Šest dobro poznatih platna sa mnogo više nego što se na prvi pogled čini. Šest poznatih platna koja prikazuju mnogo više nego što se čini Brzi i lagani potezi, jarke boje i slika prirode - Monet

Slike i slikari

Umjetnost je oduvijek bila način razumijevanja svijeta i izražavanja osjećaja i emocija. Postoji mnogo različitih oblika umjetnosti i slikarstvo je samo jedan od njih.
Horace je rekao da je "slika pesma bez reči" i zaista je tako. Tokom vekova razvile su se mnoge tehnike koje su umetnicima omogućile da svoja osećanja transformišu u slike na platnu.
Ruski slikari predstavljaju rusku umjetnost koja je po mnogo čemu jedinstvena i oduvijek je impresionirala ljude širom svijeta. Potiče od svjetski poznatih ikonopisaca, od kojih je najpoznatiji Andrej Rubljov.
Mnogi ruski slikari u svojim radovima hvale ljepotu ruske prirode. Ivan Šiškin je posebno poznat po svojim platnima koja predstavljaju rusku šumu (npr. "Jutro u borovoj šumi"), dok je Isak Levitan inspiraciju crpio iz ruske jeseni.
Peredvizhniki je uključivao umjetnike 19. stoljeća. Jedan od njih bio je Ilja Repin koji je umjetnik koji slavi za svoja velika platna kao što su "Ivan Grozni i njegov sin Ivan" ili "Teglenice na Volgi". Viktor Vasnjecov je za svoje "Bogatire" odabrao narodni ruski stil, a Mihail Vrubel je poznat po originalnosti misli. Njegov "Demon" je plod njegove fantastične mašte.
Ivan Aivazovski je stekao svetsku slavu svojim romantičnim slikama koje predstavljaju more. "Deveti val" je remek djelo koje otkriva ljepotu moćnog mora u olujnom danu.
Ruska umetnost je izložena u Državnom ruskom muzeju u Sankt Peterburgu. A u odeljenju engleske umetnosti u Ermitažu možete uživati ​​u nekim od remek dela britanskih slikara.
Jedan od najpoznatijih od njih je John Constable - engleski romantičarski slikar koji je uglavnom poznat po svojim pejzažnim slikama Dedham Valea, oblasti u blizini njegove kuće u Suffolku koja je danas poznata kao "Constable Country".
William Turner bio je umjetnik pejzaža za čiji se stil može reći da je postavio temelje impresionizma.
William Hogarth poznat je ne samo po svojim portretima već i po seriji slika sa satiričnim detaljima koji karakteriziraju englesko visoko društvo 1740-ih.
Thomas Gainsborough jedan je od najpoznatijih slikara portreta i pejzaža u Britaniji 18. stoljeća. U Nacionalnoj galeriji u Londonu možete vidjeti živopisnu sliku „Mr. i gđa. Andrews" koji je kombinacija porodičnog portreta i pejzaža i mračnog portreta "Gospodina i gospođe William Hal-lett" koji oslikava Gainsboroughov zreli stil.
William Blake je engleski pjesnik i slikar. Danas uglavnom neprepoznati tokom njegovog života, njegovi radovi se smatraju značajnim u istoriji poezije i vizuelne umetnosti. Njegove slike mogu izgledati vrlo neobično i fantastično. Na primjer, prikazao je Isaka Newtona kao božanskog geometra.

Slike i umjetnici

Umjetnost je oduvijek bila način razumijevanja svijeta i izražavanja osjećaja i emocija. Postoje mnogi oblici umjetnosti, a slikarstvo je samo jedan od njih.
Horace je rekao da je "slika stih, samo bez riječi" i to je zapravo tako. Razvijen vekovima različite tehnike omogućavajući umjetnicima da svoja osjećanja pretvore u slike na platnu.
Ruski umjetnici predstavljaju rusku umjetnost, koja je po mnogo čemu jedinstvena i oduvijek je oduševljavala ljude širom svijeta. Potiče od svjetski poznatih ikonopisaca, od kojih je najpoznatiji Andrej Rubljov.
Mnogi ruski umjetnici pjevaju o ljepoti ruske prirode u svojim radovima. Ivan Šiškin je posebno poznat po svojim ruskim šumskim slikama, poput Jutro u borovoj šumi, dok je Isak Levitan inspiraciju crpio iz ruske jeseni.
The Wanderers su uključivali umjetnike iz 19. stoljeća. Jedan od njih bio je Ilja Repin - umjetnik poznat po svojim velikim platnima, kao što su "Ivan Grozni i njegov sin Ivan" ili "Teglenice na Volgi". Viktor Vasnjecov je za svoje Bogatire odabrao rusko-narodni stil. Mihail Vrubel poznat je po svojoj originalnosti misli. Njegov "Demon" plod je fantastične mašte.
Ivan Aivazovski je primio svjetska slava zahvaljujući romantičnom prikazu mora. Deveti val je remek djelo koje otkriva ljepotu morske moći u oluji.
ruska umjetnost predstavljen u Državnom ruskom muzeju u Sankt Peterburgu. A u Odsjeku za englesku umjetnost u Ermitažu možete uživati ​​u nekim od remek-djela britanskih umjetnika.
Jedan od najpoznatijih od njih je John Constable - engleski slikar romantičara, poznati, uglavnom, za svoje pejzaže Dedham Valea, oblasti u blizini njegove kuće u Suffolku, koja je danas poznata kao Constable's Land.
William Turner je bio pejzažni slikar, možemo reći da je njegov stil postavio temelj impresionizma.
William Hogarth poznat je ne samo po svojim portretima, već i po nizu slika sa satiričnim detaljima koji karakteriziraju englesko visoko društvo 1740-ih.
Thomas Gainsborough jedan je od najpoznatijih slikara portreta i pejzaža u Britaniji 18. stoljeća. U Nacionalnoj galeriji u Londonu možete vidjeti živopisnog gospodina i gospođu Andrews, koji je kombinacija porodičnog portreta i pejzaža, i mračnog gospodina i gospođu William Hallett, koji je primjer zrelijeg stila Gainsborougha.
William Blake je engleski pjesnik i slikar. Za života nepriznata, danas se njegova dela smatraju važnim u istoriji i poeziji, i vizualna umjetnost. Njegove slike mogu izgledati neobično i fantastično. Na primjer, prikazao je Isaka Newtona kao božanskog geometra.

