Konstnärens ordbok - k. Didaktiskt material "ordbok över termer i konsten" Bild i bild

1) En stafflimålning med självständig betydelse. Till skillnad från en studie och en skiss är en målning ett komplett verk, resultatet av ett långt arbete, en generalisering av iakttagelser och reflektioner över livet. Bilder finns i olika genrer. Bilden förkroppsligar djupet av avsikt och figurativt innehåll. Till skillnad från en fresk eller bokminiatyr är en målning inte nödvändigtvis förknippad med en viss interiör eller ett speciellt dekorationssystem.

Att skapa en bild förlitar sig konstnären på naturen, men kreativ fantasi spelar en viktig roll i denna process. Konceptet med en målning tillämpas i första hand på verk av plottematisk karaktär, vars grund är bilden av viktiga historiska, mytologiska eller sociala händelser, mänskliga handlingar, tankar och känslor i flerfigurskomplexa kompositioner. Därför, i utvecklingen av målning, spelar bilden en ledande roll.

Målningen består av en bas (canvas, trä- eller metallskiva, plywood, kartong, pressad kartong, plast, papper, siden etc.), på vilken en primer och ett lager färg appliceras. Den estetiska uppfattningen av en tavla förbättras avsevärt när den placeras i en lämplig ram (baguette) som skiljer tavlan från omvärlden. Den orientaliska typen av målning behåller den traditionella formen av en fritt hängande ovikt rulle (horisontell eller vertikal). Bilden, till skillnad från monumental målning, är inte styvt förbunden med en viss interiör. Den kan tas av väggen och hängas på olika sätt.

Konstens höjder har nåtts i målningar av framstående målare. I modernismens olika strömningar sker en förlust av handling och ett förkastande av figurativitet, därigenom revideras begreppet bild avsevärt. Ett allt bredare utbud av bildverk från 1900-talet. kallas bilder. Målningen är en av de mest typiska typerna av stafflikonst. Johann Wolfgang Goethe skrev: "Bilder är inte bara en målad duk, de påverkar känslor och tankar, sätter spår i själen, väcker föraningar."

En reproduktion eller kopia av en originalmålning kan också kallas målning om det inte är av betydelse i det aktuella sammanhanget om det är en kopia eller ett originalverk. Till exempel, "Det hängde flera målningar i korridoren."

2) I bildlig eller mer allmän bemärkelse - vilket komplett, integrerat konstverk som helst, inklusive - en livlig och levande beskrivning, muntlig eller skriftlig, en vacker utsikt över naturen.

3) I ett musikaliskt och teatraliskt verk - en del av akten, inte åtskild av en paus, utan av en kort paus, under vilken ridån faller kort.

4) I musik - beteckningen av instrumental-symfoniska verk, som kännetecknas av speciell konkrethet, visualisering av musikbilder; ibland hör sådana verk till genren programmusik.

5) I konstruktion, ett takelement vars kanter är förberedda för en sömförbindning. Appliceras i vikta tak. Beroende på tekniken görs den med manuella eller maskinella metoder. Det finns tavlor för en vanlig beläggning, samt tavlor för gesimsöverhäng, väggrännor, hängrännor, dalar m.m.

Målning- ett målningsverk som har en komplett karaktär (till skillnad från en skiss och skiss) och ett självständigt konstnärligt värde. Den består av en bas (canvas, trä- eller metallskiva, kartong, papper, sten, siden, etc.), en primer och ett färgskikt. Målningen är en av typerna av stafflikonst. Bilder finns i olika genrer. Att skapa en bild förlitar sig konstnären på naturen, men kreativ fantasi spelar en viktig roll i denna process. Slutet av 1800-talet präglades i hela Europa av en ny, dynamisk syn på världen. Sekelskiftets konstnär var tvungen att motsvara det ständigt föränderliga livet: inte så mycket för att visa världen omkring honom (fotografi och film gör nu detta), utan för att kunna uttrycka sin individualitet, hans inre värld, egen vision. Konstens höjdpunkt har nåtts i målningar av framstående målare. I modernismens olika strömningar sker en förlust av handling och ett förkastande av figurativitet, därigenom revideras begreppet bild avsevärt. Några artister ägde olika skolor måleri, flyttat bort från bilden av världen (människor, djur, natur) som vi ser den. På dem målningar världen framstår som deformerad, ibland helt oigenkännlig, eftersom konstnärer styrs mer av sin fantasi än av visuell uppfattning om fenomenen omkring oss.

Måleri spelar en viktig roll i utvecklingen av måleri.

En reproduktion kan också kallas målning, om det i det aktuella sammanhanget inte spelar någon roll om det är en kopia eller ett originalverk.

