Konstföremål från sopor. Tog och gjorde: konstföremål från sopor

Den kinesiska konstnären och installationskonstnären Wang Zhiyuan skapade ett miljökonstobjekt. En 11 meter lång tromb av plastflaskor strövar omkring på planeten och uppslukar konstgallerier och andra "kulturhotbeds" med högt i tak: inte alla rum kan rymma en sådan koloss. Vi har dock inte sett några speciella skador än: miljöproblem är inget nytt ämne, och besökare på utställningar kommer att bli överraskade i cirka tio minuter och de kommer att skingras.

När han bor i Peking vill Wang Zhiyuan verkligen att hans konst ska bli socialt viktig och användbar: "Om det inte är det kommer jag att känna mig skyldig." Tja, inte bara i Ryssland är en poet mer än en poet, och en konstnär är mer än en konstnär. Låt oss med ett vänligt ord minnas både och, och den brittiska hantverkskvinnan.

53-årige Wang Zhiyuan lyckades se och prova mycket i sitt liv: han var engagerad i målning och skulptur, i sin ungdom kände han ett starkt inflytande (om inte tryck) av socialistisk realism och reviderade sin konstnärlig metod i mognad, emigrerade till Australien, men återvände till sitt hemland igen.

Nu har han kommit fram till att alla människor behöver konst. Ju större räckvidd publiken har, desto snabbare kommer vår värld att förändras till det bättre. Och för att utöka "personalen" hos skönhetskännare måste kreativiteten vara förståelig.

I andan av sina åsikter skapade Wang Zhiyuan en installation med ett enkelt budskap: det är bättre att låta sopor vara ett konstföremål i gallerier och utställningshallar, eller till och med en museumsraritet, men att inte ligga runt på gatorna och bilda fula soptippar.

När Wang Zhiyuan började samla in övergivna containrar på soptippen i Peking tvivlade han på att han skulle kunna skapa något värdefullt av sopor. Men sedan insåg jag att konsten börjar där summan bara förändras från omarrangemanget av termerna. Efter att ha börjat ordna flaskorna efter hans smak, blev författaren till installationen så medtagen att han reste ett enormt plastberg.

11 meter plastbehållare från deponier i Peking är imponerande åtminstone i storlek. Huruvida det konstnärliga värdet av en tromb är så stort – tiden får utvisa. Men det som är bra är att det finns mindre sopor och mer konst i världen.

En av de allvarligaste och faktiska problem existerande i världen är global miljöförorening. Varje sfär av mänsklig aktivitet kan bidra till lösningen av detta problem, och representanter för konsten stod inte åt sidan. I många århundraden har naturen inspirerat figurer visuella konsterna, och dess skönhet fångas i landskap, skulpturer, fotografier.

Men vissa konstnärer tar förhållandet mellan konst och miljö ett steg längre, skapar verk från naturen själv eller skapar konstverk som eftertryckligt uttrycker idén om den naturliga världen och det spår som mänskligheten lämnar på den. Deras verk tillåter inte bara att ge ett andra liv åt de material som används och skapa verk som är nödvändiga för människans andliga utveckling, utan också att uppmana mänskligheten att bevara miljön.

Denna riktning av konst kallas Recycle-Art (aka Trash-Art eller Junk-Art). Det moderna samhället är vant vid konsumtion, utan att inse att planetens resurser inte är obegränsade. Många hushållsartiklar skickas snabbt till återvinning utan att förlora sina fysikaliska egenskaper. Dessa saker kan dock fortsätta att tjäna om nya konstföremål skapas av dem.

Återvinningskonst syftar till att minska den negativa påverkan av olika typer av avfall på miljön, och därför kan det övervägas
som en global miljörörelse. Dess huvudprinciper är bevarande av naturresurser och maximal besparing av material, och uppgifterna är att minska överskottsprodukter, granska material och tillverkningsteknik för objekt och ändra konsumenternas krav.

Trash art (översatt från engelska trash betyder "skräp") - riktning samtida konst, där industriavfall, delar av trasiga mekanismer och annat hushållsavfall används för att skapa konstföremål. Idag har den fått störst relevans och är en av de
vanliga sätt att kreativ "kämpa" med miljöföroreningar. "Trash art" är en ny, ganska vanlig trend inom samtidskonsten. Men redan 1918 började tysken Kurt Schwitters från Hannover experimentera inom området abstrakt konst, genom att klistra cigarettpapper, biljetter och andra papperslappar med text på ytan, och ersätta vanliga färger. Så han kan kallas grundaren av denna stil.

