Wie wir gesehen haben, geht die Arbeit am Garn weiter, wenn die Verkündigung stattfindet.

John Everett Milles. "Porträt von John Ruskin", 1854,
Ruskin betrachtet nachdenklich den Wasserfall. Die sehr genau gezeichneten Felsen und das Wasser des Baches spiegeln das Interesse und die Liebe wider, die Ruskin für die Natur hatte.

Der berühmte Literatur- und Kunstkritiker und Dichter, Historiker und Kunsttheoretiker, Künstler und Sozialreformer John Ruskin sah in den religiösen und symbolischen Motiven junger präraffaelitischer Künstler eine wichtige Entdeckung. Er schlug eine Reihe unerschütterlicher Regeln vor, mit der Aufforderung, die Natur zu studieren, die Errungenschaften der Wissenschaft zu nutzen und die Meister des Trecento nachzuahmen.

Dank seiner Unterstützung erlangte die Pre-Raphaelite Brotherhood schnell Anerkennung. Die Präraffaeliten legten die Messlatte für die Qualität der Malerei höher, überwanden die akademischen Traditionen der viktorianischen Ära und kehrten zur Natur zurück, dem wahren und einfachen Kriterium der Schönheit.

1840, im Alter von 11 Jahren, trat er in die Royal Academy of Arts ein und wurde der jüngste Student in ihrer Geschichte. Ich habe sechs Jahre an der Akademie studiert. 1843 erhielt er eine Silbermedaille für das Zeichnen. Bereits mit 15 Jahren beherrschte er den Pinsel hervorragend.

John Everett Millais war der jüngste des brillanten Trios und war in verschiedenen Maltechniken besser als andere. Hingerissen von Rossettis poetischen Fantasien und Hunts theoretischem Denken war er der Erste, der die „präraffaelitische“ Schreibweise, die an die Freskenmalerei erinnert, in die Praxis umsetzte.

Milles schreibt helle Farben auf feuchtweißem Grund, setzt keine professionellen Sitter ein und versucht, die materielle Welt äußerst zuverlässig darzustellen.

Das Gemälde basiert auf einem Gedicht von John Keats, der wiederum von einer der Handlungen von Boccaccios Decameron inspiriert wurde. Rechts steht Rossetti mit einem Glas in der Hand.

Dies ist eine Liebesgeschichte zwischen Isabella und Lorenzo, einem Diener in dem Haus, in dem Isabella mit ihren reichen und arroganten Brüdern lebte. Als sie von ihrer Beziehung erfuhren, beschlossen sie, den jungen Mann heimlich zu töten, um seine Schwester vor Schande zu bewahren. Isabella wusste nichts über das Schicksal von Lorenzo und war sehr traurig.

Eines Nachts erschien dem Mädchen der Geist von Lorenzo und zeigte an, wo die Brüder seinen Körper begraben hatten. Isabella ging dorthin, grub den Kopf ihres Geliebten aus und versteckte ihn in einem Topf mit Basilikum. Als die Brüder herausfanden, was genau in dem Topf aufbewahrt wurde, stahlen sie ihn aus Angst vor Strafe ihrer Schwester und flohen. Und Isabella starb vor Trauer und Sehnsucht.

Die Handlung war in der Malerei sehr beliebt. Die Präraffaeliten hatten eine besondere Liebe zu ihm.

John Everett Milles. „Isabel“. 1848–1849 Leinwand, Öl.
Das Gemälde basiert auf einem Gedicht von John Keats, der wiederum von einer der Handlungen von Boccaccios Decameron inspiriert wurde. Zitat von Keat...

Vasall der Liebe - junger Lorenzo,
Schöne, aufrichtige Isabella!
Ist es möglich, dass unter dem Dach eines
Die Liebe hat ihre Herzen nicht in Besitz genommen;
Ist es möglich, dass bei der täglichen Mahlzeit
Ihre Blicke trafen sich nicht hin und wieder;
Damit sie mitten in der Nacht schweigen,
Sie haben nicht in einem Traum voneinander geträumt!***
Also die Brüder, die alles erraten,
Dass Lorenzo voller Leidenschaft für ihre Schwester ist
Und dass sie nicht kalt zu ihm ist,
Sie erzählten einander von dem Unglück,
Vor Wut keuchend, weil
Dass Isabella mit ihm glücklich wird,
Und für sie brauchen sie einen anderen Ehemann:
Mit Olivenhainen, mit einer Schatzkammer.

1850. Milles hat den jungen Christus in der Gestalt eines einfachen Knaben im heruntergekommenen Interieur einer Tischlerei deutlich dargestellt
keinen Respekt vor der Religion und dem Erbe der Meister erfahren (laut Kritikern).

Die Idee zu diesem Bild soll Milles im Sommer 1848 während einer Kirchenpredigt gekommen sein. Die Leinwand zeigt den kleinen Jesus in der Werkstatt seines Vaters Joseph (das Gemälde hat einen zweiten Namen - "Christus in der Tischlerei"). Jesus hatte sich gerade mit einem Nagel in die Hand geschnitten, was als Vorahnung der zukünftigen Kreuzigung verstanden werden kann. Miless fertigte seine ersten Skizzen im November 1849 an, begann im Dezember mit dem Malen und beendete das Gemälde im April 1850. Einen Monat später präsentierte der Künstler es auf der Sommerausstellung der Royal Academy – und unzufriedene Kritiker fielen auf ihn.

Die von Milles ungewöhnlich präsentierte religiöse Szene wurde von vielen als zu grob und fast blasphemisch empfunden. Mittlerweile gilt dieses Bild noch immer als eines der bedeutendsten Werke von Milles.

John Everett Milles. "Christus im Hause seiner Eltern." 1850. Eine Rezension von Dickens, die in der Zeitung The Times veröffentlicht wurde, war in der Lage, die Künstler, die sich gerade erklärt hatten, vom Erdboden zu fegen ...

In dem Artikel schrieb Dickens, dass Jesus als „eine abstoßende, ruhelose, rothaarige Heulsuse in einem Nachthemd, die gerade aus einem nahe gelegenen Graben geklettert zu sein scheint“ erschien. Von Mary sagte Dickens, dass sie „schrecklich hässlich“ geschrieben wurde.

In ähnlicher Weise wurde Milles 'Gemälde auch von der Zeitung The Times kommentiert, die es als "ekelhaft" bezeichnete. „Die ekelhaft deprimierenden Details der Schreinerei verdecken die wirklich wichtigen Elemente des Bildes“, so der Kritiker.

John Everett Milles. "Christus im Hause seiner Eltern."
1850. Der Knabe Christus verletzte sich an der Hand, und sein Cousin (der zukünftige Johannes der Täufer) trug Wasser, um die Wunde zu waschen. Das Blut, das auf das Bein Christi tropft, dient als Omen der Kreuzigung.

Der Künstler folgte den präraffaelitischen Prinzipien des rigorosen Realismus und der unmittelbaren emotionalen Anziehungskraft, als er die Heilige Familie als eine Familie armer englischer Arbeiter bei der Arbeit in Josephs Schreinerei darstellte. Die abgemagerte Jungfrau Maria war besonders empört, weil sie normalerweise als attraktive junge Blondine dargestellt wurde.

Auf Milles, der lange Tage in einer Tischlerei verbrachte, um alle Details der Arbeit der Meister festzuhalten, machte die Kritik einen ohrenbetäubenden Eindruck. Er ist verloren gegangen...

John Everett Milles. "Marianna", 1851, Privatsammlung,
Das Gemälde basiert auf Shakespeares Stück „Maß für Maß“
Darin muss Marianne Angelo heiraten, der sie ablehnt, da die Mitgift der Heldin verloren gegangen ist
bei einem Schiffbruch.

Man sieht den Wunsch nach Realismus, es gibt keine „Hübschheit“, Mariana steht in einer unbequemen, hässlichen Pose, die ihr mühsames, langes Warten vermittelt. Die gesamte Dekoration des Zimmers mit Buntglasfenstern und mit Samt bezogenen Wänden im Geschmack der viktorianischen Ära. Hervorragende Details sowie die Handlung des Bildes spiegeln die Hauptmerkmale der präraffaelitischen Bewegung wider. Das Mädchen führt ein einsames Leben und sehnt sich immer noch nach ihrem Geliebten.

Ah, nimm diese Lippen
Was sie mir so süß geschworen haben
Und die Augen, die im Dunkeln sind
Ich wurde von einer falschen Sonne erleuchtet;
Aber gib das Siegel der Liebe zurück, das Siegel der Liebe
Küsse ganz meins, ganz meins!

John Everett Milles. "Marianne", 1851, Fragment.
Privatsammlung, Marianne malte mit Elizabeth Siddal.

Als das Gemälde von Milles zum ersten Mal in einer Ausstellung in der Royal Academy of Arts erschien, wurde es von einer Zeile aus Alfred Tennysons Gedicht „Marian“ begleitet: „Er wird nicht kommen“, sagte sie.

