Welche Richtung des Malstils erschien früher. Stile in der bildenden Kunst

Malstile – das Thema ist sehr umfangreich, man könnte sagen ewig. Menschen verwenden oft Begriffe, die sie nicht ganz richtig verstehen, deshalb gibt es Verwirrung und Verwirrung. Deshalb möchte ich kurz und klar alles erzählen, was ich über die Tendenzen in der Malerei weiß. Um den Artikel nicht zu einer langweiligen Geschichtsstunde zu machen, werde ich heute kurz auf die beliebtesten und relevantesten Bereiche eingehen. Malstile mit Illustrationen - eine bequeme und schnelle Möglichkeit, sich mit den wichtigsten Trends vertraut zu machen Bildende Kunst.

gotisch

"Altar der Familie Merode". Robert Campin. 1430er.

gotisch- das ist ein Trend in der Kunst, der alle Länder West- und Mitteleuropas erfasst hat. Dann war die Gotik in allem - in Skulptur, Malerei, Glasmalerei usw. es wurde wo immer möglich genutzt, es gab einen "Kulturboom". Diese Popularität ist auf den letzten Schritt in der Entwicklung der mittelalterlichen Kunst zurückzuführen. Das Zentrum und die Hauptfigur im gotischen Stil war die Architektur - hohe Bögen, farbige Buntglasfenster, viele Details. Die Romanik konnte einem solchen Ansturm nicht standhalten und blieb am Rande der Geschichte.

Jahre: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.

Renaissance (Renaissance)

„Büßende Maria Magdalena“. Tizian. 1560er.

Renaissance entstand auf der Grundlage des Untergangs des Byzantinischen Reiches und der kulturellen Umwälzungen, die bei dieser Gelegenheit in Europa stattfanden. Die zur Flucht gezwungenen Byzantiner brachten neben kulturellen Bindungen Kunstwerke und Bibliotheken in die Länder Europas. So fand eine Art Wiederbelebung antiker Ansichten statt, allerdings auf moderne Art und Weise. Im Laufe der Jahre wurden viele Punkte überarbeitet und hinterfragt. Im Allgemeinen herrschten säkularer Humanismus und Wohlstandsvorstellungen.

Jahre: 1400 - 1600.
Hieronymus Bosch, Leonardo da Vinci, Tizian.

Barock-

„Judith und Holofernes“. Caravaggio. 1599.

Barock-– Europäisch kulturelles Erbe ursprünglich aus Italien. Es charakterisiert ironische, bösartige Schönheit, unnatürlichen Elitismus und Anmaßung. Die charakteristischen Merkmale solcher Gemälde sind hoher Kontrast, die Spannung der Handlung, die bis an die Grenzen gespannte Dynamik der Charaktere. Als Inbegriff des Barock gilt die Kirche Santa Maria della Vittoria, sie befindet sich in Rom.

Jahre: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.

Klassizismus

"Die Barmherzigkeit von Scipio Africanus". Pompeo Batoni. 1772.

Klassizismus spielte als grundlegender Trend in der Malerei des 18. Jahrhunderts eine große Rolle in der Kunst. Aus dem Namen selbst wird alles klar (lat. classicus bedeutet vorbildlich, vorbildlich).
Die Künstler setzten sich zum Ziel, den Betrachter an die Höhe zu fesseln, und ihre Bilder waren ein Leitstern. Hohe Moral, zurückhaltende Kultur und traditionelle antike Werte wurden zur Grundlage des Klassizismus. In der Epoche des Klassizismus in Europa gab es ein kulturelles Wachstum und eine Neubewertung der Werte, die Kunst erreichte ein ganz anderes Niveau.

Jahre: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Nicolas Poussin.

Realismus

"Wandernde Akrobaten". Gustav Dore. 1874

Realismus versucht mit größter Sicherheit die Stimmung des Augenblicks, einen Moment der Realität auf die Leinwand zu bringen. Aber er wiederum ist nicht durch klare Grenzen eingeschränkt, die einzigen Regeln lauten, dass im Bild kein Platz für Dinge sein sollte, die den Realismus ausschließen. Im Laufe von Experimenten wurde dieser Stil Ende des 18. Jahrhunderts in Naturalismus und Impressionismus unterteilt. Aber der Realismus konnte überleben und ist sogar in der modernen Malerei beliebt.

Jahre: 1800 - 1880.
William Bouguereau, Gustave Courbet, Jean-François Millet.

Impressionismus

"Eindruck. Aufgehende Sonne". Claude Monet. 1872

Impressionismus Dieses aus Frankreich stammende Konzept wurde von Louis Leroy eingeführt. Die Impressionisten, die in diesem Stil arbeiteten, wollten von jedem Objekt oder Moment einen zweiten Eindruck einfangen, sie malten genau hier und jetzt, unabhängig von Form und Bedeutung. Die Bilder zeigten außergewöhnlich positive und helle Momente und Momente. Später begannen jedoch Meinungsverschiedenheiten unter den Impressionisten auf dieser Grundlage, im Laufe der Zeit tauchten Meister auf, die beeindruckt werden konnten soziale Probleme, Hunger, Krankheit. Der Impressionismus ist jedoch ein freundlicher und positiver Malstil, der gute und helle Momente zeigt.

Jahre: 1860 - 1920.
Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas.

Post-Impressionismus

"Selbstbildnis in einem grauen Filzhut III". Vincent van Gogh. 1887

Post-Impressionismus viele verschiedene Stile und Techniken integriert. Europäische Meister mit frischen Ansichten zur Malerei gaben neue Trends und versuchten aktiv, sich vom damals langweiligen Impressionismus und Realismus zu entfernen.

Jahre: 1880 - 1920.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Roderick O’Conor.

Pointillismus

Rio San Trovaso. Venedig". Henri Edmond Cross. 1904

Pointillismus(Punkt - Punkt) - Eine Stilrichtung in der Malerei, die derselbe Impressionismus ist, nur in einer anderen Hülle. Anstelle von gezackten Strichen wurden gepunktete oder rechteckige Formen verwendet. Außerdem weigerten sich die Künstler, Farben auf der Palette zu mischen, stattdessen wurden reine Farben auf der Leinwand überlagert und direkt auf der Leinwand selbst gemischt, ohne sich zu berühren.

Jahre: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.

Modernismus

"Schmetterlinge in der Nähe". Odilon Redon. 1910

Moderne - allgemeine Eigenschaften aller Gattungen und Stilrichtungen der Malerei 1850-1950. Es umfasst solche Strömungen in der Malerei wie Impressionismus, Expressionismus, Neo- und Postimpressionismus, Fauvismus, Kubismus, Futurismus, abstrakte Kunst, Dadaismus, Surrealismus und viele andere. Die Existenz dieser Stile markiert die vollständige Abkehr der bildenden Kunst vom Akademismus. Nach dem Ausscheiden aus der Wissenschaft wurde es fast unmöglich, alle Trends und Stile zu verfolgen, die sich gebildet haben und noch bilden.

Jahre: 1850 - 1950.
Salvador Dali, Kasimir Malewitsch, Auguste Renoir und viele andere.

Akademismus

Akademismus- eine Kunstrichtung, die den Regeln und Gebräuchen der Antike und der Renaissance folgt. Akademismus will klare Grundlagen und Grenzen setzen, schließt Fantasie und kreative Flucht aus. Stattdessen liegt die Betonung darauf, die Mängel, die „Rauheit“ der Natur zu verbessern – zu kaschieren oder zu beseitigen. Die Verbesserung der Realität in Richtung schöner Wahrnehmung ist das Wesen des Akademismus. Plots werden oft der antiken Mythologie entnommen, auch biblische und historische Motive werden verwendet.

Jahre: 1500 - heute.
Karl Bryullov, William Bouguereau, Fedor Bruni.

Primitivismus

"In der Küche" Epiphanius Drovnyak. 1940 ~ Jahr.

