Lexikon des Künstlers - k. Didaktisches Material "Wörterbuch der Begriffe in der Kunst" Bild im Bild

1) Ein Staffelei-Gemälde mit eigenständige Bedeutung. Im Gegensatz zu einer Studie und einer Skizze ist ein Gemälde ein vollständiges Werk, das Ergebnis einer langen Arbeit, eine Verallgemeinerung von Beobachtungen und Reflexionen über das Leben. Bilder gibt es in verschiedenen Genres. Das Bild verkörpert die Tiefe der Absicht und des figurativen Inhalts. Im Gegensatz zu einem Fresko oder einer Buchminiatur ist ein Gemälde nicht unbedingt mit einem bestimmten Interieur oder einem bestimmten Dekorationssystem verbunden.

Bei der Erstellung eines Bildes verlässt sich der Künstler auf die Natur, aber kreative Vorstellungskraft spielt in diesem Prozess eine wichtige Rolle. Das Konzept eines Gemäldes wird hauptsächlich auf Werke mit Plot-Thema angewendet, deren Grundlage das Bild wichtiger historischer, mythologischer oder sozialer Ereignisse, menschlicher Handlungen, Gedanken und Emotionen in komplexen Kompositionen mit mehreren Figuren ist. Daher spielt das Bild in der Entwicklung der Malerei eine führende Rolle.

Das Gemälde besteht aus einem Untergrund (Leinwand, Holz- oder Metallplatte, Sperrholz, Pappe, Pressplatte, Kunststoff, Papier, Seide usw.), auf dem eine Grundierung und eine Farbschicht aufgetragen werden. Die ästhetische Wahrnehmung eines Gemäldes wird stark verbessert, wenn es in einen geeigneten Rahmen (Baguette) gesetzt wird, der das Gemälde von der umgebenden Welt trennt. Die orientalische Malweise behält die traditionelle Form einer frei hängenden, entfalteten Schriftrolle (horizontal oder vertikal) bei. Das Bild, im Gegensatz monumentale Malerei, ist nicht fest mit einem bestimmten Interieur verbunden. Es kann von der Wand abgenommen und anders aufgehängt werden.

Die Höhen der Kunst wurden in den Gemälden herausragender Maler erreicht. In den diversen Strömungen der Moderne kommt es zu einem Handlungsverlust und einer Absage an die Gegenständlichkeit, wodurch der Bildbegriff deutlich revidiert wird. Ein immer breiteres Spektrum an Bildwerken des 20. Jahrhunderts. Bilder genannt. Die Malerei ist eine der typischsten Arten der Staffeleikunst. Johann Wolfgang Goethe schrieb: „Bilder sind nicht nur eine bemalte Leinwand, sie berühren Gefühle und Gedanken, hinterlassen Spuren in der Seele, wecken Vorahnungen.“

Eine Reproduktion oder Kopie eines Originalgemäldes kann auch als Gemälde bezeichnet werden, wenn es im jeweiligen Zusammenhang nicht darauf ankommt, ob es sich um eine Kopie oder ein Originalwerk handelt. Zum Beispiel: „Im Korridor hingen mehrere Gemälde.“

2) Im übertragenen oder allgemeineren Sinne - jedes vollständige, integrale Kunstwerk, einschließlich - einer lebendigen und anschaulichen Beschreibung, mündlich oder schriftlich, einer schönen Naturansicht.

3) In einem musikalischen und theatralischen Werk - ein Teil des Aktes, der nicht durch eine Pause, sondern durch eine kurze Pause getrennt ist, während der der Vorhang kurz fällt.

4) In der Musik - die Bezeichnung instrumental-symphonischer Werke, die sich durch besondere Konkretheit auszeichnen, Visualisierung musikalischer Bilder; manchmal gehören solche Werke zum Genre der Programmmusik.

5) Im Bauwesen ein Dachelement, dessen Kanten für eine Falzverbindung vorbereitet sind. Werden in gefalteten Dächern angewendet. Je nach Technologie wird es manuell oder maschinell hergestellt. Es gibt Gemälde für eine gewöhnliche Beschichtung sowie Gemälde für Gesimsüberhänge, Wandrinnen, Dachrinnen, Täler usw.

Malerei- ein Gemälde, das einen vollständigen Charakter (im Gegensatz zu einer Skizze und Skizze) und einen eigenständigen künstlerischen Wert hat. Es besteht aus einem Untergrund (Leinwand, Holz- oder Metallplatte, Pappe, Papier, Stein, Seide usw.), einer Grundierung und einer Farbschicht. Die Malerei gehört zu den Arten der Staffeleikunst. Bilder gibt es in verschiedenen Genres. Bei der Erstellung eines Bildes verlässt sich der Künstler auf die Natur, aber kreative Vorstellungskraft spielt in diesem Prozess eine wichtige Rolle. Das Ende des 19. Jahrhunderts war in ganz Europa von einem neuen, dynamischen Weltbild geprägt. Der Künstler der Jahrhundertwende musste dem sich ständig verändernden Leben entsprechen: nicht so sehr, um die Welt um ihn herum abzubilden (Fotografie und Kino tun dies jetzt), sondern um seine Individualität, seine ausdrücken zu können Innere, eigene Vision. Der Höhepunkt der Kunst wurde in den Gemälden herausragender Maler erreicht. In den diversen Strömungen der Moderne kommt es zu einem Handlungsverlust und einer Absage an die Gegenständlichkeit, wodurch der Bildbegriff deutlich revidiert wird. Einige Künstler besessen verschiedene Schulen Malerei, entfernt vom Bild der Welt (Menschen, Tiere, Natur), wie wir sie sehen. Auf sie Gemälde Die Welt erscheint deformiert, manchmal völlig unkenntlich, weil Künstler sich mehr von ihrer Vorstellungskraft leiten lassen als von der visuellen Wahrnehmung der Phänomene um uns herum.