John Everett Milles. „Ophelie“. 1852. London, Tate Gallery, Der Künstler bemüht sich, die Szene so nah wie möglich an Shakespeares Beschreibung und äußerst naturalistisch darzustellen. Aus der Natur stammen sowohl die Landschaft als auch die in Wasser getauchte Ophelia.

Milles begann dieses Bild im Alter von 22 Jahren zu malen, er schwärmte, wie viele junge Menschen in seinem Alter, förmlich von Shakespeares unsterblichem Stück. Und auf der Leinwand versuchte er, alle vom Dramatiker beschriebenen Nuancen so genau wie möglich wiederzugeben.

Das Schwierigste für Milles bei der Erstellung dieses Bildes war es, eine weibliche Figur darzustellen, die halb in Wasser getaucht ist. Es war ziemlich gefährlich, es nach dem Leben zu malen, aber die technischen Fähigkeiten des Künstlers erlaubten ihm einen cleveren Trick: Wasser im Freien zu malen (die Arbeit in der Natur ist seit den 1840er Jahren allmählich Teil der Praxis der Maler geworden, als Ölfarben in Metallröhren erschien zuerst) und die Figur - in seiner Werkstatt.

Auf dem Gemälde ist Ophelia unmittelbar nach dem Sturz in den Fluss dargestellt, als sie „daran dachte, ihre Kränze an Weidenzweige aufzuhängen“. Sie singt traurige Lieder, halb in Wasser getaucht...

Millais reproduzierte die von der Königin, Hamlets Mutter, beschriebene Szene. Sie beschreibt den Vorfall wie einen Unfall:

Wo die Weide über dem Wasser wächst, Baden
Silbriges Laub im Wasser, sie
Kam dort in schicken Girlanden
Aus Hahnenfuß, Brennnessel und Kamille,
Und diese Blumen, die grob benennen
Die Leute und die Mädchen rufen mit ihren Fingern
Pokoinikow. Sie hat ihre Kränze
Hänge Gedanken an Weidenzweige,
Aber der Ast ist gebrochen. In einem weinenden Strom
Mit Blumen fielen die Armen. Kleid,
Breitet sich weit über das Wasser aus,
Sie wurde wie eine Meerjungfrau gehalten.

John Everett Milles. „Ophelie“. 1852. London, Tate Gallery.
Ihre Körperhaltung – offene Arme und zum Himmel gerichteter Blick – weckt Assoziationen an die Kreuzigung Christi und wurde auch oft als erotisch gedeutet.

Bekannt ist auch, dass Milles in einem Antiquitätengeschäft extra ein altes Kleid für Elizabeth Siddal kaufte, damit sie darin posierte. Das Kleid kostete Milla vier Pfund. Im März 1852 schrieb er: "Heute habe ich ein wirklich luxuriöses antikes Damenkleid gekauft, das mit Blumenstickereien verziert ist - und ich werde es in "Ophelia" verwenden."

John Everett Milles. „Ophelie“. 1852. London, Tate Gallery.
Bach und Blumen Milles aus der Natur gemalt. Die auf dem Bild mit erstaunlicher botanischer Genauigkeit dargestellten Blumen haben auch eine symbolische Bedeutung ...

Laut der Blumensprache sind Butterblumen ein Symbol für Undankbarkeit oder Infantilismus, eine Trauerweide, die sich über ein Mädchen beugt, ist ein Symbol für abgelehnte Liebe, Brennnesseln bedeuten Schmerz, Gänseblümchen in der Nähe der rechten Hand symbolisieren Unschuld. Plakun-Gras in der oberen rechten Ecke des Bildes - "die Finger der Toten". Rosen sind traditionell ein Symbol für Liebe und Schönheit, außerdem nennt einer der Helden Ophelia "die Mairose"; Mädesüß in der linken Ecke mag die Bedeutungslosigkeit von Ophelias Tod ausdrücken; Vergissmeinnicht, die am Ufer wachsen - ein Symbol der Treue; Der scharlachrote und mohnartige Adonis, der in der Nähe der rechten Hand schwebt, symbolisiert Trauer.

John Everett Milles. „Ophelie“. 1852. London, Tate Gallery.
Und obwohl der Tod unvermeidlich ist, scheint die Zeit auf dem Bild stehen geblieben zu sein. Millet hat es geschafft, den Moment festzuhalten, der zwischen Leben und Tod vergeht.

Der Kritiker John Ruskin bemerkte: „Dies ist die schönste englische Landschaft; von Trauer durchdrungen."

Meine Assoziationen sind für mich unvermeidlich... In Solaris vermittelte Andrei Tarkovsky, den ich immer geliebt habe, mit Hilfe von gefrorenen Algen in fließendem Wasser das Gefühl von "Zeit, die in der Realität verschwommen ist" - weder der Vergangenheit noch gehörend in die Zukunft, aber auch nicht in die Gegenwart, sondern nur in die Ewigkeit, die nur in der Vorstellung sichtbar ist.

John Everett Milles. „Ophelie“. 1852. London, Tate Gallery.
Vor dem Hintergrund einer strahlend blühenden Natur taucht das Mädchen langsam ins Wasser ein, ihr Gesicht zeigt weder Panik noch Verzweiflung. Ophelia wird mit Elizabeth Siddal geschrieben...

"Ophelia" schockierte das Publikum und brachte dem Autor wohlverdienten Ruhm. Nach Ophelia nimmt die Royal Academy of Arts, deren Grundsätze er mit früheren Arbeiten widerlegte, Milles als Mitglied auf. Die Bruderschaft der Präraffaeliten zerfällt, und der Künstler kehrt zur akademischen Malweise zurück, in der nichts mehr von den einstigen präraffaelitischen Bestrebungen übrig geblieben ist.

William Holman Hunt. Selbstportrait. 1857.
Hunt war einer von drei Studenten der Royal Academy of Arts, die die Pre-Raphaelite Brotherhood gründeten.

Hunt war der einzige, der der Lehre der Präraffaeliten-Bruderschaft bis zuletzt treu blieb und deren Bildideale bis zu seinem Tod bewahrte. Hunt ist auch der Autor der Autobiografien Pre-Raphaelite und Pre-Raphaelite Brotherhood, die darauf abzielen, genaue Informationen über die Ursprünge der Bruderschaft und ihrer Mitglieder zu liefern.

William Holman Hunt. "Eine konvertierte britische Familie rettet einen christlichen Missionar vor der Verfolgung durch Druiden." 1849

Dies ist vielleicht das „mittelalterliche“ Werk von Hunt, bei dem die Komposition, die Posen und die Aufteilung in Pläne den Werken von Künstlern der frühen italienischen Renaissance ähneln und die dargestellte Ära selbst – die britische Antike – dem Bereich von nah ist Interesse der übrigen Präraffaeliten.

William Holman Hunt. "Angestellter Hirte". 1851.

Schon das nächste bekannte Bild von Hunt zeigt uns keine ferne Zeit, sondern durchaus Moderne Menschen Oder besser gesagt, Menschen in modernen Kostümen. Dieses Bild verweist den Betrachter auf das Evangelium, wo Christus, der gute Hirte, sagt: „Aber ein Tagelöhner, kein Hirte, dem die Schafe nicht gehören, sieht den kommenden Wolf und lässt die Schafe und läuft; und der Wolf plündert die Schafe und zerstreut sie. Und der Söldner läuft, weil er ein Söldner ist und sich nicht um die Schafe kümmert. (Johannes 10:12-13) Hier ist der Söldner nur damit beschäftigt, dass er „sich nicht um die Schafe kümmert“ und sie völlig ignoriert, während sie sich in alle Richtungen zerstreuen und das Feld betreten, wo sie eindeutig nicht hingehören. Auch die Schäferin, mit der der Schäfer flirtet, ist ihrer Pflicht nicht treu, denn sie füttert das Lamm mit grünen Äpfeln. Technisch und detailliert ausgearbeitet ist das Bild nicht weniger realistisch als beispielsweise „Ophelia“: Hunt malte die Landschaft komplett unter freiem Himmel und ließ Leerstellen für die Figuren.

William Holman Hunt. "Unsere englischen Küsten". 1852.

Hunts Landschaften erscheinen mir erstaunlich: Alles lebt darin - ferne Pläne und nahe, Büsche und Tiere ...

William Holman Hunt. "Ein brennender Sonnenuntergang über dem Meer." 1850.
William Holman Hunt. "Sündenbock". 1854.

