Речник на художника - к. Дидактически материал "речник на термините в изкуството" Картина в картина

1) Станкова картина със самостоятелно значение. За разлика от етюда и етюда, картината е цялостно произведение, резултат от дълъг труд, обобщение на наблюдения и размишления върху живота. Картините са в различни жанрове. Картината въплъщава дълбочината на намерението и фигуративното съдържание. За разлика от фреската или книжната миниатюра, картината не е непременно свързана с определен интериор или определена система за украса.

Създавайки картина, художникът разчита на природата, но творческото въображение играе важна роля в този процес. Концепцията за картина се прилага предимно към произведения от сюжетно-тематичен характер, в основата на които е изображението на важни исторически, митологични или социални събития, човешки действия, мисли и емоции в многофигурни сложни композиции. Следователно в развитието на живописта картината играе водеща роля.

Картината се състои от основа (платно, дървена или метална плоскост, шперплат, картон, пресована плоскост, пластмаса, хартия, коприна и др.), върху която се нанасят грунд и слой боя. Естетическото възприемане на картината значително се подобрява, когато тя се постави в подходяща рамка (багет), която отделя картината от околния свят. Ориенталският тип живопис запазва традиционната форма на свободно висящ разгънат свитък (хоризонтален или вертикален). Картината, за разлика от монументална живопис, не е твърдо свързан с определен интериор. Може да се свали от стената и да се окачи по различен начин.

Върховете на изкуството са достигнати в картините на изключителни художници. В различните течения на модернизма има загуба на сюжет и отхвърляне на фигуративността, поради което концепцията за картина е значително преработена. Все по-широк кръг от живописни произведения на 20 век. наречени снимки. Живописта е един от най-характерните видове стативно изкуство. Йохан Волфганг Гьоте пише: „Картините не са просто нарисувано платно, те въздействат на чувствата и мислите, оставят следа в душата, събуждат предчувствия“.

Репродукция или копие на оригинална картина може също да се нарече картина, ако в съответния контекст не е важно дали е копие или оригинално произведение. Например „Имаше няколко картини, висящи в коридора.“

2) В преносен или по-общ смисъл - всяко цялостно, цялостно произведение на изкуството, включително - живо и ярко описание, устно или писмено, красив изглед на природата.

3) В музикално-театрално произведение - част от действието, отделена не с антракт, а с кратка пауза, по време на която завесата се спуска за кратко.

4) В музиката - обозначаването на инструментално-симфонични произведения, които се характеризират със специална конкретност, визуализация на музикални образи; понякога такива произведения принадлежат към жанра на програмната музика.

5) В строителството, покривен елемент, чиито краища са подготвени за шевна връзка. Прилагат се при сгъваеми покриви. В зависимост от технологията се изработва ръчно или машинно. Има бои за обикновено покритие, както и бои за надвеси на корнизи, стенни улуци, улуци, долове и др.

Рисуване- произведение на живописта, което има завършен характер (за разлика от скица и скица) и самостоятелна художествена стойност. Състои се от основа (платно, дървена или метална плоскост, картон, хартия, камък, коприна и др.), грунд и слой боя. Картината е един от видовете станково изкуство. Картините са в различни жанрове. Създавайки картина, художникът разчита на природата, но творческото въображение играе важна роля в този процес. Краят на 19 век е белязан в цяла Европа от нов, динамичен поглед към света. Художникът от края на века трябваше да отговаря на непрекъснато променящия се живот: не толкова да показва света около себе си (фотографията и киното вече правят това), но да може да изрази своята индивидуалност, своята вътрешен свят, собствена визия. Върхът на изкуството е достигнат в картините на изключителни художници. В различните течения на модернизма има загуба на сюжет и отхвърляне на фигуративността, поради което концепцията за картина е значително преработена. Някои художници притежаваха различни училищаживописта, се отдалечи от образа на света (хора, животни, природа), както го виждаме. На тях картинисветът изглежда деформиран, понякога напълно неузнаваем, защото художниците се ръководят повече от въображението си, отколкото от визуалното възприемане на явленията около нас.

Живописта играе важна роля в развитието на живописта.

Репродукцията може да се нарече и картина, ако в съответния контекст няма значение дали е копие или оригинално произведение.

Картина в преносен или по-общ смисъл е всяко цялостно, цялостно произведение на изкуството, включващо живо и ярко описание, устно или писмено, на възглед на природата.