Die Malerei spielt eine wichtige Rolle in der Entwicklung der Malerei.

Eine Reproduktion kann auch als Gemälde bezeichnet werden, wenn es im jeweiligen Kontext keine Rolle spielt, ob es sich um eine Kopie oder ein Originalwerk handelt.

Ein Bild im übertragenen oder allgemeineren Sinne ist jedes vollständige, integrale Kunstwerk, einschließlich einer lebendigen und anschaulichen mündlichen oder schriftlichen Beschreibung einer Naturansicht.

Malerei ist die Kunst der Fläche und einer Sichtweise, wo Raum und Volumen nur in der Illusion existieren. Die Malerei ist dank der Komplexität der visuellen Mittel in der Lage, auf einer Ebene eine solche Tiefe des Illusionsraums und eine Mehrdimensionalität der künstlerischen Realität zu schaffen, die anderen Darstellungsmethoden nicht unterworfen ist. Jedes Bild erfüllt zwei Funktionen - malerisch und expressiv-dekorativ. Die Sprache des Malers ist nur dem recht verständlich, der sich der dekorativ-rhythmischen Funktionen der Bildfläche bewusst ist.

An der ästhetischen Wahrnehmung müssen alle Funktionen des Bildes (sowohl dekorative, flächige als auch malerische, räumliche) gleichzeitig teilnehmen. Ein Bild richtig wahrzunehmen und zu verstehen bedeutet, Oberfläche und Tiefe und Muster und Rhythmus und Bild gleichzeitig und untrennbar zu sehen.

Die ästhetische Wahrnehmung eines Gemäldes wird stark verbessert, wenn es in einen geeigneten Rahmen gestellt wird, der das Gemälde von der umgebenden Welt trennt. Die orientalische Malweise behält die traditionelle Form einer frei hängenden, entfalteten Schriftrolle (horizontal oder vertikal) bei. Das Bild ist, anders als die Monumentalmalerei, nicht fest mit einem bestimmten Interieur verbunden. Es kann von der Wand abgenommen und anders aufgehängt werden.

Die Tiefe des Illusionsraums der Malerei

Professor Richard Gregory beschrieb die "seltsamen Eigenschaften von Gemälden": "Gemälde sind eine einzigartige Klasse von Objekten, weil sie sowohl an sich sichtbar sind als auch als etwas ganz anderes als nur ein Blatt Papier, auf dem sie gezeichnet sind. Die Bilder sind paradox. Kein Objekt kann gleichzeitig an zwei Orten sein; kein Objekt kann gleichzeitig zweidimensional und dreidimensional sein. Und so sehen wir Bilder. Das Bild hat eine sehr bestimmte Größe und zeigt gleichzeitig die wahre Größe eines menschlichen Gesichts, Gebäudes oder Schiffes. Bilder sind unmögliche Objekte.

Die Fähigkeit eines Menschen, auf abwesende, in Bildern dargestellte, imaginäre Situationen zu reagieren, ist eine wichtige Stufe in der Entwicklung des abstrakten Denkens.

Wie Gemälde entstehen

Das Bild ist Spirituelle Welt der künstler, seine erfahrungen und gefühle auf leinwand oder papier ausgedrückt. Es ist schwierig zu erklären, wie Gemälde entstehen - es ist besser, es selbst zu sehen. Es ist unmöglich in Worte zu fassen, wie der Künstler über die Leinwand malt, mit welchem ​​Pinsel er die Leinwand berührt, welche Farben er auswählt. Während der Arbeit wird alles eins: der Künstler, der Pinsel und die Leinwand. Und schon nach dem ersten Pinselstrich in der Werkstatt beginnt der besondere Zauber der Malerei zu wirken.

Bilder sind nicht nur eine bemalte Leinwand, sie berühren Gefühle und Gedanken, hinterlassen Spuren in der Seele, wecken Vorahnungen.

Wie entsteht ein Gemälde?

Es scheint, Farben, Pinsel, auf Leinwand. Es mag eine andere universelle Antwort geben: auf unterschiedliche Weise.

Die Methoden der Bildbearbeitung haben sich im Laufe der Kunstgeschichte ständig verändert. Die Künstler der italienischen Renaissance arbeiteten ganz anders als Rembrandt oder die „kleinen Holländer“ des 17. Jahrhunderts, die Romantiker arbeiteten anders als die Impressionisten, Abstraktionisten, zeitgenössische realistische Künstler. Ja, und innerhalb der gleichen Ära und sogar in einer Richtung gibt es eine große Vielfalt.

Realistische Künstler der Vergangenheit und Gegenwart (wenn wir Realismus im weitesten Sinne des Wortes verstehen) verbindet Folgendes:

Die Schaffung eines vollwertigen Werks, in diesem Fall eines Gemäldes, Porträts oder einer Landschaft, ist ohne ein tiefes Studium des Lebens und eine aktive Einstellung des Autors dazu unmöglich. Die Mittel der künstlerischen Lebenserkenntnis sind Arbeiten aus der Natur, visuelle Eindrücke, Analyse und Synthese von Lebensphänomenen.

Die Schaffung eines Gemäldes ist ein komplexer, arbeitsintensiver kreativer Prozess, dessen Ergebnisse nicht durch die aufgewendete Zeit bestimmt werden, sondern durch das Maß des Talents, der Fähigkeiten des Künstlers, der Stärke und Wirksamkeit der ursprünglichen figurativen Lösung. Die wichtigsten Meilensteine ​​in diesem Prozess sind die Entstehung und Konkretisierung der Idee, direkte Beobachtungen, Skizzen, Skizzen aus der Natur, das eigentliche Schreiben des Bildes mit der unabdingbaren kreativen, aktiven Verarbeitung von Lebensmaterial.

