Postmodernismus in der russischen Literatur des späten XX. - frühen XXI. Jahrhunderts. Postmoderne in der Literatur Postmoderne in Russland

Warum ist die Literatur der russischen Postmoderne so beliebt? Jeder kann sich auf unterschiedliche Weise auf Werke beziehen, die sich auf dieses Phänomen beziehen: Einige mögen sie vielleicht, andere vielleicht nicht, aber sie lesen immer noch solche Literatur, daher ist es wichtig zu verstehen, warum sie Leser so anzieht? Vielleicht wollen junge Menschen als Hauptpublikum für solche Werke nach dem Schulabschluss, „überfüttert“ von klassischer Literatur (die zweifellos schön ist), frische „Postmoderne“ einatmen, wenn auch irgendwo rau, irgendwo sogar unangenehm, aber so neu und sehr emotional.

Die russische Postmoderne in der Literatur geht auf die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts zurück, als Menschen, die mit realistischer Literatur aufgewachsen waren, schockiert und verwirrt waren. Schließlich waren die bewusste Nichtanbetung der Gesetze der Literatur- und Sprachetikette und die Verwendung obszöner Sprache nicht in den traditionellen Trends enthalten.

Die theoretischen Grundlagen der Postmoderne wurden in den 1960er Jahren von französischen Wissenschaftlern und Philosophen gelegt. Seine russische Manifestation unterscheidet sich von der europäischen, aber ohne seinen „Vorläufer“ wäre es nicht so gewesen. Es wird angenommen, dass der postmoderne Anfang in Russland 1970 gelegt wurde. Venedikt Jerofejew kreiert das Gedicht „Moskau-Petuschki“. Diese Arbeit, die wir in diesem Artikel sorgfältig analysiert haben, hat einen starken Einfluss auf die Entwicklung der russischen Postmoderne.

Kurze Beschreibung des Phänomens

Die Postmoderne in der Literatur ist ein kulturelles Großphänomen, das gegen Ende des 20. Jahrhunderts alle Bereiche der Kunst erfasste und das nicht minder bekannte Phänomen der „Moderne“ ablöste. Es gibt mehrere Grundprinzipien der Postmoderne:

• Die Welt als Text;
• Tod des Autors;
• Geburt eines Lesers;
• Skriptor;
• Mangel an Kanons: Es gibt kein Gut und Böse;
• Pastiche;
• Intertext und Intertextualität.

Da die Hauptidee der Postmoderne darin besteht, dass der Autor nichts grundlegend Neues mehr schreiben kann, entsteht die Idee vom „Tod des Autors“. Dies bedeutet im Wesentlichen, dass der Autor nicht der Autor seiner Bücher ist, da alles bereits vor ihm geschrieben wurde und im Folgenden nur frühere Schöpfer zitiert werden. Deshalb spielt der Autor in der Postmoderne keine große Rolle, er gibt seine Gedanken zu Papier, er ist nur jemand, der das früher Geschriebene anders darstellt, gepaart mit seinem persönlichen Schreibstil, seiner originellen Darstellung und Charakteren.

"Der Tod des Autors" als eines der Prinzipien der Postmoderne lässt eine andere Vorstellung aufkommen, dass dem Text zunächst keine vom Autor verliehene Bedeutung zukommt. Da ein Schriftsteller nur ein physischer Reproduzierer von etwas ist, das bereits zuvor geschrieben wurde, kann er seinen Subtext nicht dort platzieren, wo es nichts grundlegend Neues geben kann. Von hier aus wird ein weiteres Prinzip geboren – „die Geburt eines Lesers“, was bedeutet, dass es der Leser und nicht der Autor ist, der dem, was er liest, seine eigene Bedeutung verleiht. Die Komposition, das speziell für diesen Stil gewählte Lexikon, der Charakter der Haupt- und Nebenfiguren, die Stadt oder der Ort, an dem die Handlung stattfindet, erregen in ihm seine persönlichen Gefühle aus dem, was er liest, und veranlassen ihn, nach der Bedeutung zu suchen Er legt sich von den ersten Zeilen an, die er liest, zunächst auf sich selbst.

Und es ist dieses Prinzip der „Geburt eines Lesers“, das eine der Hauptbotschaften der Postmoderne trägt – jede Interpretation des Textes, jede Einstellung, jede Sympathie oder Antipathie für jemanden oder etwas hat das Recht zu existieren, es gibt keine Spaltung in „gut“ und „böse“ , wie es in traditionellen literarischen Bewegungen geschieht.

Tatsächlich haben alle oben genannten postmodernen Prinzipien die gleiche Bedeutung - der Text kann auf unterschiedliche Weise verstanden werden, kann auf unterschiedliche Weise akzeptiert werden, er kann mit jemandem sympathisieren, aber nicht mit jemandem, es gibt keine Unterteilung in "gut" und "böse", jeder, der dieses oder jenes Werk liest, versteht es auf seine Weise und erkennt aufgrund seiner inneren Empfindungen und Gefühle sich selbst und nicht das, was im Text vor sich geht. Beim Lesen analysiert eine Person sich selbst und ihre Einstellung zu dem, was sie liest, und nicht den Autor und seine Einstellung dazu. Er wird nicht nach dem vom Schreiber vorgegebenen Sinn oder Subtext suchen, weil es ihn nicht gibt und nicht geben kann, er, also der Leser, wird vielmehr versuchen, das zu finden, was er selbst in den Text einfügt. Wir haben das Wichtigste gesagt, Sie können den Rest lesen, einschließlich der Hauptmerkmale der Postmoderne.

Vertreter

Es gibt einige Vertreter der Postmoderne, aber ich möchte über zwei von ihnen sprechen: Alexei Ivanov und Pavel Sanaev.

1. Alexei Ivanov ist ein origineller und talentierter Schriftsteller, der in der russischen Literatur des 21. Jahrhunderts aufgetreten ist. Es wurde dreimal für den National Bestseller Award nominiert. Preisträger Literaturpreise"Heureka!", "Start", sowie D.N. Mamin-Sibiryak und benannt nach P.P. Baschow.
2. Pavel Sanaev ist nicht weniger hell und hervorragender Schriftsteller 20-21 Jahrhunderte. Preisträger der Zeitschriften „Oktober“ und „Triumph“ für den Roman „Begrabe mich hinter dem Sockel“.

Beispiele

Der Geograph trank den Globus weg

Alexey Ivanov ist der Autor solcher Berühmte Werke, als „The Geographer Drank His Globe Away“, „Dormitory-on-Blood“, „Heart of Parma“, „Gold of Revolt“ und viele andere. Der erste Roman ist vor allem im Spielfilm mit Konstantin Khabensky zu hören Hauptrolle, aber der Roman auf dem Papier ist nicht weniger interessant und spannend als auf der Leinwand.

The Geographer Drank His Globe Away ist ein Roman über eine Schule in Perm, über Lehrer, über unausstehliche Kinder und über einen ebenso unausstehlichen Geographen, der von Beruf überhaupt kein Geograph ist. Das Buch enthält viel Ironie, Traurigkeit, Freundlichkeit und Humor. Dies schafft ein Gefühl der vollständigen Präsenz bei den stattfindenden Veranstaltungen. Natürlich gibt es hier, wie es dem Genre angemessen ist, viel verschleiertes Obszönes und sehr originelles Vokabular, und auch das Vorhandensein von Jargon des untersten sozialen Umfelds ist das Hauptmerkmal.

Die ganze Geschichte scheint den Leser in Atem zu halten, und jetzt, als es so aussieht, als ob etwas für den Helden klappen sollte, ist dieser schwer fassbare Sonnenstrahl im Begriff, hinter den grauen, sich zusammenziehenden Wolken hervorzublitzen, als der Leser fortfährt a wieder randalieren, denn das Glück und Wohlergehen der Helden wird nur durch die Hoffnung des Lesers auf ihre Existenz irgendwo am Ende des Buches begrenzt.

Das charakterisiert die Geschichte von Alexei Ivanov. Seine Bücher regen zum Nachdenken an, machen nervös, fühlen sich in die Figuren hinein oder ärgern sich irgendwo über sie, sind ratlos oder lachen über ihre Witze.

Begrabe mich hinter der Fußleiste

Was Pavel Sanaev und sein emotionales Werk Bury Me Behind the Plinth betrifft, so handelt es sich um eine biografische Geschichte, die der Autor 1994 basierend auf seiner Kindheit geschrieben hat, als er neun Jahre lang in der Familie seines Großvaters lebte. Protagonist- der Junge Sasha, ein Zweitklässler, dessen Mutter, die sich nicht besonders um ihren Sohn kümmert, ihn der Obhut seiner Großmutter übergibt. Und wie wir alle wissen, ist es für Kinder kontraindiziert, länger als eine bestimmte Zeit bei den Großeltern zu bleiben, sonst gibt es entweder einen kolossalen Konflikt, der auf Missverständnissen beruht, oder es geht, wie der Protagonist dieses Romans, viel weiter nach oben zu psychischen Problemen und einer verwöhnten Kindheit.

Dieser Roman macht einen stärkeren Eindruck als beispielsweise Der Geograph trank seinen Globus weg oder irgendetwas anderes aus diesem Genre, da die Hauptfigur ein Kind ist, ein Junge, der noch nicht gereift ist. Er kann sein Leben nicht alleine ändern, sich irgendwie selbst helfen, wie es die Charaktere der oben genannten Arbeit oder Dorm-on-Blood tun könnten. Daher gibt es für ihn viel mehr Sympathie als für die anderen, und es gibt nichts, was ihm böse sein müsste, denn er ist ein Kind, ein echtes Opfer realer Umstände.

Während des Lesens gibt es wieder Jargon der niedrigsten sozialen Ebene, obszöne Sprache, zahlreiche und sehr eingängige Beleidigungen gegenüber dem Jungen. Der Leser ist ständig empört über das, was passiert, er möchte schnell den nächsten Absatz, die nächste Zeile oder Seite lesen, um sicherzustellen, dass dieser Horror vorbei ist und der Held dieser Gefangenschaft der Leidenschaften und Albträume entkommen ist. Aber nein, das Genre lässt niemanden glücklich sein, also zieht sich genau diese Spannung über alle 200 Buchseiten. Das zweideutige Handeln von Großmutter und Mutter, die eigenständige „Verdauung“ von allem, was im Auftrag eines kleinen Jungen passiert, und die Präsentation des Textes selbst sind es wert, diesen Roman zu lesen.