En bild i figurativ eller mer allmän bemärkelse är varje komplett, integrerat konstverk, inklusive en levande och levande beskrivning, muntlig eller skriftlig, av en natursyn.

Att måla är planets konst och en synvinkel, där rymd och volym endast existerar i illusion. Målning, tack vare komplexiteten hos visuella medel, kan på ett plan skapa ett sådant djup av illusoriskt utrymme och en mångdimensionalitet av konstnärlig verklighet som inte är föremål för andra skildringsmetoder. Varje bild utför två funktioner - bildlig och uttrycksfull-dekorativ. Målarens språk är ganska förståeligt endast för dem som är medvetna om de dekorativa-rytmiska funktionerna i bildens plan.

I estetisk uppfattning måste alla funktioner i bilden (både dekorativa, plana och bildmässiga, rumsliga) delta samtidigt. Att korrekt uppfatta och förstå en bild innebär att samtidigt, odelbart se ytan, och djupet, och mönstret, och rytmen och bilden.

Den estetiska uppfattningen av en målning förstärks avsevärt när den placeras i en lämplig ram som skiljer målningen från omvärlden. Den orientaliska typen av målning behåller den traditionella formen av en fritt hängande ovikt rulle (horisontell eller vertikal). Bilden är, till skillnad från monumentalmålning, inte styvt förbunden med en viss interiör. Den kan tas av väggen och hängas på olika sätt.

Djupet i målningarnas illusoriska rum

Professor Richard Gregory beskrev målningarnas "märkliga egenskaper": "Målningar är en unik klass av föremål, eftersom de både är synliga i sig själva och som något helt annat än bara ett pappersark som de är ritade på. Bilderna är paradoxala. Inget föremål kan vara på två ställen samtidigt; inget objekt kan vara både tvådimensionellt och tredimensionellt samtidigt. Och det är så vi ser bilder. Bilden har en mycket bestämd storlek, och samtidigt visar den den verkliga storleken på ett mänskligt ansikte, byggnad eller skepp. Bilder är omöjliga objekt.

En persons förmåga att reagera på frånvarande, imaginära situationer som presenteras i bilder är ett viktigt steg i utvecklingen av abstrakt tänkande.

Hur målningar görs

Bilden är andliga världen konstnären, hans upplevelser och känslor uttryckta på duk eller papper. Det är svårt att förklara hur målningar skapas - det är bättre att se det själv. Det är omöjligt att med ord förmedla hur konstnären målar över duken, med vilken pensel han rör duken, vilka målarfärger han väljer. Under arbetets gång blir allt ett: konstnären, penseln och duken. Och redan efter det första penseldraget i verkstaden börjar målningens speciella magi verka.

Bilder är inte bara en målad duk, de påverkar känslor och tankar, sätter spår i själen, väcker föraningar.

Hur skapas en tavla?

Det verkar, målar, penslar, på duk. Det kan finnas ett annat universellt svar: på olika sätt.

Metoderna att arbeta med en målning har ständigt förändrats genom konsthistorien. Den italienska renässansens konstnärer arbetade på ett helt annat sätt än Rembrandt eller 1600-talets "lilla holländare", romantikerna arbetade annorlunda än impressionisterna, abstraktionisterna, samtida realistiska konstnärer. Ja, och inom samma era och till och med en riktning kan du hitta en stor variation.

Realistiska konstnärer från förr och nu (om vi förstår realism i ordets breda bemärkelse) förenas av följande:

Skapandet av ett fullfjädrat verk, i detta fall en målning, porträtt eller landskap, är omöjligt utan en djup studie av livet, en aktiv inställning från författaren till det. Medlen för konstnärlig kunskap om livet är arbete från naturen, synintryck, analys och syntes av livsfenomen.

Skapandet av en målning är en komplex, arbetsintensiv kreativ process, vars resultat inte bestäms av den tid som spenderas, utan av måttet på talangen, konstnärens skicklighet, styrkan och effektiviteten hos den ursprungliga figurativa lösningen. De viktigaste milstolparna i denna process är idéns uppkomst och konkretisering, direkta observationer, skisser, skisser från naturen, själva skrivandet av bilden med den oumbärliga kreativa, aktiva bearbetningen av livsmaterial.

Och när en betraktare närmar sig en målning på ett museum eller på en utställning, innan han gör sin egen bedömning om den, måste han komma ihåg att bakom den finns det alltid en levande person, en konstnär som har investerat en bit av sitt liv, hjärta, nerver , talang och skicklighet i arbetet. Man kan säga att tavlan är en konstnärsdröm som går i uppfyllelse.

G. S. OSTROVSKII

Bildens fullständighet

I livet händer mycket av en slump - på bilden kan det inte finnas några sådana olyckor, allt i det måste slutföras, logiskt. När anses en målning vara färdig?

