Unbekanntes Meisterwerk. Ein unbekanntes Meisterwerk der europäischen Kultur Perfekt gegen einen vollendeten Balzac, ein unbekanntes Meisterwerk

Balzac hat eine Kurzgeschichte „The Unknown Masterpiece“ – eine Geschichte über den Künstler; Greis Frenhofer ist ein kollektives Bild des Genies der Malerei. Einen solchen Maler gab es in Wirklichkeit nicht, Balzac schuf einen idealen Schöpfer, legte ihm Manifeste in den Mund, die an Radikalität alles übertreffen, was später in Avantgarde-Kreisen gesagt wurde; Frenhofer (also der Autor selbst, Balzac) hat sich tatsächlich eine neue Kunst ausgedacht.

Er sprach als erster von der Synthese von Zeichnung und Malerei, Licht und Farbe, Raum und Objekt; Er war der erste, der eine einfache – aber so unglaublich kühne Idee zum Ausdruck brachte: Kunst sollte eine autonome Realität bilden, die von der Realität getrennt ist. Und wenn dies geschieht, wird die Realität der Kunst die Realität des Lebens beeinflussen, sie verändern. In allen früheren Epochen galt die Kunst als Spiegel des Lebens. Optionen sind möglich: Idealisierung, Spiegelbild, kritische Reflexion – aber die von Platon fixierte Nebenstellung gegenüber der Realität wurde nie in Frage gestellt. Dass das Schöne in Disziplinen unterteilt ist: Malerei, Bildhauerei, Poesie, Musik – hängt gerade damit zusammen, dass die Kunst eine Art Servicefunktion gegenüber dem Leben erfüllt und in einem Bereich, dann in einem anderen benötigt wird. Aber wenn die Kunst allumfassend wird, wird ihre dienende Rolle verschwinden.

Das Gesamtkunstwerk ist ein Versuch, seinen Status zu ändern. Die Synthese aller Künste ist, was sie ist Der Grundgedanke Vorhut; Kunst, in der Tat ersetzte die Avantgarde die Religion. Die Idee des Gesamtkunstwerks war lange vorbereitet – Goethe schrieb über die Leuchtkraft der Farbe, etwas über das Gesamtkunstwerk findet sich bei Wölfflin; Überhaupt stellt die deutsche Aufklärung das Problem der Synthese. Aber es ist eine Sache, ein Problem aufzuwerfen, eine ganz andere, seine praktische Lösung vorzuschlagen. Balzac, der selbst ein Genie war (obwohl in der Literatur, aber es ist fast dasselbe - guter Schriftsteller malt mit einem Wort), beschrieb das Genie der Malerei und seine Arbeitsweise; Methode - das heißt, wie genau es notwendig ist, Striche zu setzen, damit die gewünschte Synthese erscheint. Beweise sind erhalten geblieben: Als Cezanne ein paar Absätze aus dem „Unbekannten Meisterwerk“ (vorgelesen von Emile Bernard) vorgelesen wurden, fand Cezanne vor Aufregung nicht einmal Worte; Er drückte nur seine Hand auf seine Brust - er wollte zeigen, dass die Geschichte über ihn geschrieben wurde.

Es war genau Cezanne, der seine Striche auf diese Weise positionierte – er schlug mit einem Pinsel an einer Stelle, dann an einer anderen und wieder dort, in der Ecke der Leinwand, um den Eindruck einer sich bewegenden Luftmasse zu erzeugen, die mit dicker Luft gefüllt war mit Farbe; es war Cezanne, der äußerst verantwortungsvoll mit jedem Fleck umging - unbemalte Zentimeter blieben auf seinen Leinwänden: Er beschwerte sich, dass er nicht wusste, welche Farbe er auf dieses Stück Leinwand auftragen sollte. Dies geschah, weil Cezanne einem farbigen Strich gleich mehrere Funktionen abverlangte: Farbe zu vermitteln, räumliche Ferne zu fixieren, Element in der Konstruktion eines gemeinsamen Gebäudes der Atmosphäre zu werden.

Und als Bernard zuhörte, wie er ihm eine Beschreibung von Frenhofers Arbeit vorlas (punktuelles Berühren mit einem Pinsel an verschiedenen Stellen der Leinwand: „Pang! Bang! Meine Striche! Wie sich herausstellt, ist er auf dem richtigen Weg: Schließlich hat er genau so gearbeitet.

