Die Renaissance in Spanien im XVI-XVII Jahrhundert. spanische renaissance spanische renaissance

Der Blütezeit der spanischen Kultur ging unmittelbar die berühmteste Periode in der Geschichte des Landes voraus. Ende des 15. Jahrhunderts wurde das zuvor zersplitterte Spanien unter der Herrschaft von Ferdinand von Aragon und Isabella von Kastilien vereint. 1492 vollendete Spanien, vereint unter zentraler Autorität, die Reconquista – den jahrhundertealten Kampf der Spanier gegen die Araber um die Rückeroberung der Iberischen Halbinsel. Ein charakteristisches Merkmal der spanischen Kunst ist im Gegensatz zu anderen europäischen Ländern der geringe Anteil an weltlichen Werken, die in diesem Staat für einen sehr langen Zeitraum nach dem Ende des Mittelalters und dem Aufkommen des New Age geschaffen wurden. Zu einer Zeit, als die Italiener und Flamen gerne den Reichtum an Themen aus der antiken Geschichte oder Mythologie sowie dem Leben um sie herum nutzten, beschränkte sich der Spielraum spanischer Künstler ausschließlich auf christliche Themen. Einzige Oase inmitten dieser ideologischen Hegemonie waren zunächst die Bilder königlicher Personen und ihrer Familien – ein Hofporträt, die erste weltliche Gattung der spanischen Malerei, aus der spanische Kunsthistoriker mitunter die Weiterentwicklung der nicht-religiösen Malerei ableiten.

Die Entwicklungslinie des Hofporträts verlief abseits des Hauptthemas der spanischen Kunst, und die Meister dieser Richtung mussten in ihrer Arbeit spezielle Probleme lösen und Werke schaffen, die ihre besondere Herangehensweise an das Problem der Darstellung einer Person widerspiegelten. Die Lösung dieses Problems musste sowohl ideale Vorstellungen über das Modell als auch seine realistische Vision vereinen – ohne Vereinfachung. Und die spanische Hofporträtkunst, die auf mehreren verschiedenen Komponenten basiert, hat ihren eigenen einzigartigen Stil geschaffen. Die Berücksichtigung der verschiedenen Impulse, die das spanische Porträt beeinflusst haben, hilft, seine Besonderheit besser zu würdigen.

Für die Bildung seiner charakteristischen Merkmale wurden der lokale spanische Geschmack, der Einfluss der italienischen Renaissance und zu einem großen Teil auch der Einfluss der nördlichen Renaissance, insbesondere der niederländischen Malschule, äußerst wichtig.

In der Zeit eines neuen Erwachens der europäischen Kunst und einer Abkehr von den Prinzipien des Mittelalters hatten die Kunstwerkstätten der Iberischen Halbinsel im Gegensatz zu Italien und den Städten Nordeuropas keine Chance, mächtig zu werden

Spanische Malerei ist einzigartig und anders als alles andere. Spanische Künstler haben einen sehr großen Beitrag dazu geleistet Weltkultur. Die spanische Malerei hat ihren Ursprung in der Malerei von Kirchenfresken und Altären, die von italienischen, deutschen und holländischen Meistern geschaffen wurden. Die Spanier haben zwar nur die Technik übernommen, und die Leidenschaft und der Fanatismus, die ihre Werke besitzen, sind ihre eigenen, nicht von irgendjemandem geliehen. Der Name Domenikos Theotokopoulos (1541 - 1614) ist als Name des ersten berühmten Malers Spaniens bekannt, der in Italien bei Tizian studierte und von Philipp II. nach Spanien eingeladen wurde. Die Blütezeit der spanischen Kultur: Literatur und Theater (geweiht unter den Namen Cervantes und Lope de Bega) und dann die Malerei - fiel nicht mit der Zeit der höchsten wirtschaftlichen und politischen Macht Spaniens zusammen und kam etwas später. Das goldene Zeitalter der spanischen Malerei ist das 17. Jahrhundert, oder besser gesagt, die 80er des 16. - 80er des 17. Jahrhunderts.

Die spanische Kunst des 16. bis 18. Jahrhunderts war durch die Existenz nicht klassischer, sondern mittelalterlicher, gotischer Traditionen gekennzeichnet. Die Rolle der maurischen Kunst im Zusammenhang mit der jahrhundertealten Herrschaft der Araber in Spanien ist für die gesamte spanische Kultur unbestreitbar, die es geschafft hat, maurische Merkmale auf ungewöhnlich interessante Weise neu zu bearbeiten und mit ursprünglich nationalen zu verschmelzen.

Die spanischen Künstler hatten zwei Hauptkunden: Der erste war der Hof, die reichen spanischen Granden, die Aristokratie, und der zweite war die Kirche. Auch die Rolle der katholischen Kirche bei der Entstehung der spanischen Malschule war sehr groß. Unter ihrem Einfluss wurde der Geschmack der Kunden geformt. Aber die Schwere des Schicksals des spanischen Volkes, seine Originalität Lebenswege entwickelte ein spezifisches Weltbild der Spanier. Religiöse Ideen, die eigentlich die gesamte Kunst Spaniens geweiht haben, werden in den Bildern der Realität sehr konkret wahrgenommen, die sinnliche Welt koexistiert überraschenderweise mit religiösem Idealismus, und das volkstümliche, nationale Element bricht in die mystische Handlung ein. In der spanischen Kunst drückt sich das Ideal eines Nationalhelden vor allem in Heiligenbildern aus.

Der Begriff „Hofporträt“ umfasst bestimmte charakteristische Merkmale, die für andere Spielarten der Porträtgattung ungewöhnlich sind. Das liegt vor allem an der Besonderheit soziale Position dargestellte und verwandte Funktionen, einschließlich ideologischer. Doch obwohl der Kreis der höfischen Porträtmodelle nicht sehr eng ist, gehören Bilder des Gefolges – hochrangige Aristokraten – und Porträts der königlichen Familie ebenso wie – im Falle des spanischen Hofes – Bilder von Zwergen und Freaks (los truhanes), blieb das bedeutendste Subjekt seines Bildes immer ausschließlich der Monarch - und niemand außer ihm. In dieser Arbeit wurde das Thema ausschließlich auf Königsbilder beschränkt, da ihre Porträts die Quintessenz des Bildes sind und auf höchstem Niveau ausgeführt werden und auch als typologische und ikonografische Vorlage dienen.

Das Bild des obersten Herrschers war im Gegensatz zu anderen Porträts, die am Hof geschaffen wurden, selbst von denselben Künstlern, immer mit bestimmten einzigartigen Qualitäten gefüllt. Sie wurden von einer Ideologie hervorgebracht, die Gottes Gesalbten von allen anderen unterscheidet, sogar von denen, die ihm blutsverwandt sind. Das Porträt des Königs konzentrierte im Gegensatz zu den Bildern seiner Verwandten in noch übertriebener Form alle Qualitäten dieser Hofkunst und bediente sich auch gewisser exklusiv für ihn bestimmter Techniken - verbunden mit dem besonderen, einmaligen eine Art Stellung des Monarchen auf Erden. Die Mentalität von Untertanen, auch von Künstlern, ist beispielsweise durch das bekannte Rechtspostulat „Imago regis, rex est“ geprägt – das Bild des Königs ist der König selbst, und in dessen Gegenwart begangene Verbrechen oder Eide Image sind gleichbedeutend mit denen, die in persönlicher Anwesenheit des Monarchen begangen wurden.

So wurden der König und seine Bilder dank des Glaubens der Untertanen funktional mit den Himmlischen und ihren Bildern verwandt, was sich zweifellos in den Porträts widerspiegelte.

Am Ende des XV Jahrhunderts. die Reconquista endete (der Krieg zur Befreiung der Iberischen Halbinsel von der arabischen Herrschaft, der fast acht Jahrhunderte dauerte) und ein einziges spanisches Königreich wurde gegründet. Im 16. Jahrhundert. Eine aktive Militärpolitik und vor allem die Eroberung riesiger Gebiete im neu entdeckten Amerika machten Spanien zu einer der reichsten europäischen Monarchien. Der Wohlstand hielt jedoch nicht lange an - bereits Ende des Jahrhunderts erlebte das Land einen wirtschaftlichen Niedergang und in den Kriegen mit England im 16.-17. Jahrhundert. Sie verlor ihre Seeherrschaft.

In der kulturellen Entwicklung war es genau das 17. Jahrhundert. Spanien erreichte seinen Höhepunkt vor allem in Literatur und Malerei. Da Spanien erst spät seine Unabhängigkeit und Einheit erlangte, schien die Schaffung eines nationalen künstlerischen Stils besonders wichtig. Für ein Land ohne fest verwurzelte Traditionen war das nicht einfach.

Die Entwicklung der spanischen Malerei und Skulptur wurde auch durch die Position der katholischen Kirche erschwert: Die Inquisition führte eine strenge Kunstzensur ein. Trotz einiger strenger Einschränkungen arbeiteten die spanischen Meister jedoch in fast allen Genres und deckten in ihren Werken die gleiche Bandbreite an Themen ab wie ihre Zeitgenossen aus anderen europäischen Ländern.

In der Architektur wurden die Traditionen der mittelalterlichen europäischen und arabischen Architektur (insbesondere in der dekorativen Gestaltung von Gebäuden) mit dem Einfluss der italienischen Renaissance und des 17. Jahrhunderts kombiniert. - Barock. Infolgedessen hat sich die spanische Architektur nicht vollständig vom Eklektizismus befreit - einer Kombination von Merkmalen verschiedener Stilrichtungen in einem Werk. Eine viel hellere nationale Originalität manifestierte sich in der Skulptur, insbesondere in Holzplastik. In der Malerei erwies sich die Verbindung von europäischem Einfluss und nationalen Besonderheiten als am harmonischsten und erhielt eine zutiefst originelle Verkörperung.

Wenn wir über die Kultur Spaniens sprechen, sollte beachtet werden, dass bei aller Aufmerksamkeit für die Kunst des königlichen Hofes die klügsten Meister immer noch in den Provinzen arbeiteten. Es war ihre Arbeit, die die wichtigsten künstlerischen Strömungen dieser Zeit bestimmte.

Die Inquisition (vom lateinischen inquisitio - "Suche") - in der katholischen Kirche im 13.-19. Jahrhundert. von der weltlichen Macht unabhängige Gerichte, die zur Behandlung von Ketzereien (religiöse Bewegungen, die von den offiziellen Bestimmungen der Kirche abweichen) eingerichtet wurden.

Der spanische Maler, Bildhauer und Architekt El Greco (Theotokopuli Domenico) wurde 1541 auf Kreta geboren, daher sein Spitzname – Der Grieche. Er studierte traditionelle Ikonenmalerei auf Kreta, ging nach 1560 nach Venedig, wo er vielleicht bei Tizian studierte, und 1570 nach Rom.

Der kreative Stil wurde hauptsächlich unter dem Einfluss von Tintoretto und Michelangelo geformt. 1577 zog El Greco nach Spanien und ließ sich in Toledo nieder, wo er von 1577 bis zu seinem Tod (7. April 1614) arbeitete und eine Reihe bemerkenswerter Altarbilder schuf. Seine Werke zeichnen sich durch eine unglaubliche Emotionalität, unerwartete Winkel und unnatürlich gestreckte Proportionen aus, die den Effekt einer schnellen Veränderung der Größe von Figuren und Objekten erzeugen ("Das Martyrium des heiligen Mauritius", 1580-1582). Die von El Greco meisterhaft gemalten Gemälde zu religiösen Themen mit einer großen Anzahl von Charakteren ähneln in ihrer Unwirklichkeit der Poesie der spanischen Mystiker. So ist zum Beispiel die feierlich-majestätische Komposition "Das Begräbnis des Grafen Orgas" (1586-1588).

Zunächst im Einflussbereich von Tizian und Michelangelo und dann auf dem Weg des Manierismus, wurde El Greco zu einem Vorläufer der Barockkunst. Der Wunsch, über die gewöhnliche menschliche Erfahrung hinauszugehen, macht ihn mit den spanischen Mystikern verwandt – dem Dichter Juan de la Cruz, St. Teresa und St. Ignatius Loyola. Aus diesem Grund wurde Spanien zu einem fruchtbaren Boden für die Kreativität von El Greco, die wiederum bereitwillig von der spanischen Kunst assimiliert wurde. Im Laufe der Zeit gewannen naturwissenschaftliche Erkenntnisse und Mathematik in seiner Arbeit immer mehr an Bedeutung.

Emotionalität ist auch charakteristisch für El Grecos Porträts, manchmal geprägt von psychologischer und sozialer Einsicht. Die Züge der Unwirklichkeit zeigen sich am deutlichsten in den späteren Werken des Meisters ("Öffnung des fünften Siegels", "Laokoon", 1610-1614). Der „Blick auf Toledo“ (1610-1614) ist angefacht mit einer scharfen poetischen Wahrnehmung der Natur, der Tragödie des Weltbildes. Kreativität El Greco nach dem Tod des Künstlers wurde vergessen und erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit dem Aufkommen des Expressionismus wiederentdeckt.

El Greco starb 1614.

Revival-Malerei Vinci Raphael

Begräbnis Christi. 1560

Christus heilt die Blinden. 1567

Himmelfahrt der seligen Jungfrau Maria. 1567

Modena-Triptychon. 1568

Das letzte Abendmahl. 1568

Berg Sinai. 1570-72

Tempelreinigung. 1570

Christus heilt einen Blinden.1570-75

Anbetung der Hirten. 1570-72

Verkündigung. 1570

Julio Clovio. 1571-72

Vincenzo Anastaci. 1571-76

Pietà (Beweinung Christi). 1571-76

Verkündigung. 1575

Männliches Porträt. 1575

Porträt eines Bildhauers. 1576-78

Büßende Maria Magdolina. 1576-78

Christi Kleider abreißen. 1577-79

Die Literatur der Renaissance in Spanien, wie auch in Portugal, kulturell mit ihr verbunden und sogar den spanischen Königen von 1580 bis 1640 unterstellt, zeichnet sich durch große Originalität aus, die sich in den Besonderheiten der historischen Entwicklung Spaniens erklärt. Bereits in der zweiten Hälfte des XV Jahrhunderts. hier, wie in anderen europäischen Ländern, gibt es eine Lockerung der feudalen Institutionen und des mittelalterlichen Weltbildes. Letzteres wurde besonders durch humanistische Ideen untergraben, die aus dem fortschrittlichsten Land dieser Zeit - Italien - eindrangen. In Spanien verlief dieser Prozess jedoch im Vergleich zu anderen Ländern auf sehr eigentümliche Weise, was auf zwei Umstände zurückzuführen ist, die für die damalige spanische Geschichte typisch waren.

Der erste hängt mit den Bedingungen zusammen, unter denen die Reconquista verlief. Die Tatsache, dass einzelne Regionen Spaniens separat, zu unterschiedlichen Zeiten und unter unterschiedlichen Bedingungen erobert wurden, führte dazu, dass sich in jeder von ihnen besondere Gesetze, Bräuche und lokale Bräuche entwickelten. Die Bauernschaft und die Städte, die auf den eroberten Ländern an verschiedenen Orten basierten, erhielten unterschiedliche Rechte und Freiheiten. Andererseits waren die heterogenen lokalen Rechte und Freiheiten, die von den verschiedenen Regionen und Städten hartnäckig gehalten wurden, die Ursache für ständige Konflikte zwischen ihnen und der königlichen Macht. Oft kam es sogar vor, dass sich die Städte mit den Feudalherren dagegen schlossen. Daher wurde bis zum Ende des frühen Mittelalters in Spanien kein so enges Bündnis zwischen der königlichen Macht und den Städten gegen große Feudalherren geschlossen. Der spanische Absolutismus wurde unter den „Katholischen Königen“ (Ferdinand und Isabella) und deren Enkel Karl I. (1515-1556, ab 1519 deutscher Kaiser Karl V.) geprägt. Seitdem hat sich der Absolutismus in Spanien fest etabliert, aber im Gegensatz zu anderen europäischen Staaten trug er nicht zur Einigung des Landes bei.

Ein weiteres Merkmal der historischen Entwicklung Spaniens im 16. Jahrhundert. - ein unbestrittener wirtschaftlicher Niedergang mit paradoxerweise großartigen äußeren Zeichen des Wohlstands. Das Ergebnis eines außergewöhnlichen Goldzuflusses aus Amerika war ein starker Preisanstieg aller Produkte - eine "Preisrevolution", die alle europäischen Länder betraf, sich aber in Spanien mit besonderer Wucht manifestierte. Da es rentabler wurde, ausländische Produkte zu kaufen, begann die spanische Industrie in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. stark reduziert. Auch die Landwirtschaft verfiel - teils aus demselben Grund, teils als Folge des Massenruins der Bauern und der Verarmung einer großen Zahl adliger Kleinbauern, die nicht mit den Großgrundbesitzern konkurrieren konnten, die verschiedene Privilegien genossen. Außerdem verlockt die Versuchung des leichten Geldes in den Kolonien oder in europäischen Regionen unter Spanien (Flandern, Süditalien), durch Militärdienst verbunden mit dem Raub der Zivilbevölkerung, Handel und Geldspekulation, verschiedenen dunklen Betrügereien, hielten viele Menschen von der produktiven Arbeit ab und schufen Horden von Abenteurern, Plünderern, Glückssuchenden, die den unterschiedlichsten Gesellschaftsschichten angehörten.

Hinzu kommt die äußerst ungleiche Verteilung des Reichtums der Kolonie. Der größte Teil von ihnen ging an den Adel, der an der Spitze aller Kolonialunternehmen stand und sich als Hauptbesitzer, wenn nicht sogar als einziger Besitzer der Minen und Bergwerke herausstellte, in denen wertvolle Metalle abgebaut wurden. Von allen an diesem Raub beteiligten Adligen wiederum wurde der höchste Adel besonders reich, der neben diversen Monopolen und ganzen Regionen in der Neuen Welt unzählige Renten, Pfründe und allerlei Almosen aus den Händen des Königs erhielt. Als Ergebnis in diesem frühen Zeitpunkt Anfängliche Akkumulation in Spanien fand nicht statt, in anderen Ländern - insbesondere in Italien und England - soziokulturelle Konsolidierung des Bürgertums.

Der spanische Absolutismus hatte daher eine viel schmalere soziale Basis als der Absolutismus in den meisten anderen europäischen Ländern. Die alten Feudalherren duldeten ihn unfreiwillig, zumal er ihre wirtschaftlichen Interessen voll berücksichtigte, die Bourgeoisie sich ihm zwangsläufig unterwarf und die Volksmassen ihn als das geringste Übel akzeptierten, in ihm jedoch einen gewissen Schutz vor ihren sahen Unterdrückung durch die Feudalherren. Die eigentliche Stütze des spanischen Absolutismus war nur der Mitteladel („Caballeros“), da dieses System dessen Anforderungen und Interessen, insbesondere der daraus hervorgehenden neuen Aristokratie, die die herrschende Elite der Gesellschaft bildete, voll und ganz befriedigte. Was den Kleinadel („hidalgia“) angeht, da einerseits bedeutende Teile seiner Armen und dem Verfall preisgegeben waren und andererseits sich dennoch verführerische Aussichten vor ihm auftaten und das Gespenst des Ruhmes, der leichten Bereicherung aufblitzte , war ihre Haltung zum Absolutismus ambivalent: Hidalgia war der königlichen Macht ergeben oder zumindest loyal, aber gleichzeitig steckte in ihr eine tiefe innere Unzufriedenheit, die manchmal ideologisch sehr scharfe Formen annahm.

Unter solchen Bedingungen brauchte der spanische Absolutismus immer bewaffnete Kräfte zu seiner Unterstützung. Eine weitere natürliche Stütze, die sich in der Geschichte entwickelt hat, war die katholische Kirche. Ein dichtes Netz von Klöstern überzog das Land mit mehreren hunderttausend Priestern und Mönchen. Die christliche Kirche als alte und sehr verwurzelte soziale Institution in Spanien war einerseits das traditionelle Kulturgebiet und Hüter ihrer Werte sowie der einzige Organisator der Bildung (Universitäten waren ihr formeller Teil); andererseits kämpfte sie, manchmal heftig, mit allen Manifestationen des Widerspruchs, ließ insbesondere die Entwicklung protestantischer Ideen in Spanien nicht zu und verbreitete Ansichten, die den staatlichen Behörden gefielen.

Situation im 16. Jahrhundert In dieser Hinsicht änderte es sich mehr als einmal: So wurden die Lehren von Erasmus von Rotterdam unter Karl I. in der ersten Hälfte des Jahrhunderts frei diskutiert und in der zweiten Hälfte weit verbreitet, auch mit Unterstützung der Behörden des Jahrhunderts wurde unter Philipp II. der Erasmus verfolgt. Besonders herausragende Rolle in Spanien XVI-XVII Jahrhundert. der Jesuitenorden und die Inquisition spielten, die seit der Zeit Ferdinands des Katholischen zu einem mächtigen Werkzeug in den Händen der Obrigkeit wurde – vor allem politisch und wirtschaftlich.