Dem vorraffaelitischen Geist des Realismus und der Naturverbundenheit treu, ging Hunt 1854 nach Palästina, um für seine biblischen Gemälde Landschaften und Charaktere aus der Natur zu malen. Im selben Jahr beginnt er mit seinem wohl erstaunlichsten Film – „Der Sündenbock“. Hier sehen wir überhaupt keine Menschen: Vor uns liegt nur eine bedrohliche, blendend helle, einem schrecklichen Traum ähnliche Salzwüste (das Tote Meer, also der Ort, an dem Sodom und Gomorra standen, natürlich, Hunt schrieb es aus dem Leben, wie die Ziege selbst), und mittendrin eine gequälte weiße Ziege. Der Sündenbock ist nach dem Alten Testament ein Tier, das für das Ritual der Gemeindereinigung auserwählt wurde: Ihm wurden die Sünden aller Menschen der Gemeinde auferlegt und dann in die Wüste getrieben. Für Hunt war es ein Symbol für Christus, der die Sünden aller Menschen trug und für sie starb, und im Gesichtsausdruck des Bocks schimmern solche Tiefen tragischen Leidens durch, die Hunt in seinen Gemälden nie zu erreichen vermochte, wo Christus selbst und andere Figuren des Evangeliums tatsächlich anwesend sind.

Einige sind stolz darauf, das Wort „Präraffaeliten“ aussprechen zu können. Und Sie werden stolz sein zu erfahren, warum Dante Rossetti den Sarg seiner Frau ausgegraben und Nick Cave Kylie Minogue ertränkt hat.

Maria Mikulina

"Dame Lilith", Dante Gabriel Rossetti, 1866-1873

Die Nationalgalerie stellte jedes Jahr ihre Hauptausstellungshalle für die Sommerausstellung zur Verfügung. 1850 war er wie immer voll. Aufgeregte Studenten der Royal Academy of Arts zitterten neben ihren Gemälden und fingen die einschmeichelnden Blicke ihrer Lehrer auf. Etwa eine Stunde nach Eröffnung der Ausstellung konzentrierte sich der Großteil der Besucher auf eines der Bilder.

"Christus im Elternhaus", John Everett Millais, 1850

Ein listiger Student mit einer Zeitung in der Hand las unter den anerkennenden Ausrufen seiner Freunde Auszüge aus den Rezensionen des berühmten Kunstliebhabers Charles Dickens vor. Schon nach den ersten Zeilen wurde klar, dass die Kritik verheerend war.

Charles Dickens:

„Also, vor dir ist eine Schreinerei. Im Vordergrund dieses Workshops steht ein hässlicher rothaariger Jugendlicher mit krummem Hals, der sich offenbar beim Spielen mit einem anderen Jugendlichen die Hand verletzt hat. Der kleine Jesus wird von einer Frau getröstet, die vor ihm kniet - ist das Maria? Ja, diese schreckliche Dame gehört in das schlimmste französische Kabarett oder in die letzte englische Taverne!

Die Menge begrüßte jedes Zitat des Autors mit anerkennendem Kichern.

Neben dem Bild war sein Autor - John Everett Millais. Ein 21-jähriger junger Mann mit sorgfältig gestylten Locken, es schien, als würde er gleich in Tränen ausbrechen. Noch nie war er, der jüngste und begabteste Student der Royal Academy of Arts, Opfer einer so grausamen Kritik geworden. Andererseits hatte er so etwas noch nie zuvor geschrieben. Bis zu diesem Zeitpunkt entsprachen alle Arbeiten von John Milles den Grundsätzen der viktorianischen Malerei.

Der Student ließ derweil nicht locker und zitierte den Schreiber weiter:
„Allein anhand dieses Bildes können wir die neugeborene Präraffaeliten-Bruderschaft als Ganzes beurteilen. Machen Sie sich also bereit, alles Elegante, Heilige, Sanfte und Inspirierende zu vergessen. Im Gegenzug bieten uns die Präraffaeliten das Abscheulichste und Abstoßendste, was es in der Malerei gibt.“

Vor den Präraffaeliten

Mitte des 19. Jahrhunderts versank die englische Malerei schließlich in Zärtlichkeit und Moralisierung. Die Gemälde waren gefüllt mit pummeligen Kindern mit purpurroter Röte und Hunden mit glänzendem Fell.

Tatsächlich entschieden sich die Präraffaeliten, diese Lüge zu bekämpfen, die glaubten, dass die Kunst mit dem Aufkommen von Rafael Santi, in dem selbst Christus kaum in den Himmel aufsteigen konnte - er war so gut genährt -, schlechter geworden war.

Die Hauptgebote der Präraffaeliten-Bruderschaft waren das Zeichnen aus dem Leben, das Fehlen von Übertreibungen, der Wunsch nach Realismus im Bild.

"Warte eine Minute, überspringe es, geh zur Seite!" - kam aus der Menge, und in der nächsten Sekunde tauchten neben Milles zwei junge Leute auf: ein kleiner, dunkelhäutiger Jüngling mit dunklen Locken und ein kräftiger bärtiger Mann, der die Menge mit der für Jugendliche charakteristischen Arroganz ansah. Dante Gabriel Rossetti – so hieß der junge Mann mit den lockigen Haaren – widersprach dem Studenten mit der Zeitung vehement:
- Die Zeit wird kommen, und Sie werden stolz sein, dass Sie die Ehre hatten, neben diesem großartigen Mann zu stehen! Der junge Mann zeigte mit dem Finger auf Milles, dessen Röte bereits von bedrohlicher Blässe und Schweiß abgelöst worden war.
„Oh, da habe ich keinen Zweifel, Gabriel“, erwiderte der Student mit einem herablassenden Lächeln. - Ich habe manchmal Alpträume. Ich glaube, Sie haben gerade einen der kommenden beschrieben.

Die Antwort des Schülers ging im Gelächter seiner Umgebung unter. Eine Minute später löste sich die Menge auf. Milles sprach zuerst.
Vielleicht hat Dickens Recht? Am Ende gehen wir gegen alle Kanons ...
- Das ist der Punkt! - Sofort flammte Rossetti auf. - Menschen sind blind! Gib ihnen einen geschwollenen Christus, der in einer aus himmlischen Blumen gewebten Wiege liegt. Kopf hoch, Schätzchen. Gib mir die Prinzipien der Brüderlichkeit.
„Du musst brillante Ideen haben“, murmelte Milles und starrte auf eine nahe gelegene ländliche Weide mit Schafen. - Man muss die Natur genau studieren, um sie darstellen zu können. Es ist notwendig, alles zu berücksichtigen, was in der Kunst ernst war, und alles Karikierte zu verwerfen. Und vor allem wahre Kunstwerke zu schaffen.
„Ich denke, nach dem heutigen Vorfall müssen wir den Code um einen Punkt erweitern“, fügte Hunt grimmig hinzu. - Halten Sie Dickens von unseren Bildern fern.
- Pssst, seid alle leise, Ruskin kommt! Rossetti rückte nervös seinen verblassten Schal zurecht.

John Ruskin war einer der angesehensten Kunstkritiker der Welt. Obwohl nicht viel älter als die Präraffaeliten, gelang es ihm dennoch, sich einen Namen zu machen und Ruhm zu erlangen. Normalerweise genügte eines seiner Worte, um den Künstler zu zerstören und zu erheben. Jetzt haben die Präraffaeliten seine Aufmerksamkeit auf sich gezogen.

Hmm... Hmm... - Die ersten Geräusche, die der Kritiker nach ein paar Minuten Studium des Bildes von sich gab, sagten den jungen Künstlern nichts. Allerdings, wie sein Gesichtsausdruck, völlig undurchdringlich. Der erste konnte Rossetti wie immer nicht ausstehen.
- Mr. Ruskin, achten Sie auf das Blut des verwundeten Christus. Sehr natürlich, nicht wahr? Dies ist das wahre Blut des Künstlers, also wollte er Authentizität erreichen.

Als Antwort Schweigen. Der Kritiker betrachtete das Bild noch einige Minuten. Dann drehte er sich um und ging zur Tür. Milles, der Hoffnung gefunden hatte, ließ völlig nach. Und dann drehte sich Ruskin um und sagte laut:
- Dies ist eine völlig neue Richtung in der Malerei, rein und wahrhaftig. Vielleicht wird es den Charakter der englischen Kunst für die nächsten drei Jahrhunderte prägen. Vielleicht werde ich so in The Times schreiben.

Kaum hatte Ruskin gemächlich die Galerie verlassen, hallten die Ausrufe jubelnder Künstler in ihren Gewölben wider.
- Ich sagte, Baby, er wird es mögen! Wir haben Russin! - Gabriel, der es vor Freude vergaß, sprang auf die zurückgeschlagene Jagd. Milles konnte nicht aufhören zu lächeln.
- Lasst uns feiern gehen! - Im Bruchteil einer Sekunde änderte Rossetti seinen Gesichtsausdruck von jubelnd zu mitleidig: - Nur bin ich wieder pleite. Möchten Sie ein Glas Gin?

Glückliche Freunde verließen die Galerie. Auf sie wartete ein neues, besseres Leben, was im Moment durch das Wirtshaus um die Ecke symbolisiert wurde.

Wo haben die Präraffaeliten ihre Beine wachsen lassen?

Die Geburt der Präraffaeliten-Bruderschaft (The Pre-Raphaelite Brotherhood) verursachte Unzufriedenheit im künstlerischen Umfeld. Doch was können Jugendliche noch bewirken, wenn sie ihren Lehrern offen erklären, dass die Malerei in der tiefsten Krise steckt?