Herberge-auf-dem-Blut

Dormitory-on-the-Blood ist ein uns bereits bekanntes Buch von Alexei Ivanov, die Geschichte eines Studentenwohnheims, in dessen Mauern sich übrigens der Großteil der Geschichte abspielt. Der Roman ist voller Emotionen, denn wir sprechen von Studenten, denen das Blut in den Adern kocht und jugendlicher Maximalismus brodelt. Trotz dieser gewissen Rücksichtslosigkeit und Rücksichtslosigkeit sind sie große Liebhaber philosophischer Gespräche, sprechen über das Universum und Gott, urteilen und beschuldigen sich gegenseitig, bereuen ihre Handlungen und entschuldigen sich dafür. Und gleichzeitig haben sie absolut keine Lust, ihr Dasein auch nur geringfügig zu verbessern und zu erleichtern.

Das Werk ist buchstäblich vollgestopft mit einer Fülle obszöner Sprache, die jemanden zunächst davon abhalten mag, den Roman zu lesen, aber trotzdem lesenswert ist.

Anders als bei früheren Werken, wo die Hoffnung auf etwas Gutes bereits mitten im Lesen verblasste, leuchtet sie hier regelmäßig auf und geht das ganze Buch über aus, sodass das Ende die Emotionen so stark trifft und den Leser so begeistert.

Wie manifestiert sich die Postmoderne in diesen Beispielen?

Was für eine Herberge, was die Stadt Perm, was das Haus von Sasha Savelyevs Großmutter sind Hochburgen von allem Schlechten, das in den Menschen lebt, von allem, wovor wir Angst haben und was wir immer zu vermeiden versuchen: Armut, Demütigung, Trauer, Gefühllosigkeit, Ego -Interesse, Vulgarität und andere Dinge. Helden sind hilflos, unabhängig von Alter und sozialem Status, sie sind Opfer von Umständen, Faulheit, Alkohol. Die Postmoderne manifestiert sich in diesen Büchern buchstäblich in allem: in der Mehrdeutigkeit der Charaktere und in der Unsicherheit des Lesers über seine Haltung ihnen gegenüber, im Vokabular der Dialoge und in der Hoffnungslosigkeit der Existenz der Charaktere in ihrem Mitleid und Verzweiflung.

Diese Werke sind für empfängliche und überemotionale Menschen sehr schwierig, aber Sie werden das Gelesene nicht bereuen können, denn jedes dieser Bücher enthält nahrhafte und nützliche Denkanstöße.

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In einem weiten Sinne Postmodernismus- Dies ist ein allgemeiner Trend in der europäischen Kultur, der seine eigene philosophische Grundlage hat; es ist eine eigentümliche Haltung, eine besondere Wahrnehmung der Wirklichkeit. Im engeren Sinne ist die Postmoderne eine Strömung in Literatur und Kunst, die sich in der Schaffung spezifischer Werke ausdrückt.

Die Postmoderne trat als fertiger Trend, als monolithische Formation in die Literaturszene ein, obwohl die russische Postmoderne die Summe mehrerer Trends und Strömungen ist: Konzeptualismus und Neobarock.

Konzeptualismus oder soziale Kunst.

Konzeptualismus, oder sots Kunst- dieser Trend erweitert konsequent das postmoderne Weltbild und bezieht immer mehr neue Kultursprachen ein (vom sozialistischen Realismus bis zu verschiedenen klassischen Trends usw.). Durch das Verflechten und Vergleichen maßgeblicher Sprachen mit marginalen (z. B. Obszönitäten), sakralen mit profanen, halboffiziellen mit rebellischen deckt der Konzeptualismus die Nähe verschiedener Mythen des kulturellen Bewusstseins auf, zerstört gleichermaßen die Realität und ersetzt sie durch eine Reihe von Fiktionen und gleichzeitig dem Leser totalitär ihre Vorstellung von Welt, Wahrheit, Ideal aufzwingen. Der Konzeptualismus konzentriert sich hauptsächlich darauf, die Sprachen der Macht zu überdenken (sei es die Sprache der politischen Macht, dh des sozialen Realismus, oder die Sprache einer moralisch maßgeblichen Tradition, zum Beispiel russische Klassiker oder verschiedene Mythologien der Geschichte).

Der Konzeptualismus in der Literatur wird hauptsächlich von Autoren wie D. A. Pigorov, Lev Rubinstein, Vladimir Sorokin und in veränderter Form von Evgeny Popov, Anatoly Gavrilov, Zufar Gareev, Nikolai Baitov, Igor Yarkevich und anderen vertreten.

Postmodernismus ist ein Trend, der definiert werden kann als neobarock. Der italienische Theoretiker Omar Calabrese skizzierte in seinem Buch Neo-Baroque die Hauptmerkmale dieses Trends:

Ästhetik der Wiederholung: Dialektik des Einzigartigen und Wiederholbaren - Polyzentrismus, geregelte Unregelmäßigkeit, unregelmäßiger Rhythmus (thematisch geschlagen in "Moskau-Petuschki" und "Puschkin-Haus", die poetischen Systeme von Rubinstein und Kibirow bauen auf diesen Prinzipien auf);

Ästhetik des Exzess- Experimente zum Ausdehnen von Grenzen bis an die letzten Grenzen, Monstrosität (Körperlichkeit von Aksenov, Aleshkovsky, Monstrosität der Charaktere und vor allem des Erzählers in Sasha Sokolovs "Palisandria");

Verlagerung der Betonung vom Ganzen auf ein Detail und / oder Fragment: Redundanz von Details, "in der das Detail tatsächlich zum System wird" (Sokolov, Tolstaya);

Zufälligkeit, Diskontinuität, Unregelmäßigkeit als dominierende Kompositionsprinzipien, die ungleiche und heterogene Texte zu einem einzigen Metatext kombiniert („Moscow-Petushki“ von Erofeev, „School for Fools“ und „Between a Dog and a Wolf“ von Sokolov, „Pushkin House“ von Bitov, „Chapaev and Empty“ von Pelevin). , etc.).

Unlösbarkeit von Kollisionen(was wiederum ein System von "Knoten" und "Labyrinthen" bildet): Die Freude an der Lösung des Konflikts, der Kollisionen der Handlung usw. wird durch den "Geschmack von Verlust und Geheimnis" ersetzt.

Die Entstehung der Postmoderne.

Die Postmoderne entstand als radikale, revolutionäre Bewegung. Sie basiert auf Dekonstruktion (der Begriff wurde Anfang der 60er Jahre von J. Derrida eingeführt) und Dezentrierung. Dekonstruktion ist die vollständige Ablehnung des Alten, die Schaffung des Neuen auf Kosten des Alten, und Dezentrierung ist die Auflösung der soliden Bedeutung eines Phänomens. Das Zentrum eines jeden Systems ist eine Fiktion, die Autorität der Macht wird eliminiert, das Zentrum hängt von verschiedenen Faktoren ab.

So verschwindet in der Ästhetik der Postmoderne die Realität unter einem Strom von Simulakren (Deleuze). Die Welt verwandelt sich in ein Chaos von gleichzeitig koexistierenden und sich überlagernden Texten, Kultursprachen, Mythen. Eine Person lebt in einer Welt aus Simulakren, die sie selbst oder andere Menschen geschaffen haben.

In diesem Zusammenhang ist auch der Begriff der Intertextualität zu nennen, wenn der erstellte Text zu einem Gewebe von Zitaten aus zuvor geschriebenen Texten wird, einer Art Palimpsest. Dadurch entstehen unendlich viele Assoziationen und die Bedeutung erweitert sich ins Unendliche.

Einige Werke der Postmoderne zeichnen sich durch eine rhizomatische Struktur aus, in der es keine Gegensätze, keinen Anfang und kein Ende gibt.

Zu den Hauptkonzepten der Postmoderne gehören auch Remake und Narration. Ein Remake ist eine Neufassung eines bereits geschriebenen Werkes (vgl.: Texte von Furmanov und Pelevin). Die Erzählung ist ein System von Ideen über die Geschichte. Geschichte ist keine Änderung von Ereignissen in ihrer chronologischen Reihenfolge, sondern ein vom Bewusstsein der Menschen geschaffener Mythos.

Der postmoderne Text ist also das Zusammenspiel der Sprachen des Spiels, er imitiert nicht das Leben, wie es der traditionelle tut. In der Postmoderne ändert sich auch die Funktion des Autors: nicht zu schaffen, indem er etwas Neues schafft, sondern das Alte zu recyceln.

M. Lipovetsky, der sich auf das grundlegende postmoderne Prinzip der Paralogie und auf das Konzept der „Paralogie“ stützt, hebt einige Merkmale der russischen Postmoderne im Vergleich zum Westen hervor. Paralogie ist „widersprüchliche Zerstörung, die darauf abzielt, die Strukturen der Intelligenz als solche zu verändern“. Die Paralogie schafft eine Situation, die das Gegenteil einer binären Situation ist, dh eine Situation, in der es einen starren Gegensatz mit der Priorität eines Anfangs gibt, außerdem wird die Möglichkeit der Existenz eines Gegensätzlichen anerkannt. Das Paralogische liegt in der Tatsache, dass diese beiden Prinzipien gleichzeitig existieren, interagieren, aber gleichzeitig die Existenz eines Kompromisses zwischen ihnen vollständig ausgeschlossen ist. Aus dieser Sicht unterscheidet sich die russische Postmoderne von der westlichen:

gerade auf der Suche nach Kompromissen und dialogischen Schnittstellen zwischen den Polen der Gegensätze, auf der Bildung eines „Treffpunktes“ zwischen dem grundsätzlich Unvereinbaren in klassischem, modernistischem sowie dialektischem Bewusstsein, zwischen philosophischen und ästhetischen Kategorien.

Gleichzeitig sind diese Kompromisse grundsätzlich „paralogisch“, sie behalten einen explosiven Charakter, sind instabil und problematisch, sie beseitigen keine Widersprüche, sondern erzeugen widersprüchliche Integrität.