Numera är "thrash art" "alternativ konst", en protest mot mönster och regler. Konstnärer i denna stil skapar fantastiska konstföremål med hjälp av industriavfall, papper, syntetiskt avfall, såväl som skräp som samlas in på en soptipp - allt som antingen slängs på en soptipp eller skräpar upp mezzaniner, skjul eller garage.

År 2017, i Archangelsk, reste miljöaktivister en staty av en enorm elefant över 8 meter hög, 12,5 meter lång och cirka 6 meter bred, och använde 44 500 plastflaskor för att skapa den. Det produceras en hel del plastredskap och behållare i världen och efter användning återvinns plast huvudsakligen. Och detta trots att det nästan inte sönderfaller, även om det samtidigt kan återvinnas till 100%. Arrangörerna av projektet bestämde sig på detta sätt för att uppmärksamma människor på problemet med sopor, återvinning av råvaror och separat insamling av avfall.

Konstnärer och skulptörer använder hushållsavfall för att skapa olika konstverk: landskap, porträtt, stilleben, installationer, skulpturer, collage... Så en person som rotar i sopor är inte alltid hungrig, fattig och hemlös. Kanske är han bara en skulptör eller en konstnär som samlar material till nästa mästerverk.

Men inte alla kan förstå den höga "skräp" konsten, så ibland finns det roliga fall: 2001 kastades ett verk gjord av cigarettfimpar och ölburkar av en av vår tids dyraste konstnärer, Damien Hirst, av misstag in i skräp av galleristädaren. Och den schweiziska konstnären Carol May förlorade ett av sina verk på en konstmässa i Hong Kong. Vi pratar om installationen "Unhappy Meal", som liknade en låda under "Happy Meal" - ett set med mat och en leksak från McDonald's snabbmatsrestaurangkedja. Maj: När jag insåg att jag hade fel, Unhappy Meal var redan allvarligt skadad.

Utarbetad utifrån internetresurser

"> " alt="(!LANG:Född på soptippen. Fungerar samtida konstnärer från vanligt sopor.">

Den 19 februari 2014, i den italienska staden Bari, kastade en städerska i lobbyn på Murat Hotel, efter att ha tagit några av utställningarna från utställningen som hade öppnat där, dem. Det visade sig att föremålen av papper och kartong som hon slängde, samt kaksmulor, kostade cirka 10 tusen euro. Babr erbjuder sig att bekanta sig med den samtida konstens konstföremål, som skapats med föremål som brukar betraktas som skräp.

Tim Noble och Sue Webster. Man och hustru som blev en mycket känd konstduo i Storbritannien. Tim och Sue är mästare på chiaroscuro, de skapar sina mycket ovanliga installationer av vanligt sopor, men när de projiceras på en vägg förvandlas detta skräp till riktiga målningar. Tim och Sue är anhängare av holländaren Diet Wiegman, som började sina experiment med ljus och skugga redan på åttiotalet av förra seklet.

Det är svårt att tro att det inte är photoshop. Tomma plåtburkar, cigarettpaket, ett träbord och en spotlight är vad du behöver för att skapa en skugga av Manhattan

Träfigurer ordnade i rätt ordning ger ett oväntat resultat.

Det tar flera månaders mödosamt arbete att skapa ett sådant projekt.

Brooklyn-fotografen Barry Rosenthal kallar sig själv en livstidssamlare. Som barn samlade han på basebollkort (en populär hobby i USA). Vuxne Barry samlar på stekpannor, klockor, karusellhästar och... saker han hittar på stränderna.

Enligt fotografen själv ger han mer värde åt bekanta föremål genom att organisera skräpföremål i collage. Och även om det finns ett uppenbart samband mellan hans verk och miljöproblemen med miljöföroreningar och sopor, ser författaren inte sitt uppdrag i att få betraktaren att tänka på ekologi. ”Jag visar vad jag hittar, och folk är fria att tolka själva, men jag vill bara säga: varför skulle vi inte vara mer uppmärksamma på saker och ting? Varför städar vi inte vårt eget garage?"