Alle Mitglieder der winzigen Burschenschaft – in der Regel bestehend aus drei bis sieben Personen – verpflichteten sich, ihre Arbeit mit dem Kürzel PRB zu signieren. Das Londoner Publikum begann sofort, Witz zu üben und es zu entziffern. Die beliebtesten Interpretationen waren „Please Ring the Bell“ („Bitte klingeln“) und „Penis Rather Better“ („Der Penis ist viel besser“). Die zweite Option wurde vom maßlosen Lebensstil der Präraffaeliten inspiriert.

Dante Gabriel Rossetti
Der Hauptinspirator der Bruderschaft. Als Sohn eines italienischen Professors, der seine sonnige Heimat aus politischen Gründen gegen die nebligen Küsten Englands eintauschte, wuchs Gabriel umgeben von armen Intellektuellen auf. Von morgens bis spät in die Nacht wurden im Rossetti-Haus freche Gespräche über Politik und Kunst geführt – der Junge konnte diese revolutionären Stimmungen nur aufnehmen.

Gabriel verdankt seinen Vornamen der Leidenschaft seines Vaters für die Poesie von Dante Alighieri. Der Name erfüllte seinen Zweck: Sobald der Junge lernte, einen Stift in der Hand zu halten, begann er, Gedichte zu schreiben. Später stellte sich jedoch heraus, dass seine Hauptleidenschaft die Malerei ist, ebenso wie Frauen, Alkohol und feurige Reden. Rossetti hatte ein nützliches Talent dafür, jeden dazu zu bringen, etwas zu tun. Also bekam er Verbündete.

William Holman Hunt
Ein großer, stark gebauter bärtiger Mann, der wegen seiner exzentrischen Ideen in der Bruderschaft den Spitznamen Verrückter erhielt, stammte aus einer armen Provinzfamilie. Und deshalb zeichnete er sich im Gegensatz zu Gabriel durch Fleiß aus: Er hatte kein Recht, Verwandte zu enttäuschen, die das letzte Geld in seine Ausbildung investiert hatten.

John Everett Milles
Ein gepflegter gutaussehender Mann mit dem Spitznamen Kid, der Jüngste in der Bruderschaft, mit frühe Kindheit war ein Liebling in seiner wohlhabenden Familie. Ausnahmslos alle glaubten an sein Talent, und mit elf Jahren wurde er der jüngste Student an der Royal Academy of Arts. Für ihn, begünstigt durch die Aufmerksamkeit von Kritikern und Professoren, war der Beitritt zur Burschenschaft wie eine Rebellion.

In regelmäßigen Abständen schlossen sich andere junge Leute der Burschenschaft an, aber diese drei bildeten ihr Rückgrat. Gemeinsam zogen sie umher Bordelle auf der suche nach musik. Denn ohne Muse gibt es keinen Künstler.

Musenbrüder

Präraffaeliten behandelten Frauen äußerst anspruchsvoll. Sie suchten nach einer außergewöhnlichen, „mittelalterlichen“ Schönheit, die verblüffen konnte. Rossetti hat sogar das Wort stunner für eine solche Frau erfunden (vom Verb to stun - to amaze), das sich in den USA fest etabliert hat englische Sprache. Und natürlich musste die Muse wunderschöne Haare haben, am liebsten rot.

Es war nicht einfach, ein solches Mädchen in einem Bordell zu finden. Nur Hunt war erfolgreich. Sein Model und Teilzeit-Geliebte Annie Miller zeichnete sich durch kurvenreiche Formen und einen goldenen Haarschopf aus. Es war Annie, die am meisten posierte Berühmte Gemälde„Der angeheuerte Hirte“ und „Erwachte Schande“.

Der angeheuerte Hirte, William Hunt, 1851

Während der Anfertigung dieser Gemälde kam Hunt auf die seltsame Idee, Annie zu „verwandeln“. Ziehen Sie sie aus dem Abgrund der englischen Gesellschaft, erziehen Sie sie um und heiraten Sie sie dann. In den folgenden Jahren gab der Verrückte viel Geld aus, um Annies Kurse in den Pensionen für edle Mädchen und anständige Outfits zu besuchen.

Die Idee verließ Hunt erst in dem Moment, als William nach seiner Rückkehr von einer Geschäftsreise ins Heilige Land, wo er eine Ziege malte, herausfand, dass Annie ihn die ganze Zeit mit Rossetti betrogen hatte. Und nicht nur betrogen – sie versorgte den Italiener auch mit Hunts Geld. Die Beziehungen zwischen Hunt und Rossetti verschlechterten sich. Als die Freundschaftskrise jedoch vorbei war, lieh sich Gabriel weiterhin Geld von William.

Rossetti hatte nie Geld. Auch wenn es ihm gelang, das Gemälde erfolgreich zu verkaufen, stellte sich heraus, dass er das Geld schon ausgegeben hatte, bevor er es erhalten hatte. Der Künstler lief in schäbigen, abgetragenen Kleidern herum und machte sich nicht einmal die Mühe, Flicken auf seine Hose zu nähen. Stattdessen bemalte Gabriel die Haut seiner Beine, die durch die Löcher hervorschaute, mit schwarzer Farbe. Doch auch in solch unanständiger Form machte der junge Italiener auf Frauen einen tödlichen Eindruck. Manchmal buchstäblich...

Aussehen von Ophelia

Die Biografie von Elizabeth Siddal war so typisch wie langweilig. Die Tochter eines Londoner Messerschleifers arbeitete in einem Hutgeschäft und nähte Federn und Bänder in Hüte, die sie sich nie hätte leisten können. Sie sollte einen ortsansässigen Kaufmann in einem schmierigen Gewand heiraten, Kinder bekommen und im Dunkeln alt werden. Das wäre sicherlich passiert, wenn der den Präraffaeliten nahestehende Künstler Walter Deverell nicht einmal in das Fenster einer Hutwerkstatt in der Cranbur Alley geschaut hätte.

Ein Mädchen von erstaunlicher Erscheinung erschien vor seinen Augen. Groß, dünn, mit gemeißelten Gesichtszügen, einer dünnen Nase und alabasterfarbener Haut. Aber das Wichtigste sind ihre Haare. Leuchtend rot, zu einem niedrigen Knoten gelegt, blendeten sie wie die Sommersonne. Am nächsten Tag wurde Lizzie von allen Präraffaeliten mit voller Kraft aufgespürt. Rossetti war hingerissen. Er wollte dem Mädchen sofort schreiben.

Miss Siddal war verwundert und geschmeichelt von diesem Ausbruch der Anbetung: Elizabeth galt in dem Kreis, in dem sie aufwuchs, nicht als schön. Lizzies Vater war schwerer zu beeindrucken. Im 19. Jahrhundert wurden Models mit Prostituierten gleichgesetzt, und seine Tochter, obwohl aus ärmlichen Verhältnissen, ist ein anständiges Mädchen. Deverell musste seine Mutter mitbringen, und sie bürgte für die Familie Siddal für die Ehre von Lizzie. Herr Siddal gab schließlich auf, als er erfuhr, dass ein Model dreimal so viel pro Stunde verdient wie ein Hutmacher.

So begann eine glänzende Karriere Lizzie. Rossetti porträtierte Elizabeth erstmals als Jungfrau Maria in Die Verkündigung. Dann posierte das Mädchen für Hunt. Daraus malte er die Haare Christi für das Gemälde "Licht der Erde" - zum ersten Mal in der Geschichte wurde Jesus Besitzer langer roter Haare.

Aber richtiger Ruhm erlangte die rothaarige Muse nach Milles' Ophelia. (Übrigens war es dieses Bild, das die Regisseure des Videos zum Song Kylie Minogue und Nick Cave inspirierte.) In einem schweren altmodischen Kleid lag Lizzie in der Badewanne im Atelier des Künstlers, ihre nassen Haare waren miteinander verflochten Blumen. Milles' mitfühlende Mutter stellte Dutzende von Kerzen unter die Wanne, um das Wasser warm zu halten. Aber die Zeit verging, die Kerzen brannten aus, das Wasser kühlte ab.

"Ophelia" von John Millais, 1851

Elizabeth wagte es nicht, sich in die Arbeit des Genies einzumischen, und lag bewegungslos im kalten Wasser, bis sie ohnmächtig wurde. Erst als das Model zu Boden ging, erwachte Milles aus einer kreativen Trance und eilte herbei, um Hilfe zu rufen. Der Arzt, der die blaue Lizzie untersuchte, sagte, die Erkältung habe die Lungen berührt. Herr Siddal war empört. Er schien das Gefühl zu haben, dass diese seltsame Arbeit zu nichts Gutem führen würde! Milles musste dem Vater des Mädchens 50 Pfund zahlen (damals eine riesige Summe), um Lizzie zurückzubekommen. Eine schwere Krankheit brachte Miss Siddal und Rossetti näher zusammen. Jetzt nannte er sie nur noch den liebevollen Spitznamen Sid, und sie übernachtete immer häufiger in seinem Atelier.