Virtuosen Rembrandts impasto bildsträcka, så högt värderad senare och i vår tid, orsakade endast förvirring bland Rembrandts samtida och gav upphov till förlöjligande och kvickheter på hans bekostnad. Rembrandt invände mot sina kritiker och ifrågasatte riktigheten i deras förståelse av en målnings fullständighet, och motsatte sig dem med sin egen förståelse av den, som han formulerade på detta sätt: bilden bör anses vara komplett när konstnären sa allt han ville ha i den. . För att inte höra de frågor som störde honom om "ofullständigheten" i hans målningar, slutade Rembrandt att låta naiva besökare i hans ateljé komma nära dem, som med stor nyfikenhet tittade på bravurdragen i hans målning och skrämde dem med faktum att tavlorna inte bör närma sig för nära, eftersom det är ohälsosamt att lukta på deras färger.

Matisse på sin målning:

"Jag försöker bara sätta på duken de färgerna som uttrycker min känsla. Den nödvändiga proportionen av toner kan få mig att ändra formen på figuren eller ändra kompositionen. Tills jag har nått denna proportion i alla delar av bilden ser jag för det och fortsätt arbeta. Sedan kommer ögonblicket, då alla delar får sina slutliga proportioner, och då kan jag inte röra bilden utan att göra om den igen.

Med början ungefär med impressionisterna är kategorierna teckning, form och färg nära förbundna, växte ihop, tycks vara en kontinuerlig process: teckning och färg, modellering och komposition, ton och linje framträder och utvecklas som på samma gång. Processen att måla en bild kan, så att säga, fortsätta i det oändliga, ögonblicket för slutförandet av arbetet är något godtyckligt: ​​var som helst på duken kan konstnären fortsätta den, applicera nya slag på liknande, men liggande nedanför. Den mest slående och konsekventa representanten för detta system är Cezanne. I brev och inspelade samtal formulerade han gång på gång denna blandade eller, rättare sagt, odifferentierade målarmetod. När som helst kan arbetet med en målning avbrytas, men arbetet kommer inte att förlora sitt estetiska värde. När som helst är bilden klar.

Kopplingen mellan bildens bildrum och det verkliga rummet

Konstnären och konstteoretikern V. A. Favorsky betonade under kompositionsteorin att ett verkligt konstnärligt verk har en dubbel existens från födseln: som ett objekt i det omgivande rummet och som en relativt sluten värld med sina egna rums-temporala relationer . I måleriet uppnås detta mål genom harmonisering inre struktur målningar med ram, i skulptur - med det omgivande rummet (ett klassiskt exempel: en staty i en nisch).

För att koppla samman det bildmässiga rummet med det verkliga rummet där betraktaren befinner sig, används en bildram. Konstnärer leker också med multipel "reproduktion av ramen" i själva bilden, visuella ramsor, upprepningar av vertikaler och horisontaler. En av de karakteristiska teknikerna som gör att du visuellt kan "stärka" bilden inom gränserna för ett rektangulärt format är det "avfasade hörnet". Separationen av måleri från arkitektur gav upphov till ett visst system för uppfattning om stafflimålningen. Bildens huvudinnehåll är uttrycket för en helhetssyn på rymden. Kompositionen förvandlas till en exposition där betraktaren möter den förvandlade världen av rumsliga-temporala relationer och ser sig själv i den som i en spegel. Så det genomskinliga glaset från renässansen förvandlades till en spegel av den klassiska och barocken. Konsten efter renässanstiden kännetecknas av lek med reflektioner i spegeln, införandet av figurer-förmedlare i bildens komposition, personer som genom sin position, blick eller handgest indikerar handlingen som äger rum i bilden. bildens djup, som om du uppmanade dem att komma in i den. Förutom ramen uppträder proskenium i sådana kompositioner - framsidan av scenen, backstage, sedan medium skott, där huvudåtgärden utförs, och bakgrunden är "bakgrunden".

Konstnären placerar vanligtvis huvudfigurerna i bildens mittplan och sätter dem på en mental horisontell linje som på en piedestal. Djupet på det "rumsliga lagret" beror på positionen för denna horisontella referenslinje (i planimetriska termer - över eller under bildramens nedre kant). Genom att skjuta upp horisonten många gånger skapar målaren en viss rörelserytm in i det imaginära rummets djup. Tack vare detta, även på en liten duk, kan du avbilda ett utrymme av valfri längd med valfritt antal figurer och föremål. I en sådan exposition måste man specifikt fästa betraktarens uppmärksamhet på det faktum att vissa objekt är närmare, medan andra är längre bort. För att göra detta används "pekare": perspektivminskning, införandet av storskaliga landmärken (små figurer av människor i bakgrunden), överlappande planer, tonal kontrast, fallande skuggor från en ljuskälla inuti eller utanför bilden. En annan referenspunkt för betraktarens mentala rörelse i bildens rum är diagonalerna, den huvudsakliga är "ingångsdiagonalen" (vanligtvis från vänster till höger).