vokabular:

platno - platno, platno
proslava - poznata
oslikati - prikazati
crpiti inspiraciju - dobiti inspiraciju
božanski - božanski
izazvati - izazvati, probuditi (osećanja)
primjer - poslužiti kao primjer
folk - folk
plod mašte - plod mašte
Horace - Horace
pejzaž - pejzaž
pejzažista - pejzažista
postaviti temelj (za) - postaviti temelj, početi
remek-djelo
zrelo - zrelo
moćan - moćan, moćan
zapažen - značajan, poznat
nastati - nastati
pohvala - pohvala
dominirati - dominirati
renomiran - renomiran
otkriti - otvoriti, razotkriti
neprepoznat - neprepoznat
vizuelna umetnost - likovna umetnost
svjetski poznat - svjetski poznat

Odgovori na pitanja
l.Šta je Horace rekao o slikama? Kako razumete njegove reči?
2. Ko je Andrej Rubljov? Po čemu je poznat?
3. Koji su ruski umjetnici hvalili ljepotu prirode?
4. Koje umjetnike zovu Peredvizhniki?
5. Koje slike Ilje Repina znate?
6. Po čemu je Ivan Aivazovski poznat?
7. U kojim muzejima možete vidjeti slike ruskih umjetnika?
8. U kojim muzejima možete vidjeti slike britanskih umjetnika?
9. Šta je "Constable Country"? Zašto se tako zove?
10. Čiji je stil postavio temelje impresionizma?
11. Koji slikar je bio poznat i po satiričnom prikazivanju visokog društva?
12. Po čemu je Thomas Gainsborough poznat?
13. Šta znaš o Williamu Blakeu?
14. Koji su vaši omiljeni umjetnici i zašto?

Ovi umjetnici zadivljuju svojim talentom i načinom na koji stvaraju svoje hiperrealistične slike. Teško je povjerovati, ali ovo nisu fotografije, već prave slike nacrtane olovkom, bojama, pa čak i hemijskim olovkama. Nije nam jasno kako to rade?! Samo uživajte u njihovoj kreativnosti.

Omar Ortiz je hiperrealistički umjetnik iz Meksika sa diplomom grafičkog dizajna. Glavna tema njegovih slika su ljudske figure, uglavnom gole žene. Na slici umjetnik razlikuje tri elementa: lik muškarca, drapirane tkanine, bijelu boju. Karakteristika Omarovog rada je minimalistički stil, lakonizam u prijenosu suptilnih oblina i linija tijela, rad u ulju.

Paul Cadden - savremeni umetnik svjetske klase iz Škotske. Za svoj rad Paul koristi samo bijelu kredu i grafit, pomoću kojih može rekreirati gotovo svaku fotografiju, obraćajući pažnju na neprimjetne male detalje. Kako sam umjetnik priznaje, on ne smišlja nove detalje, već ih samo naglašava, stvarajući tako iluziju nova realnost, što se često ne vidi na originalnim fotografijama.

Kamalky Laureano- umjetnik je rođen u Dominikanskoj Republici 1983. godine, trenutno živi i radi u Mexico Cityju. Kamalki je završio Školu za dizajn i umjetnost, specijalizirajući se za kreiranje hiperrealističkih portreta. Scene je teško razlikovati od stvarnih fotografija, iako su naslikane akrilima na platnu. Za autora svog rada - ne samo imitacija fotografija, već cijeli život oličen na platnu.

Gregory Thielker- Rođen u Nju Džersiju 1979. godine, studirao istoriju umetnosti i slikarstvo na Univerzitetu Vašington. Preseljenje u Boston postalo je polazište za njegov rad na hiperrealističnim gradskim pejzažima, koji su ga učinili poznatim u cijelom svijetu. Tilkerove slike su putovanje automobilom po hladnom kišnom danu. Inspiriran radovima umjetnika 70-ih, autor stvara svoje realistične slike koristeći akvarele i uljane boje.