Живописта е изкуство на равнината и една гледна точка, където пространството и обемът съществуват само в илюзия. Живопис, благодарение на сложността на визуалните средства, е в състояние да създаде на равнина такава дълбочина на илюзорно пространство и многоизмерност на художествената реалност, която не подлежи на други методи на изобразяване. Всяка картина изпълнява две функции - изобразителна и изразително-декоративна. Езикът на художника е разбираем само за тези, които са наясно с декоративно-ритмичните функции на плоскостта на картината.

В естетическото възприятие трябва да участват едновременно всички функции на картината (както декоративна, планарна, така и изобразителна, пространствена). Правилно да възприемеш и разбереш една картина означава едновременно, неделимо да видиш и повърхността, и дълбочината, и рисунката, и ритъма, и образа.

Естетическото възприятие на една картина се подобрява значително, когато тя се постави в подходяща рамка, която отделя картината от околния свят. Ориенталският тип живопис запазва традиционната форма на свободно висящ разгънат свитък (хоризонтален или вертикален). Картината, за разлика от монументалната живопис, не е твърдо свързана с определен интериор. Може да се свали от стената и да се окачи по различен начин.

Дълбочината на илюзорното пространство на картините

Професор Ричард Грегъри описва „странните свойства на картините“: „Картините са уникален клас обекти, защото те са както видими сами по себе си, така и като нещо съвсем различно от просто лист хартия, върху който са нарисувани. Снимките са парадоксални. Никой обект не може да бъде на две места едновременно; никой обект не може да бъде едновременно двуизмерен и триизмерен. И така виждаме снимките. Картината е с много определени размери, като в същото време показва истинския размер на човешко лице, сграда или кораб. Картините са невъзможни обекти.

Способността на човек да реагира на отсъстващи, въображаеми ситуации, представени в картини, е важен етап в развитието на абстрактното мислене.

Как се правят картини

Картината е духовен святхудожникът, неговите преживявания и чувства, изразени върху платно или хартия. Трудно е да се обясни как се създават картините - по-добре е да го видите сами. Невъзможно е да се предаде с думи как художникът рисува върху платното, с каква четка докосва платното, какви бои избира. По време на работа всичко става едно: художникът, четката и платното. И още след първия замах на четката в работилницата започва да действа специалната магия на рисуването.

Картините не са просто рисувано платно, те въздействат на чувствата и мислите, оставят следа в душата, събуждат предчувствия.

Как се създава една картина?

Изглежда, бои, четки, върху платно. Може да има и друг универсален отговор: по различни начини.

Методите за работа върху една картина постоянно са се променяли през цялата история на изкуството. Художниците от италианския Ренесанс са работили по напълно различен начин от Рембранд или "малките холандци" от 17 век, романтиците са работили по различен начин от импресионистите, абстракционистите, съвременните художници реалисти. Да, и в една и съща епоха и дори в една посока можете да намерите голямо разнообразие.

Художниците реалисти от миналото и настоящето (ако разбираме реализма в широкия смисъл на думата) са обединени от следното:

Създаването на пълноценно произведение, в този случай картина, портрет или пейзаж, е невъзможно без задълбочено изучаване на живота, активно отношение на автора към него. Средствата за художествено познаване на живота са произведения от природата, визуални впечатления, анализ и синтез на житейски явления.

Създаването на картина е сложен, трудоемък творчески процес, резултатите от който се определят не от изразходваното време, а от мярката на таланта, умението на художника, силата и ефектността на оригиналното образно решение. Най-важните етапи в този процес са зараждането и конкретизирането на идеята, преките наблюдения, скици, скици от природата, същинското писане на картината с незаменимото творческо, активно преработване на жизнения материал.

И когато зрителят се доближи до картина в музей или на изложба, преди да направи собствена преценка за нея, той трябва да помни, че зад нея винаги стои жив човек, художник, който е вложил част от живота, сърцето, нервите си , талант и умение в работата. Може да се каже, че картината е сбъдната мечта на един художник.

Г. С. ОСТРОВСКИ

Пълнота на картината

В живота много неща се случват случайно - в картината не може да има такива случайности, всичко в нея трябва да е завършено, логично. В кой момент една картина се счита за завършена?

