Шест добре познати платна с много повече, отколкото изглежда на пръв поглед. Шест добре познати платна, които изобразяват много повече, отколкото изглежда Бързи и леки щрихи, ярки цветове и образ на природата - Моне

Картини и художници

Изкуството винаги е било начин за разбиране на света и изразяване на чувства и емоции. Има много различни форми на изкуство и рисуването е само една от тях.
Хораций е казал, че „картината е стихотворение без думи“ и наистина е така. През вековете са се развили много техники, позволяващи на художниците да трансформират чувствата си в изображения върху платно.
Руските художници представят руското изкуство, което в много отношения е уникално и винаги е впечатлявало хората по света. Води началото си от световно известни зографи, най-известният от които е Андрей Рубльов.
Много руски художници възхваляват красотата на руската природа в своите творби. Иван Шишкин е особено известен със своите платна, представящи руска гора (напр. „Утро в боровата гора“), докато Исак Левитан черпи вдъхновение от руската есен.
Передвижниците включват художници от 19 век. Един от тях беше Иля Репин, който е художник, прославил се с големите си платна като "Иван Грозни и неговият син Иван" или "Баржи на Волга". Виктор Васнецов избира народния руски стил за своите „Богатирци“, а Михаил Врубел се отличава с оригиналност на мисълта. Неговият "Демон" е плод на фантастичното му въображение.
Иван Айвазовски спечели световна слава с романтичните си картини, изобразяващи морето. "Деветата вълна" е шедьовър, разкриващ красотата на могъщото море в бурен ден.
Руското изкуство е изложено в Държавния руски музей в Санкт Петербург. А в отдела за английско изкуство в Ермитажа можете да се насладите на някои от шедьоврите на британските художници.
Един от най-известните от тях е Джон Констабъл - английски романтичен художник, който е известен предимно с пейзажите си на Дедам Вейл, район близо до къщата му в Съфолк, който сега е известен като "Страната на полицая".
Уилям Търнър е пейзажист, чийто стил може да се каже, че е положил основата на импресионизма.
Уилям Хогарт е известен не само със своите портрети, но и с поредицата от картини със сатирични детайли, характеризиращи английското висше общество през 1740-те години.
Томас Гейнсбъроу е един от най-известните художници на портрети и пейзажи на Великобритания от 18 век. В Националната галерия в Лондон можете да видите цветна картина „Mr. и г-жа Андрюс“, което е комбинация от семеен портрет и пейзаж, и тъмен портрет на „г-н и г-жа Уилям Халлет“, който илюстрира зрелия стил на Гейнсбъро.
Уилям Блейк е английски поет и художник. До голяма степен непризнати по време на живота му днес, творбите му се смятат за значими в историята както на поезията, така и на визуалните изкуства. Неговите картини може да изглеждат много необичайни и фантастични. Например, той изобразява Исак Нютон като божествен геометрич.

Картини и художници

Изкуството винаги е било начин за разбиране на света и изразяване на чувства и емоции. Има много форми на изкуство и рисуването е само една от тях.
Хораций е казал, че "картината е стих, само без думи" и това всъщност е така. Развиван през вековете различни техникипозволявайки на художниците да превърнат чувствата си в изображения върху платно.
Руските художници представят руското изкуство, което е уникално в много отношения и винаги е удивлявало хората по целия свят. Произхожда от световноизвестни иконописци, най-известният от които е Андрей Рубльов.
Много руски художници възпяват красотата на руската природа в своите произведения. Иван Шишкин е особено известен със своите руски горски картини, като Утро в борова гора, докато Исак Левитан черпи вдъхновение от руската есен.
Скитниците включват художници от 19 век. Един от тях беше Иля Репин - художник, известен с големите си платна, като "Иван Грозни и неговият син Иван" или "Баржи на Волга". Виктор Васнецов избра руския народен стил за своите Богатирци. Михаил Врубел е известен със своята оригиналност на мисълта. Неговият "Демон" е плод на фантастично въображение.
Иван Айвазовски получи световна славаблагодарение на романтичното си изображение на морето. Деветата вълна е шедьовър, който разкрива красотата на морската сила по време на буря.
руско изкуствопредставена в Държавния руски музей в Санкт Петербург. А в отдела за английско изкуство в Ермитажа можете да се насладите на някои от шедьоврите на британски художници.
Един от най-известните от тях е Джон Констабъл - английски романтичен художник, известен, главно, за неговите пейзажи на Дедам Вейл, района близо до дома му в Съфолк, който днес е известен като Земята на Констабъл.
Уилям Търнър беше пейзажист, можем да кажем, че неговият стил постави основите на импресионизма.
Уилям Хогарт е известен не само с портретите си, но и с поредица от картини със сатирични детайли, които характеризират английското висше общество през 1740-те години.
Томас Гейнсбъроу е един от най-известните художници на портрети и пейзажи във Великобритания от 18 век. В Националната галерия в Лондон можете да видите колоритните г-н и г-жа Андрюс, които са комбинация от семеен портрет и пейзаж, и тъмните г-н и г-жа Уилям Халет, които илюстрират по-зрелия стил на Гейнсбъро.
Уилям Блейк е английски поет и художник. Непризнати приживе, днес творбите му се смятат за важни в историята и поезията, и визуални изкуства. Неговите картини може да изглеждат необичайни и фантастични. Например, той изобразява Исак Нютон като божествен геометрич.