Lee Price- umjetnik iz New Yorka, diplomirao slikarstvo na fakultetu, bavi se figurativnim slikarstvom. Glavni zaplet Leejevog rada je težak odnos žena prema hrani. Gledalac, kao spolja, posmatra žene koje potajno jedu nešto ukusno, ali štetno. Sama umjetnica kaže da u svojim radovima pokušava pokazati da žene hranu obdaruju kvalitetima koji joj nisu svojstveni, utjehu traže u neprikladnom izvoru. Slike prenose apsurdnost situacije, pokušaj da se pobjegne od stvarnosti, da se ublaži nelagoda.

Ben Weiner rođen 10. novembra 1980. u Burlingtonu, Vermont, diplomirao na Univerzitetu umjetnosti, slika u ulju na platnu. Posebnost umjetnikovog rada je neobičan zaplet. Ben slika! Prvo, umjetnik nanosi boje na radnu površinu, fotografira ih, a zatim piše sa gotove fotografije slika na platnu.

Rođen 1950. godine u sjevernoj Kaliforniji, poznat je po svojim realističnim slikama akrilom na platnu. Kao dete, autor je delio ljubav prema crtanju sa uspehom u sportu, ali je povreda leđa odredila Rejevo glavno zanimanje. Kako je umjetnik priznao, crtanje ga je odvratilo od stalnih bolova u leđima. Još u mladosti majstor je dobio široko priznanje i mnoge nagrade na likovnim takmičenjima.

Alyssa Monksživi i stvara svoje slike u Bruklinu, postala je nadaleko poznata po svojim realističnim "mokrim" slikama. Umjetnik koristi filtere kao što su voda, staklo ili para za kreiranje apstraktnih dizajna. Za svoj rad, Alyssa često koristi fotografije iz lične arhive svoje porodice i prijatelja. Ženska lica a figure na slikama su slične jedna drugoj - umjetnica često crta autoportrete, jer tvrdi da joj je "lakše" stvoriti potrebnu radnju.

Pedro Campos- hiperrealista iz Madrida, počeo je da slika uljem tek sa 30 godina. Umjetnik stvara svoje realistične mrtve prirode koristeći uljanu boju. Campos je radio kao dizajner interijera, ilustrator, restaurator namještaja, skulptura i slika. Umjetnik vjeruje da mu je upravo restauratorski rad pomogao da usavrši svoje vještine.

Dirk Dzimirsky- umjetnica iz Njemačke, rođena 1969. godine, stekla umjetničko obrazovanje, radi u tehnici olovke. Umjetnik crta slike sa fotografija, ne ulazeći u najsitnije detalje, mnogo improvizira. Dirk kaže da prilikom rada na slici predstavlja živi model, pa fotografiju koristi samo za temeljno prenošenje unaprijed određenih proporcija. Autor svojim glavnim zadatkom smatra stvaranje osjećaja prisustva subjekta na slici.

Thomas Arvid- Američki hiperrealistički umjetnik iz New Orleansa, koji je rođen i odrastao u Detroitu, nema formalno obrazovanje, majstor je takozvane "prevelike" mrtve prirode. Njegova serija realističnih slika "Vinski podrum" su čepovi, flaše, čaše sa gaziranim ili tamnocrvenim napitcima. Autoritativni kritičari i publikacije zabilježile su više od 70 radova umjetnika. Slike majstora krase ne samo zidove vinarija i prestižnih vinskih salona, ​​već i privatne kolekcije i galerije.

Robin Eley Rođen je u Britaniji, odrastao i nastavlja da živi i radi u Australiji, ima diplomu likovnih umjetnosti i nagrađen je nacionalnom nagradom za portret Doug Moran. Svoje hiperrealistične slike stvara u ulju, a glavnim “konjem” smatra radnju “ljudi i celofan”. Majstor radi na jednoj slici oko 5 sedmica, 90 sati sedmično, skoro na svakoj slici su ljudi umotani u celofan.

Samuel Silva- Portugalski umjetnik amater bez specijalnog obrazovanja, koji ličnim primjerom dokazuje da od svega možete stvoriti remek djelo. Prilikom kreiranja slika, umjetnik koristi paletu od osam boja hemijskih olovaka iz Bic-a. Silva je po struci pravnica i svoju strast prema crtanju smatra samo hobijem. Danas svjetski poznati samouki umjetnik savladava nove slikarske tehnike koristeći boje, kredu, olovke u boji, pastele itd.

Gottfried Helnwein- Austrijski umetnik, autor hiperrealističkih slika društvenih, političkih i istorijskih tema, "majstor neočekivanog prepoznavanja", kako ga je nazvao pisac W. Burroughs. Autor je školovan na bečkoj Akademiji likovnih umetnosti, pripada umetnicima visokog profesionalnog nivoa. Pomalo kontroverzne teme, nadrealističke kompozicije donele su mu slavu. Majstor je često na svojim slikama prikazivao likove iz stripova i priznaje da je „naučio više od Donalda Ducka nego u svim školama u kojima je studirao“.

Franco Clun je talijanski samouki umjetnik koji više voli crtanje grafitom od svih ostalih umjetničkih tehnika. Njegove crno-bijele realistične slike rezultat su Frankovog samostalnog proučavanja različite literature o tehnikama crtanja.

Kelvin Okafor je hiperrealistički umjetnik, rođen 1985. godine, živi i radi u Londonu. Kelvin je diplomirao likovnu umjetnost na Univerzitetu Middlesex. Autor stvara svoje slike jednostavnom olovkom, glavna tema njegovog rada su portreti poznatih ličnosti.