Bollar

Spelbollarnas andra liv

Återuppliva kapslar från tekniska vätskor

Innan han tar ett foto arbetar konstnären med varje föremål: tvättar, städar, ändrar form

Skulptör från Portland Som svetsvirtuos förvandlar han hundratals kasserade muttrar, bultar, dörrgångjärn till figurer av hundar, fåglar och till och med kopior av Gibsons elgitarrer i naturlig storlek. Mock säger om sitt arbete: "Jag är fascinerad av utmaningen att skapa helt unika bitar av oönskade, kasserade föremål. Jag älskar mitt jobb och förmågan att ge dessa gamla föremål nytt, extraordinärt liv i form av ett konstnärligt komplex skulptur gör det här verket ännu roligare. När tittare ser mina skulpturer ifrågasätter tittarna verkligheten av det de ser. Publikens reaktion är bränslet i mitt arbete."

En del av projektet Fiskarna

Skräp blir konstens drivkraft – det är ett faktum. Idag behöver artister inte ett staffli och integriteten i en studio - ibland räcker trasiga disketter och en gammal burk färg för dem. Nedlagda saker används nu i samtida författares verk. Vi vill berätta mer om varje konstform - icke-standardiserad, ny och progressiv. Förresten, du kan se utställningar i alla dessa områden på MU MU sopmuseum.

gatukonst

Låt oss börja med den kanske mest kända typen av samtidskonst – gatukonst. Bokstavligen översatt (från engelsk street art) betyder detta ord "street art". New York anses vara gatukonstens födelseplats - det var där de första konstnärerna dök upp som plockade upp en sprayburk. Det finns en legend om att den första gatukonsten i form av graffiti dök upp 1942, under andra världskriget, när en okänd arbetare vid namn Kilroy blev uttråkad och började skriva "Kilroy var här" ("Kilroy var här") på varje ruta med bomber som tillverkades på en fabrik i Detroit. Soldaterna gillade den här idén – och de började kopiera signaturen på väggarna som hade överlevt bombningen i Europa.

Det intressanta är dock att de första tankarna om gatukonst dök upp tre decennier före andra världskriget. Du kommer aldrig att gissa från vem - från poeten Vladimir Majakovskij själv! Han, tillsammans med andra ryska futurister, kom 1918 på och utfärdade dekret nr 1 "Om demokratisering av konsten (stängsellitteratur och kvadratisk målning)", som lyder:

"Konstnärer och författare är skyldiga att omedelbart ta krukor med färger och penslar av sin skicklighet för att belysa, måla alla sidor, pannor och kistor av städer, stationer och ständigt körande flockar av järnvägsvagnar."
- det verkar som om Majakovskij förutsåg framtiden!

Idag avser gatukonst all konst som skapas på gatan och på gatan. I vid bemärkelse omfattar det graffiti – inskriptioner och teckningar på väggarna, stenciler, klistermärken, affischer, videoprojektioner, flashmobs och gatuinstallationer. Vissa menar att gatumusikanter också tillhör gatukonsten.

Duken för konstnärer inom gatukonst är bokstavligen hela världen: väggarna i hus, tak, vagnar - med ett ord, vilken yta som helst där något kan avbildas. Och inte bara på en plan yta, utan också i volym, i form av storskaliga installationer från improviserade medel.

En av vår tids mest kända gatukonstnärer är den svårfångade britten Banksy. Hans teckningar finns över hela världen, men ingen har ännu sett hans sanna ansikte. Av de ryska konstnärerna är det värt att lyfta fram Timofey Radyu - han är känd för sina ovanliga och aktuella verk, ofta förknippade med politiska händelser. Men det finns inte alltid en plats för politik i konsten: ibland byter Radya till helt mysiga saker - till exempel hängde han redan en "farmors" matta vid en stadsbusshållplats och dekorerade gatlyktor i sitt hemland Jekaterinburg med hemlampskärmar.