Primitivismus- die absichtliche Vereinfachung des Bildes so weit, dass es aussieht, als wäre es das Werk eines Kindes. Verschiedene Volkszeichnungen und Illustrationen können dem Primitivismus zugeschrieben werden. Nur auf den ersten Blick wirken die Bilder simpel und lächerlich. Doch wer genau hinschaut, erkennt die richtigen Proportionen und die Einhaltung der Horizont- und Kompositionsregeln. Die meisten der berühmten Meister des Primitivismus und der naiven Kunst waren große Fans der Geschichte ihres Volkes und ihrer Kultur. Deshalb sind alle ihre Bilder mit der Farbe der Gegend, in der sie lebten, gesättigt. Heute hat sich dieses Genre in naive Kunst verwandelt, oft mit einer Beimischung von Symbolik. Dies liegt daran, dass der moderne Betrachter nicht bereit ist, den Primitivismus in seiner reinsten Form wahrzunehmen.

Jahre: 1900 - heute.
Epiphany Drovnyak, Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili.

Kubismus

"Sitzende Frau in blauem Kleid." Pablo Picasso. 1939

Kubismus ist eine Richtung der Moderne, die oft in Bezug auf Malerei und bildende Kunst verwendet wird. Meister zerlegten ihre Plots in geometrische Formen und gaben jedem einzigartigen Element einen eigenen dichten Sektor.

Jahre: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernand Leger, Robert Delaunay.

Surrealismus

"Die Beständigkeit der Erinnerung". Salvador Dalí. 1931

Surrealismus - Traum mit Wirklichkeit vermischen. In diesem Stil entließen Künstler ihre Träume nach außen, mischten Bilder aus dem wirklichen Leben miteinander, kombinierten das Unvereinbare. Auch persönliche Traumthemen wurden angesprochen - Ängste, geheime Wünsche, unbewusste Phantasien, Komplexe. Alles, was ein Mensch in seinen Träumen sehen kann. Heute kopieren die Surrealisten die äußere Hülle und verwenden nur schöne Formen, ohne ihnen die Bedeutung zu verleihen, die für die Meister der Vergangenheit charakteristisch war.

Jahre: 1920 - heute.
Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte.

Abstraktionismus

"Gelb Rot Blau" Wassily Kandinsky. 1925

Abstraktionismus- eine Richtung in der Kunst, in der das Bild der Realität und die Korrektheit der Formen abgelehnt wurden. Das Hauptziel ist es, viele bunte Formen darzustellen, die zusammen die Geschichte des Bildes erzählen können. Als Heimat der abstrakten Kunst gelten Russland und Amerika.

Jahre: 1910 - heute.
Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian.

Expressionismus

"Schrei". Edward Munch. 1893

Expressionismus stellt sich eine einzige Aufgabe, zu vermitteln, was der Autor des Bildes zum Zeitpunkt seiner Entstehung empfand. Künstler dieser Stilrichtung wollen sich und ihre Gefühle ausdrücken, weshalb der Expressionismus das Gegenteil des Impressionismus ist, bei dem die Betonung auf dem Ausdruck einer rein äußeren Hülle liegt. Expressionisten zeichnen sich durch einen Hang zu Mystik, Pessimismus und Niedergeschlagenheit aus.

Jahre: 1890 - heute.
Egon Schiele, Karl Eugen Kael, Jerzy Hulewicz.

Pop-Art

"Grüne Flaschen Coca-Cola". Andy Warhole. 1962

Pop-Art— Moderner Stil in der Kunst unter Verwendung der Symbole der Massenkultur und Konsumgüter. Moderne Technologien halfen, Objekte zu manipulieren und zu kombinieren, weshalb die Pop-Art oft von den Wächtern der alten Schule kritisiert wurde. Im Laufe der Zeit nahm die Pop-Art viele Trends in der Malerei auf.

Jahre: 1950 - 1980.
Andy Warhol, David Hockney, Robert Rauschenberg.

Minimalismus

Gran Kairo. Frank Stella. 1962

Minimalismus muss die Eingriffe des Urhebers in die Umwelt minimieren. Minimalismus bezeichnet nur die wichtigsten Punkte. Die Ursprünge liegen im Konstruktivismus, Suprematismus, Dadaismus. Es ist ein sehr umstrittenes Genre der Malerei, aufgrund der übermäßig minimalistischen Ansichten einiger Autoren dieses Stils. Heute verändern sich minimalistische Trends in der Malerei extrem schnell.

Jahre: 1960 - heute.
Frank Stella, Carl André, Saul LeWitt.

Hyperrealismus

"Obst". Jacques Bodin. 2016

Hyperrealismus im Zusammenhang mit der Popularisierung der Fotografie auftauchte, war es für Künstler interessant, mit Fotografen zu konkurrieren. Hyperrealisten erschaffen eine alternative Realität, eine realistische Illusion.

Jahre: 1970 - heute.
Gnoli, Gerhard Richter, Delkol.

Das sind alle Richtungen in der Malerei

Das war alles, was ich zu diesem Thema sagen konnte und wollte 😉 Tatsächlich gibt es noch viel mehr Trends in der Malerei, und sie werden buchstäblich jeden Tag ungewollt weiterentwickelt. In diesem Artikel wollte ich über die beliebtesten und einflussreichsten sprechen. Wenn Ihnen das Material gefallen hat, teilen Sie es in sozialen Netzwerken, lassen Sie uns gemeinsam Kunst entwickeln. Ich danke euch allen für eure Unterstützung!

Eine der wichtigsten Denkweisen. Ihr Ergebnis ist die Bildung der allgemeinsten Begriffe und Urteile (Abstraktionen). In der dekorativen Kunst ist Abstraktion der Prozess der Stilisierung natürlicher Formen.

In der künstlerischen Tätigkeit ist die Abstraktion ständig präsent; in seiner extremen Ausprägung in der bildenden Kunst führt es zum Abstraktionismus, einer besonderen Strömung in der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts, die durch die Ablehnung des Bildes realer Objekte, die endgültige Verallgemeinerung oder vollständige Ablehnung der Form, des Nicht-Objektiven gekennzeichnet ist Kompositionen (aus Linien, Punkten, Flecken, Flächen usw.), Experimente mit Farbe, spontaner Ausdruck innerer Frieden der Künstler, sein Unterbewusstsein in chaotischen, unorganisierten abstrakten Formen (abstrakter Expressionismus). Gemälde des russischen Künstlers V. Kandinsky sind dieser Richtung zuzuordnen.

Vertreter einiger Richtungen der abstrakten Kunst schufen logisch geordnete Strukturen, die die Suche nach einer rationalen Organisation von Formen in Architektur und Design widerspiegelten (Suprematismus des russischen Malers K. Malewitsch, Konstruktivismus usw.).Der Abstraktionismus drückte sich weniger in der Skulptur als in der Skulptur aus Malerei.

Der Abstraktionismus war eine Antwort auf die allgemeine Disharmonie moderne Welt und hatte Erfolg, weil sie die Absage an das Bewusste in der Kunst verkündete und dazu aufrief, „Formen, Farben, Farbe die Initiative zu geben“.

Realismus

Von fr. realistisch, von lat. realis - real. In der Kunst im weitesten Sinne eine wahrheitsgetreue, objektive, umfassende Reflexion der Realität mit spezifischen Mitteln, die den Arten künstlerischer Kreativität innewohnen.

Die Gemeinsamkeit der Methode des Realismus ist die Zuverlässigkeit in der Wiedergabe der Realität. Gleichzeitig hat die realistische Kunst eine Vielzahl von Möglichkeiten der Erkenntnis, Verallgemeinerung und künstlerischen Reflexion der Realität (G. M. Korzhev, M. B. Grekov, A. A. Plastov, A. M. Gerasimov, T. N. Yablonskaya, P. D. . Korin und andere)

Realistische Kunst des XX Jahrhunderts. wird hell nationale Züge und Formenvielfalt. Realismus ist das Gegenteil von Modernismus.