Amy Robins je britanska umjetnica koja za svoje hiperrealistične radove koristi olovke u boji i debeli papir. Umjetnik je diplomirao likovne umjetnosti u umjetnosti i dizajnu i živi i radi u Bristolu. O mladoj autorki se malo zna, ali su njeni radovi već postali poznati širom sveta, zadivljujući svojim realizmaom i tehnikom.

Robert Longo- Američki slikar i vajar, rođen u Bruklinu 1953. godine, odlikovan je legendarnim Goslar Kaiser prstenom. Svoje trodimenzionalne slike nuklearnih eksplozija, tornada, uragana i morskih pasa umjetnik crta ugljenom na papiru. Longo se često naziva "slikarom smrti". čuvena slika Untitled (Ostrvo lobanje) sa valom prodato je na Christie's u Londonu za 392.000 dolara.

Diego Fazio- samouki umjetnik, rođen 1989. u Italiji, nema likovno obrazovanje, počeo je sa izradom skica za tetovaže, na kraju razvio vlastitu tehniku ​​crtanja. Mladi umjetnik bio je član mnogih međunarodna takmičenja, gdje je osvajao nagrade, predstavljen je na izložbama širom svijeta. Umjetnik radi pod pseudonimom DiegoKoi.

Bryan Drury rođen 1980. godine u Solt Lejk Sitiju, ima diplomu njujorške Akademije umetnosti, stvara slike u žanru realizma. Umjetnik slika svoje slike uljanim bojama. Kako autor priznaje, u svojim radovima pokušava se usredotočiti na organske kvalitete kože, njene nedostatke.

Steve Mills je američki umjetnik koji je svoju prvu sliku prodao sa 11 godina. Umjetnik stvara svoje slike uljanim bojama, fokusirajući se na najsitnije detalje. Svakodnevni život, koje često ne primjećujemo u vječitoj žurbi. Umjetnik napominje da prikazuje predmete onakvima kakvi jesu u stvarnom životu, ne mijenjajući i preuveličavajući njihov izvorni oblik.

Paul Lung rođen u Hong Kongu, crta automatskom olovkom na A2 listovima. Značajka tehnike stvaranja slika je temeljno odbijanje upotrebe gumice, svi radovi su nacrtani čisto. Glavne umjetnikove "muze" su mačke, iako crta i ljude i druge životinje. Za svaki rad autoru je potrebno najmanje 40 sati.

Roberto Bernardi rođen u Italiji, za hiperrealizam se zainteresovao sa 19 godina, radio kao restaurator u crkvi San Francesco. Za izradu slika koristi uljane boje. Svjetsku slavu umjetniku je donio niz radova koji prikazuju objekte karakteristične za potrošačko društvo. Slike sa slatkišima, automati, police u frižideru su umjetnikova vizit karta, iako njegov arsenal uključuje pejzaže, mrtve prirode i još mnogo toga.

Juan Francisco Casas- Španski umetnik koji svoje slike stvara običnom Bic hemijskom olovkom. Casas je bio tradicionalni umjetnik koji je odlučio drugima dokazati da nije bitan materijal za rad, već način i tehnika crtanja. Već prva izložba kreativnog Španca donijela mu je svjetsku slavu. Većina Casasovih slika prikazuje njegove prijatelje.

Teresa Elliott je američki umjetnik koji je uspješno radio kao ilustrator 26 godina prije nego što je stvorio realistične slike u ulju. Tereza ima diplomu likovne umjetnosti, vrativši se klasičnoj umetnosti, postala je poznata širom sveta zahvaljujući svojim portretima, istinitim do najsitnijih detalja.

razgovor se okrenuo tome kako različiti umjetnici prikazuju istu temu.
Dato: dvije slike na temu kako su bijelci na brodovima pobjegli iz boljševičke Rusije.

a) Ivan Vladimirov (1869−1947). "Bjekstvo buržoazije iz Novorosije" (1926.)

b) Dmitrij Beljukin (r. 1962). "Bijela Rusija. Egzodus". 1992-4

Koji od njih istorijski tačno prikazuje događaj? Kome od ovih umjetnika treba vjerovati? raspravljaju komentatori.

Evo, na primjeru njih (kao i drugih slika) analizirajmo šta je općenito "istina" na slikama i kome treba vjerovati.
Kako se ispostavilo, neki ljudi to ne shvataju.

Dakle, da bismo pravilno uživali u značenju umjetničkog djela, njegovoj istoriji itd. (a ne samo zasebno estetsko savršenstvo, harmoniju), vrlo je korisno razumjeti šta je bilo GOAL umjetnika koji je stvorio ovo djelo.

1) Izrazite se
(samodivljenje, divljenje omiljenim stvarima)

Ovo stavljam na vrh liste jer u 20. i 21. veku ovaj cilj za umetnike javnost (a možda i sami umetnici) oseća kao prioritet.

Društvo se u tom periodu toliko obogatilo, formirao se toliki višak sredstava da se moglo baviti umetnošću velika količina ljudi, kako profesionalci tako i neprofesionalci. Svi koji samo vole da crtaju (pišu poeziju, muziku, fotografišu na Instagramu itd.). Diši kako mogu vajati knedle/crtati klovnove/veziti satenom itd., kako sam lijepa, i moja djeca, i moja jahta.