Milles beendete Ophelia. Der Film war ein unglaublicher Erfolg, nicht nur beim Publikum, sondern auch bei den Kritikern, die ihre Wut in Gnade gegenüber der Bruderschaft wandelten. Einer nach dem anderen erhielten die Präraffaeliten teure Aufträge. Not und Lästerung – ihre treuen Begleiter – gehören der Vergangenheit an. John Ruskin, der offizielle Schirmherr der Bruderschaft wurde, war so erfreut, dass er Milles die große Ehre erwies, Mrs. Effie Ruskin als Modell für das nächste Bild zu verwenden. Eine Entscheidung, die der Kritiker bald bereuen wird.

Scheidung des Jahrhunderts

Ruskins waren in der Gesellschaft als angenehmes Paar bekannt. Es sei denn, John Ruskin war zu besessen von Kunst und seine Frau, die schöne Effie, von Unterhaltung. Frau Ruskin unterschied sich jedoch nicht in Frivolität: Sie war hervorragend gebildet, belesen, spielte wunderbar Klavier und sang magisch. Die Ruskins hatten noch keine Zeit, Kinder zu bekommen, und daher hatte Effy Freizeit und stimmte problemlos zu, für Millais für das Gemälde „The Release Order“ zu posieren, obwohl Frauen aus der High Society nicht für Plot-Leinwände posierten. Effi sollte viele Stunden allein mit Milles verbringen, der ein Jahr jünger war als sie. In der viktorianischen Zeit war es Männern verboten, eine Frau lange im Auge zu behalten, aber das Malen eines Bildes ist ein Sonderfall.

Milles studierte gründlich die Gesichtszüge von Mrs. Ruskin. Und verliebte sich wie erwartet. Und einige Zeit später, nach langen intimen Gesprächen, gestand Effie John ihr schreckliches Geheimnis: Sie ist immer noch Jungfrau. Ruskin weigert sich, sie zu berühren, und argumentiert mit verschiedenen Vorwänden, zum Beispiel, dass eine Geburt eine Frau entstellt*. Darüber hinaus wurde Ruskin mit jeder neuen Forderung von Effy, die Ehe zu vollenden, immer wütender, nannte seine Frau krank und deutete an, dass er sie loswerden würde, indem er sie in eine Irrenanstalt (die beliebteste Art, in die Ehepartner reisen) einschließen würde Viktorianisches England). Milles war entsetzt. Perfektes Aussehen sein Gönner Ruskin löste sich auf und machte einem viel malerischeren Bild seiner Frau Platz. Der Künstler sagte Effy, dass es notwendig sei zu handeln, und sofort, da die Eltern des Mädchens, nachdem sie den wahren Stand der Dinge erfahren hatten, auf ihrer Seite standen.

* - Hinweis Phacochoerus "a Funtika: « Im Allgemeinen wurde Ruskin Pädophilie und Abneigung gegen den Körper erwachsener Frauen vorgeworfen. Schließlich verliebte er sich in Effy, als sie ein Teenager war. Und im Alter von 48 Jahren verliebte er sich erneut in die 9-jährige Rosa La Touche. Stimme misstrauisch zu. »

Das Gemälde „Orden der Emanzipation“ wurde 1853 ausgestellt. Die Öffentlichkeit war empört. Zuerst wurde Mrs. Ruskin von einem Mann umarmt, eindeutig nicht von Mr. Ruskin (tatsächlich benutzte Milles keinen lebenden Mann, sondern eine Schaufensterpuppe). Zweitens waren Mrs. Ruskins Beine ohne Schuhe und Strümpfe sichtbar (Milles zeichnete die Beine eines anderen Modells). Aber der größte Skandal stand bevor.

Nach der Ausstellung wurde bekannt, dass Mrs. Ruskin vor ihrem Ehemann in das Haus ihrer Eltern floh und ihren Scheidungswunsch ankündigte, da Mr. Ruskin sie nie zu seiner Frau gemacht hatte. Verlassener Kritiker riss und Metall. Besonders der Verdacht auf Impotenz beleidigte ihn. „Ich kann sogar morgen vor einem hoch angesehenen Gericht erscheinen und meine Potenz beweisen“, schrieb Ruskin an höhere Stellen. Wie genau der Kritiker die Potenz beweisen wollte, blieb leider unklar.

In den fähigen Händen des Gynäkologen von Königin Victoria bestand Effie erfolgreich den demütigenden Jungfräulichkeitstest, der bewies, dass sie rein war und dass "Mrs. Ruskin keine Kontraindikationen für die Ausübung ehelicher Pflichten hat". Effie erhielt ihren Freilassungsbescheid – eine Scheidung – 1854. Ein Jahr später heiratete sie John Everett Millais. Sie lebten glücklich bis an ihr Lebensende und hatten acht Kinder.

Großer Exhumer

In der Beziehung zwischen Elizabeth Siddal und Dante Rossetti war die Idylle derweil nicht geplant. Lizzy war in einer verzweifelten Situation. Seit einigen Jahren lebte sie offen mit dem Künstler zusammen – nun wollte sie nicht einmal der unglückselige Verkäufer mit schmieriger Schürze heiraten. Rossettis ständiger Verrat verbesserte die Situation nicht. Lizzie wurde süchtig nach der Opiumtinktur - Laudanum, die legal in jeder Apotheke verkauft wurde. Schließlich heirateten die Liebenden am 23. Mai 1860 dennoch in der kalten, windumtosten Küstenstadt Hastings. Bei der Hochzeit waren keine Verwandten und Freunde anwesend, zufällige Passanten spielten die Rolle von Zeugen, und die Braut war so schwach, dass Rossetti sie auf dem Arm vom Hotel zur Kirche tragen musste.

Die lang ersehnte Hochzeit rettete die Situation nicht: Dante besuchte weiterhin Bordelle, Lizzy besuchte weiterhin Apotheken. Sie nahm sogar während der Schwangerschaft große Dosen Laudanum und brachte 1861 eine tote Tochter zur Welt.

Als Rossetti eines Abends von einem weiteren dubiosen Spaziergang zurückkehrte, fand er seine Frau fest schlafend und laut schnarchend vor. Auf dem Bett fand der Künstler einen Zettel: „Pass auf meinen Bruder auf.“ Trotz aller Bemühungen – ihrer eigenen und der eintreffenden Ärztin – konnte Lizzie nicht geweckt werden. Gabriel vernichtete die Notiz: Selbstmörder sollten keinen Platz auf dem Friedhof haben, und unauslöschliche Schande erwartete ihre Familien.

In den Tagen vor der Beerdigung benahm sich Rossetti wie ein vorbildlicher italienischer Ehemann, der vor Trauer verrückt geworden war. Mitten in seinem Studio stand ein Sarg mit Lizzie, und er verließ ihn stundenlang nicht und bat seine Frau, „zurückzukommen“. Während der Beerdigung schluchzte Rossetti das einzige Notizbuch mit seinen Gedichten in Lizzies Sarg und schwor, keine Verse mehr zu schreiben.

Viele Jahre lang behauptete Gabriel, dass Lizzies Geist ihn jede Nacht besuchte. Das berühmteste Porträt von Lizzy – „Divine Beatrice“ – malte er Jahre nach ihrem Tod. Achten Sie auf den Mohn, den die hilfreiche Taube dem Mädchen bringt. Die Mohnblume symbolisiert nicht nur den Tod – aus ihr wird auch Opium hergestellt, an dem Lizzie starb.

Rossetti beging sieben Jahre nach dem Tod seiner Frau seine ungeheuerlichste Tat. Ihm wurde angeboten, eine Gedichtsammlung zu veröffentlichen. Da erinnerte sich der Künstler daran, wo er das einzige Exemplar des Notizbuchs hingelegt hatte.

Im Schutz der Nacht wurde der Friede von Lizzies Grab gestört. Gabriel hat das Grab nicht selbst ausgehoben, hilfsbereite Menschen haben es für ihn getan. Dann sagten sie, dass die Asche vollständig verwest und der ganze Sarg mit goldenem Haar von göttlicher Schönheit gefüllt war. Rossetti hingegen war froh, dass das Notizbuch mit Gedichten fast unbeschädigt war. Wie er es in einem Brief an einen Freund formulierte, „war die Seite nur an wenigen Stellen von Würmern zerfressen“. Tatsächlich löste sich die Pre-Raphaelite Brotherhood, zumindest ihre erste Zusammensetzung, ziemlich schnell auf. Hunt erholte sich nie von Annie und Rossettis Verrat, und Milles verbrachte immer mehr Zeit mit seiner Familie. Aber die ersten Präraffaeliten hatten Anhänger, die viele Kunsthistoriker eher der zweiten Welle des Präraffaelismus zuschreiben. Rossetti freundete sich besonders mit einem von ihnen an - William Morris, einem Mann mit großem Talent und karikaturistischem Aussehen.