Und wenn sich ein Betrachter einem Gemälde in einem Museum oder einer Ausstellung nähert, muss er sich vor seinem eigenen Urteil daran erinnern, dass dahinter immer ein lebendiger Mensch steht, ein Künstler, der ein Stück seines Lebens, seines Herzens, seiner Nerven investiert hat , Talent und Geschick in der Arbeit. Man kann sagen, dass das Gemälde ein wahrgewordener Künstlertraum ist.

G. S. OSTROVSKII

Vollständigkeit des Bildes

Im Leben passiert viel zufällig - im Bild darf es keine solchen Unfälle geben, alles darin muss logischerweise abgeschlossen sein. Ab wann gilt ein Gemälde als fertig?

Der später und in unserer Zeit so hoch geschätzte pastose Bildstrich des Virtuosen Rembrandt löste bei Rembrandts Zeitgenossen nur Verwirrung aus und führte zu Spott und Witz auf seine Kosten. Gegenüber seinen Kritikern bestritt Rembrandt die Richtigkeit ihres Verständnisses von der Vollständigkeit eines Gemäldes und stellte ihnen sein eigenes Verständnis davon gegenüber, das er so formulierte: Das Bild sei dann als vollständig zu betrachten, wenn der Künstler alles gesagt habe, was er darin wollte . Um die Fragen, die ihn um die „Unvollständigkeit“ seiner Bilder quälten, nicht zu hören, ließ Rembrandt die naiven Besucher seines Ateliers, die mit großer Neugier auf die bravourösen Striche seiner Malerei blickten und sie damit erschreckten, nicht mehr an sich heran Tatsache, dass man sich den Gemälden nicht zu nahe nähern sollte, da der Geruch ihrer Farben ungesund ist.

Matisse über seine Malerei:

„Ich versuche nur, die Farben auf die Leinwand zu bringen, die mein Gefühl ausdrücken. Das notwendige Verhältnis von Tönen kann mich dazu bringen, die Form der Figur zu verändern oder die Komposition zu verändern. Bis ich dieses Verhältnis in allen Teilen des Bildes erreicht habe, schaue ich dafür und weiterarbeiten, dann kommt der Moment, wo alle Teile ihre endgültigen Proportionen haben, und dann kann ich das Bild nicht mehr anfassen, ohne es noch einmal zu machen.

Etwa seit den Impressionisten sind die Kategorien Zeichnung, Form und Farbe eng miteinander verbunden, zusammengewachsen, scheinen ein kontinuierlicher Prozess zu sein: Zeichnung und Farbe, Modellierung und Komposition, Ton und Linie erscheinen und entwickeln sich wie gleichzeitig. Der Prozess des Malens eines Bildes kann sozusagen endlos fortgesetzt werden, der Moment der Fertigstellung des Werks ist etwas willkürlich: Der Künstler kann es überall auf der Leinwand fortsetzen und neue Striche auf ähnliche, aber darunter liegende, anwenden. Der markanteste und konsequenteste Vertreter dieses Systems ist Cezanne. In Briefen und Gesprächsprotokollen formulierte er immer wieder diese gemischte oder besser gesagt undifferenzierte Malweise. Die Arbeit an einem Gemälde kann jederzeit unterbrochen werden, ohne dass das Werk seinen ästhetischen Wert verliert. Das Bild ist jederzeit fertig.

Die Verbindung des Bildraumes des Bildes mit dem realen Raum

Der Künstler und Kunsttheoretiker V. A. Favorsky betonte im Zuge der Kompositionstheorie, dass ein wahrhaft künstlerisches Werk von Geburt an eine doppelte Existenz hat: als Objekt im umgebenden Raum und als relativ geschlossene Welt mit eigenen räumlich-zeitlichen Beziehungen . In der Malerei wird dieses Ziel durch Harmonisierung erreicht Interne Struktur Gemälde mit Rahmen, in Skulpturen - mit dem umgebenden Raum (ein klassisches Beispiel: eine Statue in einer Nische).

Um den Bildraum mit dem realen Raum, in dem sich der Betrachter befindet, zu verbinden, wird ein Bilderrahmen verwendet. Künstler spielen auch mit mehrfacher „Reproduktion des Rahmens“ im Bild selbst, visuellen Reimen, Wiederholungen von Vertikalen und Horizontalen. Eine der charakteristischen Techniken, mit der Sie das Bild innerhalb der Grenzen eines rechteckigen Formats visuell "stärken" können, ist die "abgeschrägte Ecke". Durch die Trennung von Malerei und Architektur entstand ein bestimmtes Wahrnehmungssystem der Staffeleimalerei. Der Hauptinhalt des Bildes ist der Ausdruck einer ganzheitlichen Raumbetrachtung. Die Komposition verwandelt sich in eine Ausstellung, in der der Betrachter der veränderten Welt der raumzeitlichen Verhältnisse gegenübersteht und sich darin wie in einem Spiegel sieht. So wurde aus dem transparenten Glas der Renaissance ein Spiegel der Klassik und des Barock. Die Kunst der Nachrenaissance-Ära ist gekennzeichnet durch das Spiel mit Reflexionen im Spiegel, die Einführung von Figuren-Vermittlern in die Bildkomposition, Personen, die durch ihre Position, ihren Blick oder ihre Handbewegung auf die Handlung hinweisen, die sich im Bild abspielt Tiefen des Bildes, als würden sie zum Betreten einladen. Neben dem Rahmen erscheint in solchen Kompositionen Proskenium - also vor der Bühne, hinter der Bühne mittlerer Plan, in dem die Hauptaktion ausgeführt wird, und der Hintergrund ist die "Kulisse".