Međutim, kada se unutra koriste djela apsolutno bilo koje vrste umjetnosti (slika, književnost itd.), UVIJEK zapamtite da je ta sloboda, ovaj cilj, ova ideja umjetnosti kao „instagrama umjetnika“ dostignuće koje je postalo dostupno stvaraocima. samo u najnovije vrijeme. U prethodnim vekovima, što dalje - to jače, takva pozicija je bila neprihvatljiva, razuzdanost, doživljavana je kao sajam taštine. Ni u kom slučaju, gledajući radove „starih majstora“, ne sudite o njima sa pozicije „on je to uradio jer je hteo“. Naravno, ne bih želio - on to ne bi učinio, ali sve do ere impresionizma, ova "htjela" se utkala u listu ciljeva pri stvaranju umjetničkog djela veoma veoma rep. Ne sudite po sebi, sa pozicije ličnosti 21. veka.

2) Izrazite svoje unutrašnje demone
(ili erotske fantazije)

Ali to je, naprotiv, klasični cilj umjetnosti, jedan od najstarijih.
Prvi javni cilj stvaranja umjetnosti najvjerovatnije je bio religijski (šamanizam za dobar lov na mamute, pogrebni rituali itd.), ali je individualni, lični cilj prvih autora bio i izražavanje emocija, strahova, snova.

Ali i ovdje je vrlo važna osobina koja razlikuje čovjeka modernog vremena - i čovjeka prošlosti, umjetnika modernizma (počevši od impresionista) - opet, stepen slobode izražavanja ovih fantazija.

kriviti avangardu moderna umjetnost zbog činjenice da su nerazumljivi i nerealistični - ne vrijedi; dogodilo im se, jer se sam život u 20. veku globalno promenio. Gledajte, dogodila se seksualna revolucija i postalo je moguće hodati ulicama praktično u kratkim hlačama, pa čak i bez gaćica. Što se tiče umjetnosti, kako odgovoriti na ovu urušenu slobodu, na nove mogućnosti da se radi šta god hoće? Umjetnici već pet stotina godina potpuno slobodno crtaju žene bez gaćica u umjetnosti, to nikoga neće iznenaditi. Tako je seksualna revolucija u likovnoj umjetnosti bila izražena u odbacivanju realizma, prirodne sličnosti; zapravo, iz svih pravila likovne umjetnosti, izmišljeno je prethodnih pet stotina godina. Ovo je sasvim normalna reakcija umjetnika na ono što se globalno dešavalo u društvu općenito. Da li su crvenokosi da bi bili pristojni kada svi okolo rade šta hoće?

Dakle, zapamtite, umjetnik ranijih stoljeća, izražavajući svoje demone, imao je jasne granice koje mu je nametnulo društvo. A da bi to izrazio, morao je pronaći pravu nišu koju dozvoljava cenzura (društvo), pristojnu nišu.
U pravilu, to su bile sve vrste užasa vjerske umjetnosti.

U slučaju erotskih fantazija bilo je lakše – umjetnost ih nije tabuizirala (s izuzetkom otvorene pornografije, kao i previše realističnih sitnica poput stidnih dlačica).

Sloboda počinje da se javlja razvojem autorove ličnosti, individualnosti, kada umetnik prestaje da se oseća kao zanatlija i postaje „pesnik“. Tako na kraju 18. veka dobijamo fatamorgane Goje, Vilijama Blejka, Fuzelija itd., svakakve vrste romantizma. I tako se individualnost nije uvijek poticala, na primjer, jednostavno je bilo nepristojno stavljati autorski potpis na srednjovjekovnu religioznu umjetnost u nekim epohama (zato poznajemo tako malo majstora ovih epoha).

Općenito, ne biste trebali sami mjeriti, trebali biste pokušati interpolirati.

3) Novac

Također drevni cilj stvaranja djela, slično izuzetno popularnog.
Veoma, veoma vredan gol. Ona je ta koja prisiljava umjetnike da završe svoj posao do kraja, jer inače mušterija neće platiti, ona je ta koja tjera ljude da ustanu od peći i traže posao da prehrane djecu, usavrše svoje vještine i ne pretvore se u UG.
Jer tržište uvijek diktira (diktira), a loše slike niko nije kupovao.

(Možete li zamisliti kako bi bilo super kada bi Leonardo da Vinci bio plaćen tek naknadno, a on bi također bio u obavezi da pruži 10-godišnju garanciju? Svoj oštar um bi primijenio na sigurnosna pitanja, i još mnogo toga bi došlo do nas.. Ali avaj, uspio je da napumpa svoj lični brend, a plaćen je jednostavno za ime).

Ali opet, morate razumjeti razliku između modernističkog umjetnika i "starog majstora". Ekonomija se dosta promijenila i to utiče. Ekonomija i tehnički napredak. Stvaranje slike je prvenstveno bio zanat, posao, a ne let misli genija. Uzmimo arhitekturu, ona je više nepromijenjena u ovom smislu: odlučite da sami izgradite vilu. Otišli smo kod arhitekte, izrazili želje, potpisali ugovor. Nacrtao je skicu, odobrio, sagradio kuću od cigle, završio je mermerom, platio arhitekti, onda kuću koristiš za namenu. Ista stvar se dogodila i sa slikarstvom: 1311. godine zajednica katedrale odlučila je naručiti oltarnu sliku, recimo Duccio, izrazio je svoje želje, potpisao ugovor tačku po tačku. Duccio uzima skupu drvenu ploču, savršeno pripremljenu, pa čak i ogromne veličine i zamršenog oblika. Boje: smrvljeni lapis lazuli, blijedoplave, donesene iz Indije, koštaju paklene pare; pozlata isto nekako nije jeftina itd.