Речник:

платно - платно, платно
тържество - известен
изобразявам - изобразявам
извличам вдъхновение - получавам вдъхновение
божествен - божествен
предизвиквам - предизвиквам, събуждам (чувства)
exemplify - служи като пример
народен - народен
fruit of imagination - плод на въображението
Хорас - Хорас
пейзаж - пейзаж
пейзажист – пейзажист
положете основа (за) - положете основата, започнете
шедьовър
зрял - зрял
могъщ - мощен, могъщ
отбелязан - забележителен, известен
произхождам - ​​произхождам
похвала - хвала
преобладавам - доминирам
известен - известен
разкривам - отварям, излагам
непризнат - непризнат
визуално изкуство – изобразително изкуство
world-known - световно известен

Отговори на въпросите
l.Какво каза Хорас за картините? Как разбирате думите му?
2. Кой е Андрей Рубльов? С какво е известен?
3. Какви руски художници възхваляваха красотата на природата?
4. Какви художници се наричат ​​​​Передвижниците?
5. Какви картини на Иля Репин познавате?
6. С какво е известен Иван Айвазовски?
7. В какви музеи можете да видите картини на руски художници?
8. В какви музеи можете да видите картини на британски художници?
9. Какво е "Constable Country"? Защо се нарича така?
10. Чий стил е положил основата на импресионизма?
11. Кой художник е известен и със сатиричното изобразяване на висшето общество?
12. С какво е известен Томас Гейнсбъро?
13. Какво знаете за Уилям Блейк?
14. Кои са любимите ти изпълнители и защо?

Тези художници изумяват с таланта си и начина, по който създават своите хиперреалистични картини. Трудно е за вярване, но това не са снимки, а истински картини, нарисувани с молив, бои и дори химикалки. Не разбираме как го правят?! Просто се наслаждавайте на тяхната креативност.

Омар Ортисе художник хиперреалист от Мексико с бакалавърска степен по графичен дизайн. Основен обект на картините му са човешки фигури, предимно голи жени. В картината художникът разграничава три елемента: фигура на мъж, драпирани тъкани, бял цвят. Характеристика на работата на Омар е минималистичен стил, лаконизъм в прехвърлянето на фини извивки и линии на тялото, маслена работа.

Пол Кадън - съвременен художниксветовна класа от Шотландия. За работата си Пол използва само бяла креда и графит, с които може да пресъздаде почти всяка снимка, обръщайки внимание на незабележимите малки детайли. Както самият художник признава, той не измисля нови детайли, а само ги подчертава, като по този начин създава илюзията нова реалност, което често не се вижда на оригиналните снимки.

Камалки Лауреано- художникът е роден в Доминиканската република през 1983 г., в момента живее и работи в Мексико Сити. Камалки завършва Училището по дизайн и изкуство, специализирано в създаването на хиперреалистични портрети. Сцените трудно се различават от реалните снимки, въпреки че са рисувани с акрил върху платно. За автора на неговата работа - не само имитация на снимки, а цял живот, въплътен върху платно.

Грегъри Тилкер- Роден в Ню Джърси през 1979 г., учи история на изкуството и живопис във Вашингтонския университет. Преместването в Бостън става отправна точка за работата му върху хиперреалистични градски пейзажи, което го прави известен по целия свят. Картините на Тилкър са пътуване с кола в студен дъждовен ден. Вдъхновен от творбите на художници от 70-те години, авторът създава своите реалистични картини с помощта на акварел и маслени бои.

Лий Прайс- художник от Ню Йорк, завършил университет със специалност живопис, занимава се с фигуративна живопис. Основният сюжет на творбата на Лий е трудното отношение на жените към храната. Зрителят, сякаш отвън, наблюдава жени, които тайно ядат нещо вкусно, но вредно. Самата художничка казва, че в творбите си се опитва да покаже факта, че жените придават на храната качества, които не са й присъщи, търсят утеха в неподходящ източник. Картините предават абсурдността на ситуацията, опит за бягство от реалността, за облекчаване на дискомфорта.