Die Kategorie der Simulakren ist etwas anders. Simulakren kontrollieren das Verhalten der Menschen, ihre Wahrnehmung und letztlich ihr Bewusstsein, was letztlich zum „Tod der Subjektivität“ führt: Auch das menschliche „Ich“ besteht aus einer Reihe von Simulakren.

Die Menge der Simulakren in der Postmoderne ist nicht der Realität entgegengesetzt, sondern ihrer Abwesenheit, dh der Leere. Gleichzeitig werden Simulakren paradoxerweise nur unter der Bedingung zur Verwirklichung ihrer simulativen, d.h. imaginäre, fiktive, illusorische Natur, nur unter der Bedingung des anfänglichen Unglaubens an ihre Realität. Die Existenz der Kategorie der Simulakren erzwingt ihre Interaktion mit der Realität. So erscheint ein bestimmter Mechanismus der ästhetischen Wahrnehmung, der für die russische Postmoderne charakteristisch ist.

Neben dem Gegensatz Simulakrum – Realität sind in der Postmoderne weitere Gegensätze verzeichnet, wie z. B. Fragmentierung – Integrität, Persönlich – Unpersönlich, Erinnerung – Vergessen, Macht – Freiheit usw. Opposition Fragmentierung - Integrität gemäß der Definition von M. Lipovetsky: „... selbst die radikalsten Varianten der Zerlegung der Integrität in den Texten der russischen Postmoderne sind ohne unabhängige Bedeutung und werden als Mechanismen zur Generierung einiger „nicht-klassischer“ Integritätsmodelle präsentiert .“

Auch die Kategorie der Leere bekommt in der russischen Postmoderne eine andere Richtung. Laut V. Pelevin „reflektiert die Leere nichts, und daher kann nichts darauf bestimmt werden, eine bestimmte Oberfläche, absolut träge und so sehr, dass kein Werkzeug, das in eine Konfrontation eingetreten ist, ihre ruhige Präsenz erschüttern kann.“ Aus diesem Grund hat Pelevins Leere eine ontologische Vorherrschaft über alles andere und ist ein unabhängiger Wert. Leere wird immer Leere bleiben.

Opposition Persönlich - Unpersönlich wird in der Praxis als Person in Form einer veränderlichen Fluidintegrität verwirklicht.

Erinnerung - Vergessen- direkt von A. Bitov wird in der Kulturbestimmung verwirklicht: "... um zu retten - muss man vergessen."

Auf der Grundlage dieser Gegensätze leitet M. Lipovetsky einen weiteren, breiteren ab – die Opposition Chaos - Raum. „Das Chaos ist ein System, dessen Aktivität der gleichgültigen Unordnung, die im Gleichgewichtszustand herrscht, entgegengesetzt ist; keine Stabilität gewährleistet mehr die Richtigkeit der makroskopischen Beschreibung, alle Möglichkeiten werden aktualisiert, koexistieren und interagieren miteinander, und das System erweist sich gleichzeitig als alles, was es sein kann. Um diesen Zustand zu bezeichnen, führt Lipovetsky den Begriff „Chaosmos“ ein, der an die Stelle der Harmonie tritt.

Auch in der russischen Postmoderne mangelt es an Richtungsreinheit – etwa avantgardistischer Utopismus (in der surrealistischen Utopie der Freiheit aus Sokolovs „School for Fools“) und Anklänge an das ästhetische Ideal des klassischen Realismus, sei es „ Dialektik der Seele" von A. Bitov, koexistieren mit postmoderner Skepsis. oder "Barmherzigkeit für die Gefallenen" von V. Jerofejew und T. Tolstoi.

Ein Merkmal der russischen Postmoderne ist das Problem des Helden – des Autors – des Erzählers, die in den meisten Fällen unabhängig voneinander existieren, aber ihre dauerhafte Zugehörigkeit ist der Archetyp des heiligen Narren. Genauer gesagt ist der Archetyp des heiligen Narren im Text das Zentrum, der Punkt, an dem die Hauptlinien zusammenlaufen. Darüber hinaus kann es (mindestens) zwei Funktionen erfüllen:

Eine klassische Version eines Grenzthemas, das zwischen diametralen kulturellen Codes schwebt. So versucht zum Beispiel Venichka in dem Gedicht "Moskau - Petushki", bereits auf der anderen Seite zu sein, Yesenin, Jesus Christus, fantastische Cocktails, Liebe, Zärtlichkeit, den Leitartikel von Pravda in sich wieder zu vereinen. Und dies erweist sich nur innerhalb der Grenzen des törichten Bewusstseins als möglich. Der Held von Sasha Sokolov wird von Zeit zu Zeit in zwei Hälften geteilt, steht auch im Zentrum kultureller Codes, aber ohne sich mit einem von ihnen zu befassen, sondern als würde er ihren Fluss durchströmen. Dies entspricht eng der Theorie der Postmoderne über die Existenz des Anderen. Der Existenz des Anderen (oder der Anderen), also der Gesellschaft, ist es im menschlichen Geist zu verdanken, dass sich alle möglichen kulturellen Codes überschneiden und ein unvorhersehbares Mosaik bilden.

Gleichzeitig ist dieser Archetyp eine Version des Kontexts, eine Kommunikationslinie mit einem mächtigen Zweig des kulturellen Archaismus, der von Rozanov und Charms bis in die Gegenwart reicht.

Auch die russische Postmoderne hat mehrere Möglichkeiten, den künstlerischen Raum zu sättigen. Hier sind einige davon.

Beispielsweise kann ein Werk auf einem reichen Kulturstand beruhen, der den Inhalt weitgehend begründet („Puschkin-Haus“ von A. Bitov, „Moskau - Petushki“ von V. Erofeev). Es gibt eine andere Version der Postmoderne: Der gesättigte Zustand der Kultur wird aus irgendeinem Grund durch endlose Emotionen ersetzt. Dem Leser wird eine Enzyklopädie der Emotionen und philosophischen Gespräche über alles in der Welt geboten, insbesondere über die postsowjetische Verwirrung, die als schreckliche schwarze Realität wahrgenommen wird, als völliger Misserfolg, als Sackgasse („Endless Dead End“ von D. Galkovsky, Werke von V. Sorokin).

Literarisches Panorama der zweiten Hälfte der 1990er Jahre. bestimmt durch das Zusammenspiel zweier ästhetischer Strömungen: realistisch, in der Tradition der bisherigen Literaturgeschichte verwurzelt und neu, postmodern. Die russische Postmoderne als literarische und künstlerische Bewegung wird oft mit der Zeit der 1990er Jahre in Verbindung gebracht, obwohl sie tatsächlich eine bedeutende Vorgeschichte von mindestens vier Jahrzehnten hat. Ihre Entstehung war völlig natürlich und wurde sowohl durch die inneren Gesetze der literarischen Entwicklung als auch durch eine bestimmte Stufe des gesellschaftlichen Bewusstseins bestimmt. Postmoderne ist nicht so sehr Ästhetik als Philosophie, Denktypus, eine Art zu fühlen und zu denken, die ihren Ausdruck in der Literatur fand.

Der Anspruch auf totale Universalität der Postmoderne, sowohl im philosophischen als auch im literarischen Bereich, wurde in der zweiten Hälfte der 1990er Jahre offensichtlich, als diese Ästhetik und die sie vertretenden Künstler von literarischen Außenseitern zu den Meistern der Gedanken des lesenden Publikums wurden , die zu diesem Zeitpunkt stark ausgedünnt war. Es war dann das anstelle von Kennzahlen moderne Literatur Dmitry Prigov, Lev Rubinshtein, Vladimir Sorokin, Viktor Pelevin werden vorgebracht und schockieren den Leser absichtlich. Der Schockeindruck ihrer Werke auf eine Person, die mit realistischer Literatur erzogen wurde, ist nicht nur mit äußeren Utensilien verbunden, einer bewussten Verletzung der literarischen und allgemeinen kulturellen Sprachetikette (Verwendung obszöner Sprache, Wiedergabe von Jargon der niedrigsten sozialen Umgebung), die Enttabuisierung aller ethischen Tabus (ein detailliert bewusst unterschätztes Bild multipler sexueller Handlungen und antiästhetischer physiologischer Manifestationen), die grundsätzliche Ablehnung einer realistischen oder zumindest irgendwie vital rationalen Motivation für den Charakter oder das Verhalten einer Figur. Der Schock durch die Kollision mit den Werken von Sorokin oder Pelevin wurde durch ein grundlegend anderes Verständnis der in ihnen reflektierten Realität verursacht; der Zweifel der Autoren an der Existenz der Realität, der privaten und historischen Zeit, der kulturellen und soziohistorischen Realität (die Romane „Chapaev und die Leere“, „Generation P“ von V. O. Pelevin); absichtliche Zerstörung klassischer realistischer Literaturmodelle, natürliche, rational erklärbare Ursache-Wirkungs-Beziehungen von Ereignissen und Phänomenen, Motivationen für die Handlungen von Charakteren, Entwicklung von Handlungskollisionen ("Norm" und "Roman" von V. G. Sorokin). Letztlich - ein Zweifel an der Möglichkeit rationaler Seinserklärungen. All dies wurde in den literaturkritischen Periodika traditionell realistisch orientierter Publikationen oft als Verhöhnung des Lesers, der Literatur und des Menschen im Allgemeinen interpretiert. Es muss gesagt werden, dass die mit sexuellen oder fäkalen Motiven gefüllten Texte dieser Schriftsteller für eine solche kritische Interpretation durchaus Anlass gaben. Strenge Kritiker wurden jedoch unwissentlich Opfer der Provokation von Schriftstellern und folgten dem Weg der offensichtlichsten, einfachsten und irrigsten Lesart des postmodernen Textes.

Als Reaktion auf zahlreiche Vorwürfe, dass er Menschen nicht mag, dass er sie in seinen Werken verspottet, argumentierte V. G. Sorokin, dass Literatur „eine tote Welt“ sei und die in einem Roman oder einer Geschichte dargestellten Menschen „keine Menschen, sondern nur Buchstaben sind Papier. Die Aussage des Autors enthält nicht nur den Schlüssel zu seinem Verständnis von Literatur, sondern auch zum postmodernen Bewusstsein im Allgemeinen.