Normalan arhitekta usred gradnje vile neće inspirisati da promeni koncept, jer on je Autor, Tvorac, hteo je, zna da ovaj banket nije na njegov račun. Umjetnik je također morao jednostavno dobro odraditi svoj posao, isporučiti narudžbu na vrijeme (moderni dizajneri će sada shvatiti. I neka im zavide: u to vrijeme nije bilo mejlova, pa niko nije mogao često tražiti da se "igra sa fontovima").

Tržište umjetnina dugo je otišlo u kinematografsku situaciju koja nam je danas poznata: kada tako briljantan umjetnik sjedi u ateljeu prepunom svojih šik slika. Tada mu dolazi poznanik i dovodi njegove bogate američke prijatelje, koji oduševljeno govore: "Ali mi uzmemo ovo, i ovo, i ovo! i šta još imaš, zamotaj!".
Prije toga postojala je još jedna etapa, koja se više ne može porediti sa arhitekturom, već sa kolačima. Ovdje imate kućnu pekaru i novac za repromaterijal za 10 kolača. Nema konkretnih kupaca koji su potpisali ugovor sa vama za vaše kolače, ali znate da vam u principu ljudi dolaze. Nećete napraviti 20 torti jer vam toliko kupaca ne stigne. Morate prodati sve što ste ispekli, inače nećete imati novca za kupovinu novih sirovina. Vidite, boje su bile skupe, platna su bila skupa (ali jeftinija od starinskog drveta, sledeći put ću vam reći detaljno), iznajmljivanje radionice je skupo,. Zašto su u 17. veku u Holandiji "mali Holanđani" tako aktivno slikali mrtve prirode, svakodnevne scene i pejzaže? Zato što je zemlja postala vrlo prosperitetna, a svaki lokalni stanovnik mogao je priuštiti (i dozvoliti) da dođe u "prodavnicu gotovih slika" i odabere ljepotu za sebe na zidu. Shodno tome, pojavio se vrlo gust sloj umjetnika koji su služili ovim građankama.

I konačno, u 19. veku se pojavljuje umetnikov životni stil, koji nam se čini udžbenikom: sa gomilom platna naslikanih „na stolu“, koje bi bilo lepo prodati, ali ne možete, ionako, ima nešto za jelo, ali neka visi po zidovima neprodato.
Namjerno se ne zadržavam na društvenim, ideološkim, psihološkim aspektima, samo na ekonomiji.
Umjetnici su težili Parizu ne samo zato što je tamo bilo zabavno družiti se, već i zato što je grad stvorio okruženje za njihovu uslugu: trgovci bojama i platnima (naručuju na veliko, pa prodaju jeftinije), puno potkrovlja za iznajmljivanje , modeli namjerno dolaze na posao, kupci namjerno dolaze da kupuju i tako dalje.
Danas je generalno postalo toliko jeftino da svako može da se bavi umetnošću, i zaradi na potpuno drugačiji način (možda zato imamo toliko smeća na kraju?)

Dakle, da biste razumjeli zašto je slika nacrtana, pokušajte je razumjeti sa stanovišta novca - da li ju je umjetnik napisao za određenu narudžbu? samo na prodaju gradjanima, na stolu (jer je dobio), na poklon majci ili za sta?

4) Slava
(i konjuktura)

Takođe vrlo razumljiv motiv. Istina, nije baš drevno, zapamtite to. Umjetnici su se počeli rukovoditi ciljem da steknu slavu kada stvaraju umjetnička djela samo iz određenog perioda (samo Slava, a ne reputacija + mnogo klijenata). U srednjem vijeku, kao što sam rekao, slikarstvo je bilo samo zanat, poput nakita ili namještaja. U renesansi umjetnici počinju dizati glave i postepeno, uz pomoć susjedne spisateljske inteligencije (na primjer, Vasari), stvaraju kult oko svog zanimanja, pretvarajući ga iz zanata u umjetnost. Potpisivanje svojim imenima postaje norma. Postepeno (polako) biti umjetnik postaje cool (iako ih visoko društvo još uvijek ne prihvata baš). Sličan proces sa glumom - u svakom trenutku je najnižim službenicima zabranjeno sahranjivanje u osveštanoj zemlji i smatra se ravnopravnim sa bludnicama; sada su postali slavne ličnosti kraljevskog ranga.

Općenito, u stvaralaštvu mnogih umjetnika postoje programski radovi koje je autor napisao bez posebne narudžbe pokrovitelja, već jednostavno zato što je inspiracija došla do njega. Nakon što ga je stvorio, jasno je shvatio (pa, barem se nadao) da će sa njima "uspeti", postati poznat. Ako se zvijezde konvergiraju, a na slici je bilo moguće spojiti estetiku (ljepotu) sa ovim neuhvatljivim, lebdećim u zraku, tada slika počinje da grmi. I zaista ulazi u istoriju kao remek-delo. (Pažnja, djeco: remek-djelo nije sinonim za riječ "slika", umjetnik može naslikati 200 platna i samo 1 remek-djelo u životu i pamtiće ga samo po njemu).