Бен Уайнърроден на 10 ноември 1980 г. в Бърлингтън, Върмонт, завършва Университета по изкуства, рисува с маслени бои върху платно. Особеността на творчеството на художника е необичаен сюжет. Бен рисува! Първо художникът нанася бои върху работната повърхност, снима ги и след това пише от готовата снимка рисуване върху платно.

Роден през 1950 г. в Северна Калифорния, той е известен с реалистичните си акрилни картини върху платно. Като дете авторът споделя любовта към рисуването с успехите в спорта, но нараняване на гърба определя основното занимание на Рей. Както призна художникът, рисуването го отвлича от постоянните болки в гърба. Още в младостта си майсторът получава широко признание и много награди на художествени конкурси.

Алиса Монксживее и създава своите картини в Бруклин, стана широко известна с реалистичните си "мокри" картини. Художникът използва филтри като вода, стъкло или пара, за да създаде абстрактни дизайни. За работата си Алиса често използва снимки от личните архиви на семейството и приятелите си. Женски лицаи фигурите в картините са подобни една на друга - художничката често рисува автопортрети, тъй като твърди, че за нея е „по-лесно“ да създаде необходимия сюжет.

Педро Кампос- хиперреалист от Мадрид, започва да рисува с маслени бои едва на 30 години. Художникът създава своите реалистични натюрморти с маслени бои. Кампос е работил като интериорен дизайнер, илюстратор, реставратор на мебели, скулптури и картини. Художникът смята, че работата му като реставратор му е помогнала да усъвършенства уменията си.

Дирк Дзимирски- художник от Германия, роден през 1969 г., получил художествено образование, работи в техника с молив. Художникът рисува картини от снимки, без да навлиза в най-малките детайли, импровизира много. Дърк казва, че когато работи върху картина, той представлява жив модел, така че използва снимката само за задълбочено пренасяне на предварително определени пропорции. Авторът смята за основна задача да създаде усещане за присъствие на обекта в картината.

Томас Арвид- Американски художник хиперреалист от Ню Орлиънс, който е роден и израснал в Детройт, няма официално образование, майстор на така наречения "овърсайз" натюрморт. Неговата поредица от реалистични картини „Винарска изба” представлява тапи, бутилки, чаши с пенливи или наситено червени напитки. Авторитетни критици и публикации отбелязват повече от 70 творби на художника. Картините на майстора красят не само стените на винарни и престижни салони за вино, но и частни колекции и галерии.

Робин ЕлиРоден във Великобритания, израснал и продължава да живее и работи в Австралия, има бакалавърска степен по изящни изкуства и е удостоен с Националната награда за портрет Дъг Моран. Създава своите хиперреалистични картини с маслени бои, а за основен „кон“ смята сюжета „хора и целофан“. Майсторът работи върху една картина около 5 седмици, 90 часа седмично, почти всяка картина изобразява хора, увити в целофан.

Самуел Силва- Португалски художник-любител без специално образование, който доказва с личен пример, че от всичко може да се създаде шедьовър. Когато създава картини, художникът използва палитра от осем цвята химикалки от Bic. Силва е адвокат по професия и не смята страстта си да рисува за нищо повече от хоби. Днес световноизвестен самоук художник владее нови техники за рисуване с бои, тебешир, цветни моливи, пастели и др.

Готфрид Хелнвайн- австрийски художник, автор на хиперреалистични картини на социални, политически и исторически теми, "майстор на неочакваното признание", както го нарича писателят У. Бъроуз. Авторът е получил образованието си във Виенската академия за изящни изкуства, принадлежи към художниците с високо професионално ниво. Донякъде противоречиви теми, сюрреалистични композиции му донесоха слава. Често майсторът изобразява герои от комикси в своите картини и признава, че е „научил повече от Доналд Дък, отколкото във всички училища, в които е учил“.

Франко Клуне италиански самоук художник, който предпочита рисуването с графит пред всички други художествени техники. Неговите черно-бели реалистични картини са резултат от независимото проучване на Франко на различна литература за техниките на рисуване.

Келвин Окафоре художник хиперреалист, роден през 1985 г., живее и работи в Лондон. Келвин завършва специалност изящни изкуства в университета Мидълсекс. Авторът създава своите картини с обикновен молив, основната тема на творчеството му са портрети на известни личности.