Trotz der prekären wirtschaftlichen Basis hatte die spanische Monarchie weltweite politische Ambitionen. Die Konzentration der Hälfte Westeuropas unter der Herrschaft Karls V., die riesigen Besitzungen in Amerika nicht mitgezählt, der kolossale Reichtum, der aus den Kolonien fließt, der ungezügelte Mut der Konquistadoren und der Mut der Kommandeure der spanischen Armeen - all dies inspirierte der spanische Adel mit einer übertriebenen Vorstellung von seiner eigenen Tapferkeit und seinen Tugenden, von seiner historischen Mission. Daher der Traum Karls V., Spanien in eine Weltmonarchie zu verwandeln, die den Katholizismus überall auf der Welt etablieren würde („eine Herde, ein Hirte, ein Herr, ein Reich, ein Schwert“, wie es der Dichter Hernando de Acuña in einem von ihm präsentierten Sonett formulierte zum König).

Unter dem Nachfolger Karls I., Philipp II. (1556-1598), war gleichzeitig die Wirtschaftskrise deutlich ausgeprägt und die äußeren Manifestationen der politischen Macht des Landes erreichten ihr Maximum. So hatte Spanien beispielsweise unter Philipp II. die stärkste Armee in Europa. Trotzdem wurde den klügsten Köpfen der Zeit klar, dass die Großmacht Spanien, dieser Vielvölkerstaat, ein Koloss auf tönernen Füßen war. Die allgemeine Bevölkerung verarmt, Industrie und Landwirtschaft sind im Niedergang, eine Reihe von Staatsbankrotten ereignet sich, außenpolitisches und militärisches Versagen folgen aufeinander: eine Reihe von Niederlagen durch die Franzosen, der Fall der Niederlande, die Niederlage der „ Unbesiegbare Armada“, die 1588 entsandt wurde, um England zu erobern. All dies vermochte die militärisch-klerikale Clique um Philipp II. nicht zur Vernunft zu bringen, und der König von Spanien träumte noch immer von der Beherrschung des katholischen Glaubens über die ganze Welt und damit der Rettung von Millionen verlorener Seelen. Die Inquisition, die von Ferdinand dem Katholischen von einer bescheidenen innerkirchlichen Körperschaft in eine mächtige politische Waffe verwandelt und Anfang und Mitte des Jahrhunderts von den Behörden weit verbreitet war, blieb unter Philipp II. aktiv. Unter den viel weniger begabten Nachfolgern Philipps II. brachte die hartnäckige Fortsetzung derselben Politik Spanien bis zum Ende des 17. Jahrhunderts zu Fall. in die Position einer zweitrangigen europäischen Macht.

All diese Merkmale der spanischen Geschichte bestimmten den allgemeinen Charakter ihrer Literatur im 16.-17. Jahrhundert. Die Literatur der spanischen Renaissance in der einheimischen Tradition wird normalerweise in zwei Perioden unterteilt: die frühe Renaissance (1475-1550) und die reife Renaissance (1550 - die ersten Jahrzehnte des 17. Jahrhunderts); Die westliche Literaturkritik verwendet häufig die Konzepte

"früher" und "später" Barock, jeweils angewandt auf die zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts. und im 17. Jahrhundert. Diese beiden unterschiedlichen Ansätze enthalten keinen ernsthaften Widerspruch, da sich der Begriff "Barock" mehr auf ästhetische Grundlagen und "Renaissance" auf allgemeine historische und ideologische Grundlagen stützt. Die moderne Sicht der Dinge ermöglicht es, den Gedanken an den tiefbarocken Charakter von Don Quijote und den Gedanken an das unzweifelhafte Renaissance-Pathos von Cervantes' Werk dialektisch zu verbinden.

Am Beginn dieser Periode steht in Spanien, wie in den meisten anderen Ländern, die Entstehung jener neuen, offenen und kritischen Herangehensweise an die Realität, die für das Weltbild der Renaissance charakteristisch ist. Spanien hat eine Reihe herausragender Wissenschaftler und Denker, die alte Vorurteile über Bord geworfen und den Weg für moderne wissenschaftliche Erkenntnisse geebnet haben. Allerdings gab es unter ihnen nur wenige Figuren, die so groß waren, dass man ihnen eine gesamteuropäische Bedeutung zuschreiben konnte. Vor allem Juan Luis Vives (1492-1540), ein Philosoph, einer der Reformatoren der Pädagogik, ein Freund von Erasmus von Rotterdam, und Miguel Servet, ein rationalistischer Philosoph und Arzt, der sich in seinen Werken näherte - noch vor Harvey - zur Feststellung des Blutkreislaufgesetzes, sind bekannter als andere. 1553 wurde er als eines der ersten Opfer des protestantischen Fanatismus in Genf auf dem Scheiterhaufen verbrannt.

Zweitens bestimmten viele charakteristische Merkmale der bisherigen historischen Entwicklung das hohe Niveau des populären Selbstbewusstseins und folglich seinen Einfluss auf die Literatur. Deshalb waren die humanistischen Tendenzen der Renaissance in der Literatur Spaniens nicht wissenschaftlich und philosophisch tiefgründig, sondern spontan und impulsiv, aber nicht weniger tiefgründig und noch revolutionärer. Wenn man bedenkt, dass die Masse Spaniens zu dieser Zeit hauptsächlich die Bauernschaft war, für die stabile patriarchalische Ideale sehr charakteristisch sind, stellen wir abschließend fest, dass wir in der humanistischen Kultur Spaniens sowohl scharfe Kritik an der sozialen Realität als auch Bestrebungen für die patriarchalische Antike (was besonders war deutlich in der Verbreitung die Ideen des „Goldenen Zeitalters“, das dem heutigen „Eisernen Zeitalter“ vorausgegangen sein soll) und in der populären utopischen Färbung von Idealen. Einige spanische Schriftsteller lehnen den Utopismus ab und kommen zu einer pessimistischen Einschätzung der Realität und der Möglichkeiten ihrer Transformation.

Humanistische Ideen in der spanischen Renaissanceliteratur finden ihren Ausdruck fast ausschließlich in poetischen Bildern und nicht in theoretischen Schriften. Aus dem gleichen Grund war der teilweise nicht zu leugnende Einfluß antiker und italienischer Vorbilder in Spanien insgesamt viel geringer als etwa in Frankreich oder England. Ebenso sind der spanischen Literatur der Renaissance in geringerem Maße der von diesen Vorbildern angeregte und für die meisten anderen Nationalliteraturen dieser Epoche typische Formkult und eine gewisse Art von Ästhetik innewohnend. Im Gegenteil, es zeichnet sich durch Männlichkeit, Strenge, Nüchternheit und große Konkretheit von Bildern und Ausdrücken aus, die auf die mittelalterliche spanische Tradition zurückgehen. In all diesen Aspekten hat die spanische Literatur der Renaissance einen eigentümlichen, spezifisch nationalen Charakter.

Es genügt nicht zu sagen, dass sich die religiösen Strömungen der damaligen Zeit in dieser Literatur deutlich widerspiegelten. Die Ideologie und Praxis des Katholizismus, die das kulturelle Bewusstsein seit zehn Jahrhunderten bis zum 16. Jahrhundert kontinuierlich prägen. hinterließ nicht nur einen starken äußeren Eindruck im spanischen Leben, sondern prägte auch die Mentalität, Ethik, Bräuche und kognitiven Mechanismen der Kultur. Auch im Kampf gegen das katholische Dogma blieben Schriftsteller und Denker im Wirkungsbereich.

Nirgendwo in der Literatur des XVI-XVII Jahrhunderts. religiöse Formen nehmen keinen so prominenten Platz ein wie in Spanien. Wir finden hier eine äußerst entwickelte mystische Literatur, die eine der höchsten Manifestationen der spanischen Kultur ist - religiöse Gedichte und Texte (Juan de la Cruz, Luis de Leon), Prosa, die eine eingehende Selbstbeobachtung des Autors von "wunderbar Bekehrungen", Ekstasen und Visionen (Teresa de Jesus) , theologische Abhandlungen und Predigten (Luis de Granada). Die größten Dramatiker (Lope de Vega, Calderon) schreiben zusammen mit weltlichen Stücken religiöse Stücke, dramatisierte Legenden und Leben von Heiligen oder "heilige Handlungen". (autos sacramentale), in der Regel mit dem Thema der Verherrlichung des Sakraments des Sakraments. Aber auch in weltlichen Theaterstücken tauchen oft religiöse und philosophische Themen auf (Tirso de Molinas Der Unfug von Sevilla, Calderons Der standhafte Prinz).

Die Vorstellung von Sünde, himmlischer Strafe, Gnade usw. sind häufige Motive in der spanischen Poesie der damaligen Zeit. Andererseits ist es auch wahr, dass in den weitesten gesellschaftlichen und kulturellen Kreisen ein leidenschaftlicher Protest gegen die manchmal unmenschliche moralische Strenge des Klerus, die Demut und den Kampf mit natürlichen Neigungen stattfand. Daher gab es auch antiklerikale Tendenzen, die manchmal eine ideologische Grundlage für sich fanden (hauptsächlich im Erasmusismus und teilweise im Mystizismus), obwohl sie größtenteils spontan und wenig bewusst waren. Tiefe Widersprüche der Gefühle drückten sich in den schroffen, tragischen Spitzen vieler Werke der Epoche aus, in der düsteren Übertreibung von Bildern, in der Darstellung plötzlicher Höhen und Tiefen statt der allmählichen Entwicklung von Leidenschaften und Ereignissen.

Die spanische Renaissance entfesselte das Maximum an nationaler Energie, offenbarte die enorme Wissbegierde des Geistes, die Entschlossenheit und den Mut ihrer Führer bei der Überwindung von Hindernissen. Die weiten Perspektiven, die sich den damaligen Menschen eröffneten, der Umfang politischer und militärischer Unternehmungen, die Fülle neuer Eindrücke und Möglichkeiten für verschiedene energische Aktivitäten - all dies spiegelte sich in der spanischen Literatur des 16. und 17. Jahrhunderts wider geprägt von großer Dynamik, Leidenschaft und reicher Vorstellungskraft.

Dank dieser Qualitäten nimmt die spanische Literatur des „goldenen Zeitalters“ (wie die Zeit etwa vom zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts bis zur Mitte des 17. Jahrhunderts genannt wird) einen der ersten Plätze unter den Nationalliteraturen der Renaissance ein .

Die spanische Literatur, die sich in allen Genres brillant zeigt, hat besonders hohe Maßstäbe im Roman und im Drama gesetzt, d.h. in jenen literarischen Formen, in denen die für das damalige Spanien typischen Züge am vollsten zum Ausdruck kommen konnten - die Glut der Gefühle, Energie und Bewegung.

Fragen und Aufgaben

1. Welche historischen und geografischen Faktoren verleihen der Kulturgeschichte der Iberischen Halbinsel eine ausgeprägte Originalität vor dem Hintergrund des restlichen Europas?
2. Welche Verzerrungen der Sozialstruktur wurden von der Reconquista und staatlichen Konsolidierung des XV-XVI Jahrhunderts begleitet? in Spanien? Wie hat sich das auf die Geschichte ihrer Literatur ausgewirkt?
3. Wie korrelieren säkularer und kirchlicher Humanismus in der spanischen Kulturgeschichte?
4. Machen Sie sich anhand von Nachschlagewerken und Enzyklopädien ein Bild davon, was Mystik ist und welche Art von mystischer Literatur seit der Antike in Europa bekannt ist. Finden Sie Informationen über die brillanten kastilischen Mystiker - Juan dela Cruz, Teresa de Jesus, Luis de Leon, sowie ihre russischen Übersetzungen.
5. Erstellen Sie eine chronologische Tabelle von 1492 bis 1616, die verschiedene Ereignisse in der spanischen Geschichte korreliert: allgemeine historische (zum Beispiel die Entdeckungen von Kolumbus), politische (die Herrschaft der spanischen Könige) und kreative (Veröffentlichung von Meisterwerken großer Schriftsteller). ).

Themen von Abstracts und Berichten

1. Titan der Renaissance: die Persönlichkeit Karls I.
2. Hat Schiller recht? Die historische Wahrheit über den Infanten Don Carlos und seinen Vater Philipp I.
3. Spanische Universitäten im Mittelalter und in der Renaissance.
4. Spanische Mystik in Kunst und Literatur.
5. Eroberung und spanische Literatur.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts. Spanien wurde zu einer der stärksten Mächte der Welt und wurde Teil des riesigen Habsburgerreichs. Einen so mächtigen Renaissance-Prozess wie in anderen europäischen Ländern kannte sie jedoch nicht.

Die außergewöhnliche Macht der katholischen Kirche, die während der Zeit der Rückeroberung – der Rückeroberung des Landes von den Mauren – eine positive Rolle spielte, hinterließ tiefe Spuren in der Entwicklung der gesamten Renaissancekultur. Nachdem die Kirche unbegrenzte Macht erhalten hatte, wurde sie zu einer reaktionären Kraft, die alles Neue, Fortschrittliche unterdrückte. Daher hatte das für Italiener so charakteristische freie Denken hier fast keine Gelegenheit, sich zu manifestieren, und eine riesige Dramaturgie, die von humanistischen Schriftstellern geschaffen wurde, bestand aus Stücken religiösen und moralischen Inhalts. Religiöse Moral hinterließ auch Spuren in der Malerei, wo die Poetisierung einer Person nicht nur unmöglich, sondern auch unangebracht war.

Gleichzeitig war das 16. Jahrhundert durch das Erscheinen einer ganzen Schar bemerkenswerter Schriftsteller, Architekten, Bildhauer und Maler in Spanien gekennzeichnet. Nicht umsonst wird die zweite Hälfte des 16. bis frühen 17. Jahrhunderts, als Cervantes, Lope de Vega, Tirso de Molina, Gongora, Juan de Herrera und El Greco schufen, gemeinhin als das „goldene Zeitalter“ der spanischen Kultur bezeichnet , trotz aller Schrecken der Inquisition und der Willkür der Behörden.

Die Anfangsphase der Entwicklung der nationalen spanischen Kunst war mit der Vereinigung des Landes im Jahr 1479 unter der Herrschaft von Isabella von Kastilien und Ferdinand von Aragon verbunden. Isabella lud ausländische Architekten an ihren Hof, die im Stil der späten „flammenden“ Gotik arbeiteten. Doch in Spanien begegneten sie der ihnen bisher unbekannten maurischen Kunst des Mudéjar. Das Ergebnis ist ein neuer, origineller Stil. Platereske(aus Platero- Silber, durch Verbindung mit den Produkten von Silberjuwelieren-Verfolgern). Die Fassaden und Innenräume von Kathedralen und Palästen sahen aus wie ausgefallener Schmuck. Darüber hinaus wurde die Hauptwirkung durch die durchgehende Teppichfüllung der Wandfläche mit reicher Skulptur, Stuck und dem Spiel von hellem Sonnenlicht und Schatten erzielt. In der plateresken Architektur verbreitete sich Dekor in Form von Vorsprüngen verschiedener Formen - Rauten, große Muscheln, florale Ornamente, Figuren von Menschen und Emblemen.

Plateresker Stil. Fragment des Innenraums der Kirche St. Jacob. Toledo

In der ersten Hälfte des XVI Jahrhunderts. Es gab eine Ausbreitung von Renaissance-Einflüssen im Zusammenhang mit der Erbschaft des spanischen Königs Karl I. der Krone des deutschen Kaisers unter dem Namen Karl V. Spanien wurde ein integraler Bestandteil des riesigen Habsburgerreiches, das Deutschland, die Niederlande, Teil Italiens und Kolonialgebiete in Amerika.

Diese Tatsache führte dazu, dass in Spanien eine Art „Top“-Renaissance entstand. Die Fassaden von Gebäuden wurden mit Elementen antiker Orden, Girlanden, Medaillons, Statuen und Porträtbüsten geschmückt.

Schöne Beispiele spanischer Renaissance-Architektur sind der Palast Karls V. in Granada und der Innenhof des Alcázar in Toledo.

Aber das bedeutendste Werk in der Geschichte der spanischen Renaissancearchitektur, das Europa im 16. Jahrhundert noch nicht kannte, ist das berühmte Escorial, das Palastkloster, die Residenz des Mönchskönigs Philipp I. Das prächtige Gebäude, das St. Lawrence, wurde 45 Kilometer von Madrid entfernt als Symbol der Macht der großen Monarchie errichtet.

Escorial wurde gebaut, das seinen Namen aufgrund der Nähe von Eisenminen (von Escoria - Schlacke) eines berühmten spanischen Architekten erhielt Juan de Herrera(1530-1597).

Escorial umfasste ein Kloster, Palastanlagen, das Grab der spanischen Könige, eine Bibliothek und ein Krankenhaus. Die Basis des im Grundriss absolut rechteckigen Schlossklosters wurde in Form eines Gitters genommen, auf dem St. Lawrence, himmlischer Patron des Palastes. An den vier Ecken stiegen Türme, die die Beine eines umgekehrten Gitters symbolisierten; Altarapsis der Kathedrale St. Lawrence, eingerahmt von einem rechteckigen Sims, in dem sich die persönlichen Wohnungen von Philipp II. befanden, ähnelte einem Gittergriff und zahlreichen rechteckigen

Eskorial. Spanien

Nye Claustro Patios zeigte seine Stäbe. Das architektonische Erscheinungsbild von Escorial spiegelte alle Merkmale wider, die den Gebäuden der Antike innewohnen: Symmetrie, rechteckiger Grundriss, Ordnungselemente. Gleichzeitig Herrerauchel und die nationalen Traditionen der spanisch-maurischen Architektur: uneinnehmbare Mauern, die gleichzeitig als Wohnräume dienen, mit Ecktürmen und Spitzen, charakteristisch für Alcazar-Festungen, Innenhöfe mit Teichen, wie es bei den Mauren üblich war.

Escorial markierte den Beginn eines neuen klassizistischen Stils, der die Platereske ablöste und nach dem Architekten benannt wurde - Fehler, Ein Merkmal davon war das Fehlen jeglicher dekorativer Ornamente mit Ausnahme von Bällen.

Die Dominante des gesamten Ensembles des Klosterpalastes ist die majestätische Kathedrale, die mit einer Kuppel gekrönt ist, deren Westfassade mit weißen Marmorstatuen der alttestamentlichen Könige geschmückt ist, die dem Hof vor dem Eingang den Namen gaben . Die Kathedrale ist eine Kreuzkuppelbasilika mit Narthex. Sein Innenraum ist in einer strengen dorischen Ordnung gestaltet und wie alle Gebäude des Escorial aus hellgrauem lokalem Granit gefertigt, was das strenge und majestätische Erscheinungsbild des Ensembles verstärkt. Die einzige Dekoration sind die Fresken an den Gewölben, das malerische Hinteraltarbild - Retablo, Bronzestatuen von Heiligen und spanischen Königen auf beiden Seiten des Altars.

Statuen von Königen spielen im Inneren der Kathedrale eine wichtige emotionale Rolle. Die knienden Figuren Karls V. und Philipps II. aus vergoldeter Bronze, in Umhänge mit Intarsien aus farbigem Metall und Emaille, erwecken die Illusion der ewigen Präsenz des Königshauses und seiner Familien bei Messen, die in der Kathedrale stattfinden.

Im Zusammenhang mit der Ausschmückung von Escorial mit Fresken und Gemälden am Hof Philipps II. entstand eine Schule der Hofmaler, genannt Spanischer Romanismus. Es war eine Art Ähnlichkeit mit der französischen Schule von Fontainebleau, aber weniger

Pampeo Leoni. Statuen von Philip P, seinem Sohn Don Carlos und Ehefrauen. Eskorial

hell. Die klassische Schlichtheit von Escorial bestimmte die gleichen Maßstäbe in der Malerei. Aber die Meister, die den Escorial schmückten, gehörten der offiziellen künstlerischen Richtung an, die sich unter dem Einfluss des italienischen Manierismus entwickelte. Die geschaffenen Werke sahen äußerlich elegant aus, waren aber künstlerisch unbedeutend. Dies sind die Gemälde der Gewölbe der Kathedrale von St. Laurentius, aufgeführt Luca Cambiaso, besser bekannt in Spanien unter dem Namen Lukas von Genua. Dies sind die Werke des berühmtesten Meisters des Escorial Tibaldi Pellegrino, der Gemälde für das Retablo, Fresken für die Galerie des Evangelistenhofs und die Decke der Bibliothek malte.

Die Escorial-Bibliothek, eine Fundgrube des spanischen Geisteslebens, nahm in Bezug auf die Sammlung seltener Manuskripte einen der ersten Plätze in Europa ein. Daher achtete Philipp II. genau auf seine Dekoration. Tibaldi malte das Gewölbe, das Ausputzen 1 und die Lünetten, genau nach der kompositorischen Anordnung der Deckengemälde der Sixtinischen Kapelle. Im mittleren Teil des Gewölbes wurden Allegorien der sieben freien Künste präsentiert, die jeweils in einer Bildkomposition auf der Schalung wiederholt wurden.

So entsprach die allegorische Figur der Musik der Veranschaulichung des Mythos von Orpheus und Eurydike und dem Bild des Psalmisten David, der sich auf der Leier inspiriert selbst begleitete und für den alttestamentlichen König Saul Psalmen vortrug.