En annan rysk gatukonstkonstnär och bara en urban romantiker, Kirill Kto är känd för sina imponerande inskriptioner i ljusa färger:

En intressant observation: både Banksy och Kirill Kto är pseudonymer. De flesta street art-konstnärer – både professionella och nya – gömmer sig under påhittade namn. Kanske är detta för att i sinnet vanlig person gatukonst är på gränsen till vandalism. Så är det när man ibland får stå av med böter för konst.

Idag erkänns gatukonst inte bara som konst, utan som ett självständigt socialt fenomen. Med en burk färg i händerna talar konstnären i sina verk om vad som upphetsar samhället - och vad som sannolikt inte kommer att skrivas i officiella tidningar. Högkvalitativ gatukonst är inget huligantrick, utan en dialog mellan konstnären och samhället, som får dig att reflektera, fundera över meningen och ... vad ska jag säga – det gör stadsmiljön ljus och originell.

På MU MU sopmuseum kan du se originalexempel på gatukonst, som kan tänkas som konstinstallationer på utställningar:

Skräpkonst

Termen trash art kommer från två engelska ord: trash betyder helt enkelt skräp, konst - konst. "Junk Art", eller hur? För att förtydliga: nu kallas skräpkonst för sådana typer av kreativitet, där gammalt skräp och alla möjliga föråldrade saker är inblandade. Thrashkonstälskare i mitten av 1950-talet började kallas utbildade, medvetna om värdet av estetiska människor som gjorde uppror mot billig masskonst. När de väl gjorde uppror började de göra tvärtom - och började skapa konst av cigarettfimpar, lapplappar och i allmänhet allt som kommer till hands. Idag kallas "thrash art" som "alternativ konst" som inte är mottaglig för allmänna regler och standarder. Det är oförutsägbart, rebelliskt – och därför ännu vackrare och fantastiskt.

Den tyske konstnären Kurt Schwitters anses vara skräpkonstens grundare. Redan 1918, när skräpkonst var uteslutet, började han experimentera inom abstrakt konst. Faktum är att konstnären var engagerad i "barns kreativitet" - applicering, fastsättning av cigarettomslag, lappar och annat skräp på ytan av bilden. Till stor förvåning för omgivningen blev soporna plötsligt ett konstverk i hans händer. Så thrashkonsten började vinna sina första anhängare och beundrare.

Nästan ett sekel efter Schwitters första verk fortsätter konsten att skräpkonst sin segerrika marsch över planeten. Installationer och målningar gjorda av sopor är nu redo att betala miljoner. Anmärkningsvärda museer och gallerier visar levande skräpkonst tillsammans med klassiska målningar och skulpturer. Det finns några konstigheter här, som hände med en av vår tids dyraste artister, Damien Hirst. I en explosion av inspiration gjorde han ett verk av cigarettfimpar och ölburkar, som omedelbart ställdes ut i Londons Eyestorm Gallery. Städarna uppskattade inte konstnärens inspiration: enligt dem trodde de att det hade varit fest i galleriet dagen innan – och alla konstföremål flög ner i papperskorgen.

I "MU MU" väntar inte verk i stil med papperskorgen på en papperskorg, utan en värdig plats i utställningen:

Optisk konst, eller op-art

Op art är en annan intressant trend inom samtidskonsten. I översättning (optisk konst) anges essensen av denna konstnärliga rörelse: den använder olika optiska illusioner, baserat på funktionerna i uppfattningen av platta och rumsliga figurer.

De första experimenten med opart började i Europa i mitten av 1900-talet och Victor Vasarely, född i Ungern, anses vara grundaren av den nya konstformen.

Optisk konst från de allra första minuterna lockar ögat med sina visuella illusioner. Vi tittar på bilden och förstår att bilden inte bara finns på duken, utan också i verkligheten - i betraktarens ögon och hjärna. Det är ingen slump att op art kallas konst för filosofer: för att förstå vad som avbildas på bilden måste du ta en ordentlig titt på det.

steampunk

Steampunk är en av de senaste trenderna inom design och konst: dess namn formulerades först i slutet av 1980-talet. Termen "steampunk" föddes från de engelska orden "steam" (steam) och "punk" - en referens till rebelliskt ursprung.