Jeder Strich von Cezanne ist eine Synthese von Farbe und Licht, eine Synthese von Raum und Objekt – es stellt sich heraus, dass Balzac diese Synthese vorausgesehen hat. Der Weltraum ist der Süden, Italien, blaue Luft, eine von Paolo Uccello erfundene Perspektive. Das Objekt ist der Norden, Deutschland, eine ätzende Zeichnung von Dürer, eine durchdringende Linie, eine wissenschaftliche Analyse. Nord und Süd zerfielen politisch, Religionskriege festigten die Zersetzung: Der Süden war katholisch, der Norden protestantisch. Dies sind zwei unterschiedliche Ästhetiken und zwei unterschiedliche Argumentationsstile. Den Süden und den Norden miteinander zu verschmelzen, war seit Karl dem Großen der Traum eines jeden Politikers, und das uralte politische Drama Europas besteht darin, dass man versuchte, das zerfallende karolingische Erbe zusammenzufügen, und das hartnäckiges Erbe zerbröckelte, gehorchte dem politischen Willen nicht; Otto, Heinrich der Fowler, Karl der fünfte Habsburger, Napoleon, de Gaulles Projekt der Vereinigten Staaten von Europa – all dies wurde um des großen Einigungsplans willen begonnen, um der Synthese von Raum und Objekt, Süden und Norden.

Aber wenn die Politiker es ungeschickt und manchmal sogar ungeheuerlich gemacht haben, dann ist der Künstler verpflichtet, die Lösung auf einer anderen Ebene zu zeigen. Durch den Mund Frenhofers wurde ein Vorwurf an die europäische Kunst jener Zeit formuliert, die unmittelbar an die Renaissance anschließt. Das war eine Zeit ohne kohärentes Programm: Das Heilige Römische Reich zerfiel in Nationalstaaten, der Einheitsplan der Renaissance starb. Die Didaktik der Renaissance wurde durch manierierte Genreszenen ersetzt. Kunsthistoriker nennen "Manierismus" manchmal einen Zwischenstil zwischen Renaissance und Barock, manchmal nennen sie den Barock eine Art Manierismus, der sich zu einem staatlichen Maßstab entwickelt hat.

Es war eine halbsaisonale, eklektische Ära; Europa suchte sich selbst. Der französischen Kunst zugewandt bezieht sich Frenhofers Vorwurf auf die gesamte europäische Kunst zwischen den Köpfen als Ganzes – das ist eine Diagnose. „Sie schwankten zwischen zwei Systemen, zwischen Zeichnung und Malerei, zwischen der phlegmatischen Kleinlichkeit, grausamen Präzision der alten deutschen Meister und der schillernden Leidenschaft und wohlwollenden Großzügigkeit italienischer Künstler. Was ist passiert? Sie haben weder den herben Charme der Trockenheit noch die Illusion des Hell-Dunkels erreicht. Und dann entwickelt Frenhofer die Idee der Synthese – er lernte von seinem Lehrer, dem mysteriösen Mabuse; der Künstler Mabuse besass angeblich das Geheimnis der Synthese von Nord und Süd („O Mabuse, großer Lehrer, du hast mein Herz gestohlen!“).

Mabuse ist der Spitzname des echten Künstlers Jan Gossaert, eines klassischen burgundischen Malers und Schülers von Gerard David. Balzac hinterlässt uns bewusst eine so genaue Adresse seiner Utopie – er gibt der idealen Malerei eine spezifische Registrierung. Es bleibt nur zu verfolgen, worauf Balzac genau hindeutet. Generell hat die Kunstgeschichte, wie das Alte Testament, die Eigenschaft, die gesamte Chronologie der Menschheit darzustellen. Keine einzige Minute ausgelassen. „Abraham gebar Isaak“ und so weiter durch alle Clans und Stämme – wir können die Jungfrau Maria leicht erreichen; in der Kunstgeschichte genau dasselbe; Man muss aufpassen, nichts zu verpassen. Jan Gossar, mit Nachnamen Mabuse, studierte bei Gerard David, der bei Hans Memling, dem großen Künstler von Brügge, studierte, und Hans Memling war ein Schüler des unvergleichlichen Roger van der Weyden und Roger bei Robert Campin; Diese Namensliste ist vielleicht die bedeutendste in der Geschichte der Weltkunst.