Diese auf Außenwirkung angelegten Wandbilder waren meisterhaft arrangiert und schienen voller Bewegung zu sein. Aber im Grunde war die Malerei eine rein dekorative Verflechtung nackter oder in Stoff gehüllter Körper, absolut

1 Entformen - ein kleines Gewölbe, das aus zwei krummlinigen Rippen besteht.

typisch Trotz der hellen Palette und der darin vorherrschenden giftigen Grün-, Blau-, Rot-, Rosatöne wirkt das Gemälde seltsam verfärbt. Die Malerei der spanischen Schule des Romanismus, die an sich keinen künstlerischen Wert darstellte, entsprach jedoch am meisten dem Geist von Escorial und verschmolz organisch mit seiner besonderen Atmosphäre von Künstlichkeit, Distanziertheit und Unwirklichkeit.

Bereits Ende des 16. Jahrhunderts zeigten sich in Spanien alle Zeichen des wirtschaftlichen Niedergangs deutlich, was zum politischen Zerfall der Weltmonarchie Karls V. und Philipps II. und zum Verlust der Vormachtstellung Spaniens in Westeuropa führte . Hoffnungslosigkeit und Verzweiflung, die immer breitere Bevölkerungskreise erfassten, waren begleitet von einer Zunahme mystischer Stimmungen, religiösem Fanatismus und der Wahrnehmung der Welt als einer Art Traum.

Die eigentliche Verkörperung der Katastrophe, die die Renaissance in Spanien beendete, war die Kunst von Dominika Theotokopuli, Spitznamen aufgrund seines griechischen Ursprungs El Greco(1541-1614). Die Arbeit dieses Künstlers verband gleichermaßen die Traditionen der drei großen künstlerischen Kulturen - byzantinisch, italienisch und spanisch. Aber vielleicht konnte sich nur in Spanien während des Zusammenbruchs des Weltreichs und des Triumphs der feudalen und katholischen Reaktion eine so äußerst mystisch-erhabene Kunst entwickeln, die dem italienischen Manierismus entspricht.

In Spanien fand El Greco den fruchtbarsten Boden für das Gedeihen seiner brillanten Kunst.

In der Hoffnung, einen königlichen Auftrag zu erhalten, malte El Greco für Philip II eine kleine Leinwand, „Philip's Dream“, auf der Bilder von Himmel, Erde und Hölle im Raum kombiniert wurden. Dass das Bild den gewünschten Eindruck machte, bewies der königliche Auftrag für ein großes Altarbild für die Kathedrale St. Laurentius. Aber das Gemälde, das nicht wie stereotype Beispiele des Romanismus aussah, wurde nicht in der Kathedrale aufgehängt, El Greco zog nach Toledo, mit dem er bis zu seinem Tod verbunden blieb. Toledo, einst das "Herz Spaniens", berühmt für seine feierlichen religiösen Prozessionen, Theateraufführungen und Illuminationen, war vor allem das Zentrum des intellektuellen Lebens. Tirso de Molina, Lope de Vega – die größten Dramatiker des „goldenen Zeitalters“ des spanischen Theaters – schufen hier ihre unsterblichen Werke.

Während seines Lebens in Toledo malte El Greco eine große Anzahl von Gemälden: „Heiliger Martin und der Bettler“, „Kreuzigung“, „Herabkunft des Heiligen Geistes auf die Apostel“, „Dreifaltigkeit“, „Taufe“, „Espolio“ ( „Kleider abreißen“), „Die Hinrichtung des Hl. Mauritius“. Viele von ihnen können als großartig bezeichnet werden, aber das Gemälde "Das Begräbnis des Grafen Orgaz" ist der Zenit des Könnens und Ruhmes des Meisters.

Die Handlung basiert auf einer mittelalterlichen Legende über den kastilischen Adligen, den Helden der Reconquista, Graf Orgas, der der Kirche, in der er begraben werden wollte, große Schätze schenkte. Während der Beerdigung geschah ein Wunder: St. Augustinus und St. Stefan begrub den Leichnam des frommen Grafen eigenhändig.

Die traurige Szene der Bestattungszeremonie ist dem unteren Teil des Bildes zugeordnet, und das Wunder, das auf Erden geschieht, steht im Einklang mit dem Wunder, das im Himmel geschieht: Christus empfängt an der Spitze einer Schar von Heiligen die Seele von der Verstorbene. Aber die Teilnehmer der Beerdigung, unter denen der Künstler hervorragende Porträts seiner Zeitgenossen malte, sehen die mystische Apotheose am Himmel nicht, obwohl die Wolken und flatternden Kleider eines Engels, der die Seele des Verstorbenen trägt, fast ihre Köpfe berühren. Was in der himmlischen Sphäre geschieht, erschließt sich nur dem Blick eines Priesters, der eine Art Bindeglied zwischen den beiden Ebenen der Komposition ist.

Der surreale Anfang überwiegt in El Grecos Malerei. Die Umgebung, in die der Künstler jede Szene setzt, ist eine fantastische andere Welt.

Die Grenzen zwischen Erde und Himmel verschieben sich, Pläne verschieben sich, der Himmel wird als Wohnort einer Gottheit wahrgenommen, an den sich alle Gedanken der Erdbewohner richten.

Er schuf auch sein eigenes einzigartiges Bild eines Mannes voller spiritueller Aristokratie und mystischer Erleuchtung, aber natürlich ohne heroischen Anfang. Die erhabenen Bilder von El Greco sind wie ätherische Schatten. Sie haben überstreckte Figuren, verzerrte Formen, krampfhafte Gesten, längliche blasse Gesichter mit großen Augen.

Aber das Wichtigste in seinem figurativen System ist die Farbe. Traditionen der Ikonenmalerei, die er in seiner Jugend gelernt hat und die er als gebürtiger P. Kreta, studierte bei byzantinischen Meistern, und sein langer Aufenthalt in Venedig bestimmten die koloristischen Leistungen des Künstlers. El Greco erreichte eine außergewöhnliche Leuchtkraft der Farben, als würde er eine innere Flamme ausstrahlen. Die Fülle unerwarteter Reflexionen – Gelb auf Rot, Gelb auf Grün, leuchtendes Rosa auf Dunkelrot, Grün auf Rot, die Verwendung von strahlendem Weiß und tiefem Schwarz – all das verleiht seinen Bildern eine ungeheure emotionale Intensität.

El Greco hatte keine Anhänger, sein Werk diente als eine Art Wasserscheide zwischen zwei großen künstlerischen Epochen, als die neue Kunst des 17. Jahrhunderts die zurückweichenden Traditionen der Renaissance ablöste.

Ein lebendiges Spiegelbild der Renaissance-Tendenzen in der Kultur Spaniens war die klassische Romanze. Sie entstand und entwickelte sich aus dem lyrisch-epischen Gedicht und wurde zur am weitesten verbreiteten literarischen Gattung, weil ihr Rhythmus dem Wohlklang der spanischen Sprache am ehesten entsprach.

Als Genre entstand die Romantik während der Reconquista und spiegelte die Episoden wider, in denen die Spanier ihr Land von den Mauren zurückeroberten. In der Renaissance erreichte die Popularität von Romanzen aufgrund des gestiegenen Interesses am Volksanfang ihren Höhepunkt. Sie drangen bis an den Hof von Königin Isabella vor, und es gab keinen Winkel auf der iberischen Halbinsel, wo nicht Romanzen mit musikalischer Begleitung gesungen wurden. Dieses reichste und eigentümlichste literarische Erbe ist in drei Hauptgruppen unterteilt.

Sogenannt annalistisch(Notizen) Romanzen entstanden unmittelbar nach realen Ereignissen und waren eine Art literarische Chronik. Einer der hellsten Zyklen dieser Art waren die Romanzen über König Rodrigo, in denen die Eroberung Spaniens durch die Mauren stattfand.

Neben Romanzen mit historischem Inhalt ist eine ganze Gruppe von Roman-wilde Romanzen, die sich durch extreme Prägnanz und Einfachheit auszeichnen.

Manchmal endete eine Romanze mit einer Erbauung, wie zum Beispiel eine Romanze über einen jungen Mann, der die Asche beleidigte. Diese Romanze diente als Quelle für das weltberühmte Stück von Tirso de Molina „Der schelmische Mann von Sevilla“, von dem aus eine endlose Bildergalerie von Don Juan in der Weltliteratur begann:

Zur Frühmesse des Caballeros „Ich nehme dich mit in meinen Urlaub

Ich war einmal in Gottes Tempel, ich lade dich abends ein.

Nicht um der Messe zu lauschen, - "Lache nicht, Caballero,

Um sanfte Damen zu sehen, werde ich heute auf einem Fest sein.

Damen, die schöner sind im Haus eines verlegenen Caballeros

Und frischer als Blumen. Zur gleichen Zeit zurückgegeben.

Aber der augenlose gelbe Schädel Lange ging er düster.

Habe mich auf den Weg gemacht. Endlich ist der Tag vorbei.

Er trat diesen Schädel mit seinem Fuß, und als es Abend wurde,

Hat ihn mit dem Fuß getreten. Er schickte Diener, um den Tisch zu decken

Vor Lachen die Zähne entblößt, ich hatte keine Zeit, Wein zu trinken -

Er drehte den Schädel, als wäre er lebendig. Es klopfte laut an der Tür.

Hier sendet er eine Seite,

Um das Schloss zu öffnen.

„Du fragst, dein Meister

Erinnert er sich an unsere Vereinbarung?

"Ja, mein Page, sag mir, woran ich mich erinnere,

Lass ihn reinkommen, so sei es."

Der Schädel saß auf einem goldenen Stuhl,

Aber er will weder essen noch trinken.

"Dein Abendessen nicht zu essen,

Ich kam um ein Uhr nachts

Und dann, also genau um Mitternacht

Du bist mit mir in die Kirche gegangen."

Es ist kurz nach Mitternacht,

Im Hof singt der Hahn

Und sie gehen in den Tempel

Es ist erst Mitternacht.

Da ist ein offenes Grab

Sieht einen Ritter in der Mitte

"Hab keine Angst, Caballero,

Du steigst dort ein, steig ein. Du wirst neben mir schlafen Und mein Essen essen“, „Gott hat mir keine Erlaubnis gegeben, ich werde das Grab nicht betreten“, „Wenn der Name Gottes nicht wäre, Was dich vor dem Bösen bewahrt, Wenn das Amulett um dich herum wäre Hals hat deine Seele nicht gerettet, Du würdest lebend ins Grab gehen Für schlechte Taten. Also geh unwürdig, Kehre wieder in dein Haus zurück. Wenn du auf einen Schädel triffst, verbeuge dich tief, verbeuge dich tief. Wenn du "pater noster" gelesen hast, begrabst du es in der Erde, wenn du nach dem Tod dasselbe mit dir machen willst.

Die dritte Gruppe bestand aus Romanzen literarisch, lyrisch,die die größten spanischen Schriftsteller zu komponieren begannenLope de Vega, Luis de Gongora, Francisco Quevedo.

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Einführung

1.1 Spanien im 15.-16. Jahrhundert

1.2 Die Renaissance in Spanien im XV-XVI Jahrhundert

1.3 Die Renaissance in Spanien im XVI-XVII Jahrhundert

Kapitel 2

2.2 Denkmäler der spanischen Literatur

Fazit

Gebrauchte Bücher

Einführung

Wiederbelebung der spanischen Literatur

Renaissance (fr. Renaissance - Wiedergeburt) - einer von größten Epochen, ein Wendepunkt in der Entwicklung zwischen Mittelalter und Neuzeit. Die Renaissance umfasst die XIV-XVI Jahrhunderte. in Italien, XV-XVI Jahrhundert. in anderen europäischen Ländern (Spanien etc.). Das ästhetische Ideal der Renaissance wurde auf der Grundlage einer neuen fortschrittlichen Weltanschauung - des Humanismus - geformt. Die reale Welt und der Mensch wurden zum höchsten Wert erklärt: Der Mensch ist das Maß aller Dinge.

Humanistisches Pathos der Zeit der beste Weg in der Kunst verkörpert, die wie in früheren Jahrhunderten darauf abzielte, ein Bild des Universums zu geben.

Die Bildung der bürgerlichen Ideologie in der Renaissance ist gekennzeichnet durch eine Orientierung an einer materialistischen Interpretation der Naturgesetze (das Prinzip der „natürlichen Konformität“), Anthropozentrismus (der Mensch gilt als Krone der Natur), Rationalismus (der Mensch erkennt die Welt um sich und sich selbst dank der Vernunft, die ihn von allen anderen irdischen Geschöpfen unterscheidet und Gott näher bringt, dessen Ebenbild der Mensch auf Erden ist).

Das Aufkommen der bürgerlichen Ideologie führt zur allmählichen Zerstörung des mittelalterlichen Welt- und Menschenbildes, das nicht nur zwischen den Menschen, sondern auch zwischen dem Menschen und allem, was existiert, eine direkte hierarchische Verbindung herstellte (das Konzept der Beziehungen „vom Stein zu Gott“). ).

Gleichzeitig ist die Renaissance eine Zeit der grassierenden Inquisition, der Spaltung der katholischen Kirche, brutaler Kriege und Volksaufstände, die vor dem Hintergrund der Herausbildung des bürgerlichen Individualismus stattfanden. Dies ist keineswegs eine Zeit des ungetrübten Triumphs der Menschheit über die scholastische Trägheit, wie man sich manchmal in einer Zeit vorstellt, deren Führer den stolzen Namen Humanisten erhielten.

Der Utopismus der Humanisten in Glaubensfragen machte ihre Ideen sowohl für die katholische Kirche, die sich beeilte, die meisten Meisterwerke des Humanismus in den Index der verbotenen Bücher aufzunehmen, als auch für die Protestanten angreifbar.

So wurde einmal mehr die zutiefst widersprüchliche Natur der humanistischen Kultur entlarvt, sowohl in ihrer Beziehung zur jüngsten kulturellen Vergangenheit als auch in ihrer Beziehung zu ihren engsten geistigen Erben. Sowohl Humanisten als auch Reformer bereiteten Europa auf ihre Weise auf eine neue kulturelle Wende vor, und sie fanden auch Worte, die noch heute die Ära bezeichnen, die im 17. Jahrhundert begann – die Ära des New Age. Beide sahen voraus und versuchten auf ihre Weise, die Idee der Einheit der menschlichen Kultur in ihrer Geschichte umzusetzen.

Alle Veränderungen waren notwendige und ausreichende Bedingungen für Europa, um in das Neue Zeitalter einzutreten – eine Zeit schrecklicher Ereignisse, neuer sozialer Stürme und Katastrophen, der ersten bürgerlichen Revolutionen, Kolonialkriege und der Erschließung neuer Länder.

Die Renaissance war von großer positiver Bedeutung in der Geschichte der Weltkultur. Die Kunst der Renaissance verkörperte das Ideal einer harmonischen und freien menschlichen Existenz, die ihre Kultur nährte.

Auf der Grundlage des Vorstehenden wird das Thema unserer Studie wie folgt gebildet: „Die Renaissance in Spanien“.

Zweck der Studie: Betrachtung der Merkmale und Inhalte der Renaissance in Spanien.

Basierend auf dem Ziel werden folgende Aufgaben unterschieden:

1. Enthüllen Sie die Merkmale und Inhalte der Renaissance in Spanien.

2. Betrachten Sie die Denkmäler der Renaissance in Spanien.

Kapitel 1. Die Entstehung und Entwicklung der Renaissance in Spanien

1.1 Spanien im 15. und 16. Jahrhundert

Am Ende des XV Jahrhunderts. alles schien die glänzendste Zukunft des Landes vorwegzunehmen. Die sich über Jahrhunderte hinziehende Rückeroberung endete erfolgreich. 1492 fiel Granada – die letzte Hochburg der maurischen Herrschaft auf der Iberischen Halbinsel. Die Vereinigung von Kastilien und Aragon unter der Herrschaft von Isabella und Ferdinand von den Katholiken trug in nicht geringem Maße zu diesem Sieg bei. Spanien ist endlich ein einziges nationales Königreich geworden. Die Stadtbewohner fühlten sich zuversichtlich. Auf ihre Unterstützung bauend, besiegte Königin Isabella den Widerstand der kastilischen Feudalherren. Der mächtige Aufstand der katalanischen Bauern 1462-1472. führte dazu, dass zuerst in Katalonien (1486) und bald darauf auf dem Gebiet von ganz Aragon die Leibeigenschaft per Dekret des Königs abgeschafft wurde. In Kastilien gab es sie lange nicht. Die Regierung förderte Handel und Industrie. Die Expeditionen von Columbus und Amerigo Vespucci sollten den wirtschaftlichen Interessen Spaniens dienen.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts. Spanien war bereits einer der mächtigsten und größten Staaten in Europa. Unter ihrer Herrschaft befanden sich neben Deutschland die Niederlande, ein Teil Italiens und andere europäische Länder. Die spanischen Konquistadoren beschlagnahmten eine Reihe reicher Besitztümer in Amerika. Spanien wird zu einer riesigen Kolonialmacht.

Aber die spanische Macht hatte ein sehr wackeliges Fundament. Karl V. führte eine aggressive Außenpolitik und war ein starker Befürworter des Absolutismus in der Innenpolitik. Als 1520 die kastilischen Städte revoltierten, unterdrückte der König mit Hilfe der Aristokratie und der deutschen Landsknechte dies streng. Gleichzeitig wurde im Land keine wirkliche politische Zentralisierung durchgeführt. Traditionelle mittelalterliche Bräuche und Gesetze machten sich noch überall bemerkbar. Spanien schien ein gewaltiger und unzerstörbarer Koloss zu sein, aber es war ein Koloss mit tönernen Füßen. Der spanische Absolutismus, der seine Politik im Interesse der feudalen Magnaten verfolgte, war nicht in der Lage, Bedingungen zu schaffen, die eine erfolgreiche wirtschaftliche Entwicklung des Landes begünstigten. Es stimmt, die Metropole hat aus den Kolonien sagenhaften Reichtum gepumpt. Aber diese Reichtümer wurden Eigentum von nur wenigen Vertretern der herrschenden Klassen, die sich überhaupt nicht für die Entwicklung von Handel und Industrie interessierten. Die Blüte der spanischen Städte erwies sich als relativ kurzlebig. Die Lage der Bauernschaft war unerträglich schwierig.

Unter Philipp II. (1556-1598) wurde die Lage Spaniens geradezu katastrophal. Unter ihm wurde Spanien zur wichtigsten Hochburg der europäischen feudalen und katholischen Reaktion. Die vom König im Interesse des Adels geführten Kriege waren jedoch eine unerträgliche Last auf den Schultern des Landes. Und sie waren nicht immer erfolgreich. Philipp II. gelang es nicht, die niederländischen Rebellen gegen die spanische Unterdrückung zu besiegen. Spanien erlitt im Krieg gegen England eine schwere Niederlage. 1588 entging die „Invincible Armada“ nur knapp der totalen Zerstörung. Der reaktionären spanischen Monarchie gelang es immer noch, gelegentliche Siege zu erringen, aber sie war nicht in der Lage, alles Neue auszurotten, das in verschiedenen Teilen Europas zum Leben erwachte.

Die Abtrennung der Nördlichen Niederlande im Jahre 1581 bezeugte dies besonders deutlich. Die Innenpolitik des spanischen Absolutismus war ebenso reaktionär wie fruchtlos. Durch ihr Vorgehen verschlimmerte die Regierung die ohnehin schon schwierige wirtschaftliche Lage des Landes nur noch. Armut breitete sich wie eine unheilbare Krankheit im ganzen Land aus. Besonders hässlich und bedrohlich wirkten vor dem Hintergrund der Volksarmut der Reichtum der Kirche und eine Handvoll arroganter Granden. Die finanzielle Lage des Landes war so aussichtslos, dass Philipp II. zweimal Staatsbankrott anmelden musste. Unter seinen Nachfolgern fiel Spanien immer tiefer, bis es schließlich zu einem der rückständigsten Staaten Europas wurde.

Die katholische Kirche spielte eine große und düstere Rolle im Leben Spaniens. Die Befreiung Spaniens von der maurischen Herrschaft wurde unter religiösen Parolen durchgeführt, was die Autorität der Kirche in den Augen breiter Kreise erhöhte und ihren Einfluss stärkte. Ohne die irdischen Segnungen zu vernachlässigen, wurde sie immer reicher und stärker. Natürlich wurde die Kirche zu einem treuen Verbündeten des spanischen Absolutismus. In seinen Dienst stellte sie die "heilige" Inquisition, die 1477 in Spanien erschien, um die Moriscos zu überwachen. Die Inquisition war allgegenwärtig und gnadenlos und versuchte, jede Manifestation freien Denkens zu unterdrücken und auszurotten. Im 16. Jahrhundert. In keinem anderen Land Europas brannten die Feuer der Inquisition so oft.

1.2 Die Renaissance in Spanien im XV-XVI Jahrhundert.

Die ersten Triebe der spanischen Renaissance erschienen im 15. Jahrhundert. (Sonette des petrarchistischen Dichters Marquis de Santillana und anderer). Aber er musste sich unter ganz bestimmten Bedingungen entwickeln - in einem Land, in dem man auf Schritt und Tritt auf Überreste des Mittelalters treffen konnte, in dem Städte keine moderne Bedeutung erlangten und der verfallende Adel seine Privilegien nicht verlor und wo Schließlich gehörte die Kirche immer noch zu einer schrecklichen Macht über die Köpfe der Menschen.