Виртуозният живописен щрих на Рембранд, така високо ценен по-късно и в наше време, предизвиква само недоумение сред съвременниците на Рембранд и дава повод за подигравки и остроумия за негова сметка. Възразявайки на своите критици, Рембранд оспорва правилността на тяхното разбиране за пълнотата на картината, противопоставяйки им собственото си разбиране за нея, което той формулира по следния начин: картината трябва да се счита за завършена, когато художникът е казал всичко, което иска в нея . За да не чува вълнуващите го въпроси за „незавършеността” на картините му, Рембранд спря да допуска до тях наивни посетители на ателието си, които с голямо любопитство гледаха бравурните щрихи на картината му, плашещи ги с Факт е, че картините не трябва да се доближават твърде близо, тъй като миризмата на боите им е нездравословна.

Матис за неговата картина:

„Просто се опитвам да поставя върху платното онези цветове, които изразяват моето усещане. Необходимата пропорция на тоновете може да ме накара да променя формата на фигурата или да променя композицията. Докато не достигна тази пропорция във всички части на картината, гледам за него и продължавам да работя.Тогава идва моментът, когато всички части придобиват окончателните си пропорции и тогава не мога да докосна картината, без да я преработя отново.

Започвайки приблизително с импресионистите, категориите рисунка, форма и цвят са тясно свързани, израснали заедно, изглеждат като непрекъснат процес: рисунка и цвят, моделиране и композиция, тон и линия се появяват и развиват сякаш едновременно. Процесът на рисуване на картина може, така да се каже, да продължи безкрайно, моментът на завършване на работата е донякъде произволен: навсякъде на платното художникът може да го продължи, като прилага нови удари към подобни, но лежащи отдолу. Най-яркият и последователен представител на тази система е Сезан. В писма и записани разговори той многократно формулира този смесен или по-правилно недиференциран метод на рисуване. По всяко време работата по картината може да бъде прекъсната, но произведението няма да загуби своята естетическа стойност. Във всеки момент картината е готова.

Връзката на изобразителното пространство на картината с реалното пространство

Художникът и теоретик на изкуството В. А. Фаворски в хода на теорията на композицията подчертава, че едно наистина художествено произведение има двойно съществуване от раждането си: като обект в околното пространство и като относително затворен свят със свои собствени пространствено-времеви отношения . В живописта тази цел се постига чрез хармонизиране вътрешна структуракартини с рамка, в скулптура - с околното пространство (класически пример: статуя в ниша).

За свързване на изобразителното пространство с реалното пространство, в което се намира зрителят, се използва рамка за картина. Художниците се заиграват и с многократно „възпроизвеждане на кадъра“ в самото изображение, визуални рими, повторения на вертикали и хоризонтали. Една от характерните техники, която ви позволява визуално да "укрепите" изображението в границите на правоъгълен формат, е "скосеният ъгъл". Отделянето на живописта от архитектурата породи определена система на възприемане на стативната живопис. Основното съдържание на картината е израз на холистичен поглед върху пространството. Композицията се трансформира в експозиция, в която зрителят се изправя пред трансформирания свят на пространствено-времеви отношения и вижда себе си в него като в огледало. Така прозрачното стъкло на Ренесанса се превърна в огледало на класическата и бароковата епоха. Изкуството на следренесансовата епоха се характеризира с игра с отражения в огледалото, въвеждането на фигури-медиатори в композицията на картината, лица, които със своята позиция, поглед или жест на ръка показват действието, което се случва в дълбочини на картината, сякаш ги кани да влязат в нея. В допълнение към рамката, proskenium се появява в такива композиции - предната част на сцената, зад кулисите, след това среден изстрел, в който се извършва основното действие, а фонът е „фонът“.

Художникът обикновено поставя главните фигури в средната равнина на картината, като ги поставя на мислена хоризонтална линия като на пиедестал. Дълбочината на "пространствения слой" зависи от позицията на тази референтна хоризонтална линия (в планиметрия - над или под долния ръб на рамката на картината). Отлагайки многократно хоризонтала нагоре, художникът създава определен ритъм на движение в дълбините на въображаемото пространство. Благодарение на това, дори на малко платно, можете да изобразите пространство с всякаква дължина с произволен брой фигури и предмети. При такава експозиция трябва специално да се привлече вниманието на зрителя, че някои обекти са по-близо, а други са по-далеч. За целта се използват "указатели": намаляване на перспективата, въвеждане на мащабни ориентири (малки фигури на хора на заден план), припокриващи се планове, тонален контраст, падащи сенки от източник на светлина вътре или извън картината. Друг ориентир за мисловното движение на зрителя в пространството на картината са диагоналите, като основен е "входният диагонал" (обикновено отляво надясно).