Unter dem Strich steht die Literatur der Postmoderne in ihrer ästhetischen Basis nicht nur in scharfem Gegensatz zur realistischen Literatur, sie hat auch einen grundlegend anderen künstlerischen Charakter. Traditionelle literarische Strömungen, zu denen Klassizismus, Sentimentalismus, Romantik und natürlich Realismus gehören, konzentrieren sich auf die eine oder andere Weise auf die Realität, die als Gegenstand des Bildes fungiert. Dabei kann das Verhältnis von Kunst zur Wirklichkeit sehr unterschiedlich sein. Sie kann durch den Wunsch der Literatur bestimmt sein, das Leben nachzuahmen (aristotelische Mimesis), die Realität zu erforschen, sie unter dem für den klassischen Realismus typischen Blickwinkel sozialgeschichtlicher Prozesse zu studieren, um einige Idealmodelle zu schaffen Soziale Beziehungen(Klassizismus oder Realismus von N. G. Chernyshevsky, Autor des Romans „Was tun?“), die Realität direkt beeinflussen, einen Menschen verändern, ihn „formen“, verschiedene soziale Maskentypen seiner Zeit zeichnen (sozialistischer Realismus). Der grundsätzliche Zusammenhang und Zusammenhang von Literatur und Wirklichkeit steht jedenfalls außer Zweifel. Exakt

Daher schlagen einige Gelehrte vor, solche literarischen Bewegungen oder kreativen Methoden als zu charakterisieren primärÄsthetische Systeme.

Das Wesen der postmodernen Literatur ist völlig anders. Sie hat sich keineswegs das Studium der Wirklichkeit zur Aufgabe gemacht (zumindest wird es so erklärt); außerdem wird die Korrelation von Literatur und Leben, die Verbindung zwischen ihnen im Prinzip geleugnet (Literatur ist "das ist eine tote Welt", Helden sind "nur Buchstaben auf Papier"). In diesem Fall ist das Thema Literatur keine echte soziale oder ontologische Realität, sondern die vorherige Kultur: literarische und nicht-literarische Texte verschiedener Epochen, wahrgenommen außerhalb der traditionellen kulturellen Hierarchie, die es ermöglicht, hoch und niedrig, heilig zu vermischen und profane, hochstilisierte und halbgebildete Umgangssprache, Poesie und Slang-Jargon. Mythologie, überwiegend sozialistischer Realismus, unvereinbare Diskurse, neu gedachte Schicksale von Folklore und literarischen Figuren, Alltagsklischees und Stereotype, meist unreflektiert auf der Ebene des kollektiven Unbewussten existierend, werden zum Gegenstand der Literatur.

Der grundlegende Unterschied zwischen der Postmoderne und, sagen wir, realistischer Ästhetik besteht also darin, dass sie es ist zweitrangig ein künstlerisches System, das nicht die Realität erforscht, sondern vergangene Vorstellungen davon, chaotisch, bizarr und unsystematisch vermischt und neu denkt. Die Postmoderne als literarisches und ästhetisches System oder als kreative Methode neigt zur Tiefe Selbstreflexion. Es entwickelt seine eigene Metasprache, einen Komplex spezifischer Konzepte und Begriffe, bildet um sich herum einen ganzen Korpus von Texten, die seinen Wortschatz und seine Grammatik beschreiben. In diesem Sinne erscheint sie als normative Ästhetik, in der dem Kunstwerk selbst die zuvor formulierten theoretischen Normen seiner Poetik vorangestellt sind.

Die theoretischen Grundlagen der Postmoderne wurden in den 1960er Jahren gelegt. unter französischen Wissenschaftlern poststrukturalistische Philosophen. Die Geburt der Postmoderne wird durch die Autorität von Roland Barthes, Jacques Derrida, Yulia Kristeva, Gilles Deleuze und Jean Francois Lyotard beleuchtet, die Mitte des letzten Jahrhunderts in Frankreich eine wissenschaftliche strukturell-semiotische Schule gründeten, die die Geburt und Expansion vorherbestimmte einer ganzen literarischen Bewegung sowohl in der europäischen als auch in der russischen Literatur. Die russische Postmoderne ist ein ganz anderes Phänomen als die europäische, aber die philosophische Grundlage der Postmoderne wurde gerade damals geschaffen, und die russische Postmoderne wäre ohne sie jedoch ebenso wenig möglich gewesen wie die europäische. Bevor wir uns der Geschichte der russischen Postmoderne zuwenden, ist es daher notwendig, auf ihre Grundbegriffe und -konzepte einzugehen, die vor fast einem halben Jahrhundert entwickelt wurden.

Unter den Werken, die die Grundsteine ​​des postmodernen Bewusstseins legen, müssen die Artikel von R. Barth hervorgehoben werden „Tod eines Autors“(1968) und Y. Kristeva "Bachtin, Wort, Dialog und Roman"(1967). In diesen Werken wurden die Grundkonzepte der Postmoderne eingeführt und begründet: die Welt als Text, der Tod des Autors und die geburt eines readers, scripters, intertext und Intertextualität. Im Zentrum des postmodernen Bewusstseins steht die Idee der grundlegenden Vollständigkeit der Geschichte, die sich in der Erschöpfung der kreativen Potenziale der menschlichen Kultur, der Vollständigkeit ihres Entwicklungskreises, manifestiert. Alles, was jetzt ist, ist schon gewesen und wird sein, Geschichte und Kultur bewegen sich im Kreis, sind im Grunde dazu verdammt, sich zu wiederholen und die Zeit zu markieren. Dasselbe passiert mit der Literatur: Alles wurde schon geschrieben, es ist unmöglich, etwas Neues zu schaffen, der moderne Schriftsteller ist wohl oder übel dazu verdammt, die Texte seiner fernen und nahen Vorgänger zu wiederholen und sogar zu zitieren.

Es ist diese Haltung der Kultur, die die Idee motiviert Tod des Autors. Laut Theoretikern der Postmoderne ist der moderne Schriftsteller nicht der Autor seiner Bücher, weil alles, was er schreiben kann, viel früher vor ihm geschrieben wurde. Er kann nur freiwillig oder unfreiwillig, bewusst oder unbewusst frühere Texte zitieren. Der moderne Schriftsteller ist im Wesentlichen nur ein Kompilator zuvor erstellter Texte. Daher wird in der postmodernen Kritik "der Autor kleiner, wie eine Figur in den Tiefen der Literaturszene". Moderne literarische Texte schafft Skripter(Englisch - Skriptor), die furchtlos die Texte früherer Epochen zusammenstellt:

"Seine Hand<...>macht eine rein deskriptive (und nicht expressive) Geste und skizziert ein bestimmtes Zeichenfeld, das keinen Ausgangspunkt hat – jedenfalls kommt es nur aus der Sprache als solcher, und es stellt unermüdlich jede Vorstellung von einem Ausgangspunkt in Frage.

Hier treffen wir auf die grundlegende Darstellung der postmodernen Kritik. Der Tod des Autors stellt den eigentlichen Inhalt des Textes in Frage, der von der Bedeutung des Autors durchdrungen ist. Es stellt sich heraus, dass der Text zunächst keine Bedeutung haben kann. Es ist "ein multidimensionaler Raum, in dem sich verschiedene Arten des Schreibens kombinieren und miteinander argumentieren, von denen keine originell ist; der Text ist aus Zitaten gewebt, die sich auf Tausende kultureller Quellen beziehen", und der Schriftsteller (d.h. Skriptor) "kann nur ahme für immer nach, was zuvor geschrieben wurde und nicht zum ersten Mal geschrieben wurde." Diese These von Barthes ist der Ausgangspunkt für ein solches Konzept der postmodernen Ästhetik als Intertextualität:

"... Jeder Text ist als Mosaik von Zitaten aufgebaut, jeder Text ist ein Produkt der Aufnahme und Transformation eines anderen Textes", schrieb Y. Kristeva und begründete damit das Konzept der Intertextualität.

Gleichzeitig verlieren unendlich viele Quellen, die durch den Test „absorbiert“ werden, ihre ursprüngliche Bedeutung, falls sie diese jemals hatten, gehen untereinander neue semantische Verbindungen ein, die nur Leser. Eine ähnliche Ideologie charakterisierte die französischen Poststrukturalisten im Allgemeinen:

„Der Schreiber, der den Autor ersetzt hat, trägt keine Leidenschaften, Stimmungen, Gefühle oder Eindrücke in sich, sondern nur ein so riesiges Wörterbuch, aus dem er seinen Brief schöpft, das keinen Halt kennt; das Leben ahmt nur das Buch nach, und das Buch selbst ist aus Zeichen gewebt , ahmt selbst etwas bereits Vergessenes nach, und so weiter ins Unendliche.

Aber warum sind wir beim Lesen eines Werkes davon überzeugt, dass es noch einen Sinn hat? Denn nicht der Autor legt den Sinn in den Text, sondern Leser. Nach bestem Wissen und Gewissen fügt er alle Anfänge und Enden des Textes zusammen und verleiht ihm so seine eigene Bedeutung. Daher ist eines der Postulate der postmodernen Weltanschauung die Idee mehrere Interpretationen des Werkes, jeder von ihnen hat das Recht zu existieren. Damit wächst die Figur des Lesers, seine Bedeutung, immens. An die Stelle des Autors tritt der Leser, der dem Werk gleichsam Sinn verleiht. Der Tod eines Autors ist die Bezahlung der Literatur für die Geburt eines Lesers.

Auf diese theoretischen Vorgaben stützen sich im Wesentlichen auch andere Konzepte der Postmoderne. So, Postmoderne Sensibilität impliziert eine totale Glaubenskrise, die Wahrnehmung der Welt durch den modernen Menschen als Chaos, in der alle ursprünglichen semantischen und wertorientierten Orientierungen fehlen. Intertextualität, eine chaotische Kombination im Text von Codes, Zeichen, Symbolen früherer Texte zu suggerieren, führt zu einer besonderen postmodernen Form der Parodie - Pastiche Ausdruck totaler postmoderner Ironie über die bloße Möglichkeit der Existenz einer einzigen, ein für alle Mal festgelegten Bedeutung. Simulakrum wird zu einem Zeichen, das nichts bedeutet, zu einem Zeichen einer Simulation der Realität, die nicht mit ihr korreliert, sondern nur mit anderen Simulakren, die eine irreale postmoderne Welt der Simulationen und Unechtheiten schaffen.