Bild i bild

Bild i bild

Bild i bild kan användas i en speciell kompositionsfunktion. En liknande hierarkisk organisation presenteras i fallet med att avbilda en bild i en bild (liksom fresker i väggmålningar etc.).

"Bild i en bild" är en kompositionsteknik som återfinns i den klassiska målarkonsten på 1500- och 1600-talen. En bild i en bild kan förses med en speciell dold betydelse.

Kompositionstekniken "bild i bild" kan utföra flera uppgifter:

• uttrycka en idé
• förklara handlingen
• att motarbeta eller skapa harmoni
• vara en detalj av situationen (interiör)

Mycket ofta kan bilden av en bakgrund i en målning förstås som en sorts bild i en bild, det vill säga en självständig bild byggd enligt sina egna speciallagar. Samtidigt är bilden av bakgrunden, i större utsträckning än bilden av figurerna på huvudplanet, föremål för rent dekorativa uppgifter, vi kan säga att det ofta inte är själva världen som avbildas här, utan den här världens landskap, det vill säga att inte bilden i sig presenteras, utan bilden av denna bild.

För holländarna utvidgar en geografisk karta, en gobeläng, en bild, ett öppet fönster som en bild som ingår i bilden världens gränser eller tjänar till att utveckla den allegoriska innebörden av huvudintrigen. Vermeer, som öppnar verkstadens slöja, blir en guide på tre nivåer av verkligheten: betraktarens rum, hans verkstads rum, konstverkets rum (duken som står på staffliet), och liknar dessa metamorfoser. att simma i haven, markerat på en geografisk karta eller flyga över marken markerad på kartan.

Överflödet av verklighet - konst - myt kan också observeras hos Velazquez, som villigt tillgriper tekniken "bild i bild", ett exempel på det kan vara Meninas och Spinners.

"Bild i bild" finns också i "Venus framför en spegel" av Velasquez, men den dimmiga spegeln reflekterar bara skuggan av kärleksgudinnan.

Målning och ram

Alla bilder skapade av konstnären, med undantag för gamla hällmålningar, har en ram. Inramning är en nödvändig och viktig del av kompositionen, den fullbordar den, ger enhet. Ramen kan vara i samma plan som själva bild- eller grafiska kompositionen. Den kan också skapas specifikt som en slags reliefform med hjälp av dekorativa, skulpturala och arkitektoniska element. Oftast finns det ramar av rektangulär form, något mindre ofta - runda och ovala.

Ramen hjälper till att särskilja tavlan från miljön som något speciellt och värt att uppmärksammas, men kopplar det samtidigt ihop med miljön. Så om ramens stil sammanfaller med det konstnärliga utseendet, strukturen och karaktären hos interiören där bilden är belägen, bidrar detta till ensemblens integritet. Beroende på färg, mättnad med dekorativa och skulpturala detaljer, påverkar ramen avsevärt helhetsintrycket av bildbilden. Allt detta gör att vi kan prata om bildens och ramens enhet, där inramningen naturligtvis inte utför huvudfunktionen utan en mycket nödvändig funktion.

Utvecklingen av stafflimålning var komplex. Vilken ljus milstolpe i dess historia var övergången från medeltid till renässans! Det mest betydelsefulla i den var önskan att komma bort från stelheten och abstraktionen i ikonbilden som dominerade medeltiden. Ungefär på XIV-talet föds en bild i modern känsla detta ord, och med det framträder ramen, fortfarande klädd i spetsen av ett gotiskt landskap.

De första ramarna var inte helt motsatta hela bilden och var inte separerade från den; materialen för båda var likartade, villkorlig förgyllning av bakgrunden, till exempel, gammal rysk ikon eller den bysantinska flyttade till ramen, och själva bilden "stänkte" ofta på den. Sedan blev gränserna mellan bild och ram allt tydligare igenkända. Ändå, som ett slags minne från tidigare århundraden, behöll ramen sin gyllene färg. När den gyllene bakgrunden, som betecknar det gudomligas värld, försvann från målningen, började förgyllningen av ramen att uppfattas villkorligt, med andra ord, som ett nödvändigt attribut för ramen, vilket hjälpte till att framhäva bilden i rummet, locka tittarens blick till det.