Картина в картина

Картина в картината може да се използва в специална функция за композиция. Подобна йерархична организация има и при изобразяването на картина в картината (както и стенописите в стенописите и др.).

„Картина в картина“ е композиционна техника, която се среща в изкуството на класическата живопис от 16-17 век. Картина в картината може да бъде надарена със специално скрито значение.

Композиционната техника "картина в картина" може да изпълни няколко задачи:

изразяват идея
обяснете сюжета
да се противопоставят или създават хармония
да бъде детайл от обстановката (интериор)

Много често изображението на фона в картината може да се разбира като вид картина в картина, т.е. самостоятелно изображение, изградено според свои собствени специални закони. В същото време изображението на фона, в по-голяма степен от изображението на фигурите на основната равнина, е обект на чисто декоративни задачи, можем да кажем, че често тук не е изобразен самият свят, а пейзажът на този свят, тоест не се представя самият образ, а образът на този образ.

За холандците географска карта, гоблен, картина, отворен прозорец като изображение, включено в картината, разширяват границите на света или служат за развитие на алегоричния смисъл на основния сюжет. Вермеер, отваряйки булото на работилницата, се превръща в водач на три нива на реалността: пространството на зрителя, пространството на неговата работилница, пространството на произведението на изкуството (платното, което стои на статива), уподобявайки тези метаморфози до плуване в океаните, отбелязани на географска карта или летене над земя, отбелязана на картата.

Преливането на реалност - изкуство - мит се наблюдава и при Веласкес, който охотно прибягва до техниката "картина в картина", пример за която могат да бъдат Менините и Спинърите.

„Картина в картина“ е и във „Венера пред огледало“ на Веласкес, но замъгленото огледало отразява само сянката на богинята на любовта.

Картина и рамка

Всяко изображение, създадено от художника, с изключение на древните скални рисунки, има рамка. Рамкирането е необходима и важна част от композицията, тя я допълва, придава единство. Рамката може да бъде на същата равнина като самата живописна или графична композиция. Може да се създаде и специално като вид релефна форма с помощта на декоративни, скулптурни и архитектурни елементи. Най-често има рамки с правоъгълна форма, малко по-рядко - кръгли и овални.

Рамката помага да се разграничи картината от околната среда като нещо специално и достойно за внимание, но в същото време я свързва с околната среда. Така че, ако стилът на рамката съвпада с артистичния облик, структурата и характера на интериора, в който е разположена картината, това допринася за целостта на ансамбъла. В зависимост от цвета, наситеността с декоративни и скулптурни детайли, рамката значително влияе върху цялостното впечатление от картинното изображение. Всичко това ни позволява да говорим за единството на картината и рамката, където рамката изпълнява, разбира се, не основната, но много необходима функция.

Развитието на стативната живопис е сложно. Какъв ярък крайъгълен камък в неговата история беше преходът от Средновековието към Ренесанса! Най-значимото в него беше желанието да се избяга от сковаността и абстрактността на образа на иконата, доминиращ през Средновековието. Приблизително през XIV век се ражда картина модерен смисълтази дума, а с нея и рамката се появяват, все още облечени в дантелата на готически пейзаж.

Първите кадри не бяха напълно противопоставени на цялото изображение и не бяха отделени от него; материалите и на двете бяха подобни, условно позлатяване на фона, напр. стара руска иконаили пък византийската се премести в рамката, а самият образ често се „пръскаше“ върху нея. След това границите между картината и рамката се разпознават все по-ясно. Въпреки това, като един вид спомен от предишните векове, рамката запази златния си цвят. Когато златният фон, обозначаващ света на божественото, изчезна от картината, позлатата на рамката започна да се възприема условно, с други думи, като необходим атрибут на рамката, който помогна да се подчертае картината в стаята, привлича окото на зрителя към него.

В епохата на Ренесанса доминира идеята за рисуване като поглед към света през прозорец, рамката със своите форми много ясно загатва за господстващата идея и отговаря на нея. Тези великолепни, тържествени рамки са направени по рисунки на художници в специални работилници или от помощници на художника, които са работили в неговата работилница.