Avantgarde

Von fr. avant - fortgeschritten, garde - Distanzierung - ein Begriff, der experimentelle, modernistische Unternehmungen in der Kunst definiert. In jeder Epoche entstanden innovative Phänomene in der bildenden Kunst, doch der Begriff „Avantgarde“ hat sich erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts etabliert. Zu dieser Zeit erschienen solche Trends wie Fauvismus, Kubismus, Futurismus, Expressionismus, Abstraktionismus. Avantgardistische Positionen wurden dann in den 20er und 30er Jahren vom Surrealismus eingenommen. In den 60-70er Jahren kamen neue Spielarten des Abstraktionismus hinzu - verschiedene Formen des Aktionismus, Arbeit mit Objekten (Pop-Art), Konzeptkunst, Fotorealismus, Kinetismus usw. Avantgarde-Künstler drücken ihre Art des Protests gegen die traditionelle Kultur aus mit ihrer Arbeit.

In allen Avantgarde-Trends kann man trotz ihrer großen Vielfalt herausgreifen Gemeinsamkeiten: Ablehnung der Normen des klassischen Bildes, formale Neuheit, Verformung von Formen, Ausdruck und verschiedene Spieltransformationen. All dies führt dazu, dass die Grenzen zwischen Kunst und Realität (Ready-made, Installation, Umgebung) verschwimmen und das Ideal eines offenen Kunstwerks entsteht, das direkt in die Umgebung eindringt. Die Kunst der Avantgarde ist auf den Dialog zwischen Künstler und Betrachter, die aktive Interaktion einer Person mit einem Kunstwerk, die Teilnahme an Kreativität (z. B. kinetische Kunst, Happening usw.) ausgelegt.

Werke avantgardistischer Strömungen verlieren mitunter ihren bildnerischen Ursprung und werden mit Objekten der sie umgebenden Realität gleichgesetzt. Moderne Avantgarde-Trends sind eng miteinander verflochten und bilden neue Formen der synthetischen Kunst.

unter Tage

Englisch unterirdisch - unterirdisch, Kerker. Ein Konzept, das eine "unterirdische" Kultur bedeutet, die sich den Konventionen und Beschränkungen der traditionellen Kultur widersetzt. Ausstellungen von Künstlern dieser Richtung fanden oft nicht in Salons und Galerien statt, sondern direkt auf dem Boden sowie in unterirdischen Gängen oder der U-Bahn, die in einigen Ländern als Underground (U-Bahn) bezeichnet wird. Wahrscheinlich beeinflusste dieser Umstand auch die Tatsache, dass hinter diesem Trend in der Kunst des 20. Jahrhunderts stand. Der Name wurde genehmigt.

In Russland ist der Begriff Underground zu einer Bezeichnung für eine Gemeinschaft von Künstlern geworden, die inoffizielle Kunst repräsentieren.

Surrealismus

Fr. Surrealismus - Superrealismus. Richtung in Literatur und Kunst des XX Jahrhunderts. in den 1920er Jahren gegründet. Auf Initiative des Schriftstellers A. Breton in Frankreich entstanden, wurde der Surrealismus bald zu einem internationalen Trend. Surrealisten glaubten, dass kreative Energie aus dem Unterbewusstsein kommt, die sich während Schlaf, Hypnose, schmerzhaftem Delirium, plötzlichen Einsichten, automatischen Aktionen (zufälliges Wandern eines Bleistifts auf Papier usw.)

Surrealistische Künstler weigern sich im Gegensatz zu Abstraktionisten nicht, reale Objekte darzustellen, sondern stellen sie im Chaos dar, bewusst ohne logische Beziehungen. Die Bedeutungslosigkeit, die Ablehnung einer vernünftigen Wiedergabe der Realität ist das Hauptprinzip der Kunst des Surrealismus. Schon der Name der Richtung spricht von Abgeschiedenheit vom wirklichen Leben: „sur“ bedeutet auf Französisch „oben“; Künstler gaben nicht vor, die Realität widerzuspiegeln, sondern stellten ihre Kreationen mental „über“ den Realismus und gaben wahnhafte Fantasien als Kunstwerke aus. So umfasste die Zahl der surrealistischen Gemälde ähnliche, unerklärliche Werke von M. Ernst, J. Miro, I. Tanguy sowie von Surrealisten bis zur Unkenntlichkeit bearbeitete Objekte (M. Oppenheim).

Die surrealistische Richtung, die von S. Dali geleitet wurde, basierte auf der illusorischen Genauigkeit, ein unwirkliches Bild zu reproduzieren, das im Unterbewusstsein entsteht. Seine Bilder zeichnen sich durch eine sorgfältige Schreibweise, eine genaue Übertragung des Hell-Dunkels und der für die akademische Malerei typischen Perspektive aus. Der Betrachter, der der Überzeugungskraft der illusorischen Malerei erliegt, wird in ein Labyrinth aus Täuschungen und unlösbaren Rätseln gezogen: Feste Objekte breiten sich aus, dichte Objekte werden transparent, unvereinbare Objekte drehen und stülpen sich um, massive Volumen werden schwerelos, und all dies erzeugt ein Bild das ist in der Realität unmöglich.

Diese Tatsache ist bekannt. Einmal stand der Betrachter in einer Ausstellung lange vor einem Werk von S. Dali, schaute genau hin und versuchte, die Bedeutung zu verstehen. Schließlich sagte er in völliger Verzweiflung laut: "Ich verstehe nicht, was das bedeutet!" Der Ausruf des Publikums wurde von S. Dali gehört, der auf der Ausstellung war. „Wie kannst du verstehen, was es bedeutet, wenn ich es selbst nicht verstehe“, sagte der Künstler und drückte damit das Grundprinzip der surrealistischen Kunst aus: zu malen, ohne nachzudenken, ohne nachzudenken, Vernunft und Logik aufzugeben.

Ausstellungen surrealistischer Werke waren normalerweise von Skandalen begleitet: Das Publikum war empört, sah die lächerlichen, unverständlichen Gemälde an und glaubte, getäuscht, mystifiziert zu werden. Surrealisten beschuldigten das Publikum, erklärten, dass sie zurückgefallen seien und der Kreativität "fortgeschrittener" Künstler nicht gewachsen seien.

Allgemeine Merkmale der Kunst des Surrealismus sind Fantasie des Absurden, Alogismus, paradoxe Kombinationen von Formen, visuelle Instabilität, Variabilität von Bildern. Künstler wandten sich der Nachahmung primitiver Kunst, der Kreativität von Kindern und Geisteskranken zu.

Künstler dieser Richtung wollten auf ihren Leinwänden eine Realität schaffen, die nicht die vom Unterbewusstsein angeregte Realität widerspiegelte, aber in der Praxis führte dies zur Schaffung von pathologisch abstoßenden Bildern, Eklektizismus und Kitsch (deutsch - Kitsch; billige, geschmacklose Massenproduktion entworfen für eine Außenwirkung).

Einige Funde des Surrealismus wurden beispielsweise in kommerziellen Bereichen der dekorativen Kunst verwendet optische Täuschung, wodurch Sie je nach Blickrichtung zwei unterschiedliche Bilder oder Szenen in einem Bild sehen können.

Die Werke der Surrealisten rufen die komplexesten Assoziationen hervor, sie lassen sich in unserer Wahrnehmung mit dem Bösen identifizieren. Furchterregende Visionen und idyllische Träume, Gewalt, Verzweiflung – diese Gefühle tauchen in den Werken der Surrealisten in verschiedenen Versionen auf, wirken aktiv auf den Betrachter ein, die Absurdität der Werke des Surrealismus wirkt sich auf die assoziative Vorstellungskraft und Psyche aus.