Während der frühen Renaissance nahm das Interesse an Wissenschaft und Kultur im Land zu, was durch Universitäten, insbesondere die alte Universität von Salaman und die 1506 von Kardinal Jimenez de Cisneros in Alcala de Henares gegründete Universität, stark gefördert wurde. 1473-1474 entstand in Spanien der Buchdruck, es entwickelte sich der Journalismus, in dem Ideen im Einklang mit den Ideen der Reformation und der Erneuerung der katholischen Kirche nach dem Vorbild protestantischer Länder dominierten. Die Ideen von Erasmus von Rotterdam hatten einen bedeutenden Einfluss auf die Bildung neuer Ideen. Einer der ersten spanischen "Freidenker" - Alfonso de Valdes (ca. 1490-1532), der die Kirche kritisierte. Sein Bruder Juan de Valdes (1500-1541) stand an der Spitze eines Kreises von Aristokraten, die sich mit religiösen Problemen befassten. Er skizzierte seine Ideen in dem Essay 110 göttliche Gerichte (veröffentlicht 1550). Zusammen mit Antonio de Nebrija (1441 - 1522), der im Auftrag von Isabella von Kastilien die Grammatik der kastilischen Sprache schrieb, wurde Juan de Valdes einer der ersten Erforscher der spanischen Sprache. Auch ihre Gegner sind bekannt, zum Beispiel Antonio de Guevara (1441-1522), ein glühender Anhänger des Katholizismus, ein hervorragender Redner und Geschichtsschreiber am Hof Karls I. (1441-1522), der später Inquisitor wurde.

Der Beginn der spanischen Literatur in Kastilisch wurde durch das große Denkmal des Spanischen gelegt heroisches Epos Song of my Side (ca. 1140) über die Heldentaten des Helden der Reconquista, Rodrigo Diaz de Bivar, Spitzname Cid. Auf der Grundlage dieses und anderer Heldengedichte entstand in der Frührenaissance die Spanische Romanze, die berühmteste Gattung der spanischen Volksdichtung. Die Reformatoren der spanischen Literatur sind Juan Boscan Almogaver (Ende des 15. Jahrhunderts - 1542) und Garcilaso de la Vega (1501-1536), die der italienischen Renaissance entlehnte Motive und Formen in die literarische Verwendung einführten. Zu ihnen gesellte sich Hernando de Acuña (1520-1580), bekannt für sein Sonett an Unseren Herrn den König, Meister der Hofdichtung und des Liebesmadrigals Gutierre de Setina (1520-1557), Portugiesisch Sa de Miranda (1485-1558), Diego Hurtado de Mendoza (1503-1575), Autor der Chronik Der Krieg in Granada (veröffentlicht 1627). Cristobal de Castillejo (1409-1450) äußerte seine Ablehnung der neuen Poetik in der Satire „Gegen diejenigen, die die kastilischen Maße aufgegeben und sich an die italienischen Maße gehalten haben“.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts erklären die Blütezeit des Ritterromans. Als Vorbild dienten den Autoren die Ritterromane Englands und Frankreichs, die sich mehrere Jahrhunderte früher entwickelt hatten. Romane dieses Genres wurden bereits im 15. Jahrhundert ins Spanische übersetzt. Der erste und berühmteste spanische Ritterroman, Amadis von Gali, wurde 1508 veröffentlicht.

In der Mitte des 16. Jahrhunderts Eines der Hauptgenres der spanischen Literatur der Renaissance entsteht - ein Schelmenroman (ein Roman über die Abenteuer von Schurken und Schurken), dessen Erscheinen mit dem Zusammenbruch alter patriarchalischer Bindungen, dem Zerfall von Klassenbeziehungen verbunden ist, die Entwicklung des Handels und die damit einhergehenden Schikanen und Täuschungen. Der Autor eines der auffälligsten Werke dieses Genres - der Tragikomödie von Calisto und Melibea (1499) - Fernando de Rojas (ca. 1465-1541). Die Tragikomödie ist besser bekannt unter dem Namen Celestina, nach dem Namen der klügsten Figur – Celestinas Heiratsvermittlerin, die der Autor sowohl verurteilt als auch ihrer Intelligenz und ihrem Einfallsreichtum Tribut zollt. In dem Roman wird die Verherrlichung der Liebe mit einer Satire auf die spanische Gesellschaft kombiniert, und die charakteristischen Merkmale des Genres treten deutlich hervor - die autobiografische Form der Erzählung, der Dienst des Helden an verschiedenen Meistern, der es ihm ermöglicht, die Mängel unterschiedlicher Menschen zu bemerken Klassen und Berufe. In der gleichen Zeit entstand das spanische Nationaldrama, das auf kirchlichen Traditionen und gleichzeitig dem Genre der Volksaufführungen sowie auf den Erfahrungen des italienischen Renaissancedramas basierte.

Der Schöpfer des spanischen humanistischen Dramas war Juan del Encina (1469-1529), der „der Patriarch des spanischen Theaters“ genannt wird. Seine Stücke aus dem Leben der Hirten, religiöser und weltlicher, nannte er Eklogen. Bartolome Torres Navarro (1531), der Autor der ersten Abhandlung über das Drama auf Spanisch, Gil (Gil) Vicente (1465-1536), ein gebürtiger Portugiese, der auf Portugiesisch und Spanisch schrieb, und Juan de la Cueva (1543 - 1610) , der Geschichten aus Chroniken und Romanzen zeichnete. Der interessanteste Teil des literarischen Erbes von Lope de Rueda (1510-1565) sind seine Passos – kleine Theaterstücke, die auf amüsanten Begebenheiten aus dem Leben der unteren Klassen basieren.

Spanische Poesie und Dramaturgie des 16. Jahrhunderts. religiöse Themen wurden weit entwickelt. Viele Werke der damaligen spanischen Literatur waren in mystischen Tönen gemalt. All dies bedeutete jedoch keineswegs, dass die spanische Kultur der Renaissance die gehorsame Dienerin der Theologie war. Und in Spanien trafen sich Wissenschaftler und Denker, die es wagten, sich der Scholastik entgegenzustellen, die Rechte des menschlichen Geistes zu verteidigen und sich für ein tiefes Studium der Natur einzusetzen. Sie waren überwiegend Naturforscher und Ärzte, die ihrer Tätigkeit nach dem Menschen und seinen irdischen Bedürfnissen nahe standen. Aber natürlich war das katholische Spanien ein Land, das für das Aufblühen der humanistischen Philosophie schlecht geeignet war. Andererseits erreichte die spanische Literatur, die nicht so sehr durch kirchliche Dogmen eingeschränkt war, während der Renaissance eine wirklich bemerkenswerte Blüte.

Die Verwandlung Spaniens von einem mittelalterlichen Kleinstaat, der im Kampf gegen die Mauren versunken war, in eine Weltmacht mit sehr komplexen internationalen Interessen erweiterte zwangsläufig den Lebenshorizont spanischer Schriftsteller. Neue Themen tauchten auf, insbesondere verbunden mit dem Leben im fernen Indien (Amerika). Dem Menschen, seinen Gefühlen und Leidenschaften, seinen moralischen Möglichkeiten wurde große Aufmerksamkeit geschenkt. Der heroische Impuls und der ritterliche Adel wurden hoch geschätzt, d.h. Tugenden aus der Zeit der Reconquista. Andererseits erregte die auf Egoismus und Egoismus basierende Welt der bürgerlichen Geldgier nicht viel Sympathie. In diesem Zusammenhang ist anzumerken, dass in der spanischen Literatur der Renaissance das eigentliche bürgerliche Element viel weniger zum Ausdruck kommt als in der Literatur einiger anderer europäischer Länder mit einer intensiveren bürgerlichen Entwicklung.

1.3. Die Renaissance in Spanien im XVI-XVII Jahrhundert.

Eine neue Etappe in der Entwicklung der spanischen Renaissance, die sogenannte Hochrenaissance, geht auf die zweite Hälfte des 16. - frühen 17. Jahrhunderts zurück. Gemäß den strengen Grundsätzen der Gegenreformation (ab 1545) verfolgte Philipp II. (1527-1598) fortschrittliche Denker, förderte gleichzeitig die kulturelle Entwicklung, gründete eine Bibliothek in Escorial und unterstützte viele Universitäten. Kreative und denkende Menschen, denen die Möglichkeit genommen wurde, sich in Philosophie und Journalismus auszudrücken, wandten sich der Kunst zu, wodurch sie in der zweiten Hälfte des 16. und 17. Jahrhunderts überlebte. eine beispiellose Blüte, und diese Ära wurde das "goldene Zeitalter" genannt. Die säkularen Ideen des Humanismus einiger Dichter und Schriftsteller waren mit religiösen Motiven verflochten.

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts bis in die 30er Jahre des 17. Jahrhunderts. Poesie herrscht vor - lyrisch und episch. Darüber hinaus waren Hirtenromane beliebt, und realistische Romane und Dramen wurden geboren. In der spanischen Lyrik gab es zwei gegensätzliche Dichterschulen – Sevilla und Salamanca. Fernando de Herrera (1534-1597) und andere Dichter der Sevillaner Schule bevorzugten Liebeslyrik, erdig und sinnlich, in der oft zivile Motive erklangen und klangen.

Die Bewunderung für die antike Poesie, die als hohes Niveau galt, weckte den Wunsch, Werke im Geiste der epischen Gedichte von Homer und Virgil zu schaffen. Der erfolgreichste Versuch wurde von Alonso de Ercilla i Zúñiga (1533-1594) unternommen, der Araucan schrieb.

Zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts geprägt von der Blütezeit des Hirtenromans. Der Vorfahr des Genres in Spanien war der Portugiese Jorge de Montemayor (ca. 1520-1561), der The Seven Books of Diana (1559) schrieb, gefolgt von vielen Fortsetzungen, zum Beispiel Diana in Love (1564) von Gaspar Gil Polo (1585) sowie Galatea (1585) von Cervantes und Arcadius (1598) von Lope de Vega.

Gleichzeitig erschienen "maurische" Romane, die dem Leben der Mauren gewidmet waren: die anonyme Geschichte von Abenserrach und die schöne Kharifa und Bürgerkriege in Granada (Teil I - 1595, Teil II - 1604) von Gines Perez de Ita. Dank der Arbeit von Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), der sich in verschiedenen literarischen Genres bewährte, erlangte die spanische Literatur weltweite Berühmtheit. Seine unsterblicher Aufsatz- Der als Parodie auf die damaligen Ritterromane konzipierte Roman Der schlaue Hidalgo Don Quixote von La Mancha ist zu einem der markantesten Monumente der Weltliteratur geworden.

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts. Spanien behauptete seine Position als Weltmarktführer, aber die wirtschaftliche Situation verschlechterte sich stark, trotz des enormen Goldzuflusses aus dem kolonialen Amerika. In der Endphase der Renaissance, die oft als Sonderepoche des Barock bezeichnet wird, herrscht die Tendenz vor, das Geschehen auf dem Lande als Folge der bösen Neigung des Menschen zu interpretieren, eine Vorstellung, die mit der christlichen Sündhaftigkeitslehre übereinstimmt. Der Ausweg wurde in einem Appell an den Verstand gesehen, dem Menschen zu helfen, den Weg zu Gott zu finden, was sich auch in der Literatur widerspiegelte, die dem Kontrast zwischen der menschlichen Natur und seinem Verstand, zwischen Schönheit und Hässlichkeit und dem Schönen besondere Aufmerksamkeit widmet wurde als etwas Vergängliches und praktisch Unzugängliches wahrgenommen.

Zwei Stilrichtungen dominierten die Poesie – „Gongorismus“, benannt nach dem größten Dichter dieser Zeit, Luis de Gongora y Argote (1561-1627), und „Konzeptismus“, vom Wort „concepto“, was „Gedanke“ bedeutet. "Gongorismus" wurde auch "Kulteranismus" genannt, vom Wort culto ("kultiviert"), da dieser Stil für ein ausgewähltes, gebildetes Publikum bestimmt war. Gongora war ein weltlicher Dichter und das Volksmotiv in seinem Werk, die Anziehungskraft auf die Genres der Volkspoesie (Romanzen und Letrilla) werden mit exquisiten künstlerischen Techniken kombiniert. "Conceptism", dessen Gründer A. de Ledesma ist, der die Gedichtsammlung Spirituelle Gedanken (1600) veröffentlichte, widersetzte sich dem "Gongorismus". Gleichzeitig wurde im "Konzeptismus" wie im "Gongorismus" viel Wert auf Form, die Schaffung komplexer Konzepte, Wortspiele und Witz gelegt.

Quevedo, einer der Vertreter des "Konzeptismus", versuchte sich in verschiedenen Genres, aber dieser Stil erreichte seine größte Entwicklung in seinen satirischen Essays Dreams (1606-1622). Ein herausragender Philosoph, Moralist und Schriftsteller war Baltasar Gracian y Morales (1601-1658), ein Mitglied des Jesuitenordens, der unter Pseudonymen sprach. In Wit, or the Art of the Sophisticated Mind (1648) formuliert er die Prinzipien des Konzeptismus.

Also: Die einzelnen Phasen der Renaissance in Spanien fielen nicht mit den entsprechenden Phasen der Renaissance in anderen Ländern zusammen.

Das 15. Jahrhundert repräsentiert in der spanischen Kunst die Zeit der Geburt einer neuen künstlerischen Weltanschauung.

In den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts tauchten Stilphänomene auf, die mit der Hochrenaissance verbunden waren, aber die Traditionen der Frührenaissance überwogen noch.

Die Zeit der höchsten Errungenschaften der spanischen Kultur ist die zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts. Es reicht aus, den Namen des großen Cervantes zu nennen, um sich vorzustellen, welche tiefgreifenden und vielschichtigen Probleme der Realität in der Literatur dieser Zeit verkörpert waren. Bedeutende künstlerische Leistungen prägen Architektur und Malerei.

Der Bau eines so majestätischen Ensembles wie Escorial geht auf das zweite Viertel des 16. Jahrhunderts zurück; Zu dieser Zeit arbeitete der griechische Künstler Domenico Theotokopuli, bekannt als El Greco, in Spanien. Aber im Gegensatz zu den italienischen (insbesondere venezianischen) Meistern der Spätrenaissance, in deren Werk die Verbindung und Kontinuität mit dem künstlerischen Ideenkreis der vorangegangenen Stufen der Renaissance deutlich zum Ausdruck kam, sind die Merkmale der tragischen Krise der Spätrenaissance Die Renaissance wurde in der spanischen Malerei stärker verkörpert.

Kapitel 2. Literatur Spaniens in der Renaissance

2.1 Renaissanceliteratur

Konventionell lässt sich die Renaissance in Spanien in drei Perioden einteilen: die frühe Renaissance (bis Mitte des 16. Jahrhunderts), die Hochrenaissance (bis in die 30er Jahre des 17 das 17. Jahrhundert).

Einer der ersten spanischen "Freidenker" - Alfonso de Vades (ca. 1490-1532), der die Kirche kritisierte. Sein Bruder Juan de Valdes (1500-1541) stand an der Spitze eines Kreises von Aristokraten, die sich mit religiösen Problemen befassten. Er skizzierte seine Ideen in dem Essay 110 göttliche Gerichte (veröffentlicht 1550). Zusammen mit Antonio de Nebrija (1441-1522), der im Auftrag von Isabella von Kastilien die Grammatik der kastilischen Sprache verfasste, wurde Juan de Valdes einer der ersten Erforscher der spanischen Sprache (Dialogue on Language, 1535-1536). Auch ihre Gegner sind bekannt, zum Beispiel Antonio de Guevara (1441-1522), ein glühender Anhänger des Katholizismus, ein hervorragender Redner und Geschichtsschreiber am Hof Karls I. (1441-1522), der später Inquisitor wurde.

Die Reformatoren der spanischen Literatur sind Juan Boscan Almogaver (Ende des 15. Jahrhunderts - 1542) und Garcilaso de la Vega (1501-1536), die der italienischen Renaissance entlehnte Motive und Formen in die literarische Verwendung einführten. Zu ihnen gesellte sich Hernando de Acuña (1520?-1580?), bekannt für sein Sonett an Unseren Herrn den König, Meister der Hofdichtung und des Liebesmadrigals Gutierre de Setina (1520-1557), Portugiesisch Sa de Miranda (1485-1558) , Diego Hurtado de Mendoza (1503-1575), Autor der Chronik Der Krieg in Granada (veröffentlicht 1627). Cristobal de Castillejo (1409-1450) drückte seine Missbilligung der neuen Poetik in einer Satire gegen diejenigen aus, die die kastilischen Maße aufgegeben und den italienischen gefolgt sind.

In der Mitte des 16. Jahrhunderts Eines der Hauptgenres der spanischen Renaissanceliteratur entsteht - ein Schelmenroman (ein Roman über die Abenteuer von Schurken und Schurken), dessen Erscheinen mit dem Zusammenbruch alter patriarchalischer Bindungen, dem Zerfall von Klassenbeziehungen, der Entwicklung verbunden ist des Handels und die damit einhergehende Schurkerei und Täuschung. Der Autor eines der auffälligsten Werke dieses Genres - der Tragikomödie von Calisto und Melibea (1499) - Fernando de Rojas (ca. 1465-1541). Die Tragikomödie ist besser bekannt unter dem Namen Celestina, nach dem Namen der klügsten Figur – Celestinas Heiratsvermittlerin, die der Autor sowohl verurteilt als auch ihrer Intelligenz und ihrem Einfallsreichtum Tribut zollt. In dem Roman wird die Verherrlichung der Liebe mit einer Satire auf die spanische Gesellschaft kombiniert und die charakteristischen Merkmale des Genres treten deutlich hervor - eine autobiografische Form der Erzählung, der Dienst des Helden an verschiedenen Meistern, der es ihm ermöglicht, die Mängel von Menschen verschiedener Klassen zu bemerken und Berufe.

In der gleichen Zeit entstand das spanische Nationaldrama, das auf kirchlichen Traditionen und gleichzeitig dem Genre der Volksaufführungen sowie auf den Erfahrungen des italienischen Renaissancedramas basierte. Der Schöpfer des spanischen humanistischen Dramas war Juan del Encina (1469?-1529), der „der Patriarch des spanischen Theaters“ genannt wird. Seine Stücke aus dem Leben der Hirten, religiöser und weltlicher, nannte er Eklogen. Bartolome Torres Naaro (1531), der Autor der ersten Abhandlung über das Drama auf Spanisch, Gil (Gil) Vicente (1465-1536?), ein gebürtiger Portugiese, der auf Portugiesisch und Spanisch schrieb, und Juan de la Cueva (1543 - 1610 ), der Geschichten aus Chroniken und Romanzen zeichnete. Der interessanteste Teil des literarischen Erbes von Lope de Rueda (1510-1565) sind seine Posos - kleine Theaterstücke, die auf amüsanten Begebenheiten aus dem Leben der unteren Klassen basieren.

In der spanischen Lyrik gab es zwei gegensätzliche Dichterschulen – Sevilla und Salamanca. Fernando de Herrera (1534-1597) und andere Dichter der Sevillaner Schule bevorzugten Liebeslyrik, erdig und sinnlich, in der oft zivile Motive erklangen und klangen.

An der Spitze der Salamanca-Schule stand der Augustinermönch und Theologieprofessor Luis de Leon (1527-1591), der Begründer der Poesie der „Mystiker“. Im Gegensatz zur katholischen Kirche befürworteten die Mystiker eine individuelle Art, Gott zu erkennen und mit ihm zu verschmelzen. Die prominentesten Vertreter dieser Richtung sind Teresa de Cepeda y Aumada (1515-1582), bekannt als die heilige Teresa de Jesus, und Juan de la Cruz (1542-1591), der dem Karmeliterorden angehörte. Auch der Dominikaner Luis de Granada (1504-1588), der in Latein, Portugiesisch und Spanisch schrieb, schloss sich den „Mystikern“ an.

Zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts geprägt von der Blütezeit des Hirtenromans. Der Vorfahr des Genres in Spanien war der Portugiese Jorge de Montemayor (ca. 1520-1561), der die Sieben Bücher der Diana (1559) schrieb, gefolgt von vielen Fortsetzungen, zum Beispiel Diana in Love (1564) von Gaspar Gil Polo (1585), sowie Galatea (1585) Cervantes und Arcadius (1598) Lope de Vega.

Zur gleichen Zeit erschienen "maurische" Romane, die dem Leben der Mauren gewidmet waren: die anonyme Geschichte von Abenserrach und der schönen Kharifa und die Bürgerkriege in Granada (Teil I - 1595, Teil II - 1604) von Gines Perez de Ita ( ca. 15 - ca. 1619).

Die Züge des Schelmenromans kamen am deutlichsten in dem Roman eines unbekannten Autors, Das Leben des Lazarillo von Tormes, sein Glück und sein Unglück, zum Ausdruck, der große Popularität erlangte. 1559 wurde es von der Inquisition wegen seines antiklerikalen Inhalts auf die Liste der verbotenen Bücher gesetzt. Der erste Band der Biographie von Guzmán de Alfarache, dem Wachturm des menschlichen Lebens von Mateo Aleman (1547-1614?) wurde 1599 veröffentlicht, der zweite - 1604. Zusammen mit einer realistischen Geschichte über Picaro-Tricks, philosophische und moralische Überlegungen in Der Geist des Katholizismus nimmt im Roman einen wichtigen Platz ein.

Peru Francisco Quevedo y Villegas (1580-1645) besitzt den Roman The Story of the Life of the Rogue Pablos, an Example of Vagabonds and a Mirror of Scammers (1626), vielleicht das beste Beispiel eines spanischen Schelmenromans, der eine lustige Kombination verbindet Geschichte über Schurken und Schurken und eine Suche nach dem Stoiker moralisches Ideal. In der spanischen Literatur der Hochrenaissance tauchten auch Nachahmungen italienischer Kurzgeschichten auf.