Under renässansen dominerade idén om att måla som en titt på världen genom ett fönster, ramen, med dess former, anspelade mycket tydligt på den rådande idén och svarade på den. Dessa magnifika, högtidliga ramar gjordes efter teckningar av konstnärer i särskilda verkstäder eller av konstnärens assistenter som arbetade i hans verkstad.

Under renässansen jämfördes måleriet ständigt med en spegel som speglar verkligheten, och ramen, skapad som en prydnadsspegelram, framhöll denna jämförelse ännu starkare. Denna ram kan tillverkas inte bara av träribbor och gips, utan också av värdefulla material, inklusive silver, elfenben, pärlemor, etc. Materialens dyrbarhet verkade matcha målningens dyrbarhet, vilket förstärkte den.

De gamla mästarna var mycket uppmärksamma på ramen, med hänsyn till dess inverkan i arbetet, ibland målade de till och med i en färdig ram, med hänsyn till en viss ton och dekorativ rytm av ramen. Därför har de gamla mästarnas kompositioner ofta stor nytta av de ursprungliga ramarna.

Observationer av ramar av gamla mästare tillåter oss att fastställa en annan princip - överensstämmelsen mellan profilen och bredden på ramen och storleken på bilden: till exempel brukade holländska målare infoga sina små målningar i stora ramar med djup, ren profilering , som så att säga leder ögat till bildens mitt och isolerar det från miljöpåverkan

I början av 1900-talet började röster höras som uppmanade till att helt överge ramar, som något för materiellt, som "grundade" konstens andlighet. Olika avantgardekonstnärer, efter att ha tagit emot sådana samtal, började ställa ut sina verk utan ramar. Men som ett resultat av denna innovation upphörde deras verk själva att vara målningar i ordets snäva bemärkelse. Det var något slags "föremål", "fläckar", ofta utan en tydlig innebörd.

Även om det nu inte finns någon stil i utformningen av ramar, som det en gång var, men det finns mer än tidigare, ramens överensstämmelse med konstnärens individuella stil.

Nyligen på konstutställningar kan man märka att trögheten i förhållande till utformningen av ramar (låt dem vara, men vad som inte är så viktigt), som manifesterade sig tidigare hos våra konstnärer, börjar övervinnas. Ramarna är målade i olika färger, små extra bilder och inskriptioner placeras ofta på dem, skulptörer hjälper målarna - ramar med rika plastmotiv dyker upp.

Bildformat

Det finns dock två specifika element i bilden, som tycks skapa en övergång från planet till bilden, samtidigt som de tillhör bildens verklighet och dess fiktion - formatet och ramen. Det kan tyckas att bildens format bara är en konstnärs verktyg, men inte ett direkt uttryck för hans kreativa koncept: konstnären väljer trots allt bara formatet. Samtidigt är formatets natur närmast kopplat till hela den interna strukturen i ett konstverk och visar ofta till och med den rätta vägen till att förstå konstnärens avsikt. Formatet väljs i regel innan målarens arbete påbörjas. Men ett antal konstnärer är kända som gillade att ändra formatet på bilden medan de arbetade, antingen klippte av bitar från den eller lade till nya (Velasquez gjorde detta särskilt gärna).

Det vanligaste formatet för en bild är fyrkantig, där en ren kvadrat är mycket sällsyntare än en fyrhörning som är mer eller mindre långsträckt uppåt eller i bredd. Vissa epoker uppskattar det runda formatet (tondo) eller ovala. Valet av format är inte slumpmässigt, formatet avslöjar vanligtvis en djup, organisk koppling både med konstverkets innehåll, med dess känslomässiga ton, och med bildens sammansättning, det återspeglar lika tydligt konstnärens individuella temperament. och smaken av en hel era. Vi känner det dolda orsakssambandet mellan formatet och konstnärens avsikt inför varje bild, varifrån charmen med ett sant konstverk kommer. Det finns målningar vars innehåll är så sammansmält med formatets natur att minsta förändring i proportionerna, verkar det som, borde rubba bildens stilistiska och ideologiska balans.

Det horisontella, långsträckta formatet i allmänhet är säkerligen mer lämpat för narrativ komposition, för den sekventiella utvecklingen av rörelse förbi betraktaren. Därför vänder sig konstnärer som är episka i stämningen, som strävar efter aktiv komposition, för handling, villigt till detta format, till exempel italienska målare från 1300- och första hälften av 1400-talet (särskilt i freskkompositioner). Tvärtom, ett kvadratiskt format eller ett där höjden något råder över bredden, som om det omedelbart stoppar handlingens dynamik och ger kompositionen karaktären av en högtidlig representation - det var denna typ av format som mästarna i Högrenässansen föredrog för sina altarmålningar ("Sixtinska Madonna"). I sin tur, med en betydande övervikt av höjd över bredd, får kompositionen igen dynamik, stark dragkraft, men den här gången upp eller ner; Ett så smalt format var särskilt i smaken för aristokratiska, dekorativa (Crivelli) eller mystiska (maneristiska, grekiska) konstnärer, som försökte förkroppsliga vissa känslor och stämningar.