През Ренесанса картината постоянно се сравнява с огледало, което отразява реалността, а рамката, създадена като декоративна огледална рамка, подчертава това сравнение още по-силно. Тази рамка може да бъде направена не само от дървени летви и гипс, но и от ценни материали, включително сребро, слонова кост, седеф и др. Скъпоценността на материалите сякаш съответстваше на скъпоценността на картината, подсилвайки я.

Старите майстори бяха много внимателни към рамката, отчитайки нейното въздействие в процеса на работа, понякога дори рисуваха в готова рамка, като се съобразяваха с определен тон и декоративен ритъм на рамката. Ето защо композициите на старите майстори често се възползват много в оригиналните рамки.

Наблюденията върху рамките на стари майстори ни позволяват да установим още един принцип - съответствието между профила и ширината на рамката и размера на картината: например холандските художници вкарвали малките си картини в големи рамки с дълбоко, чисто профилиране , който като че ли води окото към центъра на картината и го изолира от каквото и да е влияние на околната среда

В началото на 20-ти век започват да се чуват гласове за пълно изоставяне на рамките, като нещо твърде материално, "заземяващо" духовността на изкуството. Различни авангардни художници, приели подобни обаждания, започнаха да излагат своите творби без рамки. Но в резултат на това нововъведение самите им произведения престават да бъдат картини в тесния смисъл на думата. Това бяха някакви "обекти", "петна", често лишени от ясно значение.

Въпреки че сега няма един стил в дизайна на рамки, както беше някога, но има повече от преди, съответствието на рамката с индивидуалния стил на художника.

Напоследък в художествените изложби се забелязва, че инерцията по отношение на дизайна на рамки (нека бъдат, но това, което не е толкова важно), която се прояви в миналото при нашите художници, започва да се преодолява. Рамките се боядисват в различни цветове, върху тях често се поставят малки допълнителни изображения и надписи, скулптори помагат на зографите - появяват се рамки с богата пластична мотивация.

Формат на картината

Има обаче два специфични елемента на картината, които сякаш създават преход от плоскостта към изображението, същевременно принадлежащи към реалността на картината и нейната фикция - форматът и рамката. Може да изглежда, че форматът на картината е само инструмент на художника, но не и пряк израз на неговата творческа концепция: в крайна сметка художникът избира само формата. Междувременно естеството на формата е най-тясно свързано с цялостната вътрешна структура на произведението на изкуството и често дори насочва правилния път към разбирането на замисъла на художника. По правило форматът се избира преди началото на работата на художника. Но са известни редица художници, които обичат да променят формата на картината по време на работа, като отрязват парчета от нея или добавят нови (Веласкес правеше това особено охотно).

Най-често срещаният формат за картина е четириъгълен, като чистият квадрат е много по-рядък от четириъгълника, повече или по-малко удължен нагоре или на ширина. Някои епохи оценяват кръглия формат (тондо) или овалния. Изборът на формат не е случаен, форматът обикновено разкрива дълбока, органична връзка както със съдържанието на произведението, с неговия емоционален тон, така и с композицията на картината, той еднакво ясно отразява индивидуалния темперамент на художника. и вкуса на цяла епоха. Усещаме скритата причинно-следствена връзка между формата и замисъла на художника преди всяка картина, откъдето идва очарованието на истинското произведение на изкуството. Има картини, чието съдържание е толкова слято с естеството на формата, че и най-малката промяна в пропорциите, изглежда, би трябвало да наруши стилистичния и идеологически баланс на картината.

Хоризонталният, издължен формат като цяло със сигурност е по-подходящ за наративна композиция, за последователно разгръщане на движение покрай зрителя. Ето защо художниците с епично настроение, стремящи се към активна композиция, към действие, охотно се обръщат към този формат, например италианските художници от 14-ти и първата половина на 15-ти век (особено във фресковите композиции). Напротив, квадратен формат или такъв, в който височината донякъде надделява над ширината, сякаш веднага спира динамиката на действието и придава на композицията характер на тържествено представяне - именно този тип формат майсторите на Високият Ренесанс предпочитан заради олтарните си картини („Сикстинската Мадона“). От своя страна, със значително преобладаване на височината над ширината, композицията отново придобива динамика, силна тяга, но този път нагоре или надолу; такъв тесен формат беше особено по вкуса на аристократични, декоративни (Кривели) или мистични (маниеристи, гръцки) художници, които се стремяха да въплъщават определени емоции и настроения.