Dank der Arbeit von Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), der sich in verschiedenen literarischen Genres bewährte, erlangte die spanische Literatur weltweite Berühmtheit. Sein unsterbliches Werk, der als Parodie auf die damaligen Ritterromane konzipierte Roman Der schlaue Hidalgo Don Quixote von La Mancha, ist zu einem der markantesten Denkmäler der Weltliteratur geworden.

In dieser Ära ist die Entstehung des spanischen Nationaldramas abgeschlossen. Seine charakteristischen Merkmale wurden am vollständigsten in der Arbeit von Lope F. de Vega Carpio (1562-1635) verkörpert. Das Weltbild von Lope de Vega, einem Erneuerer auf dem Gebiet der Dramaturgie, verband humanistische und patriarchalische Ideen. Er skizzierte seine Ansichten über das Drama in der Abhandlung The New Art of Composing Comedies in Our Time (1609). Lope de Vega - der Schöpfer des Ehrendramas, erscheint in seinen Werken als Vorwegnahme des Klassizismus des 17. Jahrhunderts. die Vorstellung von der Unfreiheit eines Menschen, da sich herausstellt, dass Ehre für ihn wichtiger ist als Leidenschaften. Seine Komödien lassen sich bedingt in drei Gruppen einteilen - "Hofkomödien", "Mantel- und Schwertkomödien" und "Komödien der schlechten Sitten". Er beeinflusste Dramatiker wie Guillen de Castro y Belvis (1569-1631), Antonio Mira de Amescua (1574-1644), Luis Vélez de Guevara (1579-1644).

Juan Ruiz de Alarcón y Mendoza (1581-1639) - der erste herausragende Moralist des spanischen Theaters. Seine berühmte Komödie - Doubtful Truth (veröffentlicht 1621). Mit der Philosophie des Barock verbindet ihn die Idee der Relativität von Wahrheit und Lüge, die Konventionen alles Existierenden.

Der berühmte Schüler von Lope de Vega, Tirso de Molina (1584-1648), verteidigte die Prinzipien des spanischen Dramas in seinem Buch Die Villen von Toledo, dessen Komposition an Boccaccios Decamerone erinnert. Tirso de Molina ist Autor religiöser Stücke, die wie seine weltlichen Stücke die gesellschaftlichen Widersprüche der Zeit widerspiegelten. Seine philosophischen Stücke behandeln das Thema Sünde und himmlische Barmherzigkeit – Sevillas schelmischer oder steinerner Gast (1610), die erste dramatische Adaption der Legende von Don Juan und Verurteilt wegen Mangels an Glauben. In seinen weltlichen Stücken wandte er sich den von Lope de Vega entwickelten dramatischen Gattungen zu.

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts. Spanien behauptete seine Position als Weltmarktführer, aber die wirtschaftliche Situation verschlechterte sich stark, trotz des enormen Goldzuflusses aus dem kolonialen Amerika. In der Endphase der Renaissance, die oft als Sonderepoche des Barock bezeichnet wird, herrscht die Tendenz vor, das Geschehen auf dem Lande als Folge der bösen Neigung des Menschen zu interpretieren, eine Vorstellung, die mit der christlichen Sündhaftigkeitslehre übereinstimmt. Der Ausweg wurde in einem Appell an den Verstand gesehen, dem Menschen zu helfen, den Weg zu Gott zu finden, was sich auch in der Literatur widerspiegelte, die dem Kontrast zwischen der menschlichen Natur und seinem Verstand, zwischen Schönheit und Hässlichkeit und dem Schönen besondere Aufmerksamkeit widmet wurde als irgendwie vergänglich und praktisch unzugänglich empfunden.

"Conceptism", dessen Gründer A. de Ledesma ist, der die Gedichtsammlung Spirituelle Gedanken (1600) veröffentlichte, widersetzte sich dem "Gongorismus". Gleichzeitig wurde im "Konzeptismus" wie im "Gongorismus" viel Wert auf Form, die Schaffung komplexer Konzepte, Wortspiele und Witz gelegt.

Einige Dichter, wie Juan de Tassis y Peralta, Graf de Villamediana (1582-1621) und Salvador Jacinto Polo de Medina (1603-1683), versuchten, die Traditionen von Gongora und Quevedo in ihren Werken zu verbinden.

Die barocke Dramaturgie erreichte ihre Vollendung im Werk von Pedro Calderón de la Barca (1600-1680). Wie Tirso de Molina gehört er der nationalen Schauspielschule von Lope de Vega an. Das Werk dieses letzten großen Vertreters der spanischen Literatur des „goldenen Zeitalters“ spiegelt das für diese Epoche charakteristische pessimistische Menschenbild wider. Das zentrale Werk von Calderon ist das philosophische Drama Life is a dream (1635), Hauptidee was schon der Renaissance fremd ist, dass man um des irdischen Lebens willen nicht auf das ewige Leben verzichten sollte. Calderon - für die illusorische Natur unserer Vorstellungen vom Leben, da sie unverständlich ist. In dem Stück Himself in Custody (1636) gibt er eine komische Behandlung desselben Themas.

Das Barockdrama ist auch durch die Werke anderer Schriftsteller vertreten, die manchmal als "Schule von Calderon" bezeichnet werden. Unter ihnen ist Francisco de Rojas Zorrilla (1607-1648). Er verwendete in seinem Werk das Material der antiken Mythologie, Geschichte und Moderne, und in seiner Dramaturgie taucht bereits das für die Tragödien des Klassizismus charakteristische Motiv des Konflikts zwischen der Pflicht eines Menschen und seinem Gefühl auf (Catalan Cain, 1645).

2.2. Denkmäler der spanischen Literatur im XV - XVI Jahrhundert

Wir haben das Recht, die Komödie oder Tragikomödie von Calisto und Melibea, besser bekannt als Celestina, als das erste herausragende literarische Denkmal der spanischen Renaissance zu betrachten. In der Ausgabe von 1499 enthielt es 16 Akte, in den Ausgaben von 1502 wurden ihnen 5 weitere hinzugefügt, sowie ein Prolog. Es ist klar, dass "Celestina" nicht für Theateraufführungen konzipiert ist - es ist ein Drama zum Lesen oder eine dramatische Geschichte. Es gibt Grund zu der Annahme, dass der Autor dieses anonymen Buches Fernando de Poxac ist, von dem wir nur wissen, dass er Rechtsgelehrter war und früher Bürgermeister von Talavera war. Die Inquisition behandelte ihn mit Misstrauen, da Poxac Jude war, obwohl er zum Christentum konvertiert war. „Celestina“ entstand zu einer Zeit, als Spanien in die Renaissance eintrat. Wenige Jahre vor der Erstausgabe der Tragikomödie wurde das weltliche spanische Theater geboren. Neue Trends eroberten die bildende Kunst. Es gab ein wachsendes Interesse an der antiken Kultur und an der Kultur des italienischen Humanismus. Und in "Celestine" sind humanistische Tendenzen sehr deutlich zu spüren. Es erinnert an die Komödien von Plautus und Terence, die in der Renaissance sehr beliebt waren. Die Sprache der Charaktere, sogar einfacher Diener, ist durchsetzt mit alten Namen, vollgestopft mit Verweisen auf alte Philosophen und Dichter und Zitaten aus Werken. Der gelehrte Autor der Coelestin bezieht sich auch gerne auf die Abhandlungen Petrarcas. Es besteht kein Zweifel, dass die italienischen Renaissance-Romane mit ihrer scharfen Charakterisierung, scharfen Wendungen in der Handlung und der umfassenden Entwicklung des Liebesthemas einen gewissen Einfluss auf die Celestine hatten. Trotzdem kann man die Celestine nicht als Epigonenwerk bezeichnen. Sie ist auf spanischem Boden aufgewachsen und trotz fremder Namen eng mit dem spanischen Leben der Frührenaissance verbunden.

Dies ist ein talentiertes Buch über irdische Freuden und Leiden über Liebesleidenschaft, das den ganzen Menschen in Besitz nimmt und mittelalterliche Bräuche und Vorstellungen herausfordert. Die Helden der Geschichte sind ein junger armer Adliger Calisto und die schöne Melibea, ein Mädchen aus einer reichen und adligen Familie. Es genügte Calisto, Melibea zu treffen und ihre Stimme zu hören, als er seinen Seelenfrieden verlor. Melibea wurde für ihn zur Verkörperung aller irdischen Vollkommenheiten, verwandelte sich in eine Gottheit, die enthusiastischer Anbetung würdig war. Auf die Gefahr hin, der Ketzerei beschuldigt zu werden, erklärt Calisto seinem Diener: "Ich betrachte sie als eine Gottheit, da ich an eine Gottheit glaube und keinen anderen Herrscher im Himmel anerkenne, obwohl sie unter uns lebt." Dank der Intervention der alten erfahrenen Heiratsvermittlerin Celestina Calisto gelang es, die Keuschheit von Melibea zu besiegen. Bald jedoch verwandelte sich die Freude in Trauer. Tragische Ereignisse begannen mit dem Tod von Celestine und zwei von Calistos Dienern. Egoismus hat sie ruiniert. Als Dank für ihre Dienste überreichte Calisto Celestina eine goldene Kette. Die Diener von Calisto, die Celestina halfen, forderten ihren Anteil von ihr. Die gierige alte Frau wollte die Anforderungen nicht erfüllen. Dann töteten sie Celestina, wofür sie auf dem Stadtplatz hingerichtet wurden. Dies tragische Geschichte konnte nicht umhin, einen Schatten auf das Schicksal junger Liebender zu werfen. Bald nahmen die Ereignisse einen noch dunkleren Ton an. Calisto starb, als er die hohe Mauer abbrach, die den Garten von Melibea umgab. Als Melibea vom Tod ihres Geliebten erfährt, stürzt sie sich von einem hohen Turm. Die Eltern trauern bitterlich um ihre Tochter. Es ist unmöglich zu übersehen, dass die Tragikomödie von Calisto und Melibea eine gewisse didaktische Tendenz enthält. In einer poetischen Einleitung wendet sich der Autor an die Leser, mahnt sie, keine „jungen Kriminellen“ zu imitieren, nennt seine Geschichte einen „Spiegel zerstörerischer Leidenschaften“, tritt für Gutmütigkeit ein und spricht vorsichtig über Amors Pfeile. Im klagenden Monolog des Pleberio, der den frühen Tod seiner Tochter betrauert, sind bereits asketische Motive direkt zu hören, die an die melancholischen Maximen mittelalterlicher Eremiten erinnern. Aber der Autor hört hier nicht auf. Er deutet gleichsam an, dass bei der Verbindung von Calisto und Melibea eine unreine Macht eine verhängnisvolle Rolle gespielt hat. Dazu zwingt er Celestina, die sich nicht nur als Zuhälterin, sondern auch als Zauberin entpuppt, dazu, die Geister der Unterwelt zu beschwören.

Es ist schwer zu sagen, was bei alledem den Ansichten des Autors selbst entspricht und was ein erzwungenes Zugeständnis an traditionelle Moral und offizielle Frömmigkeit sein könnte. Die innere Logik der Geschichte gibt keinen Anlass, die Liebe von Calisto und Melibea auf die Machenschaften böser Geister zu reduzieren. Melibeas sterbender Monolog spricht von einem großen und lebendigen menschlichen Gefühl. Melibea wendet sich an Gott und nennt ihre Liebe allmächtig. Sie bittet ihren Vater, sie zusammen mit dem verstorbenen Caballero zu beerdigen, um sie mit "einem einzigen Bestattungsritus" zu ehren. Im Tod hofft sie, das zurückzugewinnen, was sie im Leben verloren hat. Nein, das ist keine teuflische Besessenheit! Es ist eine Liebe, die so stark ist wie die Liebe von Romeo und Julia! Und tragische Ereignisse die die Geschichte füllen, haben ganz irdische, reale Gründe. Der Sturz von Calisto war natürlich ein unglücklicher Zufall. Aber die Liebe von Calisto und Melibea musste immer noch in die Katastrophe führen. Die träge feudale Moral zerstörte das Glück junger Menschen. Und sie waren dieses Glücks durchaus würdig, denn sie hatten die Wahrheit menschlicher Gefühle auf ihrer Seite.

Auch am Tod von Celestina und ihren Komplizen ist nichts Übernatürliches. Aber hier kommen wir zur zweiten, „niedrigen“, sozialen Ebene der Tragikomödie. Bedienstete und Prostituierte werden mit Celestina in Verbindung gebracht, d.h. machtlos arm. Der Autor vertuscht ihre Mängel nicht. Aber gleichzeitig versteht er gut, dass sie ihre eigene Wahrheit haben, ihre gerechten Ansprüche an die Welt der Meister. So spricht etwa die Prostituierte Areusa, die stolz darauf ist, dass sie "noch nie jemand genannt wurde", vom bitteren Schicksal der Mägde. Denn wie viele Beleidigungen und Demütigungen müssen Dienstmädchen über sich ergehen lassen, die auf arrogante Hausfrauen angewiesen sind: „Für die gibst du Geld aus beste Zeit, und sie bezahlen dich für zehn Dienstjahre mit einem beschissenen Rock, den sie sowieso wegwerfen. Sie beschimpfen, unterdrücken, so dass man sich vor ihnen kein Wort zu sagen traut.“ Knecht Sempronio bringt eine beredte Tirade über wahren Adel vor, dem Arsenal des europäischen Humanismus entlehnt: „Manche sagen, Adel sei eine Belohnung für die Taten von Vorfahren und dem Alter der Familie, aber ich sage, dass Sie nicht im Licht eines anderen leuchten können, wenn Sie kein eigenes haben. Beurteile dich daher nicht nach der Brillanz deines glorreichen Vaters, sondern nur nach deiner eigenen Art.

Es gibt viele ausdrucksstarke Figuren in der Tragikomödie. Die ausdrucksstärkste und farbenfrohste Figur ist jedoch zweifellos Celestine. Der Autor verleiht ihr Intelligenz, List, List und Einsicht. Sie hat ihre eigenen Eigensinne. Aber das Hauptmerkmal ihres Charakters ist räuberischer Egoismus. Außerhalb der "anständigen" Gesellschaft stehend, ist Celestina völlig frei von jeglichen Normen der Standesmoral. Dieser Umstand verleitete sie zu einem zynischen und unmoralischen Verhalten und erlaubte ihr gleichzeitig einen vorurteilsfreien Blick auf so natürliche menschliche Leidenschaften wie zum Beispiel die Liebe. Natürlich half Calisto Celestina für das Geld aus. Aber sie betrachtete die Jugendliebe überhaupt nicht als Sünde, und sie hielt ihr Handwerk nicht für sündhaft, da es ihrer Meinung nach den natürlichen Anforderungen der Natur keineswegs widersprach. In dieser Hinsicht hatte sie sogar ihre eigene Philosophie, die merklich nach Ketzerei roch. Laut Celestine leiden jeden Tag „Männer wegen Frauen und Frauen wegen Männern, so sagt die Natur; Gott hat die Natur erschaffen, und Gott kann nichts falsch machen. Und deshalb sind meine Bemühungen sehr lobenswert, da sie aus einer solchen Quelle fließen.“ . Aber natürlich war Celestina nicht aus Altruismus in Anbiederungen und andere dunkle Taten verwickelt. Ohne Gewinn wollte sie keinen Schritt machen. Überzeugt, dass in der modernen Gesellschaft nur Geld das Leben erträglich macht, legte sie keinen Wert darauf, dass das Geld unehrlich zu ihr gelangte. Celestina erzählt stolz von ihren vergangenen Erfolgen, von der Zeit, als viele namhafte Kunden um sie geschwärmt haben, jung und geschickt. Und in ihren zurückgehenden Jahren hört sie nicht auf, Profit zu jagen, streut überall die Saat des Lasters. Die aufstrebende bürgerliche Welt mit ihrer Praxis der „herzlosen Säuberung“ hat sie großzügig mit ihren Mängeln ausgestattet. Celestina wächst in der Geschichte zu einem kollektiven Bild heran, zu einem beeindruckenden Symbol für die zerstörerische Kraft eigennütziger Gefühle. So erschien zu Beginn der spanischen Renaissance ein Werk, das das Anwachsen des bürgerlichen Egoismus alarmierte, der sowohl der heruntergekommenen Welt als auch der Welt der humanistischen Illusionen gleichermaßen feindlich gesinnt war.

Celestina selbst ist frei von jeglichen Illusionen. Sie hat aufgrund aller Lebenserfahrung eine sehr nüchterne Sicht der Dinge. Ständig mit der anderen Seite des Lebens konfrontiert, lässt sie sich nicht von ihrer eleganten, protzigen Seite verführen. Sie glaubt, dass es keine idyllische Beziehung gibt und geben kann, in der es Herren und Zwangsdiener, Reiche und Arme gibt. Celestina, die den bitteren Preis der Armut kennt und versucht, alles Mögliche für sich zu ergattern, idealisiert gleichzeitig nicht den Reichtum. Nicht nur, weil Reichtum ihrer Meinung nach mit mühsamer Pflege verbunden ist und schon „vielen den Tod gebracht hat“, sondern auch, weil nicht Menschen Vermögen besitzen, wie sie naiv glauben, sondern „Reichtum sie besitzt“, sie macht ihre Sklaven. Für Celestina ist das höchste Gut jedoch die Unabhängigkeit, die weder durch wandelnde Moral noch durch Hortungssorgen eingeschränkt wird. Auch Celestine überschätzt die Frömmigkeit der katholischen Geistlichkeit nicht. Sie kennt die Gewohnheiten des spanischen Klerus, denn nicht nur „Adel, alt und jung“, sondern auch „Geistliche aller Stände vom Bischof bis zum Mesner“ waren ihre Kunden. Die Geschichte zeigt in einer ziemlich offenen Form die Ausschweifung, die in Kirchenkreisen herrscht. Unter den Bedingungen des feudal-katholischen Spaniens gab es solche Einblicke in humanistisches freies Denken nicht oft, und selbst dann nur in der frühen Phase der spanischen Renaissance. "Celestina" zeichnet sich dadurch aus, dass dies der erste große ist Literarische Arbeit realistische Bewegung im Spanien der Renaissance. Seine künstlerische Zusammensetzung ist zwar heterogen. Während die Sitten der gesellschaftlichen Unterschichten schnörkellos dargestellt werden, sind die Liebesepisoden von Calisto und Melibea eher konventionell und literarisch. Oft wird aus einem Liebhaber ein gekonnter Rhetor, der die Blumen der Eloquenz streut, obwohl dies nicht wirklich zur gegebenen psychischen Situation passt. So listet Melibea in einem langen Monolog vor seinem Tod Fälle auf, die in der Geschichte bekannt sind, als Eltern schwer leiden mussten. Calistos Tiraden können als Beispiel für Liebesrhetorik dienen. "O Nacht meiner Freude", ruft er aus, "wenn ich dich zurückbringen könnte! O strahlender Phoebus, beschleunige deinen gewohnten Lauf! O schöne Sterne, erscheine vor der festgesetzten Stunde!" usw. [19, 286]

Es ist klar, dass sich die Diener und ihre Freundinnen viel einfacher ausdrücken und sich manchmal sogar über die hochfliegende Art der Herren lustig machen. Eines Tages sagte Calisto, der ungeduldig auf die Ankunft von Melibea wartete, hochtrabend zu Sempronio: „Bis dahin werde ich nichts essen, auch wenn die Pferde von Phoebus bereits zu diesen grünen Wiesen gegangen sind, auf denen sie normalerweise grasen, nachdem sie ihren täglichen Lauf beendet haben. " Worauf Sempronio bemerkte: "Señor, lassen Sie diese kniffligen Worte, all diese Poesie. Warum braucht nicht jeder zugängliche und unverständliche Reden. Sagen Sie "wenigstens ist die Sonne untergegangen", und Ihre Rede wird alle erreichen. Sie sind nicht stark genug." Die Rede von Celestina und anderen Charakteren des plebejischen Kreises, wie später die Rede von Sancho Panza, ist stark involviert Volkssprüche und Sprüche. Diese Verflechtung und manchmal sogar das Aufeinanderprallen von "hohen" und "niedrigen" Stilen dient in der Tragikomödie als eine der Weisen der sozialen Charakterisierung und hängt damit zweifellos mit dem realistischen Konzept des Werks zusammen.