Formatets koppling till konstnärens individuella temperament är också otvivelaktigt: Rubens sensuella, dynamiska fantasi kräver ett större format än Rembrandts återhållsamma och andliga fantasi. Slutligen är formatet direkt beroende av bildtekniken. Ju bredare och friare konstnärens penseldrag är, desto naturligare är hans önskan om ett stort format.

§№5. Rumslig konst. Målning.

Upprepa frågor?

1. Vad är grafik?
2. Vilka medel för uttrycksförmåga hos grafik känner du till?
3. Vad är innebörden av termerna:

• litografi,
• träsnitt,
• skriva ut,
• gravyr,
• skena?

Målning- en av de äldsta arterna visuella konsterna associerad med överföring av visuella bilder genom att applicera färger på en solid eller flexibel bas; skapa en bild med hjälp av digital teknik; samt konstverk gjorda på sådana sätt.

Målningens ursprung.

Bilder av djur och människor gjorda i det primitiva samhällets era på grottornas väggar har överlevt till vår tid. Sedan dess har många årtusenden passerat, men måleriet har alltid förblivit en oföränderlig följeslagare av människans andliga liv. Under de senaste århundradena är det utan tvekan den mest populära av alla typer av konst.

Målningsfunktioner:

• Kognitiv
• estetisk
• religiös
• ideologisk
• Socialt och pedagogiskt
• känslomässiga

Adrian van Ostade. Konstnärsverkstad. 1663. Dresden.

Typer av målning:

Klassificering av målning enligt det material som används:

Klassificering av målning efter teknik:

• A la Prima (Alla Prima)
• Grisaille
• Glasyr
• Pointillism
• Torr borste
• Sgraffito

Målningstekniker är nästan outtömliga. Allt som lämnar några spår på något är strängt taget måleri: "måleri skapas av naturen, tiden och människan." Leonardo Da Vinci.

Staffli målning.

stafflimålning - ett slags målning, vars verk har en självständig betydelse och uppfattas oavsett omgivning. Bokstavligen - målning, skapad på maskinen (easel).

Arbetet med stafflimålning - en bild - skapas på en icke-stationär (i motsats till monumental) och icke-utilitär (i motsats till dekorativ) grund (duk, kartong, kartong, papper, siden), och innebär en oberoende och inte betingat av miljöuppfattningen.

Monumental och dekorativ målning.

monumental målning - målning på arkitektoniska strukturer och andra stationära underlag.

Monumentalmålning är den äldsta typen av målning, känd från paleolitikum (målningar i grottorna i Altamira, Lasko, etc.). Tack vare stationariteten och livslängden hos verk av monumentalmålning har många prover av det kvarblivit från nästan alla kulturer som skapade utvecklad arkitektur och fungerar ibland som den enda typen av överlevande målningar från eran.

De viktigaste teknikerna för monumentalmålning:

• väggmålningar
• Fresk på våt gips
• Fresco a secco
• vaxmålning
• Mosaik
• färgatglas

MEN. B. PÅ.

A. Räddad av den Allsmäktige. Målning på kupolen av Kyrkan för förvandlingen av Frälsaren på Ilyina Street i Veliky Novgorod. Theophanes greken. 1378 år. B. Marc Chagall. Målningar av den judiska teatern i Moskva. W. Marc Chagall. Takmålning av Parisoperan.

Miniatyrmålning.

Miniatyr(från lat. minium - röda färger som används vid utformningen av handskrivna böcker) - inom bildkonsten, småformade målningar, skulpturer och grafiska verk, samt konsten att skapa dem.

miniatyrmålning även vanlig i öster. I Indien, under Mughal Empire, blev Rajasthani-miniatyren utbredd. Det var en syntes av gemensam kreativitet hos indiska och persiska mästare.

Målargenrer:

• Animalistisk - bilder av djur, fåglar, insekter och annan fauna.
• Abstrakt - bilden av icke-objektiva kompositioner.
• Strid - bilder av militära operationer och strider.
• Hushåll - bilden av vardagliga scener.
• Historisk - bilden av historiskt kända personer och händelser.
• Marina - havsbild.
• Mystiskt-fantastiskt - kompositioner av surrealistiskt innehåll.
• Stilleben (död natur) - en bild av hushållsartiklar.
• Porträtt - bilder av människor.
• Landskap - en bild av vilda djur.
• Religiöst - sammansättningar av religiöst innehåll.