Der Künstler platziert die Hauptfiguren meist in der Mittelebene des Bildes, setzt sie auf eine gedankliche Horizontale wie auf einen Sockel. Die Tiefe der „räumlichen Ebene“ hängt von der Lage dieser horizontalen Bezugslinie ab (planimetrisch gesehen – über oder unter der Unterkante des Bildrahmens). Die Horizontale um ein Vielfaches nach oben verschiebend, schafft der Maler einen bestimmten Bewegungsrhythmus in die Tiefe des imaginären Raums. Dadurch können Sie selbst auf einer kleinen Leinwand einen beliebig langen Raum mit beliebig vielen Figuren und Objekten darstellen. Bei einer solchen Ausstellung muss man den Betrachter gezielt darauf aufmerksam machen, dass manche Objekte näher, andere weiter entfernt sind. Dazu werden „Zeiger“ verwendet: Perspektivische Verkleinerung, Einbringen von großformatigen Landmarken (kleine Personenfiguren im Hintergrund), Überlappung von Plänen, tonaler Kontrast, fallende Schatten einer Lichtquelle innerhalb oder außerhalb des Bildes. Ein weiterer Bezugspunkt für die geistige Bewegung des Betrachters im Bildraum sind die Diagonalen, allen voran die „Eingangsdiagonale“ (meist von links nach rechts).

Bild im Bild

Bild im Bild

Picture in Picture kann in einer speziellen Kompositionsfunktion verwendet werden. Eine ähnliche hierarchische Organisation ergibt sich bei der Darstellung eines Bildes im Bild (sowie Fresken in Wandmalereien etc.).

"Bild im Bild" ist eine Kompositionstechnik, die in der Kunst der klassischen Malerei des 16.-17. Jahrhunderts zu finden ist. Ein Bild im Bild kann mit einer besonderen verborgenen Bedeutung ausgestattet werden.

Die Kompositionstechnik „Bild im Bild“ kann mehrere Aufgaben erfüllen:

• eine Idee ausdrücken
• Erkläre die Handlung
• zu widersetzen oder Harmonie zu schaffen
• ein Detail der Situation sein (Innenraum)

Sehr oft kann das Bild eines Hintergrundes in einem Gemälde als eine Art Bild im Bild verstanden werden, also als eigenständiges Bild, das nach eigenen Gesetzmäßigkeiten aufgebaut ist. Gleichzeitig unterliegt das Bild des Hintergrunds in größerem Maße als das Bild der Figuren auf der Hauptebene rein dekorativen Aufgaben, wir können sagen, dass hier oft nicht die Welt selbst dargestellt wird, sondern die Szenerie dieser Welt, das heißt, nicht das Bild selbst wird dargestellt, sondern das Bild dieses Bildes.

Für die Holländer erweitern eine Landkarte, ein Gobelin, ein Bild, ein offenes Fenster als im Bild enthaltenes Bild die Grenzen der Welt oder dienen dazu, die allegorische Bedeutung der Haupthandlung zu entwickeln. Vermeer, der den Schleier der Werkstatt öffnet, wird zu einem Führer auf drei Ebenen der Realität: dem Raum des Betrachters, dem Raum seiner Werkstatt, dem Raum des Kunstwerks (der Leinwand, die auf der Staffelei steht), und vergleicht diese Metamorphosen in den Ozeanen zu schwimmen, die auf einer geografischen Karte markiert sind, oder über das Land zu fliegen, das auf der Karte markiert ist.

Die Überflutung von Realität – Kunst – Mythos ist auch bei Velazquez zu beobachten, der gerne auf die „Bild im Bild“-Technik zurückgreift, wofür Meninas und Spinners ein Beispiel sein können.

„Bild im Bild“ ist auch in „Venus vor einem Spiegel“ von Velasquez, aber der beschlagene Spiegel spiegelt nur den Schatten der Liebesgöttin.

Gemälde und Rahmen

Jedes vom Künstler geschaffene Bild, mit Ausnahme von alten Felsmalereien, hat einen Rahmen. Die Rahmung ist ein notwendiger und wichtiger Teil der Komposition, sie vervollständigt sie, gibt Einheit. Der Rahmen kann sich auf derselben Ebene wie die Bild- oder Grafikkomposition selbst befinden. Es kann auch gezielt als eine Art Reliefform mit Hilfe von dekorativen, skulpturalen und architektonischen Elementen gestaltet werden. Meistens gibt es rechteckige Rahmen, etwas seltener - rund und oval.

Der Rahmen trägt dazu bei, das Gemälde als etwas Besonderes und Aufmerksamkeitswürdiges von der Umgebung abzuheben, verbindet es aber gleichzeitig mit der Umgebung. Wenn also der Stil des Rahmens mit dem künstlerischen Erscheinungsbild, der Struktur und dem Charakter des Innenraums übereinstimmt, in dem sich das Bild befindet, trägt dies zur Integrität des Ensembles bei. Je nach Farbe, Sättigung mit dekorativen und skulpturalen Details beeinflusst der Rahmen maßgeblich den Gesamteindruck des Bildes. All dies ermöglicht es uns, über die Einheit von Bild und Rahmen zu sprechen, wobei die Rahmung natürlich nicht die Hauptfunktion, sondern eine sehr notwendige Funktion erfüllt.

Die Entwicklung der Staffeleimalerei war komplex. Was für ein heller Meilenstein in seiner Geschichte war der Übergang vom Mittelalter zur Renaissance! Das bedeutendste daran war der Wunsch, sich von der Steifheit und Abstraktion des Ikonenbildes zu lösen, das das Mittelalter beherrschte. Ungefähr im 14. Jahrhundert wird ein Bild geboren modernen Sinn dieses Wort, und mit ihm erscheint der Rahmen, der noch in die Spitze einer gotischen Szenerie gekleidet ist.