Den größten Erfolg erzielt der Autor mit der Darstellung der Umgebung, in der Celestine regiert. Hier finden wir die schärfsten und lebensnahsten Merkmale und Genreskizzen. Prächtig ist zum Beispiel die Szene des Festes bei Celestina. Lebhafte Diener von Calisto bringen Gerichte aus den Beständen des Meisters mit. Liebhaber warten. Lieblinge schimpfen und erbarme dich. Die Prostituierte Elicia schimpft mit Sempronio, weil er es gewagt hat, in ihrer Gegenwart die Schönheit von Melibea zu preisen. Areusa wiederholt sie und erklärt, dass "all diese edlen Mädchen für Reichtum gemalt und gelobt werden und nicht für einen schönen Körper." Das Gespräch wendet sich der Adelsfrage zu. "Niedrig ist, wer sich selbst für niedrig hält", sagt Areusa. "Was sind die Taten, so ist die Rasse; wir alle sind am Ende die Kinder von Adam und Eva. Jeder strebe nach Tugend und suche sie nicht im Adel der Vorfahren.“ (Erinnern Sie sich, dass Sempronio bereits etwas Ähnliches gesagt hat. Diese ständige Wiederholung humanistischer Wahrheiten zeigt zweifellos, dass diese Wahrheiten Bachelor Rojas immer am Herzen lagen). Sofort klagt Areusa über die Not der Mägde in reichen Häusern. Celestina lenkt das Gespräch auf andere Themen. In einem Kreis von Menschen, die sie mag, fühlt sie sich leicht und frei. Sie erinnert sich an sie beste Jahre als sie in Zufriedenheit und Ehre lebte. Aber die jungen Jahre sind vorbei, sie ist alt geworden. Ihr Herz jubelt jedoch immer noch, wenn sie glückliche Liebhaber sieht. Schließlich habe sie selbst die Kraft der Liebe erlebt, die „Menschen aller Stände gleichermaßen beherrscht, alle Schranken durchbricht“. Die Liebe ist mit der Jugend gegangen, aber der Wein bleibt, der "die Traurigkeit besser aus dem Herzen treibt als Gold und Korallen". Dieses Mal erscheint Celestina vor uns in einem neuen Licht. Sie ist kein räuberischer, schlauer Fuchs mehr, der auf Beutejagd geht, sondern eine Person, die das Leben und seine Pracht liebt. Sonst so besonnen und nüchtern, wird sie in dieser Szene zu einer Dichterin, die sehr helle und warme Worte findet, um irdische Freuden zu verherrlichen. Die Renaissance selbst spricht durch ihre Lippen. Dazu gesellen sich Witz, Einfallsreichtum, Einsicht, Konversationsfähigkeit - mal ganz schlicht, mal verschnörkelt, in prunkvollem orientalischem Gewand, je nachdem, mit wem sie redet und welches Ziel der alte Knabe verfolgt.

Der Autor schafft einen ziemlich komplexen und konvexen Charakter. Von allen Tragikomödienfiguren ist es Celestina, an die man sich am meisten erinnert. Nicht ohne Grund wird die Tragikomödie von Calisto und Melibea gewöhnlich mit ihrem Namen bezeichnet, der in Spanien zu einem Begriff geworden ist. Celestine spiegelte einige der charakteristischen Merkmale dieser umstrittenen Übergangszeit wider. Daher stößt es entweder ab oder zieht es an, das ist das Leben selbst. Und die Tragikomödie insgesamt ist eine Art Spiegel des spanischen Lebens an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert. "Celestina" hatte einen spürbaren Einfluss auf die spätere Entwicklung der spanischen Literatur. Dieser Einfluss ist in der Dramaturgie spürbar, insbesondere im Schelmenroman, in dem das Leben der städtischen Unterschicht umfassend dargestellt wird. Vor Cervantes' Don Quijote war die Celestina zweifellos das bedeutendste Werk der spanischen Literatur der Renaissance.

1554 erschien der erste spanische Schelmenroman „Das Leben des Lazarillo von Tormes und sein Glück und Unglück“, der offenbar in den 30er Jahren des 16. Jahrhunderts geschrieben wurde. von unbekanntem Autor. Es ist möglich, dass der Roman von einem der Freidenker verfasst wurde – Anhängern von Erasmus von Rotterdam, die der katholischen Kirche gegenüber kritisch eingestellt waren. Solchen Freigeistern begegnete man in Spanien zur Zeit Karls V. Jedenfalls ist in der Vita des Lazarillo eine antiklerikale Tendenz sehr deutlich, wenn auch etwas gedämpft.

Spanien war ein Land der starken Kontraste. Das macht sich nicht nur im gesellschaftlichen Leben, sondern auch in der Literatur sehr bemerkbar.

Fazit

Die spanische Literatur der Renaissance im 4. bis 6. Jahrhundert entwickelte sich im Gegensatz zu anderen europäischen Ländern dieser Zeit unter sehr spezifischen Bedingungen. Die Reste des Mittelalters waren auf dem Land noch erhalten, die Städte erhielten nicht ihre moderne Bedeutung, der im Niedergang begriffene Adel verlor seine Privilegien nicht, und schließlich hatte die Kirche immer noch enorme Macht.

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Renaissance in Spanien

Allgemeine Merkmale der spanischen Renaissance.

Die Literatur der Renaissance in Spanien zeichnet sich durch ihre große Originalität aus, die sich in den Besonderheiten der historischen Entwicklung Spaniens erklärt. Bereits in der zweiten Hälfte des XV Jahrhunderts. hier sehen wir den Aufstieg der Bourgeoisie, das Wachstum der Industrie und des Außenhandels, die Geburt der kapitalistischen Verhältnisse und die Lockerung der feudalen Institutionen und der feudalen Weltanschauung. Letzteres wurde besonders durch die humanistischen Ideen untergraben, die aus dem fortschrittlichsten Land dieser Zeit - Italien - eindrangen. In Spanien verlief dieser Prozess jedoch im Vergleich zu anderen Ländern auf sehr eigentümliche Weise, was auf zwei Umstände zurückzuführen ist, die für die damalige spanische Geschichte typisch waren.

Der erste hängt mit den Bedingungen zusammen, unter denen die Reconquista verlief. Die Tatsache, dass einzelne Regionen Spaniens separat, zu unterschiedlichen Zeiten und unter unterschiedlichen Bedingungen erobert wurden, führte dazu, dass sich in jeder von ihnen besondere Gesetze, Bräuche und lokale Bräuche entwickelten. Die Bauernschaft und die Städte, die auf den eroberten Ländern an verschiedenen Orten basierten, erhielten unterschiedliche Rechte und Freiheiten. Die heterogenen lokalen Rechte und Freiheiten, die von den verschiedenen Regionen und Städten hartnäckig gehalten wurden, waren die Ursache für ständige Konflikte zwischen ihnen und der königlichen Macht. Oft kam es sogar vor, dass sich die Städte mit den Feudalherren dagegen schlossen. Daher wurde bis zum Ende des frühen Mittelalters in Spanien kein so enges Bündnis zwischen der königlichen Macht und den Städten gegen große Feudalherren geschlossen.

Ein weiteres Merkmal der historischen Entwicklung Spaniens im 16. Jahrhundert. ist wie folgt. Das Ergebnis des außergewöhnlichen Goldzuflusses aus Amerika war ein starker Preisanstieg aller Produkte - "Preisrevolution", die alle europäischen Länder betraf, sich aber in Spanien mit besonderer Wucht manifestierte. Da es rentabler wurde, ausländische Produkte zu kaufen, entwickelte sich die spanische Industrie in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. stark reduziert. Auch die Landwirtschaft verfiel - teils aus dem gleichen Grund, teils als Folge des massiven Ruins der Bauern und der Verarmung einer großen Zahl adliger Kleinbauern, die der Konkurrenz mit Großgrundbesitzern mit diversen Privilegien nicht standhalten konnten.

Alle Merkmale der Geschichte Spaniens bestimmen den allgemeinen Charakter seiner Literatur im 16. - 17. Jahrhundert. Die Literatur der spanischen Renaissance ist klar in zwei Perioden unterteilt: 1). Frührenaissance (1475 - 1550) und 2). Reife Renaissance (1550 - die ersten Jahrzehnte des 17. Jahrhunderts).

Zu Beginn dieser Periode ist in Spanien, wie in den meisten anderen Ländern, das Aufkommen jener neuen, kritischen und realistischen Herangehensweise an die Realität zu beobachten, die für das Weltbild der Renaissance charakteristisch ist. Spanien hat eine Reihe herausragender Wissenschaftler und Denker, die alte Vorurteile über Bord geworfen und den Weg für moderne wissenschaftliche Erkenntnisse geebnet haben.

Es gibt Druckereien, intensiv übersetzte römische und griechische Schriftsteller. Die 1508 gegründete Universität in Alcala de Henares wird zum Zentrum der humanistischen Bewegung. Dennoch erhielten die humanistischen Ideen in Spanien nicht ihre volle philosophische Entwicklung. Als sie bei Hofe und in der Aristokratie auf die feindseligste Haltung gegen sich selbst stießen, keine Unterstützung von der Bourgeoisie fanden, wurden sie von der katholischen Reaktion stummgeschaltet.

Humanistische Ideen in der spanischen Renaissanceliteratur finden ihren Ausdruck fast ausschließlich in poetischen Bildern und nicht in theoretischen Schriften. Aus dem gleichen Grund war der Einfluss antiker und italienischer Gestaltung in Spanien insgesamt viel geringer als beispielsweise in Frankreich oder England. Ebenso ist der Formenkult weniger charakteristisch für die spanische Literatur der Renaissance. Sie zeichnet sich durch Männlichkeit, Strenge, Nüchternheit, große Konkretheit der Bilder und Ausdrücke aus, die auf die mittelalterliche spanische Tradition zurückgeht. In all diesen Aspekten hat die spanische Literatur der Renaissance einen eigentümlichen, spezifisch nationalen Charakter.

Die religiösen Einflüsse der Zeit spiegeln sich deutlich in dieser Literatur wider. Die Ideologie und Praxis des Katholizismus hinterließ starke Spuren sowohl im Leben der Menschen als auch im Leben der privilegierten Klassen.

Nirgendwo in der Literatur des XVI - XVII Jahrhunderts. Religiöse Themen nehmen keinen so prominenten Platz ein wie in Spanien. Wir finden hier extrem unterschiedlich "mystisch" Literatur - religiöse Gedichte und Texte (Luis de Leon, San Juan de la Cruz), Beschreibungen "wunderbare Umbauten", Ekstasen und Visionen (Teresa de Jesus), theologische Abhandlungen und Predigten (Luisde Granada). Die größten Dramatiker (Lopé de Vega, Calderon) schreiben neben weltlichen Stücken religiöse Stücke, dramatisierte Legenden und Leben von Heiligen oder „heilige Taten“, die das Thema der Verherrlichung des Abendmahls hatte "Gemeinschaft". Aber auch in weltlichen Theaterstücken tauchen oft religiöse und philosophische Themen auf ( "Sevilla schelmisch" Tirso de Molina, "Steiger Prinz" Calderon).

Bei allem schmerzhaften Charakter, den die Entwicklung Spaniens trug, zeigte das Volk das Maximum an nationaler Energie. Er zeigte große Neugier, Entschlossenheit und Mut bei der Überwindung von Hindernissen. Die weiten Perspektiven, die sich den damaligen Menschen eröffneten, der Umfang politischer und militärischer Unternehmungen, die Fülle neuer Eindrücke und Möglichkeiten für verschiedene energische Aktivitäten - all dies spiegelte sich in der spanischen Literatur des 16. bis 17. Jahrhunderts wider geprägt von großer Dynamik, Leidenschaft und reicher Vorstellungskraft.

Dank dieser Qualitäten, spanische Literatur "goldenes Zeitalter"(wie der Zeitraum etwa vom zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts bis zur Mitte des 17. Jahrhunderts genannt wird) nimmt unter den Nationalliteraturen der Renaissance einen der ersten Plätze ein. Die spanische Literatur, die sich in allen Genres brillant zeigt, hat besonders hohe Standards im Roman und im Drama gesetzt, d.h. in jenen literarischen Formen, in denen die für das damalige Spanien typischen Züge am vollsten zum Ausdruck kommen konnten - die Glut der Gefühle, Energie und Bewegung.

Schaffung eines nationalen spanischen Dramas.

In Spanien und Portugal sowie in anderen Ländern gab es ein mittelalterliches Theater - teils religiös (Mysterien und Wunder), teils völlig weltlich, komisch (Possen). Das mittelalterliche religiöse Theater in Spanien war aufgrund der enormen Rolle, die die katholische Kirche im Leben des Landes spielte, äußerst stabil – es verschwand nicht nur nicht während der Renaissance, wie es in Italien und Frankreich geschah, sondern entwickelte sich intensiv weiter im 16. und sogar im 17. Jahrhundert. .; Darüber hinaus wurden Stücke dieser Art von den größten Dramatikern der Ära geschrieben. In diesen Jahrhunderten blieben die Genres des volkstümlichen komischen Theaters, die ebenfalls von großen Meistern gepflegt wurden, ebenso beliebt.

Allerdings zusammen mit diesen alten dramatischen Gattungen bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts. in Spanien wird ein neues System der Renaissance-Dramaturgie entwickelt, das auch die Interpretation der oben genannten alten Genres durch Renaissance-Autoren beeinflusst. Dieses neue dramaturgische System entstand aus der Kollision zweier Theaterprinzipien der mittelalterlichen Volks- oder Halbvolkstradition und der wissenschaftlich-humanistischen Strömungen, die aus Italien oder direkt aus der Antike, aber meist auch durch italienische Vermittlung kamen. Zunächst entwickeln sich die beiden Arten der Dramaturgie, die diese beiden Tendenzen zum Ausdruck bringen, parallel, voneinander getrennt oder treten miteinander in Konflikt, aber sehr bald beginnt eine Wechselwirkung zwischen ihnen, und am Ende verschmelzen sie zu einem einzigen dramatischen System . In diesem System des nationalen Dramas der Renaissance, dessen Höhepunkt als das Werk von Lope de Vega anerkannt werden sollte, ist das Volksprinzip immer noch das Hauptprinzip, obwohl italienische und antike Einflüsse, die ursprünglich beherrscht wurden, eine bedeutende Rolle dabei spielten Formation. Letzteres wurde durch das Erscheinen im 16. Jahrhundert erleichtert. Spanische Übersetzungen von Plautus und Terence.

Lope de Vega (1562 - 1635)

Lope de Vega wurde 1800 gemalt "Komödie", dem wir noch 400 religiöse Stücke und eine sehr große Anzahl von Zwischenspielen hinzufügen müssen. Lope de Vega selbst kümmerte sich jedoch wenig um die Sicherheit seiner dramatischen Werke, die als niedrigste Literatur galten, weshalb die meisten zu seinen Lebzeiten nicht veröffentlicht wurden. Der Text von nur 400 Stücken von Lope de Vega (fast ausschließlich in Poesie) ist uns überliefert, und weitere 250 sind nur dem Titel nach bekannt.

Der Umfang der Dramaturgie von Lope de Vega ist ungewöhnlich weit. Er porträtiert Menschen aller Klassen und Stände in den unterschiedlichsten Positionen, schreibt Theaterstücke mit alltäglichem, historischem, sagenumwobenem, mythologischem, pastoralem Inhalt, zeichnet Handlungen aus spanischen Chroniken und Romanzen, aus italienischen Romanciers (Boccaccio, Bandello etc.), aus der Bibel, historische Schriften, Geschichten von Reisenden, aus wandernden Anekdoten oder frei komponiert auf der Grundlage von Lebensbeobachtungen; er zeichnet moderne und alte Spanier, Türken, Inder, biblische Juden, alte Römer, sogar Russen (im Stück über den falschen Dmitry - "Großherzog von Moskau"). Darin spiegeln sich seine außergewöhnliche Neugier, sein Durst nach der Weltgeschichte der Menschheit und gleichzeitig seine außergewöhnlich reiche Vorstellungskraft wider.

Lope de Vega skizzierte seine theoretischen Ansichten zur Dramaturgie in einer poetischen Argumentation, die eine der frühesten realistischen Poetiken Westeuropas ist - "Die neue Kunst, Comedy heute zu komponieren". Dieses von ihm bereits in seinen reifen Jahren (1609) geschriebene Werk fasst zusammen, was der Dichter seit langem in die Praxis umsetzt. Nach verschiedenen einleitenden Bemerkungen und einem Überblick über die Entwicklung der Komödie und Tragödie bei den Alten verzeihe mir Lope de Vega, dass er, obwohl er die Überlegenheit der Regeln des Aristoteles voll und ganz anerkennt, dennoch von ihnen abweicht, um der Öffentlichkeit zu gefallen. Lope de Vega empfiehlt Autoren, Handlungsstränge zu wählen, in denen das Tragische und das Komische vermischt sind, „wie es in der Natur geschieht“. Er verteidigt die Einheit der Handlung und beweist, dass es möglich ist, die Einheit von Ort und Zeit zu verletzen. Dann spricht er über die Aufteilung des Stücks in Akte, deren Zahl er von fünf auf drei reduziert, über seinen Aufbau, über die Bedeutung der Exposition, den „Knoten“ von Intrige und Auflösung, über die verschiedenen Stile, in denen sich unterschiedliche Rollen geschrieben werden sollen, über effektvolle Enden von Szenen, über die Verwendung unterschiedlicher metrischer Größen, über die gewünschte Lautstärke des Stücks, die nicht zu groß sein sollte, damit der Zuschauer nicht müde wird, über allerlei angestrebte Tricks Aufrechterhaltung des Interesses des Zuschauers, der bis zur letzten Szene nicht über die Auflösung raten sollte usw.

Die Dramen von Lope de Vega eignen sich nicht für eine genaue und erschöpfende Klassifizierung. Aus der Gesamtmasse seiner Schriften lassen sich drei besonders bedeutsame Gruppen von Theaterstücken unterscheiden: Theaterstücke "heroisch"(über Plots aus der nationalen Geschichte), Komödien "mantel und schwert" und Theaterstücke, in denen das Volk oder seine einzelnen Vertreter auftreten.

Die „heroischen“ Stücke zeigen verschiedene Episoden aus der Geschichte Spaniens zur Zeit der gotischen Könige, d.h. vor der arabischen Eroberung "Das Leben und der Tod von Wamba"), im Kampf gegen die Mauren ("Mädchen von Simanka", "Edler Abenserach"), der Kampf der Könige mit widerspenstigen Feudalherren und die Einigung der spanischen Monarchie ("Fuenta Ovehuna"), endlich Amerika entdecken ("Die von Christoph Kolumbus entdeckte neue Welt")). Von einem leidenschaftlichen patriotischen Gefühl durchdrungen, idealisieren sie normalerweise ihre heimatliche Antike, die mit Poesie angereichert ist. Lope de Vega malt hier majestätische und aufregende Bilder der Vergangenheit, beweist damit die Macht Spaniens und untermauert seinen Anspruch auf eine führende Rolle auf der Weltbühne.

Zweite Gruppe von Theaterstücken, Komödien "mantel und schwert", ist nach den typischen Accessoires der adeligen Tracht benannt, in der ihre Figuren auftreten – Vertreter vor allem des mittleren und niederen neuzeitlichen Adels. Diese Alltagskomödien von Lope de Vega, mit anderen Worten "Manierkomödien", stellen einen sehr bedeutenden Teil seines dramatischen Erbes dar und darüber hinaus einen, der ihm zu Lebzeiten des Dichters den größten Ruhm einbrachte, und nicht nur in seiner Heimat, aber auch in anderen Ländern. Und jetzt sind diese Stücke in Spanien sehr beliebt. Besonders bekannt sind: "Hund in der Krippe", "Netze von Phönix", „Madrider Gewässer“, "Valenzianische Welle", "Mädchen mit Krug", « Launen von Belisa», "Sklave seiner Geliebten" usw. Die Handlungen dieser Stücke basieren fast ausschließlich auf Gefühlsspielen: Liebe, Eifersucht, Adelsstolz und Familienehre. Gleichzeitig zeigen sie fast nicht das soziale Umfeld, den Hintergrund, die Lebensumstände, die die Entwicklung der Gefühle der Charaktere beeinflussen könnten. Andererseits wird zur Belebung der Handlung ein Vorrat traditioneller Motive und konditionaler Mittel verwendet, wie zum Beispiel geheime Verabredungen, Serenaden, Duelle, Verkleidungen, unerwartete Begegnungen, Missverständnisse, Auswechslungen, Zufälle aller Art, Wiedererkennung , etc.

Trotz einiger ideologischer und künstlerischer Einschränkungen von Komödien "mantel und schwert" Lope de Vega, sie sind ein brillantes, in vielerlei Hinsicht herausragendes Beispiel für die Kunst der spanischen Renaissance. Das zentrale Thema dieser Stücke – die Liebe – ist nicht von engstirniger Noblesse. Lope de Vega bedeutet Liebe immer nicht als sinnliche Laune, was sie in der damaligen aristokratischen Gesellschaft oft war, sondern als tiefes, allumfassendes Gefühl, das die Vorstellung einer vollwertigen menschlichen Persönlichkeit bekräftigt. Eine solche "ehrlich" Liebe, die immer die Ehe als einzige Form des vollständigen gegenseitigen Besitzes anstrebt und auf Liebende veredelnd wirkt, ist im Verständnis von Lope de Vega ein gesundes, natürliches Gefühl, das sowohl einem Adligen als auch dem bescheidensten Bauern gleichermaßen zugänglich ist .

Diese Stücke sind voller Fröhlichkeit und Optimismus. Sie atmen den Glauben an die Möglichkeit des Glücks, an den Erfolg des Menschen, der mutig für seine Gefühle, für seine Ziele kämpft. Die Helden von Lope de Vega sind mutig, entschlossen und voller Energie; ihre Bewegungen sind ungestüm, ihre Worte und Taten sind leidenschaftlich und ungestüm. Das sind Vollblut-Renaissance-Naturen, in denen die Lebenskraft überströmt. wunderbar weibliche Bilder Lope de Vega: Seine Heldinnen haben nicht weniger spirituellen Reichtum, sie sind nicht weniger unternehmungslustig, klug und mutig als ihre Partner. Leidenschaftlich machen sie vor nichts halt. In dieser Hinsicht weicht Lope de Vega keineswegs von der Realität ab, denn in der adeligen Gesellschaft seiner Zeit spielten Frauen, eingeschränkt durch die strenge Vormundschaft ihrer Väter, Brüder oder Ehemänner, eine sehr unauffällige Rolle. Er offenbarte und verstärkte die Möglichkeiten, die er in der Spanierin seiner Zeit empfand.