Napisano nekoliko mjeseci nakon opisanog događaja.

Veliki umetnici su upravo oni koji umeju da dobro crtaju (anatomski ispravno, skladno kombinuju boje itd.) + istovremeno osećaju Duh vremena, i umeju da ga reflektuju. Dakle, u jednoj generaciji može biti mnogo dobrih crtača, ali malo istinski velikih majstora (čak i u renesansi). Na nekima se nađe samo 1 put u životu, a oni stvaraju ovo "duhoviti remek-djelo" (na primjer, Pukirev "Nejednak brak" ili). Drugi, poput Davida ili Repina, stalno će proizvoditi takve hitove. Nemojte misliti da umjetnik sjedi na stolici i kaže "sada ću nacrtati remek-djelo i zaslužiti slavu zbog toga." Tako da, naravno, ne radi. Za umjetnike (pisce, muzičare) ove visoke kategorije vještina, remek djela se rađaju zahvaljujući kombinaciji odličnih urođenih sposobnosti, stalnih vježbi (razvoj vještina). I zbog nevjerovatno razvijene intuicije. A intuicija je, kao što znate, napumpana, ako nešto ponovite milion puta, tada mozak pravi oštar kvalitativni skok i počinje da daje rezultate brzo i spontano. I autoru rezultata se čini da mozak zapravo nije radio nikakav posao, već se spustio s neba - i tako je izmišljen izraz da je autora posjetila Muza.

Općenito, umjetnici ovog nivoa slikaju slike više ne radi slave, i ne da bi se riješili svojih demona, već iz složenijih razloga. Postaju poput radio prijemnika, hvatajući očekivanja društva u okruženju, ali i okolne umjetničke zajednice, stila koji je sada moderan i tako dalje. - i uspijevaju sve to istresti na platno, prolazeći kroz sebe.
I tako ispada remek-djelo.
Zapišite, ne pokušavajte da ponavljate kod kuće.

I ovdje, u ovu kategoriju ciljeva, treba uključiti više praktičnih umjetnika koji svjesno hvataju val, radio signale koje šalje društvo (ali prvenstveno država). I proizvode slike ne samo da bi postali poznati (i ušli u istoriju umetnosti), već više da bi živeli dobro i imali razne dobrote. U nekim slučajevima, takav oportunizam, servilnost je lični izbor autora, ili općenito norma za to doba (vidi Deržavinove ode posvećene carici). U 20. veku, u uslovima totalitarnih država, kao što razumete, pitanje nije bilo samo u dobijanju novca, već je ponekad bilo banalno u opstanku. Ali, kako pokazuju brojne psihološke studije svih vrsta štokholmskih sindroma, najgore je što ljudi, uključujući i umjetnike, počinju iskreno vjerovati i veličati. Dakle, ostati hladnokrvni oportunista u takvim uslovima - možda i nije tako loša opcija, ha?

5) Propovijed

I tako, najstrpljiviji i najinteligentniji od mojih čitalaca, koji su stigli do ovog mesta u mom listu, sada kada ste razumeli osnovne, osnovne ciljeve, došli smo do onog koji je povezan sa dve slike o belcima na Krimu, kojom je započeo ovaj tekst.

Ova svrha umjetničkog djela je da izrazi ideje autora, njegovu ideju o svijetu, o tome šta je ispravno, a šta pogrešno. Preskočimo prvih par hiljada godina, tamo je sve jednostavno: tada je umetnik poverovao u bogove, a zatim u Boga, i iskazivao svoju veru, molitvu, stvarajući "ikonu", molitvenu sliku, i tako shvatajući Gospode. Dobri ikonopisci to i danas rade. Ono što nam treba je New Age, kada postaje moguće propovijedati umjetnošću ne samo vjerom. Gore sam napisao da se počevši od renesanse umjetnici postepeno pretvaraju u svijesti javnosti od zanatlija u kreatore, njihove figure se romantiziraju. Umjetnici postaju ličnosti, poznate ličnosti, najvažnije je to i u vlastitim glavama; oni odlučuju da su oni arbitri mišljenja i da moraju učiti ljude istini, propovijedati. (Zašto ne? Glavno je da sa ukusom, ali ne uspevaju svi).

Dakle, umjetnost ima svoju misiju.
(Usput, o tome koje ciljeve umjetnost ima, moramo razgovarati odvojeno - oni se uopće ne poklapaju s ciljevima umjetnika).

I sada razumeš šta je. Jedno je kada su se umetnici sa moćnom školom, koji su stajali na plećima divova, bavili "propovedima". A onda su ova djela iz 19. vijeka ponekad dosadna, moral se bolno promijenio, a istorija je iznijela svakakve pouke.
Ali u 20. veku, iz nekog razloga, umetnici su to posebno voleli da rade - Vasiljev, Glazunov, Riženko, Nesterenko ... A ako prođete kroz ovu listu od samog početka, dobićete zanimljivu situaciju. Tema voljenih (mačke, djeca) im nije zanimljiva - mali, privlače ih globalna dostignuća. Nemaju demona i erotskih fantazija ili nisu nimalo interesantni (a to odmah oduzima kreativnost od zrna bibera, vidi Konstantina Vasiljeva, koji za razliku od ostalih koje sam nabrojao, i dalje ima svoje fetiše, i kako ga to pozitivno izdvaja, čini ga posebnim, nezaboravnim).