Ейми Робинсе британска художничка, която използва цветни моливи и плътна хартия за своите хиперреалистични творби. Художникът има бакалавърска степен по изящни изкуства по изкуство и дизайн и живее и работи в Бристол. Малко се знае за младата авторка, но нейните творби вече са станали известни по целия свят, поразяващи със своя реализъм и техника.

Робърт Лонго- американски художник и скулптор, роден в Бруклин през 1953 г., награден с легендарния пръстен на Гослар Кайзер. Художникът рисува своите триизмерни изображения на ядрени експлозии, торнада, урагани и акули с въглен върху хартия. Лонго често е наричан „художникът на смъртта“. известна картина Untitled (Skull Island) с вълна беше продаден на Christie's в Лондон за 392 000 долара.

Диего Фацио- самоук художник, роден през 1989 г. в Италия, няма художествено образование, започва с разработването на скици за татуировки, в крайна сметка развива собствена техника на рисуване. Младият художник беше член на мн международни състезания, където печели награди, представян е на изложби по света. Художникът работи под псевдонима DiegoKoi.

Брайън Друрироден през 1980 г. в Солт Лейк Сити, има диплома от New York Academy of Art, създава картини в жанра реализъм. Художникът рисува своите картини с маслени бои. Както признава авторът, в творбите си той се опитва да се съсредоточи върху органичните качества на кожата, нейните недостатъци.

Стив Милсе американски художник, който продава първата си картина на 11-годишна възраст. Художникът създава своите картини с маслени бои, като се фокусира върху най-малките детайли. Ежедневието, които често не забелязваме във вечното бързане. Художникът отбелязва, че изобразява предметите такива, каквито са в реалния живот, без да променя и преувеличава първоначалната им форма.

Пол Лунгроден в Хонконг, рисува с автоматичен молив на листи А2. Характеристика на техниката за създаване на картини е фундаменталният отказ от използване на гумичка, всички произведения се рисуват чисти. Основните "музи" на художника са котките, въпреки че рисува и хора и други животни. За всяка творба авторът отделя минимум 40 часа.

Роберто Бернардироден в Италия, започва да се интересува от хиперреализма на 19 години, работи като реставратор в църквата Сан Франческо. Тя използва маслени бои за създаване на картини. Световната слава на художника донесе поредица от творби, изобразяващи обекти, характерни за потребителското общество. Картини със сладкиши, вендинг машини, рафтове за хладилници са визитната картичка на художника, въпреки че неговият арсенал включва пейзажи, натюрморти и много други.

Хуан Франсиско Касас- Испански художник, който създава своите картини с обикновен химикал Bic. Касас беше традиционен художник, който реши да докаже на другите, че не материалът за работата е важен, а начинът и техниката на рисуване. Още първата изложба на креативния испанец му донесе световна слава. Повечето от картините на Касас изобразяват неговите приятели.

Тереза ​​Елиъте американски художник, работил успешно като илюстратор в продължение на 26 години, преди да създаде реалистични маслени картини. Тереза ​​има бакалавърска степен изящни изкуства, завръщайки се към класическото изкуство, става известна в цял свят благодарение на своите портрети, верни до най-малкия детайл.

разговорът се обърна към това как различни художници изобразяват една и съща тема.
Дадено: две картини на тема как белите на кораби бягат от болшевишка Русия.

а) Иван Владимиров (1869−1947). "Бягството на буржоазията от Новоросийск" (1926)

б) Дмитрий Белюкин (р. 1962 г.). "Бяла Русия. Изход". 1992-4

Кой от тях исторически правилно изобразява събитието? На кой от тези артисти трябва да се вярва? твърдят коментатори.

Тук нека използваме примера с тях (както и с други картини), за да анализираме кое като цяло е „истината“ в картините и на кого трябва да се вярва.
Както се оказва, някои хора не го разбират.

И така, за да се насладите правилно на смисъла на едно произведение на изкуството, неговата история и т.н. (и не само отделно естетическо съвършенство, хармония), е много полезно да разберем какво е било ЦЕЛхудожникът, създал това произведение.

1) Изразете себе си
(възхищение от себе си, възхищение от любимите неща)

Поставих това начело в списъка, защото през 20-ти и 21-ви век тази цел за художниците се смята от публиката (а може би и от самите художници) като приоритет.

Обществото през този период стана толкова богато, формира се такъв излишък от ресурси, че човек може да се занимава с изкуство голяма сумахора, както професионалисти, така и непрофесионалисти. Всички, които просто обичат да рисуват (пишат поезия, музика, правят снимки в Instagram и др.). Дишайте как мога да извайвам кнедли / да рисувам клоуни / да бродирам със сатенен бод и т.н., колко съм красива, и децата ми, и яхтата ми.