Ofta kallas steampunk också för steampunk, och det här alternativet har också rätt till liv - nu ska vi förklara varför. Faktum är att steampunk-artister sjunger om all teknik för ett par - ånglok, luftskepp och andra mekanismer. Det här är en sådan sci-fi, urban-industriell stil som kombinerar retro och futurism på ett konstigt sätt. Retro är i en medveten stilisering av den viktorianska eran (England, mitten och slutet av 1900-talet), och ursprunget till futurismen kan hittas i den huvudsakliga konceptuella frågan om steampunk: "Hur skulle världen se ut om ångmaskinen förblev den viktigaste ett?". Spoiler: det skulle finnas många luftskepp, motorer, växlar och metall.

Steampunk-artister i sina verk lyckas skapa en brutalt mysig värld som pojkar drömmer om efter att ha läst Jules Vernes fiktion. Otroligt vackra verk är skapade av vanlig metallskrot av den ryske konstnären Igor Verny:

I vårt museum kan du beundra eleganta och brutala verk i denna stil:

Samling

Assemblage är en bildkonstteknik som liknar collage. Termen kommer från det franska ordet assemblage, som ordagrant betyder "blandning".

Om konstnären använder papper i collage, så är sammansättningen baserad på användningen av volymetriska detaljer, fragment eller hela föremål som kan placeras på ett plan. Det visar sig en tredimensionell bild, som kan kompletteras med färger, metall, trä, tyg och andra element.

För första gången började assemblagetekniken användas av ryska avantgardekonstnärer (Tatlin, Rodchenko, Puni) i början av 1900-talet. Termen i sig introducerades av den franske konstnären och skulptören Jean Dubuffet först 1953. Under den förstod han konstverk gjorda av fragment av naturliga material, föremål eller deras fragment.

Franska konstnärer gillade samlingen fruktansvärt - och de började förbättra den på sitt eget sätt och gav ut alla möjliga mästerverk. Som till exempel den franske konstnären Cesar, som personligen pressade materialet till sina verk.

skräpkonst

Skräpkonstens riktning kom från sammanslagning av två engelska ord som är så lite kompatibla med varandra. Döm själv: skräp är "skräp, skräp", och konst är "konst", så sublimt, inte alls som avfall!

Skräpkonst är en riktning inom modern måleri och skulptur, nära assemblage (kom ihåg, det här är ungefär som ett tredimensionellt collage).

Termen "skräpkonst" användes först för att beskriva collage av Robert Rauschenberg i mitten av 1950-talet.

Skräpkonstnärer använder material som inte har något värde - skrot, gamla saker, stadsavfall. Och eftersom det finns mer och mer sopor på jorden varje år, expanderar deras möjligheter till kreativitet till oändligheten.

På MU MU finns skräpkonst med i många originalföremål, som dessa:

Magnificent Louboutins är helt gjorda av sopor, och de samlade in det i företagets studio, bokstavligen - i papperskorgar!

Konstnären Naina Velichkos rum, vars interiör kan ses närmare på MU MU. Alla utställningsföremålen gjordes "ärligt" - det vill säga spontant och av det material som i det ögonblicket fanns till hands och till och med under författarens fötter.

Återvinning av konst och ekokonst

Återvinningskonst och ekokonst är liknande former av samtida miljökonst. Återvinning i översättning från engelska betyder "återvinning", "återanvändning". Denna riktning dök upp ganska nyligen, vid sekelskiftet - när mänskligheten funderade på hur man på ett vackert sätt kan locka människors uppmärksamhet till globala miljöproblem. Låt oss se hur de gör det.

Ekokonstnären Chris Jordan skapar sina konstverk av skräp och bioavfall som hittats på soptippar eller rensats från havsbotten. En av Jordans mest sensationella målningar är en gigantisk duk som föreställer två hajar. Bilden skulle ha förblivit obevakad om inte för ett "men": den är helt skapad av hajtänder. Konstnären hittade dem själv på havets botten, köpte dem på basarer vid havet eller hittade dem helt enkelt på soptippar. Totalt tog bilden 270 tusen hajtänder. Kan du föreställa dig hur många fiskar som utrotades för deras skelett, skinn och kött?

En annan ekokonstnär, koreanen Yong Ho Ji, skapar skulpturer av hajar av vanliga bildäck – varav många för övrigt är uppfiskade ur haven.