Die ersten Rahmen standen dem Gesamtbild nicht vollständig gegenüber und waren nicht von ihm getrennt; die Materialien waren bei beiden ähnlich, bedingte Vergoldung des Hintergrundes z. alte russische Ikone oder das byzantinische bewegte sich zum Rahmen, und das Bild selbst "spritzte" oft darauf. Dann wurden die Grenzen zwischen Bild und Rahmen immer deutlicher erkennbar. Als eine Art Erinnerung an vergangene Jahrhunderte behielt der Rahmen dennoch seine goldene Farbe. Als der goldene Hintergrund, der die Welt des Göttlichen bezeichnete, aus dem Gemälde verschwand, wurde die Vergoldung des Rahmens bedingt wahrgenommen, mit anderen Worten, als ein notwendiges Attribut des Rahmens, das dazu beitrug, das Bild im Raum hervorzuheben. den Blick des Betrachters darauf lenken.

In der Renaissance dominierte die Idee der Malerei als Blick auf die Welt durch ein Fenster, der Rahmen spielte mit seinen Formen sehr deutlich auf die vorherrschende Vorstellung an und reagierte darauf. Diese prächtigen, feierlichen Rahmen wurden nach Zeichnungen von Künstlern in speziellen Werkstätten oder von Assistenten des Künstlers, die in seiner Werkstatt arbeiteten, hergestellt.

In der Renaissance wurde die Malerei immer wieder mit einem Spiegel verglichen, der die Realität widerspiegelt, und der wie ein ornamentaler Spiegelrahmen gestaltete Rahmen betonte diesen Vergleich noch stärker. Dieser Rahmen konnte nicht nur aus Holzlatten und Gips hergestellt werden, sondern auch aus wertvollen Materialien, darunter Silber, Elfenbein, Perlmutt usw. Die Kostbarkeit der Materialien schien der Kostbarkeit des Gemäldes zu entsprechen und sie zu verstärken.

Die alten Meister achteten sehr auf den Rahmen und berücksichtigten seine Wirkung im Arbeitsprozess. Manchmal malten sie sogar einen fertigen Rahmen, wobei sie einen bestimmten Farbton und dekorativen Rhythmus des Rahmens berücksichtigten. Daher kommen die Kompositionen der alten Meister in den Originalrahmen oft sehr gut zur Geltung.

Beobachtungen an den Rahmen alter Meister lassen uns ein weiteres Prinzip feststellen – die Übereinstimmung zwischen Profil und Breite des Rahmens und der Größe des Bildes: So haben beispielsweise niederländische Maler ihre kleinen Gemälde in große Rahmen mit tiefer, schimmernder Profilierung eingesetzt , die den Blick gleichsam ins Zentrum des Bildes führt und ihn von jeglichen Einflüssen der Umgebung abschirmt

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden Stimmen laut, die forderten, den Rahmen als etwas zu Materielles aufzugeben, das die Spiritualität der Kunst "erdet". Verschiedene Avantgarde-Künstler, die solche Aufrufe angenommen hatten, begannen, ihre Werke ohne Rahmen auszustellen. Als Folge dieser Neuerung waren ihre Werke selbst jedoch keine Gemälde mehr im engeren Sinne des Wortes. Dies waren eine Art "Objekte", "Flecken", oft ohne klare Bedeutung.

Zwar gibt es bei der Gestaltung von Rahmen heute nicht mehr den einen Stil, sondern mehr als früher die Übereinstimmung des Rahmens mit dem individuellen Stil des Künstlers.

In letzter Zeit kann man auf Kunstausstellungen feststellen, dass die Trägheit in Bezug auf die Gestaltung von Rahmen (lassen Sie sie sein, aber was nicht so wichtig ist), die sich in der Vergangenheit bei unseren Künstlern manifestiert hat, allmählich überwunden wird. Die Rahmen sind in verschiedenen Farben bemalt, oft werden kleine zusätzliche Bilder und Inschriften darauf angebracht, Bildhauer helfen den Malern - Rahmen mit reichen plastischen Motiven erscheinen.

Bildformat

Es gibt jedoch zwei spezifische Elemente des Bildes, die einen Übergang von der Fläche zum Bild zu schaffen scheinen und gleichzeitig zur Realität des Bildes und seiner Fiktion gehören - das Format und der Rahmen. Es mag den Anschein haben, dass das Format des Bildes nur ein Werkzeug des Künstlers ist, aber kein direkter Ausdruck seines kreativen Konzepts: Schließlich wählt der Künstler nur das Format. Dabei ist die Art des Formats aufs engste mit der gesamten inneren Struktur eines Kunstwerks verbunden und weist oft sogar den richtigen Weg zum Verständnis der Intention des Künstlers. In der Regel wird das Format vor Arbeitsbeginn des Malers gewählt. Es sind jedoch eine Reihe von Künstlern bekannt, die während der Arbeit gerne das Format des Bildes veränderten, indem sie entweder Teile davon abschnitten oder neue hinzufügten (Velasquez tat dies besonders gerne).

Das gebräuchlichste Format für ein Bild ist viereckig, wobei ein reines Quadrat viel seltener ist als ein mehr oder weniger nach oben oder in die Breite verlängertes Viereck. Einige Epochen schätzen das runde Format (Tondo) oder das Oval. Die Wahl des Formats ist nicht zufällig, das Format offenbart meist eine tiefe, organische Verbindung sowohl zum Inhalt des Kunstwerks, zu seiner emotionalen Tonalität, als auch zur Komposition des Bildes, es spiegelt gleichermaßen deutlich das individuelle Temperament des Künstlers wider und der Geschmack einer ganzen Ära. Wir spüren vor jedem Bild den verborgenen kausalen Zusammenhang zwischen dem Format und der Intention des Künstlers, der den Reiz eines wahren Kunstwerks ausmacht. Es gibt Bilder, deren Inhalt so sehr mit der Art des Formats verschmolzen ist, dass die kleinste Verschiebung der Proportionen das stilistische und ideologische Gleichgewicht des Bildes stören sollte.