Der mollige, ungeschickte Morris folgte Rossetti auf den Fersen und hörte ihm auf jedes Wort zu. Bei einem ihrer Besuche im Oxford Theatre machten beide auf ein erstaunliches Mädchen aufmerksam. Commoner Jane hatte alle Qualitäten eines Wahnsinns: wunderschönes lockiges braunes Haar, gemeißelte Gesichtszüge und einen langen Hals. Jane heiratete William Morris, der ein beeindruckendes Vermögen erbte, aber Rossetti erlaubte, sich selbst zu bewundern (vielleicht sogar in körperlicher Sinn zu).

Augen wie Knöpfe sahen mich nicht an,
Seine Seiten waren jedoch geschwollen,
Der Tod nahm ihn in Eile mit sich.

Rossettis neue Muse, die Fanny Cornforth aus dem Bordell holte, war für diese ganze Menagerie verantwortlich. Von allen Präraffaeliten-Modellen war Fanny vielleicht das vulgärste. Ihre Erscheinung – runde Formen, pralle Lippen, rotes Haar bis zum Boden – schrie nach unverhüllter Sinnlichkeit, und sie unterdrückte diese Schreie nicht. Fanny, von Rossetti auch der Elefant genannt, diente als Modell für den Heiligen Gral.

Eine weitere Muse Rossettis in der Spätzeit seines Schaffens war die Hutmacherin Alexa Wilding, das einzige Modell des Künstlers, zu dem er keine romantische oder sexuelle Beziehung hatte. Sie können sie auf den Leinwänden „Veronica Veronese“ und „Monna Vanna“ bewundern. Aber in dem Gemälde „Lady Lilith“ (siehe die erste Illustration des Artikels) malte die Künstlerin den Körper von Fanny Cornforth mit dem Gesicht von Alexa Wilding.

Wir hoffen, wir haben Sie dazu inspiriert, Ihre Filzstifte abzustauben und etwas Großartiges zu zeichnen (z. B. einen Panzer). Wenn Sie sich eine doppelte Dosis Inspiration holen möchten, besuchen Sie das Puschkin-Museum in Moskau für eine Ausstellung von Präraffaeliten. Sie können entweder, wie Dickens, ihre Werke schelten oder, wie Ruskin, umgekehrt.

1. Oktober 2014, 21:15 Uhr

Wer sind die Präraffaeliten? Diese Typen waren englische Künstler. 1848 gründeten mehrere Künstler, die an den Schulen der Royal Academy of Arts studierten, die Pre-Raphaelite Brotherhood, deren Hauptgelübde darin bestand, die materielle Welt mit äußerster Sicherheit darzustellen. Vor ihnen befand sich die British Art School, die der Welt viele große Maler bescherte, in einer gewissen Stagnation – zeremonielle Porträtmalerei, alltägliche Sentimentalität, oberflächliche Landschaftsmalerei – das ist alles, womit England Mitte des 19. Jahrhunderts aufwarten kann. Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt und John Everett Millais beschlossen, der Welt eine neue Kunst zu geben, und widersetzten sich den scheinbar unveränderlichen Kanons der Malerei.

Präraffaeliten-Bruderschaft

Selbstporträt von William Holman Hunt

Dante Gabriel Rossetti

John Everett Millais Selbstportrait

Sie wählten den Begriff „Präraffaeliten“, um die Opposition zum Stil des italienischen Hochrenaissance-Künstlers Raphael Santi zu betonen und das Interesse an Kreativität auszudrücken. Italienische Meister Proto-Renaissance und XV Jahrhundert. In dieser Zeit wurden sie von "naiver Unschuld" sowie wahrer Spiritualität und tiefem religiösem Gefühl angezogen. Romantiker im Wesen, die Präraffaeliten entdeckten auch die Bilderwelt des Mittelalters Englische Literatur die für sie zu einer ständigen Inspirationsquelle geworden ist. Das Wort „Bruderschaft“ vermittelte die Idee einer geschlossenen, geheimen Gesellschaft, ähnlich mittelalterlichen Mönchsorden.

Alle Mitglieder der "Bruderschaft" wandten sich der Kunst der Gotik zu, wo statt des üblichen Hell-Dunkels ein Spiel von Farbflächen herrschte. Mit leuchtenden Farben stellten sie die Natur realistisch dar, ohne sich jedoch sklavisch an die Regeln der klassischen Komposition zu halten. Ihre Dargestellten – gewöhnliche Menschen – schrieben sie mit peinlicher Genauigkeit und stellten sie in ein natürliches Gefolge. Um nicht im Geringsten gegen die Natur zu versündigen, erreichten die Präraffaeliten absolute Genauigkeit in jedem Detail, wofür sie sich entschieden, die Natur nur unter freiem Himmel, also unter freiem Himmel, zu malen. Allein dies war ein revolutionärer Fortschritt, denn vor ihnen arbeiteten Künstler nur im Atelier.

Künstler glaubten, dass es unmöglich sei, Fremde darzustellen, also wählten sie immer Freunde oder Verwandte als Modelle.

John Everett Millais „Ophelia“ (1851 - 1852)

Der Film basiert auf einer Handlung aus Shakespeares Theaterstück Hamlet. Millet schuf eine Landschaft am Fluss und verbrachte 11 Stunden am Tag an der Staffelei. Ein solches Engagement für die Arbeit erklärt sich aus den Ansichten von Millet, der sich für die Etablierung der Prinzipien des Präraffaelitentums in der Kunst einsetzte. Eine der zentralen Ideen war, dass die Natur so authentisch wie möglich dargestellt werden sollte, sodass auch die Blumen auf dem Bild mit botanischer Genauigkeit gemalt wurden. Der Künstler malte das Bild der Ophelia in seinem Atelier, nachdem er die für die damalige Zeit ungewöhnliche Landschaft geschaffen hatte. Landschaften wurden als weniger wichtiger Teil des Bildes betrachtet, also wurden sie für später aufgehoben. Das Modell war die neunzehnjährige Elizabeth Siddal, die Millais zwang, mehrere Stunden in einem Vollbad zu liegen. Trotz der Tatsache, dass das Bad mit Lampen beheizt wurde, war es Winter, und Siddal bekam eine schwere Erkältung. Ihr Vater drohte dem Künstler mit einer Klage, wenn er die medizinischen Leistungen nicht bezahle, und Millet erhielt später eine Rechnung der Ärzte.

Die Arbeit der Präraffaeliten war eng mit der Literatur verbunden: mit den Werken des italienischen Renaissance-Dichters Dante Alighieri, den englischen Dichtern William Shakespeare und John Milton, längst vergessenen mittelalterlichen Legenden und Balladen mit der edlen Verehrung einer schönen Dame, der selbstloser Mut der Ritter und die Weisheit der Zauberer.

John Everett Millais „Brautjungfer“ (1851)

John Everett Millais „Marianne“ (1851)

John Everett Millais „Erinnerungen an Velasquez“ (1842)

Diese Themen wurden in Dante Gabriel Rossetti (benannt nach Dante Alighieri) auf subtilste und eigentümlichste Weise verkörpert.

Dante Gabriel Rossetti „Geliebte“ (1865-1866)

Alle Präraffaeliten begannen auf weißem Grund zu schreiben und erhielten reine transparente Farben. Diese Methode ähnelte in vielerlei Hinsicht der Technik der Freskenmalerei. Zuerst wurde weiße Farbe auf die Leinwand aufgetragen und gründlich getrocknet. Darauf malte der Künstler mit Tusche die Umrisse der Zeichnung. Auf die Skizze wurde eine dünne Schicht Weiß aufgetragen, fast ohne Öl, und erst dann - eine Farbschicht unter gewissenhafter Einhaltung der Konturen der Zeichnung. All dies erforderte eine außergewöhnliche Leichtigkeit des Strichs, damit sich die Farben nicht mit dem nassen Untergrund vermischten. Außerdem war es unmöglich, neue Striche über die aufgetragenen Farben aufzutragen, ohne die ursprüngliche Reinheit der Töne zu verlieren (normalerweise in Ölgemälde das Bild wird Stück für Stück gemalt, und es besteht die Möglichkeit, Fehler zu korrigieren). Holman Hunt schrieb diese Methode, und Milles griff oft darauf zurück, aber diese Technik erforderte eine solche Gründlichkeit in der Arbeit, dass selbst der fleißigste Künstler nicht mehr als zwei Gemälde pro Jahr schaffen konnte.

Die gewählte Technik ermöglichte helle, frische Farbtöne und erwies sich als so langlebig, dass ihre Werke bis heute in ihrer ursprünglichen Form erhalten sind.

Dante Gabriel Rossetti „Venus“

Dante Gabriel Rossetti „Lady Lilith“ (1867)

Dante Gabriel Rossetti „Pia von Tolomei“ (1868)

John William Waterhouse ist ein englischer Künstler, dessen Werk dem späteren Stadium des Präraffaelismus zugeschrieben wird. Bekannt für seine weibliche Bilder die aus Mythologie und Literatur entlehnt sind.