Die Grundlage der postmodernen Einstellung zur Welt der früheren Kultur ist ihre Dekonstruktion. Dieses Konzept wird traditionell mit dem Namen J. Derrida in Verbindung gebracht. Der Begriff selbst, der zwei Präfixe mit entgegengesetzter Bedeutung enthält ( de- Zerstörung u con - Schöpfung) bezeichnet Dualität in Bezug auf das untersuchte Objekt – Text, Diskurs, Mythologem, jedes Konzept des kollektiven Unterbewusstseins. Die Operation der Dekonstruktion impliziert die Zerstörung der ursprünglichen Bedeutung und ihre gleichzeitige Schaffung.

"Die Bedeutung der Dekonstruktion<...>besteht darin, die innere Widersprüchlichkeit des Textes aufzudecken, darin versteckt und unbemerkt nicht nur von einem unerfahrenen, "naiven" Leser, sondern auch vom Autor selbst ("schlafend", in den Worten von Jacques Derrida) ererbte Restbedeutungen zu entdecken Sprache, sonst - diskursive Praktiken der Vergangenheit, in der Sprache verankert in Form von unbewussten mentalen Stereotypen, die wiederum ebenso unbewusst und unabhängig vom Textautor unter dem Einfluss der Sprachklischees der Zeit transformiert werden .

Nun wird deutlich, dass gerade die Verlagszeit, die gleichzeitig verschiedene Epochen, Jahrzehnte, weltanschauliche Orientierungen, kulturelle Vorlieben, Diaspora und Metropole, heute lebende und vor fünf bis sieben Jahrzehnten verstorbene Schriftsteller zusammenbrachte, den Boden bereitete für postmoderne Sensibilität, imprägnierte Magazinseiten mit offensichtlicher Intertextualität. Unter diesen Bedingungen wurde die Expansion der postmodernen Literatur der 1990er Jahre möglich.

Zu dieser Zeit hatte die russische Postmoderne jedoch eine gewisse historische und literarische Tradition, die bis in die 1960er Jahre zurückreicht. Aus naheliegenden Gründen bis Mitte der 1980er Jahre. es war sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne ein marginales unterirdisches Katakombenphänomen der russischen Literatur. Abram Tertz' Buch Walks with Pushkin (1966-1968) beispielsweise, das als eines der ersten Werke der russischen Postmoderne gilt, wurde im Gefängnis geschrieben und unter dem Deckmantel von Briefen an seine Frau in die Freiheit geschickt. Ein Roman von Andrey Bitov "Puschkin-Haus"(1971) stand auf einer Stufe mit dem Buch von Abram Tertz. Diese Werke zusammengeführt gemeinsames Thema Bilder sind russische klassische Literatur und Mythologeme, die durch eine mehr als hundertjährige Tradition ihrer Interpretation entstanden sind. Sie waren es, die zum Objekt der postmodernen Dekonstruktion wurden. A. G. Bitov schrieb nach eigenem Bekunden „ein Anti-Lehrbuch der russischen Literatur“.

1970 entstand ein Gedicht von Venedikt Erofeev "Moskau - Petuschki", die der Entwicklung der russischen Postmoderne einen starken Impuls gibt. Indem er viele Diskurse der russischen und der sowjetischen Kultur komisch vermischte und sie in die Alltags- und Sprachsituation eines sowjetischen Alkoholikers eintauchte, schien Erofeev den Weg der klassischen Postmoderne zu beschreiten. Er kombinierte die alte Tradition der russischen Dummheit, das offene oder verdeckte Zitieren klassischer Texte, Fragmente der in der Schule auswendig gelernten Werke von Lenin und Marx mit der Situation, die der Erzähler in einem Pendlerzug in einem Zustand schwerer Trunkenheit erlebte, und erzielte beide Wirkungen der Pastiche und der intertextuelle Reichtum des Werks, das eine wirklich grenzenlose semantische Unerschöpflichkeit besitzt und eine Vielzahl von Interpretationen nahelegt. Das Gedicht "Moskau - Petuschki" zeigte jedoch, dass die russische Postmoderne nicht immer mit dem Kanon einer ähnlichen westlichen Strömung korreliert. Erofeev lehnte das Konzept des Todes des Autors grundsätzlich ab. Es war die Sichtweise des Autor-Erzählers, die im Gedicht einen einzigen Blickwinkel auf die Welt bildete, und der Rauschzustand sanktionierte gleichsam die völlige Abwesenheit der kulturellen Hierarchie der darin enthaltenen semantischen Schichten.

Die Entwicklung der russischen Postmoderne in den 1970er–1980er Jahren ging in erster Linie im Einklang mit Konzeptualismus. Genetisch geht dieses Phänomen auf die poetische Schule "Lianozovo" der späten 1950er Jahre zurück, auf die ersten Experimente von V. N. Nekrasov. Als eigenständiges Phänomen innerhalb der russischen Postmoderne nahm der Moskauer poetische Konzeptualismus jedoch in den 1970er Jahren Gestalt an. Einer der Gründer dieser Schule war Vsevolod Nekrasov, und die prominentesten Vertreter waren Dmitry Prigov, Lev Rubinshtein und wenig später Timur Kibirov.

Das Wesen des Konzeptualismus wurde als eine radikale Änderung des Subjekts ästhetischer Aktivität begriffen: eine Orientierung nicht am Bild der Realität, sondern an der Kenntnis der Sprache in ihren Metamorphosen. Gleichzeitig entpuppten sich sprachliche und mentale Klischees der Sowjetzeit als Gegenstand poetischer Dekonstruktion. Es war eine ästhetische Reaktion auf den späten, toten und verknöcherten sozialistischen Realismus mit seinen abgenutzten Formeln und Ideomemen, Slogans und Propagandatexten, die keinen Sinn ergaben. Sie galten als Konzepte, deren Dekonstruktion von Konzeptisten durchgeführt wurde. Das „Ich“ des Autors fehlte, aufgelöst in „Zitate“, „Stimmen“, „Meinungen“. Im Wesentlichen wurde die Sprache der Sowjetzeit einer totalen Dekonstruktion unterzogen.

Besonders deutlich manifestiert sich die Strategie des Konzeptualismus in der kreativen Praxis Dmitri Alexandrowitsch Prigov(1940–2007), der Schöpfer vieler Mythen (einschließlich des Mythos über sich selbst als moderner Puschkin), parodierte sowjetische Vorstellungen von der Welt, der Literatur, dem Alltag, der Liebe, dem Verhältnis zwischen Mensch und Macht usw. In seiner Arbeit wurden sowjetische Ideome über die Große Arbeit, die allmächtige Macht (das Bild von Militsaner) transformiert und postmodern profaniert. Maskenbilder in Prigovs Gedichten, "das flackernde Gefühl der Anwesenheit - Abwesenheit des Autors im Text" (L. S. Rubinshtein) erwiesen sich als Manifestation des Konzepts des Todes des Autors. Parodistische Zitate, die Aufhebung des traditionellen Gegensatzes von Ironie und Ernst bestimmten die Präsenz postmoderner Pastiche in der Poesie und reproduzierten gleichsam die Kategorien der sowjetischen Mentalität. kleiner Mann". In den Gedichten "Hier fliegen die Kraniche mit einem scharlachroten Streifen ...", "Ich habe eine Nummer auf meiner Theke gefunden ...", "Hier brate ich ein Huhn ..." vermittelten sie die psychologischen Komplexe des Helden, entdeckte eine Verschiebung in den realen Proportionen des Bildes der Welt. All dies wurde von der Schaffung von Quasi-Genres von Prigovs Poesie begleitet: "Philosophen", "Pseudo-Verse", "Pseudo-Nachruf", " Werk" usw.

An Kreativität Lev Semenovich Rubinstein(geb. 1947) wurde eine „härtere Version des Konzeptualismus“ verwirklicht (M. N. Epshtein). Er schrieb seine Gedichte auf separaten Karten, die dabei zu einem wichtigen Element seiner Arbeit wurden Leistung - Präsentation von Gedichten, die Darbietung ihres Autors. Er hielt und sortierte die Karten, auf denen das Wort geschrieben war, nur eine poetische Zeile, nichts wurde geschrieben, er betonte sozusagen das neue Prinzip der Poetik - die Poetik der "Kataloge", der poetischen "Kartei". Die Karte wurde zu einer elementaren Texteinheit, die Poesie und Prosa verbindet.

"Jede Karte", sagte der Dichter, "ist sowohl ein Objekt als auch eine universelle Rhythmuseinheit, die jede Sprachgeste nivelliert - von einer detaillierten theoretischen Nachricht bis zu einem Zwischenruf, von einer Regieanweisung bis zu einem Fragment eines Telefongesprächs. Eine Packung von Karten ist ein Objekt, ein Band, es ist KEIN Buch, das ist die Idee der „Extra-Gutenberg“-Existenz der verbalen Kultur.

Einen besonderen Platz unter den Konzeptualisten nimmt ein Timur Jurjewitsch Kibirow(geb. 1955). Mit den technischen Methoden des Konzeptualismus gelangt er zu einer anderen Interpretation der sowjetischen Vergangenheit als seine älteren Kameraden im Laden. Wir können über eine Art sprechen Kritische Sentimentalität Kibirov, das sich in Gedichten wie "An den Künstler Semyon Faibisovich", "Sag einfach das Wort "Russland" ...", "Zwanzig Sonette an Sasha Zapoeva" manifestierte. Traditionelle poetische Themen und Genres werden von Kibirov keineswegs einer totalen und destruktiven Dekonstruktion unterzogen. Zum Beispiel wird das Thema der poetischen Kreativität von ihm in Gedichten entwickelt - freundliche Botschaften an "L. S. Rubinstein", "Liebe, Komsomol und Frühling. D. A. Prigov" usw. In diesem Fall kann man nicht vom Tod des Autors sprechen: die Tätigkeit des Autors "zeigt sich in der eigentümlichen Lyrik von Kibirovs Gedichten und Gedichten, in ihrer tragikomischen Färbung. Seine Gedichte verkörperten das Weltbild eines Mannes am Ende der Geschichte, der sich in einer Situation des kulturellen Vakuums befindet und darunter leidet („Antwortentwurf an Gugolev“).