Das horizontale, längliche Format im Allgemeinen eignet sich sicherlich besser für die narrative Komposition, für die sequentielle Bewegungsentfaltung am Betrachter vorbei. Daher wenden sich episch gestimmte Künstler, die nach aktiver Komposition, nach Aktion streben, gerne diesem Format zu, beispielsweise italienische Maler des 14. und der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts (insbesondere in Freskenkompositionen). Im Gegenteil, ein quadratisches Format oder eines, bei dem die Höhe die Breite etwas überwiegt, gleichsam die Dynamik des Geschehens stoppt und der Komposition den Charakter einer feierlichen Repräsentation verleiht – es war diese Art von Format, die die Meister der Hochrenaissance bevorzugt für ihre Altarbilder ("Sixtinische Madonna"). Mit einem deutlichen Überwiegen der Höhe gegenüber der Breite erhält die Komposition wiederum Dynamik, starke Traktion, aber diesmal nach oben oder unten; Ein so schmales Format gefiel vor allem aristokratischen, dekorativen (Crivelli) oder mystischen (Manieristen, Greco) Künstlern, die bestimmte Emotionen und Stimmungen zu verkörpern suchten.

Unbestritten ist auch die Verbindung des Formats mit dem individuellen Temperament des Künstlers: Die sinnliche, dynamische Fantasie eines Rubens erfordert ein größeres Format als die verhaltene und vergeistigte Fantasie eines Rembrandt. Schließlich ist das Format direkt von der Bildtechnik abhängig. Je breiter, freier der Pinselstrich des Künstlers ist, desto natürlicher ist sein Wunsch nach einem großen Format.

§№5. Räumliche Künste. Malerei.

Fragen wiederholen?

1. Was ist Grafik?
2. Welche Ausdrucksmittel von Grafiken kennen Sie?
3. Was bedeuten die Begriffe:

• Lithografie,
• Holzschnitt,
• drucken,
• Gravur,
• Schiene?

Malerei- eine der ältesten Arten bildende Kunst im Zusammenhang mit der Übertragung visueller Bilder durch Auftragen von Farben auf eine feste oder flexible Unterlage; Erstellen eines Bildes unter Verwendung digitaler Technologie; sowie Kunstwerke, die auf diese Weise hergestellt wurden.

Die Ursprünge der Malerei.

Bilder von Tieren und Menschen, die in der Ära der primitiven Gesellschaft an den Wänden von Höhlen gemacht wurden, haben sich bis in unsere Zeit erhalten. Seitdem sind viele Jahrtausende vergangen, aber die Malerei ist immer ein unveränderlicher Begleiter des geistigen Lebens des Menschen geblieben. In den letzten Jahrhunderten ist es zweifellos die beliebteste aller Arten von bildender Kunst.

Malfunktionen:

• Kognitiv
• ästhetisch
• religiös
• ideologisch
• Sozial und pädagogisch
• emotional

Adrian van Ostade. Atelier des Künstlers. 1663. Dresden.

Arten der Malerei:

Klassifizierung der Malerei nach dem verwendeten Material:

Klassifizierung der Malerei nach Technik:

• A la Prima (Alla Prima)
• Grisaille
• Glasur
• Pointillismus
• Trockener Pinsel
• Sgraffito

Maltechniken sind nahezu unerschöpflich. Alles, was auf etwas Spuren hinterlässt, ist streng genommen Malerei: „Malerei wird von Natur, Zeit und Mensch geschaffen“. Leonardo da Vinci.

Staffelei-Malerei.

Staffelei Malerei - eine Art Malerei, deren Werke eine eigenständige Bedeutung haben und unabhängig von der Umgebung wahrgenommen werden. Buchstäblich - Malerei, erstellt auf der Maschine (Staffelei).

Das Werk der Staffeleimalerei – ein Bild – entsteht auf einer nicht stationären (im Gegensatz zu monumentalen) und nicht zweckdienlichen (im Gegensatz zu dekorativen) Basis (Leinwand, Karton, Pappe, Papier, Seide) und impliziert ein eigenständiges und nicht durch die Umgebungswahrnehmung bedingt.

Monumentale und dekorative Malerei.

monumentale Malerei - Malen auf architektonischen Strukturen und anderen stationären Untergründen.

Die Monumentalmalerei ist die älteste Art der Malerei, bekannt aus der Altsteinzeit (Gemälde in den Höhlen von Altamira, Lasko usw.). Dank der Stationarität und Langlebigkeit von Werken der Monumentalmalerei sind zahlreiche Beispiele davon aus fast allen Kulturen erhalten geblieben, die entwickelte Architektur geschaffen haben, und dienen manchmal als die einzige Art von überlebenden Gemälden dieser Zeit.

Die Haupttechniken der Monumentalmalerei:

• Wandbilder
• Fresko auf nassem Putz
• Fresko a secco
• Wachsmalerei
• Mosaik
• Buntglas

ABER. B. BEI.

A. Vom Allmächtigen gerettet. Malerei auf der Kuppel der Kirche der Verklärung des Erlösers in der Iljina-Straße in Weliki Nowgorod. Theophanes der Grieche. 1378 Jahr. B. Marc Chagall. Gemälde des jüdischen Theaters in Moskau. W. Marc Chagall. Deckengemälde der Pariser Oper.

Miniaturmalerei.