Въпреки това, когато използвате произведения на абсолютно всякакъв вид изкуство вътре (живопис, литература и т.н.), ВИНАГИ помнете, че тази свобода, тази цел, тази идея за изкуството като „инстаграм на художника“ е постижение, което стана достъпно за творците само в най-новото време. В предишните векове, колкото по-нататък - толкова по-силно, такава позиция беше неприемлива, разпуснатостта се възприемаше като панаир на суетата. В никакъв случай, гледайки творбите на „старите майстори“, не ги съдете от позицията „той го направи, защото искаше“. Разбира се, не бих искал - той не би го направил, но до около ерата на импресионизма това "търсено" се вплита в списъка с цели при създаването на произведение на изкуството много много опашка. Не съдете по себе си, от позицията на човек от 21 век.

2) Изразете вътрешните си демони
(или еротични фантазии)

Но това, напротив, е класическата цел на изкуството, една от най-старите.
Първата обществена цел за създаване на изкуство най-вероятно е била религиозна (шаманизъм за добър лов на мамут, погребални ритуали и т.н.), но индивидуалната, лична цел на първите автори също е била да изразят своите емоции, страхове, мечти.

Но и тук една много важна черта, която отличава човека от модерното време – и човек от миналото, художник на модернизма (започвайки от импресионистите) – отново е степента на свобода на изразяване на тези фантазии.

обвиняват авангарда модерно изкуствоза това, че са неразбираеми и нереалистични - не си струва; това им се случи, защото самият живот през 20 век се промени глобално. Вижте, имаше сексуална революция и стана възможно да се разхождате по улиците практически по шорти или дори без бикини. Що се отнася до изкуството, как трябва да се отговори на тази срината свобода, на новите възможности да правиш каквото искаш? Художниците рисуват жени без бикини в изкуството напълно свободно в продължение на петстотин години, това няма да изненада никого. Така че сексуалната революция във визуалните изкуства се изрази в отхвърлянето на реализма, естественото подобие; всъщност от всички правила на изобразителното изкуство са измислени предишните петстотин години. Това е съвсем нормална реакция на хората на изкуството към това, което се случва в световен мащаб в обществото като цяло. Дали са червенокоси, за да са свестни, когато всички наоколо правят каквото си искат?

Така че, не забравяйте, художникът от по-ранните векове, изразявайки своите демони, имаше ясни граници, наложени му от обществото. И за да изрази това, той трябваше да намери подходящата ниша, позволена от цензурата (обществото), прилична ниша.
Като правило това бяха всякакви ужаси на религиозното изкуство.

В случая с еротичните фантазии беше по-лесно - те не бяха табу от изкуството (с изключение на откровената порнография, както и прекалено реалистичните дреболии като окосмяване по пубиса).

Свободата започва да се появява с развитието на личността, индивидуалността на автора, когато художникът престава да се чувства занаятчия и се превръща в "поет". Така че в края на 18-ти век получаваме миражите на Гоя, Уилям Блейк, Фузели и т.н., всякакъв вид романтизъм. И така индивидуалността не винаги се насърчаваше, например беше просто неприлично да се постави подпис на автора върху средновековното религиозно изкуство в някои епохи (затова познаваме толкова малко майстори от тези епохи).

По принцип не трябва да измервате сами, трябва да опитате да интерполирате.

3) Пари

Също така древна цел за създаване на произведение, също изключително популярна.
Много, много достойна цел. Именно тя принуждава артистите да завършат работата си докрай, защото иначе клиентът няма да плати, именно тя кара хората да стават от печката и да търсят работа, за да нахранят децата, да подобрят уменията си и да не се превърнат в UG.
Защото пазарът винаги диктува (диктува) и никой не е купувал лоши картини.

(Можете ли да си представите колко страхотно би било, ако на Леонардо да Винчи беше платено само след факта и той също щеше да бъде задължен да предостави 10-годишна гаранция? Той щеше да приложи острия си ум към проблемите на безопасността и много повече щеше да дойде us .. Но уви, той успя да изпомпа личната си марка и му беше платено просто за името).