Wasserhaus "Boreas" (1903)

Waterhouse „Hylas und die Nymphen“ (1869)

Waterhouse „Die Dame von Schalotte“ (1888)

Wasserhaus "Dornröschen" (1849 - 1917)

Wasserhaus "Ophelia" (1910)

Werke der gleichgesinnten Präraffaeliten-Bruderschaft:

Lawrence Alma-Tadema - war einer der reichsten Künstler des 19. Jahrhunderts. Er hatte einen großen Einfluss auf den Stil des historischen Kinos (großartige Hollywood-Produktionen von Regisseuren).

Lawrence Alma-Tadema "Rosen von Heliogabalus" (1888)

Lawrence Alma-Tadema "Frühling" (1894)

Lawrence Alma-Tadema „Caracalla und Geta“ (1909)

1853 löst sich die Präraffaeliten-Bruderschaft auf. Abgesehen von einem jungen revolutionären romantischen Geist und einer Faszination für das Mittelalter gab es wenig, was diese Menschen verband, und von den frühen Präraffaeliten blieb nur Holman Hunt der Lehre der Bruderschaft treu. Als Millais 1853 Mitglied der Royal Academy of Arts wurde, erklärte Rossetti dieses Ereignis zum Ende der Bruderschaft. „Der Runde Tisch ist jetzt aufgelöst“, schließt Rossetti. Nach und nach gehen die restlichen Mitglieder. Holman Hunt zum Beispiel ging in den Nahen Osten, Rossetti selbst interessierte sich statt für Landschaften oder religiöse Themen für Literatur und schuf viele Werke über Shakespeare und Dante.

Für diejenigen, die sich für die Arbeit der Präraffaeliten interessieren:

Es gibt eine abendfüllende Fernsehserie der BBC (Desperate Romantics 2009) im für den Sender typischen Genre der „historischen Kostümfilme“. Hier gibt es keine Stars in den Hauptrollen. Junge Rebellen werden von jungen Schauspielern gespielt, die in Gehröcken und mit romantischen Haaren charmant aussehen. Die Filmemacher versuchten, keine solide Biografie berühmter Künstler zu filmen, sondern die Lebens- und Liebesgeschichte junger Genies, die von demselben Geist der Fiktion und kreativen Fiktion durchdrungen waren, der ihre eigene Kunst auszeichnete. Sechs Folgen einer einzigen Staffel enthielten ein großes Stück ihres Lebens – von Rossettis Treffen mit dem „Idealmodel“ Elizabeth Siddal bis zur Hochzeit von William Morris mit dem Model Jane Burden. Sowie Männerfreundschaften, der Kampf gegen eine reaktionäre Gesellschaft und neue Entdeckungen in der Malerei.

"Präraffaeliten-Bruderschaft"

1848 entstand in England eine Künstlervereinigung namens Pre-Raphaelite Brotherhood. Es umfasste William Holman Hunt (1827-1910), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Ford Madox Braun(1821-1893) und John Everett Millais(1829-1896). Da die meisten Vertreter der Bruderschaft nicht nur Künstler, sondern auch Dichter und Schriftsteller waren, träumten sie davon, die Kunst des Wortes mit ihr zu verbinden Bildende Kunst. Später schloss sich der Künstler den Präraffaeliten an James Collinson(1825-1881), Bildhauer Thomas Wollner(1825-1892) und Schriftsteller und Kritiker Frederick George Stevens(1829-1907) und William Michael Rossetti (1829-1919).

Sie forderten die Abkehr vom Akademismus in der Kunst und die Rückkehr zur Ästhetik der Frührenaissance - der präraffaelischen Kunst und sogar des Mittelalters. Sie waren von der Spiritualität und dem tiefen religiösen Gefühl angezogen, die den Werken dieser Zeit innewohnten. Deshalb tauchte der Name „Präraffaeliten“ auf. Die Faszination für das Mittelalter führte nicht nur dazu, dass sie viel von der mittelalterlichen englischen Literatur lernten, sondern auch dazu, dass sich die Bruderschaft als geschlossene Gesellschaft, ähnlich einem Mönchsorden, positionierte. Der Ideologe dieser Bewegung war John Russin(1819-1900) - Schriftsteller, Historiker, Kunstkritiker, Philosoph, der die Rückkehr der Schönheit in den Alltag im Gegensatz zur unpersönlichen Maschinenproduktion forderte. Er schätzte die religiösen und symbolischen Motive der Künstler der Bruderschaft und unterstützte sie. Vor allem dank ihm erlangten die Präraffaeliten sehr bald Anerkennung in der breiten Öffentlichkeit.

Die Präraffaeliten gaben viele Prinzipien der akademischen Kunst auf. Insbesondere arbeiteten sie nach der Natur, und nur ihnen nahestehende Personen wurden als Modelle ausgewählt. Auch ihre Maltechnik verändert sich. Auf eine grundierte Leinwand trugen sie eine weiße Schicht auf, markierten die Komposition und überschrieben das Weiß mit durchscheinenden Farben, wobei nur reine Farben verwendet wurden. Dadurch erzielten sie helle, frische Farbtöne, die sich bis heute in ihren Gemälden erhalten haben. Aber gleichzeitig haben sie die Gesetze der Luftperspektive nicht berücksichtigt, sie haben das Freie vernachlässigt.

Die Bruderschaft brachte sehr unterschiedliche Künstler und Dichter zusammen. Und obwohl sie gemeinsame Ideen hatten, hatte jeder Autor seine eigene Verkörperung davon. So war Millet in der Lage, die scheinbare Gewöhnlichkeit seiner Motive mit tiefer Symbolik zu verbinden (Christ in the House of His Parents, 1850). Seine Bilder zeichnen sich durch die Genauigkeit und Wahrhaftigkeit des Bildes aus. Um seine "Ophelia" (1852) zu schreiben, die den schwimmenden Körper der ertrunkenen Ophelia darstellt, zwang er das Modell, in einem Brokatkleid in einem Wasserbad zu posieren.

Hunts Gemälde können durchaus als Parabeln bezeichnet werden, so oft sind Allegorien und Symbole darin („Scapegoat“, „Light of the World“ und „Lady of Shallot“).

Eine der vielseitigsten Figuren war Dante Rossetti. Mystik und Erotik verflochten sich in seinem Werk. Er ist berühmt für seine grafischen Illustrationen zu den Werken von Tennyson und Skizzen zu Dantes Göttlicher Komödie. Er malte auch Bilder nach Szenen aus dem Leben Christi und der Jungfrau Maria, die jedoch dem Publikum nicht gefielen. Er besitzt auch mehrere Aquarelle, darunter „Die Hochzeit von St. George und Prinzessin Sabra“.

Die erste Phase der präraffaelitischen Geschichte endete 1853, nachdem Millais, Woolner und Hunt die Bruderschaft verlassen hatten. Eine neue Etappe begann mit der Bekanntschaft mit Dante Rossetti William Morris(1834-1896) und Edward Burne-Jones(1833-1898), damals noch Studenten in Oxford. 1857 bemalten Rossetti und andere Künstler die Wände eines der neuen Gebäude in Oxford mit Szenen aus Thomas Mallorys Le Morte d'Arthur.

Unter dem Einfluss dieser Arbeit malte Morris (der ein mittelmäßiger Künstler war, aber gleichzeitig einer der Begründer des Designs, sowie ein utopischer Schriftsteller) das Gemälde „Queen Guinevere“, in dem er sein Schönheitsideal darstellte (seine spätere Frau Jane Burden fungierte als Modell), das später zum Schönheitsideal der Neuzeit wurde. 1859 heiratete er Jane Burden (die auch Rossetis Muse war) und sie bauten sich das "Rote Haus". Dieses in seiner Philosophie mittelalterliche Haus unterschied sich stilistisch deutlich von der opulenten viktorianischen Pseudogotik, die damals sehr beliebt war. In diesem Haus ist alles ganz einfach und praktisch.

1861 gründete Morris die Firma "Morris and Co.", die sich mit jeglicher Art von Design beschäftigte. Durch Design und Kunst versuchte er, die Gesellschaft zu verändern. Dem kommenden Fortschritt, der Industrialisierung, die, wie es ihm schien, den Menschen auf das Niveau einer Maschine nivellieren wollte, nicht begegnen wollte, versuchte Morris in die Vergangenheit zu entkommen und die Menschen mitzunehmen. Er predigte den Wert ehrlicher, kreativer Handarbeit gegenüber Fabrikarbeit, er wollte die Menschen aus Fabriken befreien. Die Meister der Firma Morris produzierten Möbel, Buntglasfenster, Stoffe, Tapeten, Bücher, ganze Inneneinrichtungen. Leicht erkennbar "Morris-Stil" beliebt in England und heute, kombiniert den Einfluss mittelalterlicher und orientalischer Kunst und Kunsthandwerk.

1891 gründete Morris die Kelmscott Press, die einen großen Einfluss auf die Wiederbelebung des High-End-Drucks hatte.