Връзката на формата с индивидуалния темперамент на художника също е несъмнена: чувствената, динамична фантазия на Рубенс изисква по-голям формат от сдържаната и одухотворена фантазия на Рембранд. И накрая, форматът е пряко зависим от изобразителната техника. Колкото по-широка, по-свободна е мазката на художника, толкова по-естествен е стремежът му към голям формат.

§№5. Пространствени изкуства. Рисуване.

Повторете въпросите?

Какво е графика?
Какви средства за изразителност на графиката познавате?
Какво е значението на термините:

литография,
дърворезба,
печат,
гравиране,
шина?

Рисуване- един от най-старите видове визуални изкуствасвързани с предаване на визуални образи чрез нанасяне на бои върху твърда или гъвкава основа; създаване на изображение с помощта на цифрови технологии; както и произведения на изкуството, направени по такива начини.

Произходът на живописта.

Изображения на животни и хора, направени в ерата на първобитното общество по стените на пещерите, са оцелели до наши дни. Оттогава са изминали много хилядолетия, но живописта винаги е оставала неизменен спътник на духовния живот на човека. През последните векове то несъмнено е най-популярното от всички видове изобразително изкуство.

Функции за рисуване:

Когнитивна
естетичен
религиозен
идеологически
Социални и образователни
емоционален

Адриан ван Остаде. Работилница на художника. 1663. Дрезден.

Видове боядисване:

Класификация на боядисването според използвания материал:

Класификация на живописта по техника:

A la Prima (Алла Прима)
Гризай
глазура
Пуантилизъм
Суха четка
Сграфито

Техниките за рисуване са почти неизчерпаеми. Всичко, което оставя някаква следа върху нещо, строго погледнато е живопис: "живописът е създаден от природата, времето и човека." Леонардо да Винчи.

Станкова живопис.

станкова живопис - вид живопис, чиито произведения имат самостоятелно значение и се възприемат независимо от средата. Буквално - картина, създадена на машината (стальт).

Произведението на станковата живопис - картина - се създава на нестационарна (за разлика от монументалната) и неутилитарна (за разлика от декоративната) основа (платно, картон, картон, хартия, коприна) и предполага независима и не е обусловено от възприемането на околната среда.

Монументално-декоративна живопис.

монументална живопис - рисуване върху архитектурни конструкции и други стационарни основи.

Монументалната живопис е най-старият вид живопис, позната от палеолита (рисунки в пещерите Алтамира, Ласко и др.). Благодарение на стационарността и дълголетието на произведенията на монументалната живопис, многобройни образци от него са останали от почти всички култури, създали развита архитектура, и понякога служат като единственият вид оцелели картини от епохата.

Основните техники на монументалната живопис:

стенописи
Фреска върху мокра мазилка
Fresco a secco
рисуване с восък
Мозайка
стъклопис

НО. б. AT.

А. Спасен от Всемогъщия. Живопис върху купола на църквата Преображение на Спасителя на улица Илина във Велики Новгород. Теофан Гръцки. 1378 година. Б. Марк Шагал. Картини на еврейския театър в Москва. В. Марк Шагал. Картина на тавана на Парижката опера.

Миниатюрна живопис.

Миниатюрен(от лат. minium - червени бои, използвани в дизайна на ръкописни книги) - във визуалните изкуства, малки форми на живопис, скулптура и графични произведения, както и изкуството на тяхното създаване.

миниатюрна живопис също често срещани на изток. В Индия, по време на империята на Моголите, раджастанската миниатюра получава широко разпространение. Това беше синтез на съвместното творчество на индийски и персийски майстори.

Жанрове на живописта:

Анималистични - изображения на животни, птици, насекоми и друга фауна.
Абстрактно - изображението на безпредметни композиции.
Битка - изображения на военни операции и битки.
Домакинство - образ на ежедневни сцени.
Исторически - изображение на исторически известни личности и събития.
Марина - морски пейзаж.
Мистично-фантастични - композиции със сюрреалистично съдържание.
Натюрморт (мъртва природа) - изображение на битови предмети.
Портрет - изображения на хора.
Пейзаж - изображение на дивата природа.
Религиозни - композиции с религиозно съдържание.