Es genügt zu sagen, dass das italienische Quattrocento ohne Roger van der Weyden, der die Künstler der italienischen Renaissance durch sein persönliches Beispiel erzogen hat, anders gewesen wäre. Alle oben aufgeführten Künstler werden manchmal als "frühe niederländische Meister" bezeichnet - dies ist eine ungenaue Bezeichnung: Zu dieser Zeit existierten keine Niederlande; Die erwähnten Meister sind Bürger des Herzogtums Burgund, eines mächtigen Staates, der die Länder des modernen Frankreichs (Burgund), der modernen Niederlande und Belgiens sowie Norddeutschlands (Friesland) vereinte. Die ästhetischen Anschauungen dieser Menschen, ihre Malweise, der figurative Aufbau ihrer Werke – gehört keineswegs zur niederländischen Malerei (bei der niederländischen Malerei denken wir unwillkürlich an die Schule von Rembrandt oder Vermeer); aber in diesem Fall sind die ästhetischen Prinzipien völlig andere, völlig unähnlich der späteren holländischen Kunst.

Das Ende des 14. Jahrhunderts entstandene Herzogtum Burgund vereinigte Süd- und Nordeuropa, verband auf natürlichste Weise die Traditionen Frankreichs und Hollands – dementsprechend war die Kunst des mittelalterlichen Burgunds die gewünschte Synthese, die den Charakter ausmachte von Balzac spricht. Es war eine Kombination aus großzügiger Farbe und trockener Form; eine Kombination aus einer endlos sonnigen Perspektive und einer lakonischen, willensstarken Charakterisierung. Die Helden der burgundischen Malerei sind in der Regel Leute der Ritterklasse und ihre Damen; die Künstler beschreiben das Leben des zeremoniellen Hofes – und der Hof von Burgund übertraf damals den Hof von Frankreich an Pracht und Reichtum. Grundlage für die Entstehung des Herzogtums Burgund war eine ritterliche Heldentat: In der Schlacht von Poitiers ließ der 14-jährige Sohn des französischen Königs Johann II., Philipp, seinen Vater in einem Moment tödlicher Gefahr nicht im Stich. Sie kämpften zu Fuß, umgeben von Reitern; allein gelassen - die älteren Brüder und Seneschalls flohen.

Der Teenager stand hinter seinem Vater, schützte seinen Vater vor einem heimtückischen Schlag und warnte, als er sich umsah: „Herr, Vater, die Gefahr ist rechts! Souveräner Vater, die Gefahr ist links! Diese große Episode der Geschichte (übrigens von Delacroix festgehalten – siehe das Gemälde „Die Schlacht von Poitiers“) war der Grund dafür, dass Philipp der Tapfere, der jüngste von vier Söhnen, der die Krone nicht bekommen konnte, die Krone erhielt Herzogtum. Burgund wurde in Apanage gegeben (dh in freie Verwaltung, bis Philipps Dynastie unterbrochen wurde). So entstand ein von Frankreich getrenntes Territorium, so entstand ein Staat, der schnell zum mächtigsten Mitteleuropas wurde. Als Philipps Enkel, Herzog Karl der Kühne von Burgund, ein Rivale von Ludwig XI. von Frankreich wurde und anfing, darüber zu streiten, wem Burgund, Frankreich oder umgekehrt gehört, war die Überlegenheit Burgunds zu diesem Zeitpunkt in vielerlei Hinsicht offensichtlich geworden. Die Tatsache, dass das Herzogtum seine Entstehung der Ritterleistung verdankte, machte den Ritterkodex zu einer Staatsideologie. Dies ist ein sehr seltsames Phänomen für das feudale Europa und noch mehr für das damals entstehende absolutistische Europa. Die Hierarchie der Beziehungen zwischen dem Vasallenadel und dem König (Monarchen - und Barone, Zaren - und Bojaren), die die Haupthandlung anderer europäischer Höfe war, wurde in Burgund durch ritterliche Etikette ersetzt. Die Ausdehnung der Territorien durch erfolgreiche Heiraten, die Freiheit und der Reichtum der Handwerksbetriebe - all dies unterschied Burgund von jenen Ländern, die Land auf Kosten des reichlichen Blutes von Vasallen beschlagnahmten, deren Rechte unter den Bedingungen des Hundertjährigen Krieges null und nichtig wurden.