Der Surrealismus ist ein umstrittenes künstlerisches Phänomen. Viele wirklich fortgeschrittene Kulturschaffende, die erkannten, dass dieser Trend die Kunst zerstört, gaben daraufhin surrealistische Ansichten auf (Künstler P. Picasso, P. Klee und andere, Dichter F. Lorca, P. Neruda, spanischer Regisseur L. Bunuel, der surrealistische Filme drehte). Mitte der 1960er Jahre war der Surrealismus neuen, noch schrilleren Strömungen der Moderne gewichen, aber die bizarren, meist hässlichen, unsinnigen Werke der Surrealisten füllen noch immer die Hallen der Museen.

Modernismus

Fr. modernisme, von lat. modernus - neu, modern. Die kollektive Bezeichnung aller neuesten Strömungen, Tendenzen, Schulen und Aktivitäten einzelner Meister der Kunst des 20 , Dadaismus, Surrealismus, Pop-Art, Op-Art, kinetische Kunst, Hyperrealismus usw.). Der Modernismus steht dem Avantgardismus nahe und steht dem Akademismus gegenüber. Die Moderne wurde von der sowjetischen Kunstkritik als Krisenphänomen der bürgerlichen Kultur negativ bewertet. Die Kunst hat die Freiheit, ihre historischen Wege zu wählen. Die Widersprüche der Moderne als solche müssen nicht statisch, sondern in historischer Dynamik betrachtet werden.

Pop-Art

Englisch Pop-Art, von populärer Kunst - populäre Kunst. Ein Trend in der Kunst Westeuropas und der USA seit den späten 1950er Jahren. Die Blütezeit der Pop Art kam in den turbulenten 60er Jahren, als in vielen Ländern Europas und Amerikas Jugendunruhen ausbrachen. Die Jugendbewegung hatte kein einziges Ziel – sie einte das Pathos der Verleugnung.

Die Jugend war bereit, alle vergangene Kultur über Bord zu werfen. All dies spiegelt sich in der Kunst wider.

Eine Besonderheit der Pop-Art ist die Kombination von Herausforderung und Gleichgültigkeit. Alles ist gleich wertvoll oder gleich unbezahlbar, gleich schön oder gleich hässlich, gleich würdig oder nicht würdig. Vielleicht basiert nur das Werbegeschäft auf der gleichen sachlichen Haltung zu allem auf der Welt. Es ist kein Zufall, dass es die Werbung war, die einen großen Einfluss auf die Pop Art hatte, und viele ihrer Vertreter arbeiteten und arbeiten immer noch in Werbezentren. Die Macher von Werbespots und Shows können Waschpulver und das berühmte Meisterwerk der Kunst, Zahnpasta und Bachs Fuge in der gewünschten Kombination zerkleinern und kombinieren. Pop-Art macht das gleiche.

Motive der Populärkultur werden von der Pop Art auf unterschiedliche Weise verwertet. Reale Gegenstände werden durch Collagen oder Fotografien ins Bild gebracht, meist in unerwarteten oder völlig absurden Kombinationen (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). Die Malerei kann Kompositionstechniken und die Technik von Werbetafeln imitieren, ein Comicbild kann auf die Größe einer großen Leinwand vergrößert werden (R. Lichtenstein). Skulptur kann mit Attrappen kombiniert werden. Zum Beispiel schuf der Künstler K. Oldenburg Ähnlichkeiten von Ausstellungsmodellen von Lebensmittelprodukten in riesigen Größen aus ungewöhnlichen Materialien.

Oft gibt es keine Grenze zwischen Skulptur und Malerei. Kunstwerk Pop Art hat oft nicht nur drei Dimensionen, sondern füllt auch den gesamten Ausstellungsraum aus. Durch solche Transformationen wird das ursprüngliche Bild eines Objekts der Massenkultur verändert und ganz anders wahrgenommen als in einer realen Alltagsumgebung.

Die Hauptkategorie der Pop-Art ist es nicht künstlerisches Bild, sondern seine "Bezeichnung", die den Autor vor dem menschengemachten Prozess seiner Entstehung bewahrt, dem Bild von etwas (M. Duchamp). Dieser Prozess wurde eingeführt, um den Kunstbegriff zu erweitern und nicht-künstlerische Aktivitäten darin einzubeziehen, den „Ausstieg“ der Kunst in den Bereich der Massenkultur. Pop-Art-Künstler waren die Initiatoren von Formen wie Happening, Objektinstallation, Environment und anderen Formen der Konzeptkunst. Ähnliche Trends: Underground, Hyperrealismus, Op-Art, Ready-made etc.

Op-Art

Englisch Op-Art, abgekürzt. aus optischer Kunst - optische Kunst. Ein Trend in der Kunst des 20. Jahrhunderts, der sich in den 1960er Jahren verbreitete. Op-Art-Künstler verwendeten verschiedene visuelle Illusionen und stützten sich auf die Wahrnehmung von flachen und räumlichen Figuren. Die Effekte räumlicher Bewegung, Verschmelzung, schwebender Formen wurden durch die Einführung rhythmischer Wiederholungen, scharfer Farb- und Tonkontraste, der Überschneidung von Spiral- und Gitterkonfigurationen, mäandernden Linien erreicht. In der Op-Art wurden häufig Installationen mit wechselndem Licht und dynamische Konstruktionen verwendet (weitere Erläuterungen im Abschnitt über kinetische Kunst). Illusionen von fließender Bewegung, einem sukzessiven Bildwechsel, einer instabilen, sich immer wieder neu aufbauenden Form entstehen in der Op Art nur im Empfinden des Betrachters. Die Richtung setzt die technische Linie der Moderne fort.

kinetische Kunst

Von Gr. kinetikos - in Bewegung setzen. Ein Trend in der zeitgenössischen Kunst, der mit der weit verbreiteten Verwendung von sich bewegenden Strukturen und anderen dynamischen Elementen verbunden ist. Der Kinetikismus als eigenständiger Trend nahm in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre Gestalt an, ihm gingen jedoch Experimente zur Schaffung dynamischer Plastizität im russischen Konstruktivismus (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko), Dadaismus voraus.

Zuvor zeigte uns die Volkskunst auch Muster von beweglichen Objekten und Spielzeugen, zum Beispiel hölzerne Glücksvögel aus der Region Archangelsk, mechanische Spielzeuge, die Arbeitsprozesse aus dem Dorf Bogorodskoye imitieren, usw.

In der kinetischen Kunst wird Bewegung auf unterschiedliche Weise eingeführt, einige Werke werden vom Betrachter selbst dynamisch transformiert, andere - durch Schwankungen in der Luftumgebung und wieder andere werden durch einen Motor oder elektromagnetische Kräfte in Bewegung versetzt. Die Vielfalt der verwendeten Materialien ist grenzenlos – von traditionellen über hochmoderne technische Mittel bis hin zu Computern und Lasern. Spiegel werden oft in kinetischen Kompositionen verwendet.

In vielen Fällen wird die Illusion von Bewegung durch wechselnde Beleuchtung erzeugt – hier verschmilzt Kinetik mit Op-Art. Kinetische Techniken werden häufig bei der Organisation von Ausstellungen, Messen, Diskotheken, bei der Gestaltung von Plätzen, Parks und öffentlichen Innenräumen eingesetzt.

Kinetik strebt nach der Synthese der Künste: Die Bewegung eines Objekts im Raum kann durch Lichteffekte, Sound, Unterhaltungsmusik, einen Film usw. ergänzt werden.
Techniken der modernen (Avantgarde-)Kunst

Hyperrealismus

Englisch Hyperrealismus. Eine Richtung in der Malerei und Bildhauerei, die in den Vereinigten Staaten entstand und in den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts zu einem Ereignis in der Welt der bildenden Kunst wurde.

Ein anderer Name für Hyperrealismus ist Fotorealismus.