Die zentrale Figur der modernen russischen Postmoderne kann in Betracht gezogen werden Wladimir Georgiewitsch Sorokin(geb. 1955). Der Beginn seines Schaffens Mitte der 1980er Jahre verbindet den Schriftsteller fest mit dem Konzeptualismus. Diese Verbindung verlor er auch in seinen späteren Arbeiten nicht, obwohl das aktuelle Stadium seiner Arbeit natürlich weiter ist als der konzeptionelle Kanon. Sorokin ist ein großartiger Stylist; das thema der darstellung und reflexion in seiner arbeit ist genau Stil - sowohl russische Klassik als auch Sowjetische Literatur. L. S. Rubinshtein beschrieb Sorokins kreative Strategie sehr treffend:

„Alle seine Werke – thematisch und genreübergreifend unterschiedlich – bauen im Wesentlichen auf derselben Technik auf. Ich würde diese Technik als „Stilhysterie“ bezeichnen.“ Sorokin beschreibt nicht die sogenannte Lebenssituationen- Sprache (hauptsächlich Literatursprache), ihr Zustand und ihre Bewegung in der Zeit ist das einzige (echte) Drama, das die konzeptionelle Literatur besetzt<...>Die Sprache seiner Werke<...>als würde er verrückt werden und sich unangemessen verhalten, was in Wirklichkeit die Angemessenheit einer anderen Ordnung ist. Es ist so gesetzlos wie es legal ist."

Tatsächlich besteht die Strategie von Wladimir Sorokin in einem rücksichtslosen Aufeinanderprallen zweier Diskurse, zweier Sprachen, zweier unvereinbarer kultureller Schichten. Der Philosoph und Philologe Vadim Rudnev beschreibt diese Technik wie folgt:

"Meistens sind seine Geschichten nach demselben Schema aufgebaut. Am Anfang steht ein gewöhnlicher, etwas zu saftiger parodistischer Sotsart-Text: eine Geschichte über eine Jagd, eine Komsomol-Sitzung, eine Sitzung des Parteikomitees - aber plötzlich ist es so geschieht völlig unerwartet und unmotiviert<...>ein Durchbruch in etwas Schreckliches und Schreckliches, was laut Sorokin echte Realität ist. Als hätte Pinocchio mit seiner Nase eine Leinwand mit einem bemalten Herd durchbohrt, aber dort keine Tür gefunden, sondern so etwas wie das, was in modernen Horrorfilmen gezeigt wird.

Texte von V. G. Sorokin wurden erst in den 1990er Jahren in Russland veröffentlicht, obwohl er 10 Jahre zuvor aktiv zu schreiben begann. Mitte der 1990er Jahre wurden die in den 1980er Jahren entstandenen Hauptwerke des Schriftstellers veröffentlicht. und im Ausland bereits bekannt: die Romane "Queue" (1992), "Norma" (1994), "Marina's Thirtieth Love" (1995). 1994 schrieb Sorokin die Geschichte „Hearts of Four“ und den Roman „Roman“. Sein Roman "Blaues Fett" (1999) erlangt ziemlich skandalöse Berühmtheit. Im Jahr 2001 wurde eine Sammlung neuer Kurzgeschichten "Feast" veröffentlicht, und im Jahr 2002 - der Roman "Ice", in dem der Autor angeblich mit dem Konzeptualismus bricht. Sorokins repräsentativste Bücher sind Roman und Feast.

Iljin I.P. Postmoderne: Worte, Begriffe. M., 2001. S. 56.

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Rudnew V.P. Wörterbuch der Kultur des 20. Jahrhunderts: Schlüsselbegriffe und Texte. M., 1999. S. 138.

Zusammenfassung zum Thema:

"Postmoderne Literatur des ausgehenden 20. Jahrhunderts"

In letzter Zeit ist es populär geworden, zu verkünden, dass die Postmoderne zu Beginn des neuen Jahrhunderts alle möglichen Stadien ihrer Selbstbestimmung endgültig durchlaufen hat, nachdem sie die Existenzmöglichkeiten als Phänomen der modernen Kultur mit Anzeichen von Universalität ausgeschöpft hat. Damit einhergehend die Erscheinungsformen der Postmoderne im letzten Drittel des 20. Jahrhunderts. werden oft als intellektuelles Spiel angesehen, das von der Elite der kreativen Intelligenz sowohl im Westen als auch in Russland geliebt wird.

Unterdessen kommen Forscher, die sich in einer Situation der offensichtlichen Dominanz der postmodernen Weltanschauung und der Entstehung einer großen Anzahl von Werken, die der Postmoderne gewidmet sind, der Frage der Postmoderne zugewandt haben, zu dem Schluss, dass „zahlreiche Veröffentlichungen sich als inkonsistent und widersprüchlich herausstellten: das Neue Das ästhetische Phänomen war fließend, vage und widersetzte sich einer Definition.“ D. V. Zatonsky, der sich auf theoretische und künstlerische Texte bezog, um allgemeine Schlussfolgerungen über die Postmoderne zu identifizieren und zu formulieren, nannte den Begriff selbst ein „unverständliches Wort“, dessen Verwendung wenig dazu beiträgt, das Bild der Welt im üblichen Sinne des Wortes zu straffen . Auf die eine oder andere Weise müssen wir dem Wissenschaftler folgend zugeben, dass der bedeutendste Grund für die Verbreitung der Postmoderne der allgemeine Krisenzustand war, und seine Bedeutung liegt darin, dass er das traditionelle "System der Existenz" in Frage stellte von Geist und Kultur."

Tatsächlich ist die Herausbildung der Postmoderne vor allem mit jenen tiefgreifenden Veränderungen im Weltbild verbunden, die die postindustrielle, informations- und computergestützte Phase der Entwicklung der modernen Zivilisation begleiten. In der Praxis verwandelte sich dies in einen tiefen und oft unwiderruflichen Unglauben an die universelle Bedeutung sowohl der objektiven als auch der subjektiven Erkenntnisprinzipien der realen Welt. Für viele Ereignisse und Phänomene, die vom Bewusstsein wahrgenommen werden moderne Welt aufgehört haben, den Charakter von Bildern, Zeichen, Konzepten zu haben, die eine objektiv bedeutsame Bedeutung oder eine spirituelle und moralische Bedeutung enthalten, die mit der Idee einer realen fortschreitenden historischen Entwicklung oder einer freien spirituellen Aktivität korreliert sind. Laut J.-F. Lyotard, jetzt der sogenannte „Zeitgeist“, „mag sich in allerlei reaktiven oder gar reaktionären Haltungen oder Utopien äußern, aber es gibt keine positive Orientierung, die uns eine neue Perspektive eröffnen könnte.“ Im Allgemeinen war die Postmoderne „ein Symptom des Zusammenbruchs der früheren Welt und gleichzeitig die unterste Stufe auf der Skala ideologischer Stürme“, mit denen das 21. Jahrhundert behaftet ist. Diese Charakterisierung der Postmoderne kann viele Bestätigungen in theoretischen Arbeiten und literarischen Texten finden.

Gleichzeitig erlaubt uns die Definition der Postmoderne als ein Phänomen, das eine allgemeine Krise und ein Chaos bezeichnet, das sich nach dem Zusammenbruch des traditionellen Systems des Verstehens und Erkennens der Welt öffnete, manchmal nicht, einige wesentliche Aspekte der postmodernen Periode zu erkennen Geisteszustand. Wir sprechen über die intellektuellen und ästhetischen Bemühungen, die im Einklang mit der Postmoderne unternommen wurden, um neue Koordinaten zu entwickeln und die Umrisse dieser neuen Art von Gesellschaft, Kultur und Weltanschauung zu definieren, die in der gegenwärtigen postindustriellen Phase der Entwicklung der westlichen Zivilisation entstanden sind. Der Fall war nicht auf allgemeines Leugnen oder Parodie beschränkt kulturelles Erbe. Für manche Schriftsteller, sogenannte Postmodernisten, ist es wichtiger geworden, jene neuen Beziehungen zwischen Kultur und Mensch zu bestimmen, die sich entwickeln, wenn das Prinzip der fortschreitenden, fortschreitenden Entwicklung von Gesellschaft und Kultur in einer Gesellschaft, die im Zeitalter der Informations- und Computerzivilisation existiert, seine Gültigkeit verliert dominierender Wert.

Infolgedessen wurde in Werken der Literatur ein kohärentes Lebensbild, das auf der Handlung als Ablauf von Ereignissen basiert, oft weniger durch das traditionelle Genre-Plot-Prinzip der Auswahl und Anordnung von Stoffen in der räumlich-zeitlichen Dimension und linearen Abfolge ersetzt , sondern durch die Schaffung einer gewissen Integrität, die auf einer Kombination verschiedener Materialschichten aufbaut, die durch Charaktere oder die Figur des Autor-Erzählers verbunden sind. Tatsächlich kann die Spezifik eines solchen Textes durch die Verwendung des Begriffs „Diskurs“ definiert werden. Unter den zahlreichen Begriffen, die den Begriff "Diskurs" offenbaren, sollte man sein Verständnis hervorheben, das es erlaubt, über die Linguistik hinauszugehen. Schließlich kann Diskurs als „supraphrasale Einheit von Wörtern“ sowie „jede sinnvolle Einheit, egal ob verbal oder visuell“ interpretiert werden. In diesem Fall ist der Diskurs ein System soziokultureller und spiritueller Phänomene, die in der einen oder anderen Form außerhalb fixiert sind einzelne Person und ihm zum Beispiel als durch Tradition geweihtes Kulturerbe angeboten. Aus dieser Sicht vermittelten die Autoren der Postmoderne ein ziemlich scharfes Gefühl, dass für einen modernen Menschen, der in einer Welt aus geformtem, „gebrauchsfertigem“ vielfältigem sozialem und kulturellem Material lebt, zwei Wege übrig bleiben: konformistische Akzeptanz von allem dies oder das Bewusstsein des eigenen Zustands der Entfremdung und Unfreiheit. Die Postmoderne in der Kreativität beginnt also mit der Tatsache, dass der Autor versteht, dass jede Schöpfung von Werken der traditionellen Form zur Reproduktion des einen oder anderen Diskurses degeneriert. Daher in einigen Werken moderne Prosa Die Hauptsache ist die Beschreibung des Aufenthalts einer Person in der Welt verschiedener Arten von Diskursen.