Burgund manövrierte im Hundertjährigen Krieg, grenzte an die eine oder andere kriegführende Seite an und stellte sich oft auf die Seite der Briten. Die gleiche Taktik – die es dem Herzogtum ermöglichte, zu wachsen und seine Unabhängigkeit zu bewahren – wurde von den Städten des Herzogtums selbst übernommen, die für sich und ihre Werkstätten so viele Rechte forderten, wie die Städte der Nachbarstaaten nicht träumen konnten. Das formelle Verwaltungszentrum des Herzogtums war in Dijon, aber der höfische Hof reiste, wechselte oft die Hauptstadt und schuf ein kulturelles Zentrum in Dijon, dann in Gent, dann in Brügge, dann in Brüssel, dann in Antwerpen. Das bedeutet nicht, dass sich das intellektuelle Zentrum ständig verschiebt - so wurde bald nach dem Zusammenbruch des Herzogtums Burgund nicht Brüssel, nicht Antwerpen und nicht Brügge zu einem solchen Anziehungspunkt für die Künste, sondern Lyon wurde zu einem solchen, die für einige Zeit zu einem Hort humanistischen Wissens wurde. François Rabelais, Bonaventure Deperrier und andere suchten Zuflucht in Lyon, die aus Paris geflohenen Humanisten gruppierten sich um den seltsamen Hof von Margarine von Navarra. Verschiedene Städte sind immer wieder zu neuen Anziehungspunkten geworden: Die geistige Geographie Europas ist gesättigt. Aber in diesem Fall sprechen wir über etwas anderes; Das Herzogtum Burgund, das die Traditionen lateinischer Höflichkeit und niederländischer Pedanterie vereinte, war die Synthese, um die Frenhofer besorgt war; daher die räumlichen Bewegungen des Hofes.

Die angestrebte Einheit von Personalismus und öffentlicher Moral, Buntheit und Geradlinigkeit - war der burgundischen Kultur allein durch die Entstehung dieses fremden Landes innewohnend; Es war eine sehr mobile Kultur. Es entstand eine besondere Kombination aus höfisch-südländischer Leichtigkeit, ererbt von der französischen Kulturkomponente, und nordischer Strenge, die in der bildenden Kunst ein markantes Ergebnis lieferte.

Der Künstler des Herzogtums Burgund - er war natürlich ein Hofkünstler, aber es gab keinen unveränderlichen Hof, die Beziehungsstruktur erinnerte eher an Beziehungen innerhalb der damaligen italienischen Stadtstaaten als beispielsweise der Escorial von Madrid oder der Hof von London. Van Eycks arbeitete in Gent, Menling in Brügge, van der Weyden verbrachte sein Leben auf Reisen und wechselte Städte; gibt es eine Definition des Historikers Huizinga: „Französisch-Brüsseler Kultur“ – diese Kombination symbolisiert unter anderem eine Art Flexibilität im Verhältnis zum kulturellen Muster. Die Kultur eines solchen symbiotischen Landes verband natürlich das Unvereinbare, erreichte, wovon der Balzac-Held träumte.

Wir können sagen, dass in solcher Kunst die Quintessenz des europäischen Bewusstseins offenbart wurde. Die Burgundermalerei ist leicht von den anderen zu unterscheiden. Du befindest dich in einem Saal mit burgundischen Meistern, und deine Wahrnehmung wird schärfer: Das passiert zum Beispiel bei unerwartet hellem Licht: Du siehst Gegenstände plötzlich klar; das passiert, wenn man einen sehr klaren philosophischen text liest, wenn der autor einfache worte findet, um konzepte zu bezeichnen. Man betritt den Saal mit Gemälden von Robert Campin, Roger van der Weyden, Dirk Boats, Hans Memling – und man hat das Gefühl, dass einem nur das Wesentliche erzählt wird, manchmal unangenehm und kratzbürstig, aber so, dass man es unbedingt wissen muss.