Künstler dieser Richtung imitierten ein Foto mit bildnerischen Mitteln auf Leinwand. Sie zeigten die Welt einer modernen Großstadt: Schaufenster und Restaurants, Metrostationen und Ampeln, Wohnhäuser und Passanten auf den Straßen. Dabei wurde besonderes Augenmerk auf glänzende, lichtreflektierende Oberflächen gelegt: Glas, Kunststoff, Autopolitur etc. Das Spiel der Reflexionen auf solchen Oberflächen erweckt den Eindruck der Durchdringung von Räumen.

Das Ziel der Hyperrealisten war es, die Welt nicht nur verlässlich, sondern superwahrscheinlich, superreal darzustellen. Dazu verwendeten sie mechanische Verfahren, um Fotografien zu kopieren und auf die Größe einer großen Leinwand zu vergrößern (Overhead-Projektion und Maßstabsraster). Die Farbe wurde in der Regel mit einer Airbrush gesprüht, um alle Merkmale des fotografischen Bildes zu erhalten und die Manifestation der individuellen Handschrift des Künstlers auszuschließen.

Darüber hinaus konnten Besucher von Ausstellungen dieser Richtung in den Hallen menschliche Figuren aus modernen Polymermaterialien in voller Größe treffen, die in Konfektionskleidung gekleidet und so bemalt waren, dass sie sich überhaupt nicht vom Publikum unterschieden. Dies verursachte viel Verwirrung und schockierte die Menschen.

Der Fotorealismus hat es sich zur Aufgabe gemacht, unsere Wahrnehmung des Alltags zu schärfen, die moderne Umwelt zu symbolisieren, unsere Zeit in den Formen der „technischen Künste“ zu spiegeln, die gerade in unserer Ära des technologischen Fortschritts weit verbreitet sind. Die Moderne fixierend und bloßstellend, die Emotionen des Autors verbergend, fand sich der Fotorealismus in seinen programmatischen Werken an der Grenze zur bildenden Kunst wieder und überschritt sie fast, weil er den Wettbewerb mit dem Leben selbst suchte.

Fertig

Englisch fertig gemacht - fertig. Eine der gängigen Techniken der modernen (Avantgarde-)Kunst, die darin besteht, dass das Sujet der industriellen Produktion aus dem gewohnten Alltagsumfeld ausbricht und in der Ausstellungshalle ausgestellt wird.

Die Bedeutung des Readymades ist folgende: Wenn sich die Umgebung ändert, ändert sich auch die Wahrnehmung des Objekts. Der Betrachter sieht in dem Gegenstand auf dem Podium, kein Gebrauchsgegenstand, sondern ein künstlerisches Objekt, die Ausdruckskraft von Form und Farbe. Der Name Readymade wurde erstmals 1913-1917 von M. Duchamp in Bezug auf seine „Ready-made-Objekte“ (Kamm, Fahrradrad, Flaschentrockner) verwendet. In den 60er Jahren verbreitete sich das Readymade in verschiedenen Bereichen der Avantgarde-Kunst, insbesondere im Dadaismus.

Installation

Aus dem Englischen. Installation - Installation. Eine räumliche Komposition, die von einem Künstler aus verschiedenen Elementen geschaffen wurde – Haushaltsgegenstände, Industrieprodukte und -materialien, Naturobjekte, Text- oder Bildinformationen. Gründer der Installation waren der Dadaist M. Duchamp und die Surrealisten. Der Künstler schafft ungewöhnliche Kombinationen gewöhnlicher Dinge und verleiht ihnen eine neue symbolische Bedeutung. Der ästhetische Inhalt der Installation liegt im Spiel semantischer Bedeutungen, die sich je nach Standort des Objekts verändern – in einer vertrauten Alltagsumgebung oder in einer Ausstellungshalle. Die Installation wurde von vielen Avantgarde-Künstlern R. Rauschenberg, D. Dine, G. Ucker, I. Kabakov geschaffen.

Die Installation ist eine im 20. Jahrhundert weit verbreitete Kunstform.

Umfeld

Englisch Umwelt - Umwelt, Umwelt. Eine großflächige Raumkomposition, die den Betrachter wie eine reale Umgebung umarmt, ist eine der charakteristischen Formen der Avantgarde-Kunst der 60er und 70er Jahre. Eine naturalistische Umgebung, die ein Interieur mit Menschenfiguren imitiert, wurde durch Skulpturen von D. Segal, E. Kienholz, K. Oldenburg, D. Hanson geschaffen. Solche Wiederholungen der Realität könnten Elemente wahnhafter Fiktion enthalten. Eine andere Art von Umgebung ist ein Spielraum, der bestimmte Aktionen des Publikums beinhaltet.

Ereignis

Englisch passiert - passiert, passiert. Eine Art Aktionismus, am weitesten verbreitet in der Avantgarde-Kunst der 60er und 70er Jahre. Das Happening entwickelt sich als Ereignis, eher provoziert als organisiert, aber die Initiatoren der Aktion beziehen zwangsläufig das Publikum mit ein. Happening entstand in den späten 1950er Jahren als Theaterform. Zukünftig sind Künstlerinnen und Künstler meist direkt in die Organisation von Happenings im urbanen Umfeld oder in der Natur eingebunden.

Sie betrachten diese Form als eine Art bewegtes Werk, bei dem die Umgebung, Objekte nicht weniger eine Rolle spielen als die lebendigen Handlungsteilnehmer.

Die Aktion des Happenings provoziert die Freiheit jedes Teilnehmers und die Manipulation von Objekten. Alle Aktionen entwickeln sich nach einem vorher geplanten Programm, wobei jedoch großer Wert auf Improvisation gelegt wird, die verschiedenen unbewussten Impulsen freien Lauf lässt. Happening kann Elemente von Humor und Folklore beinhalten. Das Happening drückte deutlich den Wunsch der Avantgarde aus, die Kunst mit dem Lauf des Lebens selbst zu verschmelzen.

Und schließlich die fortschrittlichste zeitgenössische Kunst- Superplane

Superplane

Superflach ist ein Begriff, der vom zeitgenössischen japanischen Künstler Takashi Murakami geprägt wurde.

Der Begriff Superflat wurde geschaffen, um die neue visuelle Sprache zu erklären, die von einer Generation junger japanischer Künstler wie Takashi Murakami aktiv verwendet wird: „Ich habe über die Realitäten des japanischen Zeichnens und Malens nachgedacht und wie sie sich von der westlichen Kunst unterscheiden. Für Japan ist das Gefühl der Ebenheit wichtig. Unsere Kultur ist nicht 3D. Die in der historischen japanischen Malerei etablierten 2D-Formen ähneln der einfachen, flachen Bildsprache moderner Animation, Comics und Grafikdesign.

Stil ist die allgemeine Richtung der Entwicklung von Kunst, deren repräsentative Muster kombiniert werden ideologischen Sinn, Übertragungstechnik, charakteristische Techniken Kreative Aktivitäten. Stile in der Malerei waren eng miteinander verflochten, entwickelten sich zu verwandten Strömungen, existierten parallel, bereicherten sich gegenseitig.

Malerische Stile und Trends wurden unter dem Einfluss der Ideologie, der politischen und wirtschaftlichen Entwicklung der Gesellschaft, der Religion und der Traditionen geformt.

Die Entwicklungsgeschichte

Die Geschichte der Stilentwicklung zeigt die komplexe kulturelle Evolution der Gesellschaft.

gotisch

Es entstand in Frankreich im XI-XII Jahrhundert. Der Stil entwickelte sich auf dem Territorium Westeuropas und vom XIII - XIV Jahrhundert - in Mitteleuropa. Der Ursprung und die Entwicklung dieser Richtung standen unter dem maßgeblichen Einfluss der Kirche. Das Mittelalter ist eine Zeit der Dominanz der kirchlichen Macht über die weltliche Macht, daher arbeiteten gotische Künstler mit biblischen Themen. Besonderheiten des Stils sind: Helligkeit, Prätentiösität, Dynamik, Emotionalität, Pomposität, Perspektivlosigkeit. Das Bild wirkt nicht monolithisch - es sieht aus wie ein Mosaik aus mehreren auf Leinwand dargestellten Aktionen.