Но отново трябва да разберете разликата между художник-модернист и "стар майстор". Икономиката се промени много и това се отразява. Икономика и технически прогрес. Създаването на картина беше преди всичко занаят, работа, а не полет на мисълта на гений. Да вземем архитектурата, тя е по-непроменена в този смисъл: решавате да си построите имение. Отидохме при архитекта, изразихме желанията си, подписахме договор. Той начерта скица, одобри я, построи тухлена къща, завърши я с мрамор, плати на архитекта, след което използвате къщата по предназначение. Същото се случи и с живописта: през 1311 г. общността на катедралата реши да поръча олтар, да речем Дучио, изрази желанията си, подписа договор точка по точка. Duccio взема скъпа дървена дъска, перфектно подготвена и дори огромна по размер и сложна форма. Бои: натрошен лапис лазули, бледосин, донесен от Индия и струва адски пари; позлатата също някак не е евтина и т.н.

Нормалният архитект в средата на изграждането на имение няма да вдъхновява да промени концепцията, защото той е Авторът, Създателят, той е искал, той знае, че този банкет не е за негова сметка. Художникът също трябваше просто да си свърши работата добре, да достави поръчката навреме (съвременните дизайнери ще разберат сега. И нека завиждат: в онези дни нямаше имейли, така че никой не можеше често да иска да „играе с шрифтове“).

Пазарът на изкуството дълго време вървеше към познатата ни днес кинематографична ситуация: когато такъв брилянтен художник седи в студио, осеяно с неговите шикозни картини. Тогава при него идва негов познат и води свои богати американски приятели, които възторжено казват: "Ама ние взимаме това, и това, и това! И каквото още имаш, завивай го!".
Преди това имаше друг етап, който вече не може да се мери с архитектурата, а с тортите. Тук имате домашна пекарна и пари за суровини за 10 торти. Няма конкретни клиенти, които са сключили договор с вас за вашите торти, но знаете, че по принцип хората идват при вас. Няма да направите 20 торти, защото толкова много клиенти не достигат до вас. Трябва да продадете всичко, което сте изпекли, иначе няма да имате пари да купувате нови суровини. Виждате ли, боите бяха скъпи, платната бяха скъпи (но по-евтини от старомодно дърво, следващия път ще ви разкажа подробно), наемането на работилница е скъпо,. Защо през 17 век в Холандия "малките холандци" рисуват толкова активно натюрморти, ежедневни сцени и пейзажи? Защото страната стана много просперираща и всеки местен жител можеше да си позволи (и позволи) да дойде в „магазина за готови картини“ и да избере красота за себе си на стената. Съответно се появи много дебел слой от художници, които обслужваха тези бюргери.

И накрая, през 19 век се появява начинът на живот на художника, който ни изглежда като учебник: с куп платна, рисувани „на масата“, които би било хубаво да се продадат, но не можете, така или иначе, има нещо за ядене, но го остави да виси по стените непродаден.
Съзнателно не се спирам на социалните, идеологическите, психологическите аспекти, а само на икономиката.
Художниците се стремяха към Париж не само защото беше забавно да се мотаят там, но и защото градът създаде среда за техните услуги: търговци на бои и платна (поръчват на едро, така че продават по-евтино), много тавански помещения под наем , моделите целенасочено идват на работа, купувачите целенасочено идват да купуват и т.н.
Днес като цяло е станало толкова евтино, че всеки може да прави изкуство и да прави пари по съвсем различен начин (може би затова имаме толкова много боклук в крайна сметка?)

Така че, за да разберете защо е нарисувана картина, опитайте се да я разберете от гледна точка на парите - дали художникът я е написал за конкретна поръчка? само за продажба на бюргерите, на масата (защото го е получил), като подарък на майка си или за какво?

4) Слава
(и конюнктура)

Също така много разбираем мотив. Вярно, не много древно, помнете това. Художниците започнаха да се ръководят от целта да получат слава, когато създават произведения на изкуството само от определен период (само слава, не репутация + много клиенти). През Средновековието, както казах, рисуването е било просто занаят, като бижутата или мебелите. През Ренесанса художниците започват да надигат глава и постепенно, с помощта на съседната пишеща интелигенция (например Вазари), създават култ около своето занимание, превръщайки го от занаят в изкуство. Подписването с имената ви се превръща в норма. Постепенно (бавно) да си артист става готино (въпреки че висшето общество все още не ги приема особено). Подобен процес с актьорството - по всяко време най-низшият обслужващ персонал е забранен да бъде погребван в осветена земя и се счита наравно с блудниците; сега те са станали знаменитости от кралски ранг.

Като цяло в творчеството на много художници има програмни произведения, които авторът е написал без конкретна поръчка от патрона, а просто защото му е дошло вдъхновение. След като го създаде, той ясно разбра (добре, поне се надяваше), че ще "успее" с тях, ще стане известен. Ако звездите се сближат и в картината е възможно да се комбинира естетиката (красотата) с това неуловимо, витаещо във въздуха, тогава картината започва да гърми. И наистина остава в историята като шедьовър. (Внимание, деца: шедьовърът не е синоним на думата "живопис", един художник може да нарисува 200 платна и само 1 шедьовър за цял живот и те ще го помнят само заради него).