Bezeichnend ist in diesem Zusammenhang die Arbeit von J. Barnes, der in dem Roman „England, England“ (1998) anregte, über die Frage „What is real England?“ nachzudenken. für einen Menschen der postindustriellen Ära, der in einer "Konsumgesellschaft" lebt. Der Roman ist in zwei Teile gegliedert: Einer heißt "England", und darin lernen wir uns kennen Hauptfigur Martha, die in einer einfachen Familie aufgewachsen ist. Als sie ihren Vater trifft, der die Familie einst verlassen hat, erinnert sie ihn daran, dass sie als Kind das Puzzle der Grafschaften Englands zusammengesetzt hat und ihr immer ein Teil gefehlt hat, weil. sein Vater versteckte ihn. Mit anderen Worten, sie stellte die Geographie des Landes als eine Reihe äußerer Umrisse einzelner Gebiete dar, und dieses Puzzle kann als postmodernes Konzept angesehen werden, das den Wissensstand offenbart gewöhnlicher Menschüber dein Land.

So wird im Roman die grundlegende Frage „Was ist Realität“ definiert, und der zweite Teil des Romans widmet sich einem bestimmten Projekt, das Territorium des „Good Old England“ neben dem modernen England zu schaffen. Barnes schlägt vor, die gesamte Kultur Englands in Form eines soziokulturellen Diskurses darzustellen, der aus 50 Begriffen des „Englishness“ besteht. Dazu gehörten die königliche Familie und Königin Victoria, Big Ben, das Parlament, Shakespeare, Snobismus, The Times, Homosexualität, der Fußballverein Manchester United, Bier, Pudding, Oxford, Imperialismus, Cricket usw. Zusätzlich gibt der Text eine umfangreiche Speisekarte mit echten "englischen" Gerichten und Getränken. All dies wird in ein speziell entworfenes und speziell geschaffenes soziokulturelles räumliches Analogon gestellt, das eine Art grandiose Rekonstruktion oder Reproduktion des "alten England" auf einem bestimmten, zu diesem Zweck ausgewählten Inselterritorium darstellt. Die Organisatoren dieses Projekts gehen davon aus, dass historisches Wissen nicht wie eine genaue Videoaufzeichnung realer Ereignisse der Vergangenheit ist, und moderner Mann lebt in einer Welt der Kopien, Mythen, Zeichen und Archetypen. Mit anderen Worten, wenn wir das Leben der englischen Gesellschaft und das kulturelle Erbe reproduzieren wollen, wird es keine Präsentation sein, sondern eine Darstellung dieser Welt, mit anderen Worten „ihre verbesserte und bereicherte, ironisierte und zusammengefasste Version“, wenn „ die Realität der Kopie wird die Realität, der wir auf unserem Weg begegnen werden." Barnes macht darauf aufmerksam, dass sich der postmoderne Zustand der modernen Gesellschaft unter anderem darin manifestiert, dass im Bereich der Kultur, d.h. geistiges Leben eines Menschen, werden heute auch bestimmte Technologien eingesetzt, die Welt der Kultur wird so gestaltet und systematisch gestaltet, wie es zum Beispiel im Bereich der industriellen Produktion geschieht.

"England, England" ist ein Raum, in dem die Archetypen und Mythen dieses Landes als Spektakel präsentiert werden und wo nur Wolken, Fotografen und Touristen authentisch sind und alles andere die Kreation der besten Restauratoren, Schauspieler, Kostümbildner und Designer ist die modernste Technologie, um den Effekt der Antike und Historizität zu erzeugen. Dieses Produkt des modernen Showbusiness der Ära der "Konsumgesellschaft" ist eine "Neupositionierung" der Mythen über England: Das England, das ausländische Touristen für ihr Geld sehen wollen, wurde geschaffen, ohne einige der Unannehmlichkeiten zu erfahren, die Gäste begleiten bei Reisen durch das echte Land - Großbritannien.

In diesem Fall hob die Literatur der Postmoderne eines der Phänomene der postindustriellen Welt als eine Welt der verwirklichten Utopie des universellen Konsums hervor. Der moderne Mensch befand sich in einer Situation, in der er, in die Sphäre der Massenkultur versetzt, als Konsument agiert, dessen „Ich“ als „System der Wünsche und ihrer Befriedigung“ (E. Fromm) und dem Prinzip der Ungehindertheit wahrgenommen wird Der Konsum erstreckt sich nun auf die Sphäre der klassischen Kultur und des gesamten kulturellen Erbes. Das Konzept des Diskurses als soziokulturelles Phänomen gibt Barnes also die Möglichkeit zu zeigen, dass das Bild der Welt, in dem ein moderner Mensch existiert, im Wesentlichen nicht die Frucht seiner eigenen Lebenserfahrung ist, sondern ihm von bestimmten Technologen von außen aufgezwungen wird , „Konzeptentwickler“, wie sie in Roman genannt werden.

Gleichzeitig ist es sehr charakteristisch, dass die Autoren, während sie einige der wesentlichen Aspekte des postmodernen Zustands der modernen Welt und des Menschen nachbilden, ihre Arbeit selbst als eine Reihe von Verfahren zur Erstellung von Texten außerhalb der klassischen Prosatradition verstehen. Wir sprechen davon, Kreativität als einen Prozess der individuellen Verarbeitung, Kombination und Kombination von einzelnen bereits geformten Materialschichten, Teilen kultureller Texte, individuellen Bildern und Archetypen zu verstehen. In der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Es ist diese postmoderne Art von Aktivität, die vorübergehend dominant wird, wenn es darum geht, das ursprüngliche menschliche Bedürfnis und die Fähigkeit nach Erkenntnis und Kreativität zu schützen, zu bewahren und zu verwirklichen.

Dabei werden die inneren Verflechtungen von Textfragmenten, Bildern und Motiven im postmodernen Text als Diskurs reproduziert, der gemeinhin als einer der Zeugnisse des sogenannten „posthistorischen Standes“ des künstlerischen Bewusstseins zuletzt charakterisiert wird Drittel des 20. Jahrhunderts. In der Postmoderne wird die realgeschichtliche Perspektive des Übergangs von der Vergangenheit in die Zukunft konsequent durch den Prozess der Dekonstruktion eines individuellen Weltbildes ersetzt, dessen Integrität ausschließlich auf Diskursen beruht, im Prozess der Wiederherstellung dieses Bildes der Welt bekommt für den Leser einen gewissen Zusammenhang, öffnet ihm manchmal den Weg zu einem neuen Verständnis dieser Welt und seiner eigenen Positionen darin. Mit anderen Worten, die Postmoderne schöpft neue künstlerische Quellen, indem sie aus verschiedenen historischen, soziokulturellen und informativen Fragmenten ein Bild der Welt neu erstellt. Daher wird vorgeschlagen, die Existenz und das spirituelle Leben des Individuums nicht so sehr in sozialen Umständen, sondern im modernen historischen und kulturellen Kontext zu bewerten.

Gleichzeitig ist es der informatorische und kulturelle Aspekt der Materialauswahl und -organisation, der die Spezifik postmoderner Texte ausmacht, die wie ein Mehrebenensystem aussehen. Meistens lassen sich drei Ebenen unterscheiden: künstlerisch (figurativ), informativ und kulturell. Auf der Informationsebene ist die Verwendung von außerkünstlerischen Textfragmenten, die allgemein als Dokumente bezeichnet werden, äußerst charakteristisch für die Postmoderne. Erzählungen über die Helden und ihr Leben werden durch heterogenes, bereits aufbereitetes und verständlich geordnetes Material ergänzt. Teile der Texte können teilweise echte formalisierte Vorlagen oder deren Nachahmungen sein: zum Beispiel Tagebücher und Tagebucheinträge, Briefe, Akten, Prozessprotokolle, Daten aus dem Bereich der Soziologie oder Psychologie, Auszüge aus Zeitungen, Zitate aus Büchern, darunter auch aus literarischen Werken der Poesie und Prosa, die in verschiedenen Epochen geschrieben wurden. All dies wird zu einem literarischen Text zusammengefügt, trägt zur Schaffung des kulturwissenschaftlichen Kontextes der Erzählung bei und wird Teil des die Beschreibung begleitenden Diskurses, der auf der Plot-Plot-Ebene Genremerkmale eines Romans aufweist und dessen Problematik aufzeigt das individuelle Schicksal des Helden.

Diese Informations- und Kulturschicht repräsentiert meistens die postmoderne Komponente der künstlerischen Erzählung. Auf dieser Ebene findet die Kombination von Material aus verschiedenen Epochen statt, wenn Bilder, Handlungen, Symbole aus der Kultur- und Kunstgeschichte mit einem System von Normen, Werten und Konzepten auf der Ebene des modernen theoretischen Wissens und der Humanität korreliert werden Ausgaben. So werden beispielsweise in W. Ecos „Pendel von Foucault“ Auszüge aus naturwissenschaftlicher, philosophischer, theologischer Literatur verschiedener Epochen als Inschriften zu einzelnen Kapiteln gegeben. Weitere Beispiele für die intellektuelle Durchdringung postmoderner Prosa mit Informations-, Kultur- und Theoriematerial sind verschiedene Arten von Vorworten der Autoren, die den Charakter eigenständiger Essays haben. Solche sind zum Beispiel „Anmerkungen zu den Rändern des Namens der Rose“ von W. Eco oder „Prolog“ und „Schlussfolgerung“ zum Roman von J. Fowles „Der Wurm“, „Intermedia“ zwischen zwei Kapiteln „Weltgeschichte im 10 ½ Kapitel“ von J. Barnes. Nach dem Vorbild einer wissenschaftlichen Abhandlung beendet J. Barnes seine „Geschichte der Welt“ mit einer Liste von Büchern, die er zur Beschreibung des Mittelalters und der Entstehungsgeschichte des Gemäldes des französischen Künstlers Géricault „Das Floß von“ verwendet hat die Medusa" und sein Roman "Flauberts Papagei" ist mit einer ziemlich detaillierten Chronologie des Lebens des französischen Schriftstellers versehen.