Renaissance oder Wiederbelebung

Kam im XIV Jahrhundert aus Italien. Etwa 200 Jahre lang war diese Richtung vorherrschend und wurde zur Grundlage für die Entwicklung des Rokoko und der nördlichen Renaissance. Charakteristische künstlerische Merkmale der Gemälde: Rückbesinnung auf die Traditionen der Antike, Kult des menschlichen Körpers, Interesse am Detail, humanistische Vorstellungen. Diese Richtung konzentrierte sich nicht auf die Religion, sondern auf die weltliche Seite des Lebens. Die nördliche Renaissance in Holland und Deutschland war anders – hier wurde die Renaissance als eine Erneuerung der Spiritualität und des christlichen Glaubens wahrgenommen, die der Reformation vorausging. Vertreter: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarroti.

Manierismus

Richtung in der Entwicklung der Malerei des XVI Jahrhunderts. Ideologisch entgegengesetzt zur Renaissance. Künstler bewegten sich weg von der Idee der menschlichen Perfektion und des Humanismus hin zur Subjektivierung der Kunst und konzentrierten sich auf die innere Bedeutung von Phänomenen und Objekten. Der Name des Stils kommt vom italienischen Wort "Manier", das die Essenz des Manierismus vollständig widerspiegelt. Vertreter: J. Pontormo, J. Vasari, Brozino, J. Duve.

Barock-

Ein üppiger, dynamischer, luxuriöser Mal- und Kulturstil, der im 16. Jahrhundert in Italien entstand. Seit 200 Jahren hat sich die Richtung in Frankreich, Deutschland, Spanien entwickelt. Barockmalerei ist voll helle Farben, besonderes Augenmerk wird auf Details, Dekorationen gelegt. Das Bild ist nicht statisch, emotional, daher gilt der Barock als die intensivste und ausdrucksstärkste Phase in der Entwicklung der Malerei.

Klassizismus

Sie entstand im 17. Jahrhundert in westeuropäischen Ländern, nach 100 Jahren erreichte sie die Länder Osteuropas. Hauptidee- eine Rückkehr zur Tradition der Antike. Porträts, Landschaften, Stillleben sind dank der dogmatischen Wiedergabe, der Umsetzung klarer Stilregeln, leicht zu erkennen. Der Klassizismus wurde zum Akademismus wiedergeboren – ein Stil, der die auffälligsten Merkmale der Antike und der Renaissance aufnahm. N. Poussin, J. L. David, Russian Wanderers arbeiteten in diesem Stil.

Romantik

Ersetzte den Klassizismus im zweiten Viertel des 19. Jahrhunderts. Künstlerische Merkmale: der Wunsch, Individualität zu vermitteln, auch wenn sie unvollkommen ist, Emotionalität, Ausdruckskraft von Gefühlen, fantastische Bilder. Die Kunst romantischer Künstler leugnet die Normen und Regeln der klassischen Stufe in der Entwicklung der Malerei. Es besteht ein erneutes Interesse an Volkstraditionen, Legenden, nationale Geschichte. Vertreter: F. Goya, T. Gericault, K. Bryullov, E. Delacroix.

Symbolismus

Die kulturelle Richtung des späten XIX - XX Jahrhunderts, die ideologische Basis wurde aus der Romantik gezogen. In erster Linie war Kreativität ein Symbol, und der Künstler war ein Vermittler zwischen der Realität und der fantastischen Welt der Kreativität.

Realismus

Künstlerische Forschung, die die Genauigkeit der Übertragung von Formen, Parametern, Farbtönen in den Vordergrund stellt. Geprägt von Natürlichkeit, der Genauigkeit der Verkörperung des inneren Wesens und der äußeren Hülle. Dieser Stil ist der umfangreichste, beliebteste und facettenreichste. Seine Zweige sind moderne Trends - Fotografie und Hyperrealismus. Vertreter: G. Courbet, T. Rousseau, Wanderers, J. Breton.

Impressionismus

Es entstand Ende des 19. bis Anfang des 20. Jahrhunderts. Heimat - Frankreich. Die Essenz des Stils ist die Verkörperung der Magie des ersten Eindrucks im Bild. Dieser kurze Moment wurde von den Künstlern mit Hilfe von kurzen Farbstrichen auf der Leinwand vermittelt. Solche Bilder werden am besten nicht aus nächster Nähe wahrgenommen. Die Werke der Künstler sind voller Farben und Licht. Der Postimpressionismus wurde zu einer Phase in der Stilentwicklung - er zeichnet sich durch eine stärkere Aufmerksamkeit für Form und Kontur aus. Künstler: O. Renoir, K. Pissarro, K. Monet, P. Cezanne.

Modern

Ein origineller, heller Stil, der zur Grundlage für die Bildung vieler Bildtrends des 20. Jahrhunderts wurde. Die Richtung hat die Merkmale der Kunst aller Epochen gesammelt - Emotionalität, Interesse an Ornamenten, Plastizität, das Vorherrschen glatter, krummliniger Umrisse. Der Symbolismus wurde zur Grundlage der Entwicklung. Modern ist zweideutig - es hat sich in den europäischen Ländern auf unterschiedliche Weise und unter verschiedenen Namen entwickelt.

Avantgarde

Künstlerische Stilrichtungen, die sich durch die Absage an Realismus, die Symbolik der Informationsvermittlung, die Leuchtkraft der Farben, Individualisierung und kreative Gestaltungsfreiheit auszeichnen. Die Kategorie Avantgarde umfasst: Surrealismus, Kubismus, Fauvismus, Futurismus, Expressionismus, Abstraktionismus. Vertreter: V. Kandinsky, P. Picasso, S. Dali.

Primitivismus oder naiver Stil

Eine Richtung, die sich durch eine vereinfachte Darstellung der Realität auszeichnet.

Die aufgeführten Stile sind zu den wichtigsten Meilensteinen in der Entwicklung der Malerei geworden - sie verwandeln sich immer wieder in neue Formen des kreativen Selbstausdrucks von Künstlern.

Wir setzen den Abschnitt "Handarbeit" und den Unterabschnitt "" Artikel fort. Wo wir Ihnen Definitionen einiger bekannter und unbekannter moderner und nicht so moderner Stile anbieten und sie auch so klar wie möglich veranschaulichen.

Kunststile in Bildern werden vor allem benötigt, damit du herausfinden kannst, welchen Stil du zeichnest (oder allgemein nähst) oder welcher Stil am besten zu dir zum Zeichnen passt.

Beginnen wir mit einem Stil namens "Realismus". Realismus- das ist eine ästhetische Position, nach der die Aufgabe der Kunst darin besteht, die Wirklichkeit möglichst genau und objektiv zu erfassen. Es gibt viele Unterstile des Realismus - kritischer Realismus, Sozialistischer Realismus, Hyperrealismus, Naturalismus und viele andere. Im weiteren Sinne des Wortes ist Realismus die Fähigkeit der Kunst, einen Menschen und die ihn umgebende Welt wahrheitsgetreu und ungeschminkt in lebensechten, erkennbaren Bildern darzustellen, dabei aber nicht passiv und leidenschaftslos die Natur zu kopieren, sondern das Wesentliche in ihr auszuwählen und der Versuch, die wesentlichen Eigenschaften von Objekten und Phänomenen in sichtbaren Formen zu vermitteln.