Написано няколко месеца след изобразеното събитие.

Големите художници са именно тези, които умеят да рисуват добре (анатомично правилно, хармонично да съчетават цветовете и т.н.) + в същото време усещат духа на времето и умеят да го отразяват. Следователно в едно поколение може да има много добри чертожници, но малко наистина велики майстори (дори през Ренесанса). При някои се среща само 1 път в живота и те създават този „остроумен шедьовър“ (например „Неравен брак“ на Пукирев или). Други, като Давид или Репин, постоянно ще произвеждат такива хитове. Не си мислете, че художникът седи на стол и казва "сега ще нарисувам шедьовър и ще заслужа слава за това." Така че, разбира се, не работи. За артисти (писатели, музиканти) от тази висока категория умения шедьоврите се раждат благодарение на комбинация от отлични вродени способности, постоянни упражнения (развитие на умения). А също и заради невероятно развитата интуиция. А интуицията, както знаете, се изпомпва, ако повторите нещо милион пъти, тогава мозъкът прави рязък качествен скок и започва да дава резултати бързо и спонтанно. И на автора на резултата изглежда, че мозъкът всъщност не е вършил никаква работа, той е слязъл от небето - и така е измислен изразът, че авторът е бил посетен от Музата.

Като цяло художниците от това ниво рисуват картини вече не в името на Славата и не за да се отърват от демоните си, а по по-сложни причини. Те стават като радиоприемник, улавящ очакванията на заобикалящото общество, както и на заобикалящата артистична общност, за стила, който сега е модерен и т.н. - и успяват да изхвърлят всичко върху платното, минавайки през себе си.
И така се оказва шедьовър.
Запишете го, не се опитвайте да повторите у дома.

И тук, в тази категория цели, трябва да включим по-практичните творци, които съзнателно улавят вълната, радиосигналите, изпращани от обществото (но преди всичко от държавата). И те правят картини не само за да станат известни (и да влязат в историята на изкуството), а повече за да живеят добре и да имат всякакви благини. В някои случаи такъв опортюнизъм, сервилност е личен избор на автора или като цяло норма за онази епоха (вижте одите на Державин, посветени на императрицата). През 20-ти век, в условията на тоталитарни държави, както разбирате, въпросът беше не само в получаването на пари, но понякога беше банален и в оцеляването. Но, както показват многобройни психологически изследвания на всички видове стокхолмски синдроми, най-лошото е, че хората, включително художниците, започват искрено да вярват и да прославят. Така че да останеш хладнокръвен опортюнист в такива условия - може би не е толкова лош вариант, а?

5) Проповед

И така, най-търпеливият и интелигентен от моите читатели, които стигнаха до това място в моя лист, сега, когато разбрахте за фундаменталните, основни цели, ние достигнахме тази, която е свързана с две снимки за белите в Крим, с които започна този текст.

Тази цел на едно произведение на изкуството е да изрази идеите на автора, неговата представа за света, за това какво е правилно и погрешно. Нека прескочим първите няколко хиляди години, там всичко е просто: това е, когато художникът вярва в боговете, а след това в Бог, и изразява своята вяра, молитва, създавайки "икона", молитвен образ и по този начин разбирайки Господи Добрите иконописци продължават да правят това и днес. Това, от което се нуждаем, е Новото време, когато стане възможно да се проповядва чрез изкуство не само вяра. По-горе писах, че започвайки от Ренесанса, художниците постепенно се превръщат в съзнанието на публиката от занаятчии в Творци, техните фигури са романтизирани. Артистите стават Личности, знаменитости, най-важното е и в собствените им глави; решават, че са арбитри на мнения и трябва да учат хората на истината, да проповядват. (Защо не? Основното е, че с вкус, но не всеки успява).

И така, изкуството има мисия.
(Между другото, за това какви цели има изкуството, трябва да говорим отделно - те изобщо не съвпадат с целите на художниците).

И сега разбирате какво нещо. Едно е, когато художници с мощна школа, стоящи на раменете на гиганти, се занимаваха с "проповеди". И тогава тези произведения от 19-ти век понякога са досадни, моралът се е променил болезнено и историята е представила всякакви уроци.
Но през 20-ти век по някаква причина художниците особено обичаха да правят това - Василиев, Глазунов, Риженко, Нестеренко ... И ако преминете през този списък от самото начало, ще получите интересна ситуация. Темата за любимите (котки, деца) не им е интересна - малки, те са привлечени от световните постижения. Те нямат демони и еротични фантазии или изобщо не са интересни (и това веднага лишава креативността от черен пипер, вижте Константин Василиев, който за разлика от другите, които изброих, все още има своите фетиши и как това положително го отличава, го прави специален, запомнящ се ).