In der burgundischen Malerei ist der Begriff „Pflicht“ extrem stark ausgeprägt – wahrscheinlich geerbt vom ritterlichen Codex. Was ein italienischer, niederländischer, deutscher Künstler möglicherweise nicht bemerkt (eine Falte, Schwellung, Krümmung usw.), wird der Burgunder an prominenter Stelle platzieren. Scharfe Kanten, kratziger Kunststoff, präzise Details – es gibt keine Linie, die nicht zu Ende gedacht ist. Das Thema des heiligen Sebastian wird wegen des durchdringenden Schmerzes geliebt: Memling malte die Hinrichtung des Heiligen mit der gleichen Grausamkeit, wie Goya „Die Hinrichtung am 3. Mai“ darstellte: Die Peiniger schießen aus nächster Nähe aus ihren Bögen. Sie schießen und wählen einen Ort, an dem sie einen Pfeil schießen. Und so eine durchdringend ätzende Haltung gegenüber dem Thema ist Hauptmerkmal Burgundische Kunst. Die Ansichten der Charaktere sind konzentriert und erweitert und erstrecken sich durch das Bild bis zum Studiengegenstand; die Gesten sind schnell und zupackend, die Klingen der Schwerter schmal und geschliffen. Hohe Wangenknochen, Adlernasen, lange Greiffinger. Von stacheligen Blicken - Aufmerksamkeit für Details; Die Burgundermalerei ist wählerisch in Bezug auf Gedankenschattierungen und Stimmungsnuancen. Es reicht ihnen nicht, pauschal zu sagen, diese Maler – alles muss so genau wie möglich erzählt werden.

In einer solchen Atmosphäre entsteht eine Bildsprache, die zur Quintessenz des europäischen Weltbildes geworden ist – Burgund war der Erfinder der Ölmalerei. Nur diese Technik kann die Nuancen von Gefühlen vermitteln. Es geht nicht um detailliertes Zeichnen: Ein kleines Detail kann mit Tempera gemalt werden, aber die Schwingung der Stimmung, der Übergang der Emotion kann nur mit Ölfarben dargestellt werden. Ölgemälde gibt an, was ein komplexer Satz mit Adverbialsätzen in der Literatur ergibt: Sie können das Gesagte hinzufügen, verstärken und verdeutlichen.

Es entstand eine komplexe Schrift in mehreren Schichten; das Sprechen wurde extrem erschwert; Auf hellem Untergrund begannen sie mit Lasuren (also transparenten Schichten) zu malen. So entstand im 15. Jahrhundert in Burgund auf der Grundlage der Synthese von Nord- und Südeuropa eine anspruchsvolle Kunstsprache, Ölgemälde, ohne die ein hochentwickeltes europäisches Bewusstsein nicht vorstellbar ist. Die Gebrüder van Eyck erfanden die Technik der Ölmalerei – sie begannen, das Pigment mit Leinöl zu verdünnen. Früher war die Farbe deckend, undurchsichtig; die Farbe könnte hell sein, aber niemals komplex; nach Van Eyck hörte die europäische Aussage auf, deklarativ zu sein, und wurde nachdenklich, multivariat. Die Technik der Ölmalerei verkörpert das Universitäts- und Domeuropa, in ihrer Komplexität gleicht die Ölmalerei der gelehrten Auseinandersetzung der Scholastiker. So wie Universitäten die Reihenfolge der Problemdiskussion annahmen, so erhielt auch die Aussage des Künstlers eine innere Logik und zwingende Weiterentwicklung: These-Antithese-Synthese. Das Malen mit Ölfarben nahm eine Abfolge an: Definition eines Themas, Prämisse, Hauptthese, Entwicklung, Gegenargument, Verallgemeinerung, Schluss.

Dies wurde erst möglich, als die transparente Substanz der Farbe zum Vorschein kam. Ölgemälde wurden aus Burgund entlehnt und vom sizilianischen Meister Antonello de Messina, der mehrere Jahre in Burgund verbrachte und dann in Venedig arbeitete, nach Italien transportiert. Die Technik der Ölmalerei wurde von den Meistern des italienischen Quattrocento übernommen, die Ölmalerei verdrängte Fresko und Tempera und veränderte die venezianische und florentinische Malerei. Ohne die Technik der Ölmalerei gäbe es keinen komplexen und bedeutungsvollen Leonardo, erst Öl machte sein Sfumato möglich.

Die ganze Komplexität der europäischen Malerei – und die europäische bildende Kunst ist gerade durch die Komplexität des Ausdrucks wertvoll – ist nur dank der Technik der Brüder Van Eyck möglich. Weder das Zwielicht von Rembrandt noch das Tenebroso von Caravaggio wären in einer anderen Technik möglich gewesen - ebenso wenig wie die freie Silbe von Erasmus ohne die Regeln der universitären Diskussion unmöglich gewesen wäre (übrigens arbeitete Erasmus von Rotterdam auf dem Territorium von das Herzogtum Burgund). An dieser Stelle ist anzumerken, dass die moderne glamouröse bildende Kunst als Erstes die Ölmalerei aufgegeben hat: Komplexität und Mehrdeutigkeit sind zu einer Belastung für die Mode geworden. In jenen Jahren symbolisierte die Ölmalerei das Aufblühen Europas, den Erwerb eigene Sprache.