In diesen Fällen ist es den Autoren wichtig, die Möglichkeit fruchtbarer geistiger Betätigung und geistiger Freiheit anhand literarischer Arbeit nachzuweisen. A. Robbe-Grillet zum Beispiel glaubt, dass ein moderner Schriftsteller nicht wie früher den äußerlich soliden und realen Alltag zu einer Quelle der Kreativität machen und seinen Werken den Charakter einer totalitären Wahrheit über die Normen und Gesetze der Tugend und des vollständigen Wissens geben kann über die Welt. Nun stellt sich der Autor "nicht gegen einzelne Bestimmungen dieses oder jenes Systems, nein, er leugnet jedes System." Nur in seiner inneren Welt findet er eine Quelle freier Inspiration und eine Grundlage, um ohne den allumfassenden Druck des Prinzips der formalen und inhaltlichen Scheinplausibilität ein individuelles Bild der Welt als Text zu schaffen. In der Hoffnung auf eine intellektuelle und ästhetische Befreiung von der Welt lebend, zahlt der moderne Schriftsteller den Preis, indem er „sich selbst als eine Art Verschiebung fühlt, als Riss im üblichen geordneten Lauf der Dinge und Ereignisse …“.

Nicht umsonst wird in W. Ecos „Foucault's Pendel“ für den Erzähler der Computer zum Symbol einer beispiellosen Freiheit im Umgang mit dem Material der Kreativität und damit der intellektuellen Befreiung des Individuums. „Oh Glück, oh Schwindel der Unähnlichkeit, oh, mein idealer Leser, überwältigt von der idealen „Schlaflosigkeit“ ... „Der Mechanismus hundertprozentiger Spiritualität. Wenn du schreibst Federkiel, knarrend auf schmierigem Papier und jede Minute ins Tintenfass tauchen, Gedanken sind einander voraus und die Hand kommt nicht mit dem Gedanken mit, wenn man auf einer Schreibmaschine tippt, vermischen sich die Buchstaben, man kommt nicht hinterher mit der geschwindigkeit der eigenen synapsen gewinnt der dumpfe mechanische rhythmus. Aber bei ihm (vielleicht bei ihr?) tanzen die Finger, wie es ihnen gefällt, das Gehirn wird mit der Tastatur kombiniert, und du flatterst mitten im Himmel, du hast Flügel wie ein Vogel, du komponierst eine psychologisch kritische Analyse des Sensationen der Hochzeitsnacht ... ". "Proust ist wie ein Kinderkram im Vergleich zu so etwas." Zugang zu einer nie dagewesenen Vielfalt an Wissen und Informationen aus den unterschiedlichsten Bereichen der soziokulturellen Vergangenheit und Gegenwart, die Möglichkeit ihrer gleichzeitigen Wahrnehmung, freien Kombination und Gegenüberstellung, die Verbindung von Pluralismus von Werten und Normen mit ihrer Konflikthaftigkeit und Totalität Druck auf das menschliche Bewusstsein - alle bestimmen die widersprüchlichen Grundlagen der postmodernen Methode des Schaffens künstlerisches Bild Leben. In der Praxis sehen postmoderne Manifestationen der Methodik des kreativen Prozesses aus wie ein klar definiertes Repertoire verschiedener Wege, Techniken und "Technologien" der Verarbeitung des Ausgangsmaterials, um einen mehrstufigen Text zu erstellen.

Allerdings das Aussehen in den 1980er Jahren Eine Reihe von Prosawerken lässt erkennen, dass Merkmale wie Zitat, Fragmentierung, Eklektizismus und Verspieltheit die Möglichkeiten der literarischen Postmoderne noch lange nicht ausschöpfen. Solche Merkmale der postmodernen Prosa wie die Schaffung einer kulturellen, philosophischen und künstlerischen Erzählung (z. B. eines historischen Romans oder eines Kriminalromans), die nicht den verwurzelten traditionellen Vorstellungen von Prosagattungen entsprechen, haben ihre dominierende Bedeutung gefunden. Zum Beispiel „Der Name der Rose“ (1980) und „Foucaults Pendel“ (1989), der „illustrierte Roman“ „Die mysteriöse Flamme der Königin Loana“ (2004) von W. Eco, der historische Roman – „Fantasie“ von J. Fowles „Worm“ (1985), „Geschichte der Welt in 10 ½ Kapitel“ (1989) von J. Barnes, autobiografische Trilogie von A. Robbe-Grillet „Romaneschi“ (1985-1994). Diese Arbeiten zeigen, dass die Wahl der postmodernen Kreativitätsmethodik zu einem großen Teil dem Wunsch geschuldet ist, sich von dem Bild des virtuellen Weltbildes zu lösen, das einem Menschen im Einklang mit dem verwurzelten Genrediskurs von außen aufgezwungen wird, wenn die Inhalte und Handlung werden von den allgemein akzeptierten ästhetischen, ideologischen und moralischen Kanons der modernen Gesellschaft und Massenkultur bestimmt. Daher weigerte sich Robbe-Grillet, die Leser in die Irre zu führen, indem er einfach aus dem Material der Realität eine Form von "unschuldiger und ehrlicher Geschichte" extrahierte. Ungenutzte Gestaltungsmöglichkeiten sieht der Schriftsteller beispielsweise darin, dass sich in der Phantasie eines Autors, der über den Krieg von 1914 schreibt, durchaus historisch korrekte Militärepisoden mit Heldenbildern aus mittelalterlichen Sagen und Ritterromanen kombinieren lassen. Laut J. Barnes ist die künstlerische Dekonstruktion der Welt notwendig, weil wir in der Regel „unsere eigene Geschichte erfinden, um die Tatsachen zu umgehen, die wir nicht akzeptieren wollen“ und folglich „in denen wir leben eine Atmosphäre des universellen Triumphs der Unwahrheit.“ Nur Kunst dadurch frei von äußerem Druck Kreative Aktivitäten ein Mensch kann die starre Handlung eines ideologisierten Weltbildes überwinden und alte Themen, Bilder und Konzepte durch individuelles Umdenken, Kombinieren und Interpretieren wiederbeleben. In The History of the World stellte sich der Autor die Aufgabe, die oberflächliche Handlung und Annäherung des allgemein akzeptierten Panoramas der historischen Vergangenheit und Gegenwart zu überwinden. Der Übergang von einer „eleganten Handlung“ zu einer anderen über einen komplexen Strom von Ereignissen kann nur dadurch gerechtfertigt werden, dass der moderne Mensch durch die Beschränkung seines Lebenswissens auf ausgewählte Fragmente, die zu einer bestimmten Handlung verbunden sind, seine Panik und seinen Schmerz durch die Wahrnehmung mildert Chaos und Grausamkeit der realen Welt.

Andererseits ist es gerade die Transformation tatsächlicher historischer oder zeitgenössischer Ereignisse und Tatsachen in Kunstwerk bleibt das wichtigste Kapital eines kreativen Menschen. Barnes sieht einen signifikanten Unterschied im Verständnis von Treue zur „Wahrheit des Lebens“ in der klassischen Kunst und jetzt, wo die Praxis, den Menschen ein falsches Weltbild aufzuzwingen, in der modernen Massenkultur durch Literatur, Zeitungen und Fernsehen Wurzeln geschlagen hat. Er macht auf die offensichtlichen Unterschiede zwischen der malerischen Szene, die auf dem Gemälde „Das Floß der Medusa“ von Géricault dargestellt ist, und den wirklich schrecklichen Tatsachen der Seekatastrophe dieses Schiffes aufmerksam. Gericault befreite seine Betrachter von der Betrachtung von Wunden, Abschürfungen und Szenen des Kannibalismus und schuf ein herausragendes Kunstwerk, das eine befreiende Energieladung trägt Innere Zuschauer, indem sie die mächtigen Leidensfiguren und hoffnungsvollen Charaktere betrachten. In der modernen postindustriellen Ära, im Zustand der Postmoderne, stellt die Literatur eine im Wesentlichen ewige Frage: Wird die Kunst in der Lage sein, ihr intellektuelles, geistiges und ästhetisches Potenzial zur Erfassung und Darstellung der Welt und des Menschen zu bewahren und zu steigern?

Daher ist es kein Zufall, dass in der Postmoderne der 80er Jahre. Versuche, literarische Texte zu schaffen, die ein modernes Lebenskonzept enthalten, erweisen sich als mit der Entwicklung humanistischer Fragen verbunden, die einer der Hauptvorteile war klassische Literatur. Daher werden in dem Roman von J. Fowles „Der Wurm“ die Episoden der Entstehung im England des 18. Jahrhunderts dargestellt. eine der unorthodoxen religiösen bewegungen wird als geschichte interpretiert, "wie der spross der persönlichkeit den harten steinboden einer an traditionen gebundenen irrationalen gesellschaft schmerzlich durchbricht". So in den letzten Jahrzehnten des XX Jahrhunderts. Die Postmoderne zeigt eine klare Tendenz, auf das Feld der Kunst und Kreativität eines Menschen als intrinsisch wertvolle Person zurückzukehren, befreit vom Druck der Gesellschaft und allgemein akzeptierten ideologischen und weltanschaulichen Kanons und Prinzipien. postmoderne kreativität kultureller text

Gebrauchte Bücher

1. Kuzmichev I. K. Literaturkritik des zwanzigsten Jahrhunderts. Krise der Methodik. Nizhny Novgorod: 1999.

Zatonsky DV Moderne und Postmoderne. Charkow: 2000.

Ausländische Literatur. 1994. Nr. 1.

Vladimirova T. E. Zur Kommunikation berufen: Russischer Diskurs in der interkulturellen Kommunikation. M.: 2010.

Bart R. Ausgewählte Werke: Semiotik: Poetik. M., 1989.

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