In den 1870er Jahren, nach Rossettis Krankheit, wurde die Bruderschaft von Burne-Jones, dem Autor des Aquarells Sidonia von Bork, geleitet. Klosterhexe“, Gemälde „Spiegel der Venus“ und Gemälde über König Artus. Nach dem Tod von Burne-Jones endete die Geschichte der Präraffaeliten.

R. Fenton. Innenraum der Tintern Abbey, Ende der 1850er Jahre

1848 entstand in Großbritannien die Pre-Raphaelite Brotherhood – eine Vereinigung von Künstlern, die von William Hunt, Dante Gabriel Rossetti und John Milles gegründet wurde. Junge Maler waren gegen das akademische Bildungssystem und den konservativen Geschmack der viktorianischen Gesellschaft.

Die Präraffaeliten wurden von der Malerei der italienischen Proto-Renaissance und des 15. Jahrhunderts inspiriert, daher der Name „Präraffaeliten“ – wörtlich „vor Raffael“ (italienischer Hochrenaissance-Künstler Rafael Santi).

Frederick Scott Archers Erfindung des Nasskolloidverfahrens, das die Kalotypie ersetzte, fiel mit dem Aufstieg der Präraffaeliten-Bruderschaft zusammen. Mitglieder der Burschenschaft begrüßten begeistert das Aufkommen einer neuen Methode. Zu einer Zeit, als die meisten Künstler die verblüffende Genauigkeit des fotografischen Bildes als Nachteil empfanden, bewunderten die Präraffaeliten, die selbst nach akribischer Detailwiedergabe in der Malerei strebten, diesen besonderen Aspekt der Fotografie. Ein Kunstkritiker, der die Ideen der Präraffaeliten unterstützte, John Ruskin, sprach von den ersten Daguerreotypien, die er in Venedig kaufte, als „kleine Schätze“: „Als ob ein Zauberer ein reales Objekt (San Marco oder Canal Grande) so verkleinert hätte, dass er könnte es mit in ein verzaubertes Land nehmen.

Die Präraffaeliten verwendeten, wie viele Künstler dieser Zeit, Fotografien als vorbereitende Phase für die Erstellung von Gemälden. Gabriel Rossetti machte eine Reihe von Fotografien von Jane Morris, die das Material für die zukünftigen Leinwände des Künstlers wurden. Rossetti und William Morris malten und fotografierten diese Frau viele Male und fanden in ihr die Züge der romantischen mittelalterlichen Schönheit, die sie so bewunderten.

Einige Jahre nach der Gründung der Präraffaeliten-Bruderschaft in England entstand die Bewegung „Für hochkünstlerische Fotografie“. Die Organisatoren dieser Bewegung waren die Maler Oscar Gustav Reilander (1813–1875) und Henry Peach Robinson (1830–1901), die eng mit den Präraffaeliten verbunden waren und ihre Ideen teilten. Reilander und Robinson ließen sich wie die Präraffaeliten von der Bilderwelt der mittelalterlichen englischen Literatur inspirieren, von den Werken der englischen Dichter William Shakespeare und John Milton. 1858 schuf Robinson eine seiner besten Fotografien, The Lady of Shalott, deren Komposition dem Präraffaeliten-Gemälde Ophelia von D. Milles nahe kommt. Als Anhänger der Fotomontage druckte Robinson ein Bild von zwei Negativen: Auf einem Negativ nahm der Autor ein Modell in einem Boot auf, auf dem anderen hielt er eine Landschaft fest.

Mitglieder der Bewegung „Für hochkünstlerische Fotografie“ interpretierten das Bild als Bild, in voller Übereinstimmung mit den Normen der akademischen Malerei. In seinem Buch Pictorial Effect in Photography (1869) bezog sich Robinson auf die Regeln der Komposition, Harmonie und Ausgewogenheit, die notwendig sind, um einen „malerischen Effekt“ zu erzielen: mit Farbe und Bleistift.

Oscar Gustaf Reilander wurde in Schweden geboren, studierte Malerei in Italien und zog 1841 nach England. Reilander begann sich in den 1850er Jahren für Fotografie zu interessieren. Ruhm brachte ihm die allegorische Komposition „Two Ways of Life“, die 1857 auf der Exhibition of Art Treasures in Manchester ausgestellt wurde. Das Foto wurde in Fotomontagetechnik hergestellt, und Reilander benötigte dafür 30 (!) Negative. Aber der Mangel an öffentlicher Anerkennung veranlasste ihn, seine mühsame Technik aufzugeben und sich der Porträtfotografie zuzuwenden. Im Gegensatz zu seinen allegorischen Kompositionen sind Rejlanders Porträts technisch perfekter. Miss Manders Porträt ist eines der schönsten von Reilander.

Der Maler Roger Fenton (1819–1869) hatte die höchste Meinung von der Fotografie und gründete 1853 sogar eine fotografische Gesellschaft. Seine frühen fotografischen Serien mit Ansichten Russlands, Porträts der königlichen Familie und Berichten aus dem Krimkrieg brachten ihm internationale Anerkennung. Fentons Herangehensweise an die Landschaft ist mit den Präraffaeliten und ihrer Vision verbunden: eine hohe Horizontlinie, das Fehlen romantischer Mittel wie Dunst, Nebel usw. Fenton versuchte wie die Präraffaeliten, sein technisches Können zu betonen und sang die greifbare Realität der Landschaft. Der Meister teilte auch das Interesse der Präraffaeliten an Frauen in exotischer Kleidung, die in den „Nubian Water Carriers“ oder „Egyptian Dancing Girls“ zu sehen sind.

Besonders hervorzuheben sind die Kinderfotografien von Lewis Carroll (1832–1898). Carroll (richtiger Name Charles Lutwidge Dodgson), Autor von Alice im Wunderland und Through the Looking Glass, Professor für Mathematik an der Universität Oxford, war auch ein begabter Amateurfotograf. Lichtmalerei war für Carroll nicht nur ein Zeitvertreib, sondern eine große Leidenschaft, der er viel Zeit opferte und der er mehrere kleine Werke und sogar das Gedicht „Hiawatha the Photographer“ (1857) widmete:

Auf Hiawathas Schulter - Eine Kiste aus Rosenholz: Das Gerät ist zusammenklappbar, Aus Brettern und Glas, Geschickt mit Schrauben befestigt, Um in eine Truhe zu passen. Hiawatha klettert in den Sarg Und öffnet die Scharniere, Verwandelt den kleinen Sarg in eine schlaue Figur Wie aus den Büchern von Euklid. Stellt es auf ein Stativ und klettert unter den schwarzen Baldachin. Hockend winkt er mit der Hand: - Nun! Einfrieren! Ich bitte Sie! Eine sehr merkwürdige Tätigkeit.

25 Jahre widmete sich der Schriftsteller dem „seltsamen“ Beruf, in dem er wunderbare Kinderportraits schuf und sich als feiner Kenner der Kinderpsychologie zeigte. Wie die Präraffaeliten, die auf der Suche nach Ideal und Schönheit immer weiter in die Welt ihrer Fantasie vordrangen, suchte Carroll nach seiner fabelhaften Alice im fotografischen Spiegel. Mrs. Julia Margaret Cameron (1815–1878) wandte sich Mitte der 1860er Jahre der Fotografie zu, als ihre Tochter ihr eine Kamera schenkte. „Ich sehnte mich danach, all die Schönheit einzufangen, die vor mir vorbeizog“, schrieb Cameron, „und schließlich wurde mein Wunsch erfüllt.“

In den Jahren 1874–75 illustrierte Cameron auf Wunsch ihrer Freundin Tennyson einige seiner Gedichte und Gedichte. Die Komposition des Fotos "The Parting of Lancelot and Guinevere" kommt der Komposition der Gemälde von D. G. Rossetti nahe, aber Cameron hat nicht die Genauigkeit bei der Vermittlung von Details, die den Präraffaeliten eigen ist. Durch die Aufweichung des optischen Musters erreicht Cameron eine größere Poesie in seinen Werken.

Die Arbeit der Präraffaeliten und Fotografen war sehr eng miteinander verbunden. Und der Einfluss war nicht einseitig. Julia Cameron, die auf eine präzise Fokussierung verzichtete, schuf großartige fotografische Studien. Rossetti, der ihre Arbeit sehr schätzte, änderte seinen Schreibstil und strebte in der Folge nach einer größeren künstlerischen Verallgemeinerung. Gabriel Rossetti und John Milles verwendeten Fotografien, um ihre Gemälde zu erstellen, und die Fotografen wandten sich wiederum Themen zu, die von den Präraffaeliten entwickelt wurden. Fotoporträts von L. Carroll, D. M. Cameron und O. G. Reilander vermitteln weniger den Charakter als die Stimmungen und Träume ihrer Modelle – was typisch für den Präraffaelismus ist. Die Herangehensweise an die Darstellung der Natur war dieselbe: Die frühen Landschaften der Präraffaeliten und die Landschaften von Fotografen wie beispielsweise Roger Fenton sind äußerst genau und detailliert.