Оказва се, че под снимките на някои известни артистидруги изображения са скрити. Понякога, ако се вгледате внимателно, те се виждат с просто око. Но по-често те се намират от историци на изкуството, докато изучават картини на известни майстори или реставратори, работещи по реставрацията на картини. В нашия преглед шест интересни случаикогато картините бяха изпълнени със скрити изображения.

Отговаряйки на въпроса за скритите картини, учените отбелязват, че причините за появата им на известните платна са различни. Понякога художникът просто не харесваше оригиналната версия, понякога картината трябваше да бъде преначертана поради това обществено мнение, а също така се случваше художници да изпаднат във финансови затруднения, да не могат да си позволят да си купят ново платно и да използват стари за новите си творби.

1. Бюст на монарха в картината на Жан Огюст Енгр

От лявата страна на картината на френския неокласически художник Енгр „Портрет на Жак Марке, барон дьо Монбретон дьо Норвин“ (1811-12), която изобразява началника на полицията в Рим след завладяването на града от Наполеон, дори с с просто око можете да видите бюста на детска глава. Смята се, че това е бюст на главата на сина на Наполеон, когото баща му провъзгласява за крал на Рим. През 1814 г., когато Наполеон най-накрая е победен и абдикира, Енгр боядисва картината по политически причини и рисува нова върху нея.

2. Жена в "Старият китарист" на Пикасо

Пабло Пикасо имаше труден период през 1901-1904 г., когато нямаше пари дори да купи нови материали за работа. Той често грундира стари платна и ги използва за създаване на нови картини. Един от най известни примериПентименто в творбите на Пикасо е картината "Старият китарист", в която е открита нарисувана фигура на жена.

Критиците на изкуството и преди са забелязали размит контур зад извития врат на китариста, но само чрез осветяване на снимката с рентгенови лъчи те разкриват стар образ на жена, която храни малко дете, а до тях са бик и овца.

3. Брадатият мъж в Синята стая на Пикасо

Картината на Пикасо Синята стая, нарисувана през 1901 г., също съдържа тайна, разкрита наскоро от инфрачервена оптична томография. Ако поставите картината вертикално, под слой боя се намира някакъв брадат мъж с много пръстени на пръстите.

4. Презрамка в "Портрет на мадам X" на Джон Сингър Сарджънт

„Портретът на Мадам Х“, който е изложен в Музея на изкуствата Метрополитън, се смята за икона на стила поради семплите черни дрехи на дамата, изобразена върху него, нейната величествена фигура и високомерно изражение на лицето. По едно време обаче този портрет се смяташе за скандална обида на приличието и имаше много негативно влияние върху кариерата на художника в Европа.

Жената на портрета е известната парижка светска дама Виржини Готро. Бледността на кожата й, която се смяташе за олицетворение на красотата по това време, накара един съвременен критик да опише тена на кожата на Готро като "трупен". Този ефект е постигнат чрез използването на арсен. Готро също тонира косата си с къна за по-голям контраст. За да подчертае необичайната красота на Готро, Сарджънт я изобрази в черна рокля, една от ремъците на която кокетно падаше през рамото й.

Когато портретът беше изложен за първи път в Парижкия салон, обществеността избухна от възмущение, тъй като полуспуснатата презрамка се оказа много неприлична. В резултат на това Сарджънт пренаписа този детайл от роклята, вдигайки го през рамото си.

5. Жена на прозореца

AT национална галерияв Лондон, в процес на възстановяване на платно от 1500 г. на неизвестен художник, беше открит необичаен "грим". Оказа се, че блондинката на снимката всъщност е брюнетка, а цветът на косата й е пренаписан от художника върху оригинала. Днес картината е възстановена в първоначалния си вид и се съхранява в Националната галерия.

6. Кит в "Плажна сцена" на Хендрик ван Антонисен

Когато тази холандска картина от седемнадесети век беше дарена на музея Фицуилям, тя просто изобразяваше плажна сцена. Историците на изкуството обаче са озадачени защо картината изобразява тълпа, събрана край водата без видима причина. След реставрация под слой боя е открито изображение на изхвърлен на брега кит. Смята се, че китът е бил боядисан по естетически причини през 18 или 19 век.

Ценителите на изкуството ще се интересуват да научат.