Praktisk uppgift:

1. I litteraturen, hitta målningar som motsvarar var och en av de listade genrerna.
2. Gör en beskrivning av dessa verk i form av en tabell:

Genrer	Namnet på målningen, mosaiken, målat glas ...		Tillhör typen av målning	Tillhör en stil eller historisk era.
djuriska
Abstrakt
Slåss
Inhemsk
Historisk
Marina
mystik-fiktion
Fortfarande liv
Porträtt
Landskap
Religiös

En målning, ett målningsverk som har en komplett karaktär (till skillnad från en skiss och skiss) och ett självständigt konstnärligt värde. Till skillnad från en fresk eller bokminiatyr är K. inte nödvändigtvis förknippad med en viss interiör eller ... ... Stora sovjetiska encyklopedien

Måleriet, som en exponent för de rådande konstbegreppen, upplevde i alla länder olika perioder och ändrade riktning. Men ingenstans har måleriets historia karaktäriserats så definitivt som i Frankrike under olika epoker, i ... ...

traditionellt material för målning av canvas- Målning är som regel en ganska komplex struktur som existerar med den ständiga växelverkan mellan basen, primern, färgskiktet och skyddande täckskikt. I olje- och temperamålning sedan urminnes tider som grund ... ... Ordbok för målning och restaurering

Cosimo Tour. Calliope, målning för Studiolo i Belfortpalatset. Ferraras målarskola är en grupp renässanskonstnärer som arbetade i ... Wikipedia

Se även: Holländsk guldålder och tidig nederländsk målning Den holländska målningens guldålder är den mest framträdande eran inom holländsk måleri, med anor från 1600-talet. Innehåll 1 Historiska förhållanden ... Wikipedia

Allegori av målning målning av Jan Vermeer från Delft. Allegori av målning målning av Andrey Matveev, först ryskt arbete stafflimålning på en allegorisk tomt ... Wikipedia

medaljong- Ett målningsverk eller en relief på en oval eller rundad bas, samt ett verk inramat av en oval (rund) ram ... Ikon Painter's Dictionary

En typ av konst vars verk skapas med färger applicerade på en hård yta. PÅ konstverk skapad av målning, färg och teckning, chiaroscuro, uttrycksfullhet används ... ... Art Encyclopedia

- (även musikalisk och konstnärlig) term i våra lagar, som anger upphovsrätt. Som fransmännen propriété littéraire et artistique, det återspeglar en av de juridiska teorierna om ämnet. Mer exakta termer: engelska. upphovsrätt (höger ...... encyklopedisk ordbok F. Brockhaus och I.A. Efron

Ett målningsverk som har ett självständigt konstnärligt värde och har egenskapen att vara fullständig (i motsats till en studie och en skiss). Bilden är som regel inte ansluten, som en fresk eller en bokminiatyr, med en viss interiör ... ... Art Encyclopedia

Böcker

• Lektioner i klassisk måleri. Tekniker och tekniker från konstverkstaden, Juliet Aristide. Om boken Detta är ett tillägg till `Classical Drawing Lessons` och ett målarutbildningsprogram i form av en bok. Den lär ut grundläggande målarfärdigheter och -tekniker i ett format som är tillgängligt och bekvämt...
• 5555 världsmåleriets mästerverk (CD), . En av de största samlingarna som samlade reproduktioner av världskonstklassiker på CD-ROM. Samlingen innehåller målningar som sträcker sig från de som skapades under medeltiden till den första halvan...

Vad är målning?

Måleri är en typ av konst, vars verk skapas med färger applicerade på en yta.
"Målning är inte bara fantasi. Det är arbete, arbete som måste utföras samvetsgrant, som varje samvetsgrann arbetare gör," hävdade Renoir.