Beispiel: V. G. Chudyakov. Schmuggler (zum Vergrößern anklicken):

Kommen wir nun zu einem Stil namens „Impressionismus“. Impressionismus(frz. impressionnisme, von impression - impression) - ein Stil, bei dem Künstler versuchten, die reale Welt in ihrer Beweglichkeit und Variabilität möglichst natürlich und unvoreingenommen einzufangen, um ihre flüchtigen Eindrücke zu vermitteln. Der Impressionismus hat sich nicht erhoben Philosophische Probleme und versuchte nicht einmal, die farbige Oberfläche des Alltags zu durchdringen. Stattdessen konzentriert sich der Impressionismus auf die Oberflächlichkeit, den Fluss des Moments, die Stimmung, die Beleuchtung oder den Blickwinkel.

Beispiel: J. William Turner (zum Vergrößern anklicken):

Als nächstes auf der Liste haben wir einen viel weniger bekannten Stil als Impressionismus und Realismus namens Fauvismus. Fauvismus(von französisch fauve - wild) - der Name entstand, da die Gemälde beim Betrachter ein Gefühl von Energie und Leidenschaft hinterließen und der französische Kritiker Louis Vocell die Maler wilde Tiere (fr. les fauves) nannte. Das war die Reaktion der Zeitgenossen auf die ihnen auffallende Überhöhung der Farbe, die „wilde“ Ausdruckskraft der Farben. Also wurde eine zufällige Aussage als Name des gesamten Trends festgelegt. Der Fauvismus in der Malerei zeichnet sich durch die Helligkeit der Farben und die Vereinfachung der Form aus.

Der nächste Stil ist modern. Modern- (von französisch moderne - modern), Art Nouveau (französischer Jugendstil, wörtlich "neue Kunst"), Jugendstil (deutscher Jugendstil - "junger Stil") - eine künstlerische Richtung in der Kunst, deren Grundlage die Ablehnung gerader Linien war und Winkel zugunsten natürlicherer, "natürlicher" Linien, Interesse an neuen Technologien. Der Jugendstil strebte danach, die künstlerischen und utilitaristischen Funktionen der geschaffenen Werke zu kombinieren, um alle Bereiche der menschlichen Aktivität in den Bereich der Schönheit einzubeziehen.

Ein Beispiel für Jugendstilarchitektur finden Sie im Artikel „Gaudis magische Häuser“. Ein Beispiel für ein Gemälde im Jugendstil: A. Mucha "Sonnenuntergang" (zum Vergrößern anklicken):

Dann lass uns weitermachen. Expressionismus(von lateinisch expressio, „Ausdruck“) - ein Ausdruck der emotionalen Eigenschaften von Bildern (normalerweise einer Person oder einer Gruppe von Menschen) oder des emotionalen Zustands des Künstlers selbst. Im Expressionismus wurde die Idee der emotionalen Wirkung, der Affektiertheit, dem Naturalismus und Ästhetizismus gegenübergestellt. Die Subjektivität des kreativen Aktes wurde betont.

Beispiel: Van Gogh, „Sternennacht über der Rhone“:

Der nächste Trend, den wir ansprechen werden, ist der Kubismus. Kubismus(Französisch Cubisme) - eine Richtung in der bildenden Kunst, gekennzeichnet durch die Verwendung von betont geometrisierten bedingten Formen, dem Wunsch, reale Objekte in stereometrische Grundelemente zu "spalten".

Weiterer Stil namens "Futurismus". Stilname Futurismus abgeleitet vom lateinischen futurum Zukunft. Der Name selbst impliziert einen Kult der Zukunft und die Unterscheidung der Vergangenheit zusammen mit der Gegenwart. Die Futuristen widmeten ihre Bilder Zügen, Autos, Flugzeugen - mit einem Wort, allen momentanen Errungenschaften einer vom technologischen Fortschritt berauschten Zivilisation wurde Aufmerksamkeit geschenkt. Der Futurismus hat sich vom Fauvismus abgestoßen, indem er Farbfunde von ihm entlehnt hat, und vom Kubismus, von dem er künstlerische Formen übernommen hat.

Und jetzt gehen wir zu einem Stil über, der "Abstraktionismus" genannt wird. Abstraktionismus(lat. abstractio - Entfernung, Ablenkung) - die Richtung der ungegenständlichen Kunst, die in Malerei und Skulptur das Bild realitätsnaher Formen aufgab. Eines der Ziele des Abstraktionismus ist die „Harmonisierung“, das Schaffen bestimmter Farbkombinationen und geometrischer Formen, um beim Betrachter verschiedene Assoziationen hervorzurufen.

Beispiel: V. Kandinsky:

Als nächstes steht der Trend des „Dadaismus“ auf der Liste. Dadaismus, oder Dada - der Name des Stroms stammt aus mehreren Quellen: In der Sprache des Negerstammes bedeutet Kru den Schwanz einer heiligen Kuh, in manchen Gegenden Italiens ist dies der Name der Mutter, es kann die Bezeichnung sein ein Holzpferd für Kinder, eine Krankenschwester, eine Doppelaussage in russischer und rumänischer Sprache. Es könnte auch eine Reproduktion von inkohärentem Säuglingsgeplapper sein. Auf jeden Fall ist Dadaismus etwas völlig Bedeutungsloses, was fortan zum erfolgreichsten Namen für die ganze Bewegung geworden ist.

Und jetzt wenden wir uns dem Suprematismus zu. Suprematismus(von lat. supremus - der höchste) - ausgedrückt in Kombinationen mehrfarbiger Ebenen der einfachsten geometrischen Umrisse (in den geometrischen Formen einer geraden Linie, eines Quadrats, eines Kreises und eines Rechtecks). Kombination aus mehrfarbig und in mehreren Größen geometrische Formen bildet ausgewogene asymmetrische suprematistische Kompositionen, die von innerer Bewegung durchdrungen sind.

Beispiel: Kasimir Malewitsch:

Die nächste Bewegung, die wir kurz betrachten werden, ist die Bewegung mit dem seltsamen Namen „Metaphysische Malerei“. Metaphysische Malerei (ital. Pittura metafisica) – hier werden die Metapher und der Traum zur Grundlage für ein Denken jenseits der gewöhnlichen Logik, und der Kontrast zwischen dem realistisch genau dargestellten Objekt und der seltsamen Atmosphäre, in der es platziert ist, verstärkt die surreale Wirkung.

Ein Beispiel ist Giorgio Morandi. Stilleben mit Mannequin:

Und jetzt kommen wir zu einem sehr interessanten Trend namens „Surrealismus“. Der Surrealismus (franz. surréalisme – Superrealismus) basiert auf einer Kombination von Traum und Wirklichkeit. Das primäre Ziel der Surrealisten war die spirituelle Erhebung und Trennung des Geistes vom Materiellen. Einer der größten Vertreter des Surrealismus in der Malerei war Salvador Dali.

Beispiel: Salvador Dali:

Als nächstes gehen wir zu einem Trend wie dem aktiven Malen über. Aktives Malen (Malen durch Intuition, Tachisme, aus dem französischen Tachisme, aus Tache - Fleck) ist ein Trend, der mit Flecken malt, die keine Bilder der Realität nachbilden, sondern die unbewusste Aktivität des Künstlers ausdrücken. Striche, Linien und Punkte in Tachisme werden mit schnellen Handbewegungen ohne vorsätzlichen Plan auf die Leinwand aufgetragen.

Der vorletzte Stil für heute ist Pop Art. Pop-Art (engl. pop-art, kurz für populäre Kunst, die Etymologie wird auch mit englischem Pop in Verbindung gebracht – ruckartiges Schlagen, Klatschen) lässt Kunstwerke entstehen, für die Elemente der „Volkskultur“ verwendet wurden. Das heißt, das aus der Populärkultur entliehene Bild wird in einen anderen Kontext gestellt (z. B. Maßstab und Material ändern sich; eine Technik oder technische Methode wird aufgedeckt; Informationsstörungen werden aufgedeckt usw.).

Beispiel: Richard Hamilton, „Was macht unsere Häuser heute so anders, so einladend?“:

Dementsprechend ist der letzte Trend für heute Minimalismus. Minimal Art (engl. Minimal Art), auch Minimalism (engl. Minimalism), Art ABC (engl. ABC Art) ist ein Trend, der geometrische Formen umfasste, befreit von jeglicher Symbolik und Metapher, Wiederholung, neutralen Oberflächen, industriellen Materialien und Herstellungsverfahren.