Практическа задача:

В литературата намерете картини, които отговарят на всеки от изброените жанрове.
Направете описание на тези произведения под формата на таблица:

Жанрове	Името на картината, мозайката, стъклописът ...	Принадлежност към типа живопис	Принадлежност към стил или историческа епоха.
животински
Резюме
битка
Домашни
Исторически
Марина
мистика-фантастика
Натюрморт
Портрет
Пейзаж
Религиозен

Картина, произведение на живописта, което има завършен характер (за разлика от скица и скица) и самостоятелна художествена стойност. За разлика от фреска или книжна миниатюра, К. не е непременно свързан с конкретен интериор или ... ... Велика съветска енциклопедия

Живописта, като изразител на преобладаващите концепции за изкуството, във всички страни преживява различни периоди, променяйки посоката си. Но никъде историята на живописта не е била характеризирана така определено, както във Франция в различни епохи, в ... ...

традиционни материали за рисуване на платно- Боядисването, като правило, е доста сложна структура, която съществува при постоянно взаимодействие на основата, грунда, слоя боя и защитните покривни слоеве. В маслената и темперна живопис от древни времена като основа ... ... Речник по живопис и реставрация

Обиколка на Козимо. Калиопа, картина за Studiolo на двореца Белфорт. Школата по живопис във Ферара е група от ренесансови художници, работили в ... Уикипедия

Вижте също: Холандски златен век и ранна холандска живопис Златният век на холандската живопис е най-видната ера в холандската живопис, датираща от 17-ти век. Съдържание 1 Исторически условия ... Wikipedia

Алегория на живописта картина на Ян Вермеер от Делфт. Алегория на живописта живопис на Андрей Матвеев, първа Руска работастативна живопис върху алегоричен сюжет ... Wikipedia

медальон- Живописно произведение или релеф върху овална или заоблена основа, както и произведение, рамкирано с овална (кръгла) рамка ... Иконописен речник

Вид изобразително изкуство, чиито произведения са създадени с помощта на бои, нанесени върху твърда повърхност. AT произведения на изкуствотосъздадени от живопис, използват се цвят и рисунка, светлотенце, изразителност ... ... Енциклопедия на изкуството

- (също музикален и артистичен) термин от нашите закони, обозначаващ авторското право. Като французите propriété littéraire et artistique, той отразява една от правните теории по темата. По-точни термини: английски. авторско право (право ... ... енциклопедичен речникЕ. Brockhaus и I.A. Ефрон

Живописно произведение, което има самостоятелна художествена стойност и притежава свойството завършеност (за разлика от изследване и скица). Картината, като правило, не е свързана, като фреска или книжна миниатюра, с определен интериор ... ... Енциклопедия на изкуството

Книги

Уроци по класическа живопис. Техники и техники от художествената работилница, Жулиета Аристид. За книгата Това е допълнение към `Уроци по класическо рисуване` и програма за обучение по рисуване под формата на книга. Той преподава основни умения и техники за рисуване във формат, който е достъпен и удобен...
5555 шедьоври на световната живопис (CD), . Една от най-големите колекции, събрала репродукции на световни класики на изкуството на CD-ROM. Колекцията включва картини, вариращи от тези, създадени през Средновековието до първата половина на...

Какво е рисуване?

Живописта е вид изобразително изкуство, чиито произведения се създават с помощта на бои, нанесени върху повърхност.
„Рисуването не е просто някаква фантазия. Това е работа, работа, която трябва да се върши съвестно, както прави всеки съвестен работник“, твърди Реноар.