Att måla är ett fantastiskt mirakel att förvandla allt tillgängligt konstmaterial till en mängd olika synliga bilder av verkligheten. Att bemästra konsten att måla innebär att kunna avbilda verkliga föremål av vilken form, färg och material som helst i vilket utrymme som helst.
Måleriet har liksom alla andra konstformer ett speciellt konstnärligt språk genom vilket konstnären speglar världen. Men genom att uttrycka sin förståelse av världen, förkroppsligar konstnären samtidigt sina tankar och känslor, ambitioner, estetiska ideal i sina verk, utvärderar livets fenomen och förklarar deras väsen och mening på sitt eget sätt.
I konstverk av olika genrer av konst skapade av målare används teckning, färg, chiaroscuro, uttrycksförmåga av slag, textur och komposition. Detta gör att du på planet kan återge världens färgrika rikedom, volymen av föremål, deras kvalitativa materiella originalitet, rumsliga djup och ljus-luftmiljö.
Måleriets värld är rik och komplex, dess skatter har samlats av mänskligheten under många årtusenden. De äldsta målningsverken upptäcktes av forskare på väggarna i grottor där primitiva människor bodde. Med otrolig noggrannhet och skärpa skildrade de första artisterna jaktscener och djurvanor. Så uppstod konsten att avbilda färger på väggen som hade drag som var karakteristiska för monumentalmåleri.
Det finns två huvudvarianter av monumentalmålning - fresk och mosaik.
Fresco är en teknik för att måla med färger utspädda med rent eller kalkvatten på färsk, fuktig puts.
Mosaik - en bild gjord av homogena eller olika materialpartiklar av sten, smalt, keramiska plattor, som är fixerade i ett lager av jord - kalk eller cement.
Fresco och mosaik är huvudtyperna av monumental konst, som på grund av sin hållbarhet och färgbeständighet används för att dekorera arkitektoniska volymer och plan (väggmålning, plafonder, paneler).
Stafflimålning (bild) har en självständig karaktär och betydelse. Bredden och fullständigheten i täckningen av det verkliga livet återspeglas i mångfalden av typer och genrer som är inneboende i stafflimålning: porträtt, landskap, stilleben, hushåll, historiska, stridsgenrer.
Till skillnad från monumentalt stafflimåleri är det inte kopplat till väggens plan och kan fritt ställas ut.
Den ideologiska och konstnärliga betydelsen av konstverk av staffli förändras inte beroende på var de är belägna, även om deras konstnärliga ljud beror på exponeringsförhållandena.
Förutom de namngivna målningstyperna finns det en dekorativ - skisser av teatraliska kulisser, kulisser och kostymer för bio, samt miniatyrer och ikonografi.
För att skapa ett miniatyr- eller monumentalt konstverk (till exempel en målning på en vägg), måste konstnären känna till inte bara föremålens konstruktiva väsen, deras volym, materialitet, utan också reglerna och lagarna för den bildmässiga representationen av naturen, harmonin av färg, färg.

I en bildrepresentation från naturen är det nödvändigt att ta hänsyn inte bara till mångfalden av färger, utan också deras enhet, bestäms av ljuskällans styrka och färg. Ingen färgfläck bör införas i bilden utan att den harmoniserar med det övergripande färgförhållandet. Färgen på varje föremål, både i ljuset och i skuggan, bör relateras till färgens helhet. Om färgerna på bilden inte förmedlar påverkan av färgen på belysningen, kommer de inte att bli föremål för ett enda färgområde. I en sådan bild kommer varje färg att framstå som något främmande och främmande för ett givet tillstånd av belysning; det kommer att visas slumpmässigt och förstöra bildens färgintegritet.
Således är den naturliga färgenheten av färger genom den allmänna belysningsfärgen grunden för att skapa ett harmoniskt färgschema för bilden.
Färg är ett av de mest uttrycksfulla medel som används i målning. Konstnären förmedlar på planet den färgrika rikedomen i det han ser, med hjälp av en färgform känner han igen och speglar omvärlden. I processen att skildra naturen utvecklas en känsla av färg och dess många nyanser, vilket gör det möjligt att använda färger som det huvudsakliga uttryckssättet för målning.
Uppfattningen av färg, och konstnärens öga kan urskilja mer än 200 av sina nyanser, kan vara en av de lyckligaste egenskaperna som naturen har försett en person med.
Genom att känna till kontrastens lagar styrs konstnären av de förändringar i färgen på den avbildade naturen, som i vissa fall knappast fångas av ögat. Uppfattningen av färg beror på i vilken miljö objektet befinner sig. Därför jämför konstnären, samtidigt som han förmedlar naturens färg, färgerna med varandra, uppnår att de uppfattas i sammankoppling eller ömsesidiga relationer.
"Att ta förhållandet mellan ljus och skugga" betyder att bevara skillnaden mellan färger i ljushet, mättnad och nyans, i enlighet med hur det sker i naturen.
Kontrast (både i ljus och färg) är särskilt märkbar på kanterna av angränsande färgfläckar. Suddigheten av gränserna mellan kontrasterande färger förstärker effekten av färgkontrasten, och klarheten i gränserna för fläckar minskar den. Kunskap om dessa lagar utökar de tekniska möjligheterna i målning, tillåter konstnären att använda kontrast för att öka intensiteten i färgen på färger, öka deras mättnad, öka eller minska deras lätthet, vilket berikar målarens palett. Så utan att använda blandningar, utan bara kontrasterande kombinationer av varma och kalla färger, kan du uppnå en speciell koloristisk klang av en målning.