So gibt es eine Vielzahl von Kunstrichtungen – die ihre eigenen Ziele verfolgen.

Stil (Trends, Trends) in der Kunst ist eine historisch begründete Gemeinschaft künstlerischer Merkmale in einer Kunstrichtung oder gleichzeitig in mehreren Künsten, die für verschiedene Epochen und Völker charakteristisch sind und aufgrund der Einheit der ideologischen und ästhetischen Bestrebungen der kreativen Minderheit. Gegenwärtig haben sich für objektiv vorhandene (und bestehende) Strömungen in der europäischen Kunst traditionell eine Reihe stabiler Bezeichnungen herausgebildet, deren Grundzüge jedem Kulturmenschen bekannt sein sollten. Betrachten wir in diesem Zusammenhang die grundlegende Terminologie, wobei wir uns an das chronologische Prinzip halten.

Der romanische Stil (von lat. Romanus - Roman) erschien im X-XIII Jahrhundert. in Architektur und bildhauerischer Dekoration. Gebäude im romanischen Stil erben viele Merkmale der römischen Architektur, zeichnen sich durch Einfachheit und Rationalität aus. Die Dicke und Stärke der Mauern waren das Hauptkriterium für die Schönheit des Gebäudes. Die wichtigsten architektonischen Bauwerke der Romanik sind die Ritterburg und die Klosterkirche.

Der gotische Stil (von it. Gotico - gotisch, barbarisch) wird hauptsächlich mit religiöser Architektur, Skulptur und Kunsthandwerk des 12. bis 14. Jahrhunderts in Verbindung gebracht. Die wichtigste architektonische Struktur des gotischen Stils ist die Kathedrale. Gotische Kathedralen sind gekennzeichnet durch Streben nach oben, zu Gott, eine organische Verbindung zwischen Architektur und Skulptur, Spitzbögen; Fenster mit mehrfarbigen Buntglasfenstern, üppiges Dekor.

Barock (vom italienischen Barocco - seltsam, bizarr) Stil in Architektur, Musik, Malerei, Literatur, dekorativer Kunst des späten 16. bis Mitte des 18. Jahrhunderts. Es zeichnet sich durch ästhetische Affekte, Dekorreichtum und normalerweise krummlinige Formen aus. In Musik und Literatur - Manierismen, Launenhaftigkeit, Verzierungen, eine Fülle von Dekorationen. In der Kunst des Barock, die in den Dienst der Religion gestellt wurde, sahen die Jesuiten ein mächtiges Werkzeug, um die emotionale Welt eines Menschen zu beeinflussen und neue Ideen für Europäer über den Reichtum, die Komplexität und die Variabilität der Welt um sie herum zu bilden.

Klassizismus (von lateinisch classicus - richtig, vorbildlich) Stil und Richtung in der Kunst und Literatur XVIII Anfang des 19. Jahrhunderts die die Rückbesinnung auf das antike Erbe als Norm und Idealmodell markierte. Das ästhetische Hauptpostulat des Klassizismus ist die Naturtreue, die natürliche Rationalität der Welt mit ihrer objektiv innewohnenden Schönheit, die sich in Symmetrie, Proportion, Maß, Harmonie ausdrückt und in vollendeter Form in der Kunst nachgebildet werden soll.

Rokoko (von französisch rocaille - Muschel) ist ein Stil, der sozusagen eine Zwischenstellung zwischen Barock und Klassizismus einnimmt. Der Stil wurde hauptsächlich in Frankreich während der Zeit Ludwigs XV. entwickelt und wird manchmal mit seinem Namen bezeichnet - „Stil Ludwigs XV.“. Das bestimmende Merkmal dieses Stils ist der Wunsch nach Eleganz, einer Fülle von Dekorationen und dem Kontrast zwischen der äußeren Strenge der Gebäude und der Raffinesse ihrer Innenausstattung. Am deutlichsten ausgedrückt in Architektur, Malerei, Kunsthandwerk.

Der Sentimentalismus (von französisch Sentiment – ​​Gefühl) ist eine künstlerische Bewegung der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, die sich aus der Enttäuschung über die von den Ideologen proklamierte positive Rolle der „Zivilisation“, des „Reiches des Geistes“ entwickelte die Erleuchtung. Ideologisch geht Sentimentalität auf die berühmte Aussage von J.Zh zurück. Rousseau "Die Vernunft kann irren, das Gefühl - niemals!" Sentimentalismus hat keine eigene Ästhetik entwickelt und ist vielmehr eine besondere Gemütsverfassung, melancholische Tagträumerei, Neigung zur Einsamkeit, erhöhte Sensibilität. Sein Credo ist die Absage an jegliche Raffinesse und Verderbtheit, die sogenannte. "Zivilisierte Gesellschaft.

Romantik ist eine breite ideologische und künstlerische Strömung in der Weltkultur, die im späten 18. und frühen 20. Jahrhundert alle Arten von Kunst und Geisteswissenschaften umfasste. Die Romantik war eine Reaktion auf die Ergebnisse der Französischen Revolution, die den kapitalistischen "Fortschritt" und den Geist des allgemeinen Handelns kennzeichnete.

Das Credo der Romantik ist "ein atypischer Held unter atypischen Umständen". Romantiker stellten dem Utilitarismus und der Entpersönlichung des Individuums das Streben nach unbegrenzter Freiheit, das Pathos der persönlichen und bürgerlichen Unabhängigkeit entgegen.

Realismus (von lat. realis - real, real) - ein Stil, der die Einstellung zum Lebensbild in den Lebensformen selbst prägte - "ein typischer Held in typischen Umständen". Als kreative Methode manifestierte sich der Realismus am stärksten im 19. Jahrhundert und wurde vor allem in Malerei und Literatur verkörpert.

Naturalismus (von lat. Natura - Natur) ist eine kreative Richtung, die im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts auftauchte. unter dem Einfluss der Philosophie des Positivismus O. Comte und G. Spencer. Die Ästhetik des Naturalismus, die die Prinzipien des Positivismus auf die Sphäre der Kunst übertrug, basierte auf der Position, dass der Künstler die Welt um sich herum ohne Schnörkel, Typisierungen, Konventionen und Tabus mit maximaler Objektivität widerspiegeln sollte. Vertreter des Naturalismus behaupteten, „alles in und aus“ über einen Menschen zu erzählen, wobei sie den biologischen Aspekten seines Lebens besondere Aufmerksamkeit schenkten. Eine extreme Manifestation des Naturalismus, schon jenseits der Kunst, sind diverse Arten von Pornoprodukten, die Darstellung der "schmutzigen" Aspekte des Lebens und Gewaltszenen, die im Volk die treffende Bezeichnung "schmutzig" erhalten haben.

Die Moderne (aus der französischen Moderne - neu, modern) - ist eine Kombination aus ästhetischen Schulen und Trends des späten 19. bis 20. Jahrhunderts. (Kubismus, Futurismus, Expressionismus, Konstruktivismus, Fauvismus, Dadaismus, Abstraktionismus usw.), die sich der Kunst der Vergangenheit widersetzen und einen neuen Ansatz zur Darstellung des gesellschaftlichen Lebens behaupten.

Postmoderne - (gebildet in der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts). Es ist eine besondere Art von Weltanschauung, fokussiert auf die Gestaltung eines solchen Lebensraumes, in dem allerlei Normen und Traditionen geleugnet werden, und Freiheit in allem, Spontaneität des Handelns, Verspieltheit, kulturelle Orientierung, „Dekonstruktion“, „Dezentralisierung“ , Verabsolutierung von "Neuheit" werden zu den Hauptwerten » als eine Art der Weltbeurteilung (R. Barth).