Entscheidend für die Ästhetik der Renaissance war der Aufenthalt von Roger van der Weyden am Hof ​​von Ferrara in Norditalien. Herzog Lionello de Este, der Herrscher von Ferrara, brachte die größten Meister des Jahrhunderts zusammen – Roger van der Weyden wurde aus Burgund berufen. Er war älter als die dort tätigen Kollegen Andrea Mantegna, Giovanni Bellini und Cosimo Turo; van der Weydens Einfluss auf die Italiener war vernichtend – er prägte der italienischen Renaissance eine besondere Intonation. Dies ist eine feste, etwas trockene, zurückhaltende Art, die übermäßig laute Phrasen vermeidet; das ist die ruhige Rede eines starken Mannes, der keine gehobenen Töne braucht – sondern mit einer unaufhaltsamen Sequenz Spannung aufpumpt. Die Art von Roger van der Weyden versuchte Van Gogh in der Charakterisierung der frühen Meister auszudrücken, als er schrieb: „Es ist erstaunlich, wie man cool bleiben kann, wenn man eine solche Leidenschaft und Anstrengung aller Kräfte erlebt.“

Ausgewählte italienische Meister lernten dies von Roger. Die geballte Leidenschaft von Andrea Mantegna, die unterdrückte Hysterie von Cosimo Turo, das trockene Pathos von Bellini - das haben sie vom ritterlichen van der Weyden gelernt; und das sind die Eigenschaften der ritterlichen burgundischen Kultur. Die Kombination aus raffiniertem (komplexem, anspruchsvollem Wissen) und hysterischer Erfahrung ist eine sehr seltsame Kombination. Gewöhnlich setzt der Ernst religiöser Kunst Unmittelbarkeit des Ausdrucks, Kürze des Schreibens voraus; die Ikone des Erlösers das feurige Auge zeigt uns das Gesicht des Erlösers, der direkt und wütend blickt, die Madonna Misericordia (slawisches Analogon: Unsere Liebe Frau der Zärtlichkeit) bedeckt das Leiden mit einer himmlischen Oriflamme (russischer Laut: die Hülle der Jungfrau ) demütig und leise. Aber die burgundischen Heiligen und Märtyrer von Mantegna erleben den Glauben als persönliche Leistung, geben sich dem Glauben hin mit jener Leidenschaft, die an Ekstase grenzt. Das ist kein Manierismus, kein Gehabe, das ist nur ein ritterliches Ritual, das heilig geworden ist; die Verbindung von himmlischer Liebe und irdischer Liebe, die für die ritterliche Ethik selbstverständlich ist - (siehe Puschkin: „Er hat sich statt eines Schals einen Rosenkranz um den Hals gebunden“).

Die burgundische Bildhauerei stellt sich diesen beiden Prinzipien der Aphrodita Urania – Aphrodita Pandemos nicht entgegen, sondern findet die Einheit rein natürlich. Der Kult der Schönen Frau verkörpert auch religiöse Ekstase; Dame des Herzens - repräsentiert die Mutter Gottes; Höfische Liebe ist weltliches Ritual und Gebet zugleich. Dies ist für die Ästhetik des Burgunds, der ritterlichen Kultur des Mittelalters, die sich dem Humanismus näherte, von großer Bedeutung; wir sind es gewohnt, den Weg des europäischen Humanismus von der Antike bis zur italienischen Renaissance und von dort über den Protestantismus bis zur Aufklärung aufzuzeichnen; aber das Herzogtum Burgund existiert parallel zum Florenz der Medici – ebenso schön und ebenso kurz ist die Geschichte Burgunds; dieser helle Blitz ist - wie die Venezianische Republik, wie die Medici Florenz - eine Art kulturelles Experiment.