Alltagskomödien von Lope de Vega sprühen vor Witz. Ihre Fröhlichkeit kommt von der inneren Komik von Situationen, die aus verschiedenen Missverständnissen entstehen. Er wird verstärkt durch groteske Charaktere, in deren Gesichtern sie – eher humorvoll als satirisch – Prahlerei, Jähzorn, dumme Pedanterie, übertriebene Leichtgläubigkeit, Redseligkeit und ähnliche menschliche Schwächen und Laster lächerlich machen. Aber Diener sind besondere Träger des komischen Prinzips. Den Typ des Dienersnarrs findet man schon bei den Vorgängern von Lope de Vega, aber unter ihnen ist es meist ein Einfaltspinsel, der das Publikum mit seiner Dummheit oder Tollpatschigkeit amüsiert. Der amüsante Diener Lope de Vega übernimmt manchmal diese Funktion, aber noch öfter macht er sich witzig über andere lustig. Nicht selten erweist er sich als klüger oder zumindest einfallsreicher als sein Meister, dem er aus der Patsche hilft.

Die Stücke von Lope de Vega, dessen Helden die Leute ihrer Leute sind, sind nicht zahlreich. Nach seinem Bild sind die bescheidensten Bauern oder Handwerker in ihrem Geist, ihrer Energie und ihren moralischen Qualitäten nicht weniger als Aristokraten. Sie zeichnen sich gleichermaßen durch Würde und Ehrgefühl aus. Nur ihre Manieren sind einfacher, sie leben näher an der Natur, und das ist ihr großer Vorteil, der den Mangel an Bildung vollständig kompensiert.

Fuente Ovehuna. Das berühmteste Stück dieser Art und einer der Höhepunkte von Lope de Vegas Werk ist das Drama "Fuente Ovehuna" ("Schafschlüssel"). Es kann auch auf die Anzahl historischer Stücke zurückgeführt werden, da seine Handlung Ende des 15. Jahrhunderts während der Herrschaft von Ferdinand und Isabella spielt. Das Bedeutsamste an diesem Stück, das von wahrhaft revolutionärem Pathos durchdrungen ist, ist, dass sein Held nicht irgendein einzelner Charakter ist, sondern die Masse des Volkes, das Kollektiv.

Der Kommandeur des Ordens von Calatrava, Fernand Gomez, der sich mit seiner Abteilung im Dorf Fuente Ovehuna befindet, geht mit Gewalt gegen die Einwohner vor, beleidigt den örtlichen Alcalde und versucht, seine Tochter Laurencia zu entehren. Dem sie liebenden Bauern Frondoso gelingt es, das Mädchen zu beschützen. Doch während der Hochzeit von Frondoso und Laurencia erscheint der Kommandant mit seinen Handlangern, zerstreut das Publikum, schlägt mit seinem eigenen Stab auf die Alcalde ein, will Frondoso hängen und entführt Laurencia, um sie dann gewaltsam in Besitz zu nehmen. Die Bauern können eine solche Schande nicht ertragen: Alle – Männer, Frauen, Kinder – ohne Ausnahme bewaffnen sich und schlagen die Vergewaltiger. Zum Zeitpunkt des vom König in diesem Fall angesetzten Gerichtsverfahrens, als die Bauern gefoltert werden und sie die Anerkennung dessen fordern, wer genau Fernand Gomez getötet hat, antworten sie alle wie eine: "Fuente Ovehuna!". Der König ist gezwungen, das Gericht zu stoppen: er "verzeiht" Bauern und nimmt Fuente Ovehuna unter seine direkte Herrschaft. Das ist die Kraft der Volkssolidarität.

In diesem Stück geht der Ehrbegriff aus der Kategorie der edlen Gefühle in die Kategorie der Extraklasse, des Universellen über. Es wird zum Synonym für die Würde der menschlichen Person und wacht über ihre Rechte. Lope de Vega schildert, wie unter dem Einfluss wilder Gewalt soziales Selbstbewusstsein in den bäuerlichen Massen erwacht, wie sich zunächst versprengte Mitglieder der Landgemeinde zu einem starken, kampf- und heldenhaften Team zusammenschließen.

Lope de Vega sucht in der Geschichte nach der Rechtfertigung der Vereinigung des Volkes mit der königlichen Macht. Tatsächlich waren zu seiner Zeit wie im frühen Mittelalter die politischen Bestrebungen des spanischen Volkes gewöhnlich in die Form monarchischer Ideen gekleidet. Lope de Vega fehlte jedoch die Wachsamkeit, um die wahre Natur der königlichen Macht zu erkennen, wie es im zeitgenössischen Spanien der Fall war. Als starker Anhänger des absolutistischen Systems, das er mit seinen demokratischen und humanistischen Bestrebungen in Einklang zu bringen versuchte, war Lope de Vega gezwungen, das Bild des Königs zu idealisieren. Gleichzeitig konnte er als subtiler und ehrlicher Künstler nicht anders, als die königliche Macht seiner Zeit in ihrem wahren Licht zu sehen und das, was er sah, in seiner Arbeit widerzuspiegeln. Diesen Widerspruch versuchte er zu überwinden, indem er zwischen Herrscher und Mann im König unterschied; und alles Negative, was die königliche Macht mit sich brachte, schrieb er der Person zu. Als Herrscher ist der König unfehlbar; als Mensch ist er allen menschlichen Schwächen und Lastern unterworfen, obwohl er der Korrektur fähig ist. Daher ist Kritik am Verhalten des Königs als menschliche Person nutzlos und sogar inakzeptabel: Seine Person ist heilig, sie erfordert bedingungslosen Respekt und Gehorsam. Aber objektiv enthalten die Bilder von Königen in Lope de Vega oft eine Entlarvung der Idee der königlichen Macht.

Dramatiker der Schule von Lope de Vega.

Der erste Platz gehört Tirso de Molina (1571 - 1648), dem größten Dramatiker dieser Gruppe und einem glühenden Anhänger von Lope de Vega. Tirso de Molina war Mönch und Geschichtsschreiber seines Ordens. Dies hinderte ihn nicht daran, neben rein religiösen Stücken sehr fröhliche und fröhliche Komödien zu schreiben, was ihm Verfolgung durch die geistlichen Autoritäten einbrachte. Er besitzt etwa 400 Theaterstücke verschiedener Art, von denen uns nur 80 überliefert sind.

Das Werk von Tirso de Molina zeichnet sich durch die gleiche Widersprüchlichkeit aus wie das Werk von Lope de Vega. Tirso de Molina schuf das Genre des religiösen und philosophischen Dramas.

Zu dieser Gruppe gehören die berühmtesten Stücke von Tirso de Molina - "Sevilla schelmisch". Diese Legende ist folkloristischen Ursprungs: Sie basiert auf einer Geschichte über einen Draufgänger, der eine Statue eines Toten zum Abendessen einlud und dafür mit seinem Leben bezahlte. Tirso de Molina verband mit dieser Geschichte einen charakteristischen Typus eines skrupellosen Frauenverführers und Immoralisten.

Don Juan (das ist die spanische Form dieses Namens), der sich an der Liebe von Donna Anna, der Braut seines Freundes, erfreuen möchte, kommt unter dem Deckmantel von Donna Anna, der Braut seines Freundes, zu einem Date mit ihr und trifft auf ihren Vater, den Kommandanten , den er tötet. Nachdem er vorher und nachher andere Frauen mit unterschiedlichstem sozialen Status verführt hat - eine Herzogin, eine Fischerin, eine Hirtin -, lädt er spöttisch eine Statue des Kommandanten, den er getötet hat, zum Abendessen ein und geht, ihre Gegeneinladung annehmend, in die Kirche, wo der Kommandant ist wird begraben, und dort stirbt er und fällt in die Hölle.

Der Held von Tirso de Molina ist noch sehr primitiv. Er erobert Frauen nicht dank seines persönlichen Charmes, sondern mit gröberen Mitteln: Aristokraten - durch Betrug, Bürgerliche - mit dem Versprechen, zu heiraten und seine Auserwählte zu einer edlen Dame zu machen. Aber er besticht durch Fröhlichkeit, Energie und außergewöhnlichen Mut, den der Autor in attraktiven Farben darstellt.

Nach der Ankunft der Statue gewinnt Don Juan, immer noch in kalten Schweiß gebadet, schnell wieder die Kontrolle über sich und sagt: „Das ist alles nur Einbildung. Nieder mit der dummen Angst!.. Bin ich, der sich nicht vor lebenden Körpern fürchtet, begabt mit Seele, Kraft und Verstand, - sollte ich mich vor den Toten fürchten? Morgen werde ich in die Kapelle gehen, da ich dort eingeladen bin – möge ganz Sevilla über meine furchtlose Leistung staunen!. Don Juan ist jedoch keineswegs Atheist. Er denkt, er kann es noch "Korrekt" während er das Leben genießen will. Auf die Ermahnungen seines Dieners und aller um ihn herum, die ihn an das Leben nach dem Tod erinnern, antwortet er nonchalant: "Du gibst mir lange Zeit!". Doch der Tod überrascht ihn. Im letzten Moment ruft er der Statue zu: „Ich möchte einen Priester rufen, der mir meine Sünden vergibt!“- und stirbt, ohne Zeit zur Reue zu haben. Gleichzeitig enthält das Bild von Don Juan eine Reihe positiver Merkmale, die der Autor selbst teilweise bewundert: seine außergewöhnliche Kraft, seinen Mut und seine Lebensfreude.

Neben diesen Theaterstücken besitzt Tirso de Molina viele Komödien voller fröhlicher und witziger Erfindungen. Als Meister der Intrige steht er Lope de Vega in nichts nach, und in Bezug auf die Charakterentwicklung übertrifft er ihn oft. Besonders gelungen sind ihm Frauenbilder, die in manchen seiner Stücke die männlichen geradezu verdecken. Seine Heldinnen zeichnen sich durch große Leidenschaft, seltene Energie und Unternehmungslust, Einfallsreichtum, die Fähigkeit aus, ihre Rechte zu verteidigen und für ihr Glück zu kämpfen.

Unter den anderen Dramatikern dieser Schule sticht Juan Ruiz de Alarcón (1580 - 1639) hervor. Im Werk von Alarcon ist bereits ein Übergang von Intrigenkomödien zu Charakterkomödien geplant, die er deutlich vertieft und viel mehr als Lope de Vega auspoliert. Gleichzeitig zeichnen sich seine Stücke durch Zurückhaltung der Phantasie, kompositorische Strenge, eine gewisse Bild- und Sprachtrockenheit sowie eine ausgeprägte moralische Tendenz aus. In einer Reihe seiner Komödien gibt er eine herzliche Darstellung von Freundschaft, Großzügigkeit und so weiter. Theaterstücke: "Weber ihres Segovia", "Zweifelhafte Wahrheit".

Unter den Anhängern von Lope de Vega verdient auch Guillen de Castro (1569 - 1631) Erwähnung, der seine Themen oft aus Volksromanen nahm. Es zeichnet sich durch Lebhaftigkeit der Phantasie, Begeisterung, Brillanz und gleichzeitig eine Leidenschaft für die Darstellung sehr dramatischer Situationen, stürmischer Gefühle und fantastischer Abenteuer aus. Ein Beispiel dafür ist sein Stück "Sid's Youth", dessen Handlung auf Volksromanen über Sid basiert.

Das Leben und Werk von Cervantes.

Miguel de Cervantes Saavedra (1547 - 1616) wurde in der Stadt Alcala de Henares geboren. Er gehörte der Hidalgia an und war der Sohn eines armen Arztes. Geldmangel hinderte ihn daran, eine gute Ausbildung zu erhalten, aber er absolvierte trotzdem die Universität. Im Alter von 21 Jahren trat Cervantes in den Dienst des päpstlichen Botschafters in Spanien, Kardinal Acquaviva. Als er in seine Heimat zurückkehrte, ging Cervantes mit ihm nach Italien. Nach dem Tod des Kardinals trat er als Soldat in die in Italien operierende spanische Armee ein, wurde bald in die Flotte eingeschrieben und nahm an der Schlacht von Lepanto (1571) teil, wo er tapfer kämpfte und links schwer verletzt wurde Hand. 1575 beschloss er, nach Spanien zurückzukehren, aber das Schiff, auf dem er segelte, wurde von algerischen Korsaren angegriffen und Cervantes von ihnen gefangen genommen. Fünf Jahre schmachtete er in Algier, plante immer wieder einen Fluchtversuch und scheiterte, bis er schließlich aus der Gefangenschaft erlöst wurde. Zu Hause fand er eine ruinierte Familie vor, und seine militärischen Verdienste waren in Spanien bereits vergessen. Auf der Suche nach Einkommen schreibt Cervantes Stücke für das Theater sowie verschiedene Gedichte, für die man, nachdem man sie einer edlen Person gebracht hat, eine kleine finanzielle Belohnung erhalten könnte. Außerdem arbeitet er an Galatea, das 1585 veröffentlicht wurde. Zu dieser Zeit heiratet Cervantes. Die Knappheit und Unsicherheit des Einkommens zwangen Cervantes, zunächst die Position eines Getreideeintreibers für die Armee, dann eines Eintreibers von Rückständen anzunehmen. Nachdem Cervantes einem mit ihnen geflohenen Bankier öffentliche Gelder anvertraut hat, kommt er 1597 wegen Unterschlagung ins Gefängnis. Fünf Jahre später sitzt er erneut wegen Geldmissbrauchs im Gefängnis.

Cervantes verbrachte die letzten 15 Jahre seines Lebens in großer Not. Dennoch war dies die Zeit der höchsten Blüte seines Schaffens. 1605 erschien der erste Teil des Romans. "Der schlaue Hidalgo Don Quixote von La Mancha", begonnen oder zumindest konzipiert von Cervantes während seiner zweiten Gefangenschaft. 1614 Veröffentlichung einer falschen Fortsetzung durch einen gewissen Avellaneda "Don Quijote" veranlasste Cervantes, das Ende seines Romans zu beschleunigen, und 1615 wurde der zweite Teil davon veröffentlicht. Kurz zuvor, im selben Jahr, veröffentlichte er eine Sammlung seiner Stücke, und davor, 1613, veröffentlichte er "Lehrromane". Im folgenden Jahr schloss er sein Studium der Literarischen Satire ab "Reise zum Parnass". Das letzte Werk von Cervantes Ballroman "Pesiles und Sihismunda" nach seinem Tod veröffentlicht.

Das Leben von Cervantes, typisch für einen sensiblen und begabten Vertreter der Hidalgie, ist eine Reihe von leidenschaftlichen Hobbys, Misserfolgen, Enttäuschungen, einem ständigen mutigen Kampf mit der Armut und gleichzeitig mit der Trägheit und Vulgarität der umgebenden Welt. Derselbe lange Weg der Suche nach der Vergangenheit und dem Werk von Cervantes, der sich relativ spät wiederfand. Er schreibt auf Bestellung, passt sich dem vorherrschenden Stil an, entwickelt "modisch" Genres, die bestrebt sind, in diesem Bereich mitzureden, realistische Inhalte und tiefe moralische Fragen in diesen Stil und diese Genres einzubringen. aber diese Versuche sind ausnahmslos erfolglos, bis Cervantes in seinen zurückgehenden Jahren seinen eigenen Stil und seine eigenen Genres schafft, die in der Lage sind, sein endlich reifes Denken vollständig auszudrücken.

Nahezu alle Texte von Cervantes, seine literarischen und satirischen Gedichte sowie Experimente auf dem Gebiet der Hirten- und Ritterromantik zeichnen sich durch eine gewisse Konventionalität und Weitsicht aus. ("Galatea" und "Persilen und Sihismunda"). Dasselbe gilt für den größten Teil seines dramatischen Schaffens. Cervantes sucht in seiner Dramaturgie vor allem nach Wahrhaftigkeit, rebelliert gegen den allzu freien Umgang mit Raum und Zeit durch einige seiner zeitgenössischen Dramatiker, gegen die Häufung von Abenteuern, Extravaganzen und Absurditäten in der Handlung, gegen die Diskrepanz zwischen der gesellschaftlichen Stellung von die Charaktere und ihre Sprache usw.

Der Höhepunkt von Cervantes' dramatischem Werk sind seine Zwischenspiele, die wahrscheinlich zwischen 1605 und 1611 entstanden sind. Das sind kleine, urkomisch komische Stücke, in denen Typen und Situationen viel mit mittelalterlichen Possen gemeinsam haben, aber viel lebendiger sind. Mit großer Kenntnis des Volkslebens und der Psyche zeichnet Cervantes Szenen aus ihrem Leben von Bauern, Handwerkern, Stadtbewohnern, Richtern, gebleichten Studenten, entlarvt die Ausschweifung des Klerus, die Tyrannei der Ehemänner, den Schwindel der Scharlatane und auch natürlich Spott über Leichtgläubigkeit, Geschwätzigkeit, Leidenschaft für Rechtsstreitigkeiten und andere menschliche Schwächen. Subtiler Humor und eine wunderbar lebendige Sprache verleihen diesen Stücken großen Charme. Besonders beliebte "Theater der Wunder", "Salaman-Höhle", « Eifersüchtiger alter Mann“ und "Zwei Redner".

Noch bemerkenswerter ist die Sammlung seiner vierzehn „Lehrreiche Kurzgeschichten“. Cervantes begründete in Spanien zunächst den Typus der italienischen Kurzgeschichte der Renaissance, indem er sich entschieden von der Tradition mittelalterlicher Geschichtenerzähler entfernte, aber gleichzeitig reformierte er diesen italienischen Typus und gab ihm nationale spanische Züge. Ihre Handlungen sind fast ausschließlich von Cervantes komponiert. Leben, die Situation ist komplett spanisch. Der Stil zeichnet sich durch eine geradezu süffisante Kombination aus Präzision und Humor aus, mal gutmütig, mal bitter. Einen großen Platz nehmen die oft sehr langen Reden der Charaktere ein.

Die Romane von Cervantes lassen sich in drei Gruppen einteilen: Liebes-Abenteuerromane (zum Beispiel "Zigeuner", "Englisch Spanisch" usw.), beschreibend ("Riconete und Cortadillo", "Eifersüchtiger Estramadur" etc.) und philosophisch-sentimental ( "Lizenziat Widriera", "Gespräch zweier Hunde"), wobei eine strikte Unterscheidung hier nicht möglich ist, da viele Kurzgeschichten Merkmale anderer Gruppen aufweisen. Sammlungstitel - "Lehrromane", bedeutet eine Einladung, tiefer in das Leben zu blicken und es auf moralischer Basis neu aufzubauen. Cervantes glaubt an die Möglichkeit einer glücklichen Lösung der kompliziertesten und gefährlichsten Situationen, wenn die Menschen, die in sie geraten sind, ehrlich, edel und energisch sind; er glaubt an „Stimme der Natur“ und in seinen guten Kräften, im endgültigen Triumph eines Mannes, der gegen böse und feindliche Prinzipien kämpft. In dieser Hinsicht ist er immer auf der Seite eines jungen und aufrichtigen Gefühls und verteidigt seine Rechte gegen jeglichen Zwang und gesellschaftliche Konventionen. Die Ideale von Cervantes, offenbart in „Lehrreiche Kurzgeschichten“, ist Liebe zum Leben, aber ohne Rausch davon, Mut ohne Arroganz, moralischer Anspruch gegenüber sich selbst und anderen, aber ohne Askese oder Intoleranz, bescheidener, unauffälliger Heldentum und vor allem - tiefe Menschlichkeit und Großzügigkeit.

Der Roman „Don Quijote“

Roman "Don Quijote" wurde von Cervantes in seinem späteren Leben geschrieben. Der Roman ist das Ergebnis seiner kreativen Überlegungen. Dieses Werk, das von Zeitgenossen nicht ausreichend gewürdigt wurde, brachte seinem Autor posthumen Ruhm und wurde von Kritikern des 19. - 20. Jahrhunderts erklärt. eine der größten Schöpfungen des menschlichen Denkens.

"Don Quijote"- darauf weist der Autor im Prolog des ersten Teils des Romans und in seinen Schlusszeilen deutlich hin -, er war in erster Linie als Parodie auf Ritterromane konzipiert. Don Quijote, ein armer Hidalgo aus der Provinz, der durch das Lesen von Ritterromanen in den Wahnsinn getrieben wird und entschlossen ist, die alte Institution des fahrenden Ritters wie die Helden der Ritterromane wiederherzustellen, unternimmt Heldentaten zu Ehren seiner Fantasie "Damen" um alle Beleidigten und Unterdrückten dieser Welt zu schützen. Aber seine Rüstung sind die rostigen Fragmente der Waffen seiner Vorfahren, sein Pferd ist ein erbärmlicher Gaul, der auf Schritt und Tritt stolpert, sein Knappe ist ein gerissener und unhöflicher Bauer aus der Gegend, der von der Aussicht auf schnelle Bereicherung in Versuchung geführt wird, die Dame seines Herzens ist eine Bauernmädchen Aldonsa Lorenzo aus einem Nachbardorf, benannte den verrückten Don-Quijote in Dulcinea de Toboso um. Ebenso werden im Roman alle ritterlichen Riten und Bräuche parodiert: die Ritterzeremonie, die Etikette „Ritterdienst“ Dame (zum Beispiel, wenn Don Quijote befiehlt "besiegt" Gegner, nach Dulcinea de Toboso zu gehen und sich ihr zur Verfügung zu stellen).