Miniatur(von lat. minium - rote Farben zur Gestaltung handgeschriebener Bücher) - in der bildenden Kunst, kleinformatigen Malerei, Skulptur und Grafik sowie der Kunst ihrer Entstehung.

Miniaturmalerei auch im Osten verbreitet. In Indien verbreitete sich während des Mogulreichs die Rajasthani-Miniatur. Es war eine Synthese der gemeinsamen Kreativität indischer und persischer Meister.

Genres der Malerei:

• Animalistisch - Bilder von Tieren, Vögeln, Insekten und anderer Fauna.
• Abstrakt - das Bild von nicht objektiven Kompositionen.
• Battle - Bilder von Militäroperationen und Schlachten.
• Haushalt - das Bild alltäglicher Szenen.
• Historisch - das Bild historisch berühmter Personen und Ereignisse.
• Marina - Meereslandschaft.
• Mystisch-phantastisch - Kompositionen mit surrealem Inhalt.
• Stillleben (tote Natur) - ein Bild von Haushaltsgegenständen.
• Porträt - Bilder von Menschen.
• Landschaft - ein Bild von Wildtieren.
• Religiös - Kompositionen religiösen Inhalts.

Praktische Aufgabe:

1. Finden Sie in der Literatur Gemälde, die jedem der aufgeführten Genres entsprechen.
2. Beschreiben Sie diese Arbeiten in Form einer Tabelle:

Genres	Der Name des Gemäldes, Mosaiks, Glasmalerei ...		Zugehörigkeit zur Art der Malerei	Zugehörigkeit zu einem Stil oder einer historischen Epoche.
animalisch
Abstrakt
Schlacht
Inländisch
Historisch
Yachthafen
mystische Fiktion
Stillleben
Porträt
Landschaft
Religiös

Ein Gemälde, ein Gemälde, das einen vollständigen Charakter (im Gegensatz zu einer Skizze und Skizze) und einen eigenständigen künstlerischen Wert hat. Anders als ein Fresko oder eine Buchminiatur ist K. nicht unbedingt mit einem bestimmten Interieur oder ... ... Große sowjetische Enzyklopädie

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Medaillon- Ein Gemälde oder Relief auf einem ovalen oder runden Sockel sowie ein Werk, das von einem ovalen (runden) Rahmen eingerahmt ist ... Wörterbuch des Ikonenmalers

Eine Art der bildenden Kunst, deren Werke mit Farben geschaffen werden, die auf eine harte Oberfläche aufgetragen werden. BEI Kunstwerke geschaffen durch Malerei, Farbe und Zeichnung, Hell-Dunkel, Ausdruckskraft werden verwendet ... ... Enzyklopädie der Kunst

- (auch musikalischer und künstlerischer) Begriff unseres Urheberrechts. Wie die Franzosen propriété littéraire et artistique, spiegelt es eine der Rechtstheorien zu diesem Thema wider. Genauere Begriffe: Englisch. Urheberrecht (Recht ... ... Enzyklopädisches Wörterbuch F. Brockhaus und I.A. Efron

Ein Gemälde, das einen eigenständigen künstlerischen Wert hat und die Eigenschaft der Vollständigkeit hat (im Gegensatz zu einer Studie und einer Skizze). Das Bild ist in der Regel nicht wie ein Fresko oder eine Buchminiatur mit einem bestimmten Interieur verbunden ... ... Enzyklopädie der Kunst

Bücher

• Unterricht in klassischer Malerei. Techniken und Techniken aus dem Kunstworkshop, Juliet Aristide. Über das Buch Dies ist eine Ergänzung zu „Classical Drawing Lessons“ und einem Maltrainingsprogramm in Form eines Buches. Es vermittelt grundlegende Malfähigkeiten und -techniken in einem Format, das zugänglich und bequem ist …
• 5555 Meisterwerke der Weltmalerei (CD), . Eine der größten Sammlungen, die Reproduktionen von Klassikern der Weltkunst auf CD-ROM zusammenbrachte. Die Sammlung umfasst Gemälde vom Mittelalter bis zur ersten Hälfte…

Was ist Malerei?

Malerei ist eine Art der bildenden Kunst, deren Werke durch auf eine Oberfläche aufgetragene Farben entstehen.
"Malen ist nicht nur eine Fantasie. Es ist Arbeit, Arbeit, die gewissenhaft erledigt werden muss, wie es jeder gewissenhafte Arbeiter tut", argumentierte Renoir.