Ispada da ispod slika nekih poznati umetnici ostale slike su skrivene. Ponekad, ako bolje pogledate, vidljivi su golim okom. Ali češće ih pronalaze povjesničari umjetnosti dok proučavaju slike poznatih majstora ili restauratora koji rade na restauraciji slika. U našoj recenziji, šest zanimljivi slučajevi kada su slike bile pune skrivenih slika.

Odgovarajući na pitanje o skrivenim slikama, naučnici napominju da su razlozi njihovog pojavljivanja na poznatim platnima različiti. Ponekad se umjetniku jednostavno nije svidjela originalna verzija, ponekad je slika morala biti ponovo nacrtana zbog toga javno mnjenje, a dešavalo se i da su se umjetnici našli u finansijskoj nevolji, da nisu mogli sebi priuštiti kupovinu novog platna, a staro su koristili za svoje nove radove.

1. Bista monarha na slici Jean Auguste Ingres

Na lijevoj strani slike francuskog neoklasičnog umjetnika Ingresa "Portret Jacquesa Marqueta, barona de Montbretona de Norvina" (1811-12), koja prikazuje šefa policije u Rimu nakon osvajanja grada od strane Napoleona, čak i sa golim okom možete vidjeti poprsje dječije glave. Vjeruje se da se radi o bisti glave Napoleonovog sina, kojeg je njegov otac proglasio kraljem Rima. Godine 1814., kada je Napoleon konačno poražen i abdicirao, Ingres je preslikao sliku iz političkih razloga i naslikao novu na njoj.

2. Žena u Picassovom "Starom gitaristu"

Pablo Picasso imao je težak period 1901-1904, kada nije imao novca ni da kupi novi materijal za rad. Često je grundirao stara platna i koristio ih za stvaranje novih slika. Jedan od mnogih poznatih primjera Pentimento u Pikasovim djelima je slika "Stari gitarista", na kojoj je pronađena oslikana figura žene.

Likovni kritičari su ranije uočili nejasnu konturu iza zakrivljenog vrata gitariste, ali su tek osvjetljavanjem slike rendgenskim zracima otkrili staru sliku žene koja hrani malo dijete, a pored njih su bik i ovca.

3. Bradati muškarac u Pikasovoj plavoj sobi

Picassova slika Plava soba, naslikana 1901. godine, također sadrži tajnu koju je nedavno otkrila infracrvena optička tomografija. Ako sliku postavite okomito, ispod sloja boje nalazi se određeni bradati muškarac s mnogo prstenja na prstima.

4. Naramenica u filmu "Portret Madame X" Johna Singera Sargenta

"Portret Madame X", koji je izložen u Metropoliten muzeju, smatra se ikonom stila zbog jednostavne crne odeće dame koja je prikazana na njemu, njene dostojanstvene figure i oholog izraza lica. Međutim, svojevremeno se ovaj portret smatrao skandaloznom uvredom pristojnosti i imao je vrlo negativan utjecaj na umjetnikovu karijeru u Europi.

Žena na portretu je poznata pariska socijalistica Virginie Gautreau. Blijedilo njene kože, koja se smatrala oličenjem ljepote u to vrijeme, navela je jednog savremenog kritičara da opiše Gautreauov ton kože kao "smrtan". Ovaj efekat je postignut upotrebom arsena. Gautreau je takođe tonirala kosu kanom za veći kontrast. Kako bi naglasio neobičnu Gautreauovu ljepotu, Sargent ju je prikazao u crnoj haljini, čiji je jedan remen koketno padao preko ramena.

Kada je portret prvi put bio izložen u Pariškom salonu, javnost je eksplodirala od ogorčenja, jer je poluspuštena naramenica bila vrlo nepristojna. Kao rezultat toga, Sargent je prepisao ovaj detalj haljine, podigavši ​​je preko ramena.

5. Žena na prozoru

AT National Gallery u Londonu, u procesu restauracije platna iz 1500-ih godina nepoznatog umjetnika, otkrivena je neobična "šminka". Ispostavilo se da je plavuša na slici zapravo brineta, a njenu boju kose umetnik je prepisao preko originala. Danas je slika vraćena u prvobitno stanje i nalazi se u Nacionalnoj galeriji.

6. Kit u "Sceni na plaži" Hendricka van Antonisena

Kada je ova holandska slika iz sedamnaestog veka donirana Muzeju Fitzwilliam, jednostavno je prikazivala scenu na plaži. Međutim, istoričari umjetnosti bili su zbunjeni zašto slika prikazuje gomilu okupljenu blizu vode bez ikakvog razloga. Nakon restauracije, ispod sloja boje, otkrivena je slika kita isplivanog na obalu. Vjeruje se da je kit bio oslikan iz estetskih razloga u 18. ili 19. stoljeću.

Poznavaoci umjetnosti će biti zainteresirani da saznaju o tome.