Och det här är fantastiska djur från gamla däck gjorda av våra författare:

I grannskapet kan du hitta ett filosofiskt verk i stil med ekokonst - ett fartyg som sjunker i sopor. Hon anlände till "MU MU" i riktiga soppåsar och här, i själva museet, återskapades personligen av författarens händer i originalkompositionen. Framsidan av skeppet är gjord av rester av svarta plaströr, ostron och marint skräp som finns på stranden.

"Skräpkonst": konstföremål som misstas för skräp

Tracey Emin "My Bed"

Samtida konst skämtar ibland med betraktaren. Under Harbour Art Fair i Hong Kong misstog en städare ett verk av konstnären Carol May för skräp och slängde det. RBC Style kom ihåg när konstobjekt inte kunde särskiljas från papperskorgen.

Carol May "Unhappy Meal"

Den schweiziska konstnären Carol May förlorade ett av sina verk på Harbour Art Fair i Hong Kong. Vi pratar om installationen "Unhappy Meal", som liknade en låda under "Happy Meal" - ett set med mat och en leksak från McDonalds snabbmatskedja.Städerskan märkte inte skillnaden mellan konstföremålet och den tomma kartongen från under snabbmaten och kastade bort Maes arbete, och när hon insåg att hon hade fel var Unhappy Meal redan allvarligt skadad.

"I mitt arbete vänder jag mig ofta till vardagsföremål, som jag ger nya funktioner med hjälp av små förändringar", sa konstnären. Hon tillade också att hon i sitt arbete försöker ta en kritisk titt på den moderna konsumtionskulturen.

Verket "Unhappy Meal" är inte förlorat för alltid. Den försiktiga Carol May tog hand om att göra 30 sådana installationer. Enligt Dazed är konstföremålet värderat till $364.

Tracey Emin "My Bed"

1998 skapade den brittiska konstnären Tracey Emin installationen My Bed. Eftersom konstnären var deprimerad lämnade han inte rummet på flera dagar i rad och vägrade allt utom alkohol. Då föddes idén om ett konstprojekt, som var en obäddad säng, omgiven av tomma flaskor, använda kondomer, skrynkligt linne och sopor. 1999 nominerades "My Bed" till Turner-priset och ställdes ut på Tate Gallery. En av museets curatorer, som inte förstod Tracy Emins idéer, bestämde sig för att utställningen hade blivit attackerad av vandaler och städade sängen,

Richard Stonehouse/Getty Images

Gustav Metzger "Restaurering av den första offentliga demonstrationen av autodestruktiv konst"

2004 antog en städerska på Tate Modern i London att en av utställningarna var en påse med skräp och slängde installationen. Det var dock inte svårt att göra ett misstag med Gustav Metzgers verk: utställningen med en lång titel - "Restoration of the first public demonstration of auto-destructive art" - var en bild korroderad av syra, omgiven av plastsoppåsar . Efter att en del av Metzgers konstföremål bokstavligen hamnat på en soptipp fick konstnären göra en ny kopia.

Konstnären Gustav Metzger, som dog i London i mars 2017, har kallats ett "skräpgeni". Han skapade riktningen för "självdestruktiv konst". I sitt manifest från 1959 beskrev han idén så här: "Det är ett desperat omstörtande politiskt vapen, en sista utväg i kampen mot det kapitalistiska systemet ... i kampen mot konsthandlare och samlare som manipulerar samtidskonst till sin fördel. " I installationer använde Metzger ofta industriavfall och byggskräp.

Gustav Metzger

Tristan Fewings/Getty Images för Serpentine Galleries

Sarah Goldschmid och Eleanor Chiari "Var ska vi dansa ikväll"

I Museet för modern konst i den italienska staden Bolzano blev städerskans offer installationen "Var ska vi dansa i kväll". Verket av två milanesiska konstnärer - Sarah Goldschmid och Eleonora Chiari - ägnades åt eran av hedonism och politisk korruption i Italien på 1980-talet, rapporterade The Independent. I en av museets salar strödde författarna ut tomma flaskor, cigarettfimpar och konfetti på golvet. Städerskan tog allt detta för banalt sopor och städade noggrant. När museet öppnade nästa morgon fanns inte ett spår av konstföremålet kvar i hallen. Lyckligtvis hann paketen med konstsopor inte ta bort långt. Konstnärerna restaurerade installationen.