Живописта е невероятно чудо на превръщането на всички налични художествени материали в различни видими образи на реалността. Да овладееш изкуството на рисуването означава да можеш да изобразяваш реални обекти с всякаква форма, цвят и материал във всяко пространство.
Живописта, както всички други форми на изкуство, има специален художествен език, чрез който художникът отразява света. Но, изразявайки своето разбиране за света, художникът едновременно въплъщава в творбите си своите мисли и чувства, стремежи, естетически идеали, оценява явленията на живота, обяснявайки тяхната същност и значение по свой начин.
В произведения на изкуството от различни жанрове на изобразителното изкуство, създадени от художници, се използват рисунка, цвят, chiaroscuro, изразителност на щрихи, текстура и композиция. Това ви позволява да възпроизвеждате в равнината цветното богатство на света, обема на обектите, тяхната качествена материална оригиналност, пространствена дълбочина и светлинно-въздушна среда.
Светът на живописта е богат и сложен, неговите съкровища са натрупани от човечеството в продължение на много хилядолетия. Най-древните произведения на живописта са открити от учените по стените на пещери, в които са живели първобитните хора. С удивителна точност и острота първите художници изобразяват ловни сцени и животински навици. Така възниква изкуството за изобразяване на бои върху стената, което има характеристики, характерни за монументалната живопис.
Различават се две основни разновидности на монументалната живопис – фрескова и мозаечна.
Фреската е техника за рисуване с бои, разредени с чиста или варовита вода върху свежа, влажна мазилка.
Мозайка - изображение, направено от еднородни или различни материални частици от камък, смалта, керамични плочки, които се закрепват в слой почва - вар или цимент.
Фреската и мозайката са основните видове монументално изкуство, които поради своята издръжливост и устойчивост на цветовете се използват за украса на архитектурни обеми и равнини (стенна живопис, плафони, панели).
Станковата живопис (картина) има самостоятелен характер и значение. Ширината и пълнотата на отразяване на реалния живот се отразява в разнообразието от видове и жанрове, присъщи на стативната живопис: портрет, пейзаж, натюрморт, битови, исторически, бойни жанрове.
За разлика от монументалната станкова живопис, тя не е свързана с равнината на стената и може да бъде изложена свободно.
Идеологическото и художествено значение на произведенията на стативното изкуство не се променят в зависимост от мястото, където се намират, въпреки че тяхното художествено звучене зависи от условията на експозиция.
В допълнение към посочените видове живопис има декоративна - скици на театрални декори, декори и костюми за кино, както и миниатюри и иконопис.
За да създаде миниатюрно или монументално произведение на изкуството (например картина на стена), художникът трябва да познава не само конструктивната същност на предметите, техния обем, материалност, но и правилата и законите на живописното представяне на природата, хармонията на цвета, цвят.

При изобразително изображение от природата е необходимо да се вземе предвид не само разнообразието от цветове, но и тяхното единство, определено от силата и цвета на източника на светлина. В изображението не трябва да се въвежда цветно петно, без да се хармонизира с цялостното цветово състояние. Цветът на всеки обект, както на светло, така и на сянка, трябва да бъде съотнесен към цветовата цялост. Ако цветовете на изображението не предават влиянието на цвета на осветлението, те няма да бъдат подчинени на една цветова гама. В такова изображение всеки цвят ще се откроява като нещо странно и чуждо на дадено състояние на осветеност; ще изглежда произволно и ще разруши целостта на цвета на изображението.
По този начин естественото цветово единство на цветовете от общия цвят на осветлението е основата за създаване на хармонична цветова схема на картината.
Цветът е едно от най-изразителните средства, използвани в живописта. Художникът предава на плоскостта цветното богатство на това, което вижда, с помощта на цветна форма той опознава и отразява света около себе си. В процеса на изобразяване на природата се развива чувство за цвят и многобройните му нюанси, което прави възможно използването на бои като основно изразително средство за рисуване.
Възприемането на цвета, а окото на художника е в състояние да различи повече от 200 от нюансите му, може би е едно от най-щастливите качества, с които природата е дарила човек.
Познавайки законите на контраста, художникът се ръководи от онези промени в цвета на изобразената природа, които в някои случаи трудно се улавят от окото. Възприемането на цвета зависи от средата, в която се намира обектът. Затова художникът, предавайки колорита на природата, съпоставя цветовете помежду си, постига те да се възприемат във взаимовръзка или взаимни отношения.
„Да се вземат съотношения на светлосенките“ означава да се запази разликата между цветовете в светлота, наситеността и оттенъка, в съответствие с начина, по който това се случва в природата.
Контрастът (както в светлината, така и в цвета) е особено забележим по краищата на съседните цветни петна. Размиването на границите между контрастиращите цветове засилва ефекта на цветовия контраст, а яснотата на границите на петна го намалява. Познаването на тези закони разширява техническите възможности в рисуването, позволява на художника да използва контраста, за да увеличи интензивността на цвета на боите, да увеличи тяхната наситеност, да увеличи или намали тяхната лекота, което обогатява палитрата на художника. Така че, без да използвате смеси, а само контрастни комбинации от топли и студени цветове, можете да постигнете специална колористична звучност на картината.