Malen ist ein erstaunliches Wunder, alle verfügbaren Kunstmaterialien in eine Vielzahl sichtbarer Bilder der Realität zu verwandeln. Die Beherrschung der Malkunst bedeutet, reale Objekte jeder Form, Farbe und jedes Materials in jedem Raum darstellen zu können.
Die Malerei hat wie alle anderen Kunstformen eine besondere künstlerische Sprache, durch die der Künstler die Welt widerspiegelt. Aber indem er sein Verständnis der Welt zum Ausdruck bringt, verkörpert der Künstler gleichzeitig seine Gedanken und Gefühle, Bestrebungen und ästhetischen Ideale in seinen Werken, bewertet die Phänomene des Lebens und erklärt ihr Wesen und ihre Bedeutung auf seine eigene Weise.
In Kunstwerken verschiedener Genres der bildenden Kunst, die von Malern geschaffen wurden, werden Zeichnung, Farbe, Hell-Dunkel, Ausdruckskraft von Strichen, Textur und Komposition verwendet. Dadurch können Sie den Farbenreichtum der Welt, das Volumen der Objekte, ihre qualitative materielle Originalität, räumliche Tiefe und Licht-Luft-Umgebung im Flugzeug reproduzieren.
Die Welt der Malerei ist reich und komplex, ihre Schätze wurden von der Menschheit über viele Jahrtausende angehäuft. Die ältesten Gemälde wurden von Wissenschaftlern an den Wänden von Höhlen entdeckt, in denen primitive Menschen lebten. Mit erstaunlicher Genauigkeit und Schärfe stellten die ersten Künstler Jagdszenen und Tiergewohnheiten dar. So entstand die Kunst der Darstellung von Wandfarben, die charakteristische Merkmale der Monumentalmalerei aufwiesen.
Es gibt zwei Hauptarten der Monumentalmalerei - Fresko und Mosaik.
Fresko ist eine Maltechnik mit mit reinem oder kalkhaltigem Wasser verdünnten Farben auf frischem, feuchtem Putz.
Mosaik - ein Bild aus homogenen oder unterschiedlichen Materialpartikeln aus Stein, Smalt, Keramikfliesen, die in einer Erdschicht - Kalk oder Zement - befestigt sind.
Fresko und Mosaik sind die Hauptarten der Monumentalkunst, die aufgrund ihrer Haltbarkeit und Farbechtheit zur Dekoration von architektonischen Volumen und Flächen (Wandmalerei, Plafonds, Tafeln) verwendet werden.
Staffeleimalerei (Bild) hat einen eigenständigen Charakter und Bedeutung. Die Breite und Vollständigkeit der Berichterstattung über das wirkliche Leben spiegelt sich in der Vielfalt der Typen und Genres wider, die der Staffeleimalerei innewohnen: Porträt-, Landschafts-, Stillleben-, Haushalts-, historische, Kampfgenres.
Im Gegensatz zur monumentalen Staffeleimalerei ist sie nicht mit der Wandebene verbunden und kann frei ausgestellt werden.
Die ideologische und künstlerische Bedeutung von Werken der Staffeleikunst ändert sich nicht je nach Ort, an dem sie sich befinden, obwohl ihr künstlerischer Klang von den Bedingungen der Exposition abhängt.
Neben den genannten Arten der Malerei gibt es eine dekorative - Skizzen von Theaterdekorationen, Kulissen und Kostümen für das Kino sowie Miniaturen und Ikonographie.
Um ein Miniatur- oder Monumentalkunstwerk (zum Beispiel ein Wandgemälde) zu schaffen, muss der Künstler nicht nur das konstruktive Wesen von Objekten, ihr Volumen, ihre Materialität, sondern auch die Regeln und Gesetze der bildlichen Darstellung der Natur kennen, die Harmonie von Farbe, Farbe.

Bei einer bildlichen Darstellung aus der Natur muss nicht nur die Vielfalt der Farben berücksichtigt werden, sondern auch ihre Einheit, bestimmt durch die Stärke und Farbe der Lichtquelle. Es sollte kein Farbfleck in das Bild eingebracht werden, ohne es mit dem Gesamtfarbzustand in Einklang zu bringen. Die Farbe jedes Objekts, sowohl im Licht als auch im Schatten, sollte sich auf das Farbganze beziehen. Wenn die Farben des Bildes nicht den Einfluss der Beleuchtungsfarbe vermitteln, unterliegen sie keinem einzigen Farbbereich. In einem solchen Bild wird jede Farbe als etwas Außergewöhnliches und Fremdes für einen bestimmten Beleuchtungszustand hervortreten; es erscheint zufällig und zerstört die Farbintegrität des Bildes.
Somit ist die natürliche Farbeinheit der Farben durch die allgemeine Beleuchtungsfarbe die Grundlage für die Schaffung einer harmonischen Farbgebung des Bildes.
Farbe ist eines der ausdrucksstärksten Mittel der Malerei. Der Künstler vermittelt in der Ebene den Farbenreichtum dessen, was er sieht, mit Hilfe einer Farbform, die er erkennt und die Welt um sich herum widerspiegelt. Im Prozess der Naturdarstellung entwickelt sich ein Sinn für Farbe und ihre vielen Schattierungen, der es ermöglicht, Farben als wichtigstes Ausdrucksmittel der Malerei zu verwenden.
Die Wahrnehmung von Farbe, und das Auge des Künstlers kann mehr als 200 ihrer Schattierungen unterscheiden, ist vielleicht eine der glücklichsten Eigenschaften, mit denen die Natur einen Menschen ausgestattet hat.
In Kenntnis der Gesetze des Kontrasts orientiert sich der Künstler an jenen Farbveränderungen der abgebildeten Natur, die dem Auge teilweise kaum auffallen. Die Farbwahrnehmung hängt von der Umgebung ab, in der sich das Objekt befindet. Daher vergleicht der Künstler, während er die Farbe der Natur vermittelt, die Farben miteinander und erreicht, dass sie in Verbindung oder gegenseitigen Beziehungen wahrgenommen werden.
„Licht- und Schattenverhältnisse zu nehmen“ bedeutet, den Unterschied zwischen Farben in Helligkeit, Sättigung und Farbton zu bewahren, wie er in der Natur vorkommt.
Der Kontrast (sowohl in Licht als auch in Farbe) ist besonders an den Rändern benachbarter Farbflecken wahrnehmbar. Das Verwischen der Grenzen zwischen kontrastierenden Farben verstärkt den Effekt des Farbkontrasts, und die Klarheit der Grenzen von Flecken verringert ihn. Die Kenntnis dieser Gesetzmäßigkeiten erweitert die technischen Möglichkeiten der Malerei, ermöglicht es dem Künstler, den Kontrast zu nutzen, um die Farbintensität von Farben zu erhöhen, ihre Sättigung zu erhöhen, ihre Helligkeit zu erhöhen oder zu verringern, was die Palette des Malers bereichert. So können Sie ohne Mischungen, sondern nur mit kontrastierenden Kombinationen aus warmen und kalten Farben eine besondere koloristische Klangfülle eines Gemäldes erzielen.