Die überhitzte Phantasie von Don Quijote lässt ihn in allem glänzende Abenteuer oder Magie sehen, Windmühlen für Riesen halten, ein Gasthaus – ein luxuriöses Schloss, ein Barbierbecken – für einen wunderbaren Helm, Sträflinge – für unterdrückte Ritter, eine Dame, die in einer Kutsche reitet – für eine entführte Prinzessin.

Alle Heldentaten von Don Quijote, die von ihm zur Wiederherstellung der Gerechtigkeit auf Erden durchgeführt werden, führen zu völlig entgegengesetzten Ergebnissen: Der Hirte Andres, für den sich Don Quijote eingesetzt hat, wird nach seiner Abreise noch schlimmeren Schlägen ausgesetzt; die von ihm freigelassenen Sträflinge zerstreuen sich, um wieder zur Geißel der Gesellschaft zu werden; ein absurder Angriff auf einen Trauerzug endet mit einem gebrochenen Bein eines unschuldigen Lizenziaten; der Wunsch, dem von den Mauren umgebenen spanischen Ritter zu helfen, führt zur Zerstörung des Puppentheaters, auf dessen Bühne dies dargestellt wurde. All diese Versuche von Don Quijote "beschützen", bete zum Himmel "Bestrafe und zerstöre seine Gnade mit allen Rittern, die jemals auf der Welt geboren wurden". Don Quijote wird beschimpft, geschlagen, beschimpft, verspottet und zu allem Überfluss von einer Schweineherde auf ihm herumgetrampelt. Schließlich kehrt der Ritter des traurigen Bildes, moralisch und körperlich erschöpft, in seine Heimat zurück, und dort, nachdem er schwer krank geworden ist, beginnt er vor seinem Tod klar zu sehen; Er wird wieder Don Alonso Quijana, der wegen seiner Taten der Gute genannt wird, verzichtet auf ritterlichen Unsinn und macht ein Testament zugunsten seiner Nichte, mit der Maßgabe, dass sie ihr Erbe verliert, wenn sie einen Mann heiratet, der Ritterromane liebt.

Satire auf Ritterromane war ein während der Renaissance weit verbreitetes Genre, aber Cervantes vertiefte die Situation und verkomplizierte das Bild der Hauptfigur. Zuallererst stattete er seinen Helden nicht nur mit negativen, sondern auch mit positiven Eigenschaften aus, und außerdem gab er ihm ein Doppelleben - in einem gesunden und in einem wahnhaften Zustand, was ihn zu fast zwei verschiedenen Charakteren macht. Außerdem hat Cervantes Don Quixote einen Gefährten gegeben, der ihn teils kontrastiert, teils ergänzt. Nicht zuletzt brachte Cervantes Don Quijote in ständigen und vielfältigen Kontakt mit dem wirklichen Leben.

Zunächst einmal hat Cervantes in seinem Roman nicht nur Ritterromane als verspottet Literarisches Genre sondern auch die Idee der Ritterlichkeit. Ritterromane verhöhnend, kämpfte er mit dem alten, feudalen Bewußtsein, das durch sie verstärkt wurde und in ihnen seinen poetischen Ausdruck fand. Er protestierte in seinem Roman gegen das gesamte Weltbild der herrschenden Elite Spaniens, das versuchte, es auf neuen Grundlagen wiederzubeleben "ritterlich" Ideen und vor allem gegen die feudale katholische Reaktion, die diese Ideen unterstützte.

Cervantes verurteilt nicht Don Quijote selbst, der mit Zügen von seltenem spirituellen Adel, Freundlichkeit und Klugheit ausgestattet ist, sondern jene wahnhaften ritterlichen Ideen, die die Fantasie des armen Hidalgo beflügelten. Letzteres konnte nur geschehen, weil Don Quijote ganz auf die Vergangenheit ausgerichtet ist. Diese Vergangenheit ist die Welt der Ritterlichkeit, die Don Quijote wiederherzustellen versucht. Er handelt blind, folgt vorgefertigten Normen und Regeln, die ihre Zeit überdauert haben, von ihm aus alten Büchern gelesen, er weiß nicht wie und will nicht mit realen Möglichkeiten, mit den realen Bedürfnissen und Anforderungen der Menschen, rechnen der tatsächliche Stand der Dinge.

Bei seinen Abenteuern scheitert Don Quijote nicht nur ständig, sondern sät auch Zerstörung um sich herum. Sein Wahnsinn ist umso gefährlicher, weil er ansteckend ist, wie das Beispiel von Sancho Pansa zeigt.

Wenn sich Cervantes jedoch über Don Quixote lustig macht, ist er gleichzeitig voller tiefer Sympathie für ihn. Die Mittel, die Don Quijote anwendet, sind absurd, aber das Ziel ist hoch. Cervantes betont auf jede erdenkliche Weise die hohen moralischen Qualitäten, die Uneigennützigkeit, die Großzügigkeit von Don Quixote, seinen aufrichtigen Wunsch, der Menschheit zu dienen. Laut Sancho Panza hat sein Herr "taubenherz". In Momenten der geistigen Erleuchtung, wenn Don Quijote seine ritterlichen Fantasien vergisst, ist er ungewöhnlich attraktiv - er ist mit allen leicht zu verstehen, außergewöhnlich menschlich und vernünftig. Seine Reden wecken die Bewunderung der Zuhörer, sie sind voll von hoher humanistischer Weisheit.

Bemerkenswert in dieser Hinsicht ist der Rat, den Don Quixote Sancho Panza gab, bevor er in die Regierung eintritt. "Gouverneursamt": „Schau in dich hinein und versuche, dich selbst zu kennen, und dieses Wissen ist das Schwierigste von allem, was sein kann. Wenn Sie sich selbst kennen, werden Sie nicht mehr schmollen wie ein Frosch, der mit einem Ochsen verglichen werden möchte.. Don Quijote fährt fort: „Sprich mit Stolz von deiner Männlichkeit, Sancho, und gestehe, ohne zu erröten, dass du aus der Bauernschaft stammst, denn es würde niemandem einfallen, dich damit zu beschämen, solange du dich dessen nicht schämst ... Denk daran, Sancho : Wenn Sie sich auf den Weg der Tugend begeben und versuchen, gute Taten zu vollbringen, müssen Sie die Taten von Fürsten und Senioren nicht beneiden, denn Blut wird vererbt und Tugend wird erworben und hat im Gegensatz zu ihm einen unabhängigen Wert Blut, das keinen solchen Wert hat.. An anderer Stelle lehrt Don Quijote Sancho: „Es gibt zwei Arten von Genealogien: andere stammen von souveränen Fürsten und Monarchen ab, aber ihre Familienlinie schrumpft und verengt sich im Laufe der Zeit allmählich, wie eine auf den Kopf gestellte Pyramide, andere stammen vom einfachen Volk, aber nach und nach erheben sie sich aus dem Tritt zu treten und schließlich Adlige zu werden. Der Unterschied zwischen ihnen besteht also darin, dass sie einmal waren, was sie jetzt nicht sind, und andere jetzt sind, was sie vorher nicht waren.. Oder mehr : "Tugend macht Blut edel, und eine Person von bescheidener Herkunft, aber tugendhaft, verdient mehr Respekt als edel, aber bösartig". Über die Freiheit sagt Don Quijote zu Sancho: „Die Freiheit, Sancho, ist eine der kostbarsten Gaben, die der Himmel über die Menschen ausgießt; keine Schätze sind damit vergleichbar: weder die, die in den Eingeweiden der Erde verborgen sind, noch die, die auf dem Grund des Meeres verborgen sind . Um der Freiheit willen wie um der Ehre willen kann und muss man sein Leben riskieren, und im Gegenteil, die Knechtschaft ist das größte aller Unglücke, die einem Menschen widerfahren können. Dafür sage ich dir, Sancho: Du hast gesehen, wie wir in dem Schloss, das wir gerade verlassen haben, gepflegt und von Zufriedenheit umgeben waren, und doch kam es mir persönlich vor, trotz all dieser üppigen Speisen und erfrischenden Getränke Ich ertrage die Qualen des Hungers, denn ich habe sie nicht mit dem gleichen Gefühl der Freiheit genossen, als ob es alles meins wäre, während die Verpflichtungen, die durch Wohltaten und Gnaden auferlegt werden, Fesseln sind, die die Freiheit des menschlichen Geistes einschränken».

Eine Ergänzung zum Bild von Don Quijote ist das Bild von Sancho Pansa. Es hat auch Präzedenzfälle in der mittelalterlichen Literatur. Cervantes schuf ein vielschichtiges, zutiefst realistisches Bild, das die wesentlichen Aspekte des damaligen spanischen Lebens widerspiegelt und für die Gesamtidee des Romans sehr wichtig ist. Auf den ersten Blick ist Sancho Pansa das genaue Gegenteil seines Meisters: Während Don Quixote sich körperlich verausgabt und danach sehnt, selbstlos zum Wohle der Menschheit zu arbeiten, versucht Sancho Pansa zuallererst, seinem Fleisch zu gefallen und sich selbst zu dienen. Er schläft und isst am liebsten (schon sein Name ist aussagekräftig: panza bedeutet auf Spanisch "Bauch"), er will Graf und Statthalter werden, er will, dass seine Frau Teresa Panza in einer vergoldeten Kutsche mitfährt. Sancho Panza träumt davon, wie er Herrscher werden wird, und fragt, ob er alle seine Untertanen in die Sklaverei verkaufen und das Geld in seine Tasche stecken kann. Er ist ganz in der Praxis, in der Gegenwart, während Don Quijote ganz in einem Traum von der Vergangenheit ist, die er wiederbeleben möchte. Aber gleichzeitig gibt es eine tiefe innere Ähnlichkeit zwischen ihnen, die sie zu den Söhnen eines Volkes und dem Produkt einer Epoche macht.

Ihr Schicksal ist ähnlich: Beide brechen, von ihren Fantasien hingerissen, von der Familie und einem friedlichen, gesunden Leben ab; um die Welt auf der Suche nach Glück zu durchstreifen, und beide werden schließlich von ihren Wahnvorstellungen geheilt, überzeugt, dass sie den Trugbildern ausgeliefert waren. Aber der Unterschied zwischen ihnen ist, dass Don Quijote von dem Traum gefesselt war, das Böse auf Erden auszurotten und von ritterlichem Ruhm, d.h. das alte Ritterideal in seiner klassischen Form, und Sancho Pansa wurde unter dem Einfluss des verrückten Don Quijote von der Idee des leichten Geldes, dem Geist des Abenteurertums, d. H. Verführt. moderne Form des ritterlichen Ideals - "Ritterlichkeit" anfängliche Akkumulation.

Es gibt auch einen Unterschied darin, wie sie von ihren Trugbildern heilen. Don Quijote bleibt trotz des Hagels des Scheiterns, der auf ihn niederprasselt, im Griff seiner ritterlichen Illusionen, bis schließlich der Schleier von seinen Augen fällt. Aber dieser zweite, gesunde Mensch, der in ihm lebt, entwickelt sich im Laufe des Romans unter dem Einfluss sowohl des Kontakts mit dem Leben als auch der Kommunikation mit der reinen Seele von Sancho Panza. Don Quixotes Reden in den Momenten der Erleuchtung seines Bewusstseins werden immer bedeutender und weiser, und parallel dazu wird er vertrauensvoller und offener zu seinem Knappen, bittet ihn immer öfter um Rat und Hilfe, und die soziale Distanz zwischen ihnen schrumpft, bis sie in den letzten Kapiteln überhaupt nicht mehr verschwindet.

Im Gegenteil, Sancho Panza ist lange vor dem Ende des Romans geistig und moralisch geheilt. Er wird von den Wahnvorstellungen befreit, die er von Don Quijote als Ergebnis schwerer Prüfungen erhalten hat, von denen die letzte seine war "Gouverneursamt". Bei der Verwaltung Ihrer "feste Insel" er trat bereits geheilt von der Gewinnsucht ein, die ihn zuvor besessen hatte, und dies geschah ihm teilweise unter dem Einfluss von Don Quijotes beständigem Beispiel von geistigem Adel und Güte. Sancho Panza begleitet Don Quixote auf dessen dritter Reise, nicht mehr aus Profitgründen, sondern aus herzlicher Zuneigung für seine Zuneigung zu seinem Herrn, den er aufrichtig liebte. Am Ende des Romans erinnert er sich nicht an das Gehalt, das er ihm schuldet. Unter dem Einfluss von Don Quijote wird Sancho freundlicher und großzügiger in seinen Beziehungen zu den Menschen, er wird nicht mehr von der Gier nach Bereicherung geleitet, sondern von der Liebe zur Gerechtigkeit und zur Menschlichkeit.

Im Allgemeinen sind sowohl für Don Quijote als auch für Sancho Panza seine Bereicherungsträume nur eine vorübergehende geborgte Hülle, die ihrer Natur zutiefst fremd ist. Beide sind die edelsten Vertreter des spanischen Volkes. Wenn der verrückte Don Quixote der Träger der höchsten humanistischen Ideen ist, dann ist der naive, fröhliche Kerl Sancho Pansa die Verkörperung von Volksweisheit und moralischer Gesundheit. Beide sind einander sehr nahe, was besonders in der Episode der Statthalterschaft von Sancho Pansa deutlich wird, wo sich die edlen humanistischen Ideale von Don Quijote mit Sanchos praktischer Vernunft, Ehrlichkeit und gesunder Menschlichkeit kreuzen. Ein weiterer Moment ihrer tiefen und bereits endgültigen Annäherung ist das Finale des Romans, als Sancho Pansa sich unter Tränen von dem sterbenden Meister verabschiedet, der sich von seinen Wahnvorstellungen befreit hat und nicht mehr Don Quijote von La Mancha ist, sondern wieder - Alonso Quixana der Gute.

Es ist sehr charakteristisch, dass in einem Roman, in dem es mehrere hundert Personen gibt, nur sehr wenige Vertreter der Aristokratie gezeigt werden, und wenn sie auftreten, werden sie in den gemeinsten und allgemeinsten Strichen umrissen. So sind der Herzog und die Herzogin im zweiten Teil, wie Marionetten im Vergleich zu den übrigen Figuren des Romans, hell und lebhaft. Cervantes lässt auf sehr subtile Weise die ganze Leere und Langeweile ihres großartigen, von Zeremonien erfüllten Lebens spüren, wodurch sie sich über das Treffen mit Don Quijote und seinem Knappen als willkommenen Spaß freuen.

Einige vage Haltung von Cervantes gegenüber dem Klerus, obwohl seine Äußerungen zu diesem Thema auch äußerst verschleiert sind. BEI "Don Quijote" Spirituelle Personen werden in ihrer spezifischen Praxis überhaupt nicht gezeigt. Abgesehen von einer gewissen Anzahl von Mönchen, Theologiestudenten und Priestern, die als Statisten an Don Quijotes Straßenabenteuern teilnehmen, gibt es im ganzen Roman nur einen Geistlichen, der eine bestimmte Physiognomie hat - das ist ein Freund von Don Quijote, ein Priester desselben Dorf, in dem der Held lebt, aufgeklärt und vernünftig, immer in der Lage, gute Ratschläge zu geben, der bei einer Inspektion der Bibliothek von Don Quijote einen feinen literarischen Geschmack entdeckte, sich um die Angelegenheiten von Don Quijote und seine Genesung kümmert, er ist nichts wie ein Priester, und niemand hätte seine Zugehörigkeit zu dieser Gesellschaft vermutet, wenn nicht wegen seiner Kleidung.

Wenn Cervantes es vermeidet, in seinem Roman die Spitzen der Gesellschaft und den Klerus darzustellen, dann gibt er darin ein breites Bild des Volkslebens, indem er wahrheitsgemäß und farbenfroh Bauern, Handwerker, Maultiertreiber, Hirten, arme Studenten, Soldaten, Wirtshausmädchen usw. All diese kleinen Leute, die laufen „nur mit den Füßen auf dem Boden“, schildert er sachlich und abwechslungsreich, ohne die Unhöflichkeit, Habgier, Streitsucht, Schwindelsucht vieler von ihnen zu verschweigen, betont aber gleichzeitig den riesigen Vorrat an Fleiß, Tatendrang, Optimismus und Gutmütigkeit, der in ihnen schlummert. Cervantes ist voller Vertrauen und aufrichtiger Sympathie für all diese Menschen, er versucht, sie von der guten Seite zu zeigen. Das unhöfliche Wirtshausmädchen Maritornes kauft dem armen Sancho Panza mit ihren letzten Groschen einen Krug Bier. Die Wirtin des Gasthauses behandelt den von den Maultiertreibern geschlagenen Don Quijote sorgfältig. Cervantes stellt diesem halbverarmten, aber voll lebendiger Schaffenskraft Spanien das offizielle Spanien entgegen, räuberisch, arrogant und fromm, sich idealisierend in pompösen Bildern von Ritterromanen oder zuckersüßen Bildern von Hirtenromanen.

In all diesen Szenen, die den Haupthintergrund des Romans bilden, werden Elemente eines gesunden Lebens gegeben, die weiter entwickelt werden können. Dazu kommen mehrere eingefügte Kurzgeschichten, die teils in tragischen, teils in sentimentalen Tönen poetisiert höchste, sehr komplexe Formen des Lebens darstellen. Diese Kurzgeschichten wiederholen einige der Episoden der Hauptgeschichte. Der Zweck dieser Kurzgeschichten ist es, die Möglichkeit edler und schöner Formen menschlicher Aktivität auf einer rein realen Grundlage gesunder Gefühle und Konzepte aufzuzeigen, im Gegensatz zum ritterlichen Unsinn von Don Quijote.

Die tiefe Nationalität von Cervantes' Roman liegt in der nachdenklichen und sympathischen Darstellung des breiten Hintergrunds. Volksleben; in der Annäherung von Don Quijote an Sancho Panza, indem er die kreativen Möglichkeiten aufzeigte, die in diesem Sohn des spanischen Volkes lauern; in einer klaren und nüchternen Lebenseinstellung; in der Anprangerung jeglicher gesellschaftlicher Unwahrheit und Gewalt; in tiefer Liebe und Achtung für die Person, von der dieses Buch spricht; in dem Optimismus, den sie atmet, trotz der traurigen Natur der meisten ihrer Episoden und der Traurigkeit, die sie durchdringt.

All dies entspricht der wunderbar realistischen Sprache des Romans, klar, bunt, reich an Schattierungen, die viele Elemente der Volkssprache aufgenommen hat. Die Sprache der Charaktere von Cervantes ist je nach sozialem Status und Charakter unterschiedlich. Der Kontrast zwischen der gemessenen und wichtigen, manchmal sogar etwas archaischen Sprache von Don Quixote und der nicht immer korrekten, aber saftigen und ausdrucksstarken, mit Sprichwörtern, Redewendungen, Zwischenrufen durchsetzten, wahrhaft volkstümlichen Sprache von Sancho Panza ist besonders deutlich. Auch die Sprache der Figuren ändert sich bei Cervantes je nach Situation oder Gemütszustand der Sprecher, nimmt oratorische, umgangssprachliche, pathetische, scherzhafte oder vertraute Konnotationen an.

Cervantes hat die wichtigsten Trends und Probleme seiner Zeit auf brillante Weise eingefangen. Er fasst sie in den Bildern der beiden Hauptfiguren seines Romans zusammen und verleiht ihnen einen großen universellen Inhalt. Damit zentrale Bilder des Romans, die den tatsächlichen Zustand Spaniens im 16.-17. Insbesondere da Cervantes, der seinen Roman unter den Bedingungen der Krise des Humanismus schrieb, darin mit großer Eindringlichkeit die Kollision der idealen Bestrebungen des menschlichen Geistes mit der Welt der Eigeninteressen und persönlichen Interessen widerspiegelte, "Don Quijote" wurde für zukünftige Generationen von Denkern und Schriftstellern zu einem Modell des Gegensatzes zwischen dem Ideal und "Grundrealität".

Bedeutung "Don Quijote" für die Weiterentwicklung des europäischen Romans ist sehr groß. Mit der Zerstörung des alten Ritterromans legt Cervantes zugleich den Grundstein für einen neuen Romantypus, der einen gewaltigen Schritt in der Entwicklung des künstlerischen Realismus bedeutet.

Roman Cervantes war zu Beginn des XVII Jahrhunderts. ein Ausnahmephänomen, das seiner Zeit weit voraus war. Erst im 18. und besonders im 19. Jahrhundert wurde er wirklich verstanden und konnte einen wirklichen Einfluss auf die europäische Literatur haben, als eine höhere Form des Realismus möglich wurde. Von diesem Moment an Ideen, Bilder, Erzählweise, allgemeiner Ton und individuelle Stilmerkmale "Don Quijote" fand eine breite Resonanz in der europäischen Literatur. Von den Schriftstellern, auf die der Einfluss von Cervantes besonders ausgeprägt war, kann man Fielding, W. Scott, Dickens, Gogol nennen.