Die burgundische Kunst war gotisch und sinnlich zugleich, religiös und höfisch zugleich. Die Gotik verleugnet den natürlichen Anfang, die Gotik strebt nach oben, der Himmel durchbohrt den Himmel mit den Türmen der Kathedralen, gotische Helden bestehen aus Adern und Pflicht, Fleisch und Freude existieren nicht. Und die burgundischen Helden haben eine besondere Art – ihre Leidenschaft ist sowohl irdisch als auch ekstatisch. Wenn Sie die Essenz der burgundischen Manier in einem Satz ausdrücken, müssen Sie sagen: Das ist die Erfahrung des religiösen Prinzips als persönliche sinnliche Erfahrung, das ist weltliche Religiosität, das heißt, was den Ritterkodex auszeichnet. Leidenschaft für die Mutter Gottes wie für die Dame des Herzens – dieser Ritterkodex bildete die Grundlage für den ästhetischen Kanon der burgundischen Kunstsprache.

Betrachtet man die Gemälde der burgundischen Meister, so scheint es, dass in diesen Jahren im Zentrum Europas ein besonderer Menschenschlag gezüchtet wurde – allerdings überrascht uns die besondere Plastizität der Venezianer in den Gemälden Tintorettos, die abgerundeten Linien, nicht der Figuren und der zähflüssigen Farbigkeit der Luft; Warum also nicht in den Gemälden burgundischer Künstler in jeder Geste, in der Plastizität der Charaktere, ihren eigenen außergewöhnlichen kulturellen Hybriden sehen? So entstanden asketische Gesichter, typisch für die Bilder von Dirk Boats oder Hans Memling – etwas langgestreckte Gesichter, mit tief eingesunkenen, ernsten Augen; lange Hälse, elgrekische Proportionen langgestreckter Körper.

Dies ist keineswegs eine Idealisierung; die Burgunder hatten viel weniger davon als ihre italienischen Kollegen; die Verlosung ihrer Gönner Robert Campin und Roger van der Weyden kamen ihnen in jeder Hinsicht zugute. Die Ritterschaft des burgundischen Hofes (der Hauptorden der ritterlichen Tapferkeit - der Orden vom Goldenen Vlies - wurde hier 1430 gegründet), die unabhängige Position des Herzogtums wurde durch Intrigen unterstützt; die Politik des Manövrierens ist moralischem Verhalten nicht förderlich.

Jeanne d'Arc wurde von den Burgundern gefangen genommen und an die Briten verkauft, um den Märtyrertod zu erleiden. Van der Weyden hinterließ der Nachwelt ein Porträt von Herzog Philipp dem Guten – der den Orden vom Goldenen Vlies gründete und die Jungfrau von Orleans verriet – vor uns steht ein gepflegter, aus moralischer Geringfügigkeit bleicher Mann, der sich einbildet, er sei ein Demiurg. Van der Weyden schrieb, Francisco Goya oder George Gross vorwegnehmend, gnadenlos und bissig. Aber das Wesen seiner Kunst - blieb unverändert, ob er einen Heiligen oder einen würdevollen Schurken malte. Seltsam für uns heute, die Verschmelzung von sinnlichen und südlichen und nördlichen Kulturprinzipien – im Grunde war es nichts weiter als die eigentliche „europäische Idee“, für die sich Europa zu jeder Zeit einig war. Als das Herzogtum Burgund zerfiel und die nationalen Künste entstanden, die wir heute als holländisch und flämisch kennen, konnten sie diese Synthese nicht mehr zeigen. Nach dem Tod Karls des Kühnen wurden die Niederlande an Spanien abgetreten, Ludwig XI. von Frankreich gab die burgundischen Ländereien an die französische Krone zurück. Die flämische und holländische Kunst, die auf den Ruinen von Burgund entstand, verneinte grundsätzlich die burgundische Ästhetik. Die Metzgereien, die Fischbuden, die fetten Schönheiten und fetten Gemälde der flämischen Meister sind das direkte Gegenteil von Hans Memling, Dirk Bouts und Roger van der Weyden.

Es ist erstaunlich, dass derselbe Weinstock am selben Ort wächst, aber der Wein ein völlig anderer ist. Der Balzac-Held Frenhofer spricht äußerst unvorteilhaft über die Malerei des flämischen Rubens: "... die Leinwände dieses unverschämten Rubens mit Bergen von flämischem Fleisch, besprenkelt mit Rouge, Strömen von roten Haaren und grellen Farben." Dieser Satz ist unter anderem insofern merkwürdig, als Balzac darin seine eigene Ästhetik und die Ästhetik von Rubens hervorbringt; obwohl sie oft verglichen werden. Es ist alltäglich geworden, Balzacs überschwängliches, großzügiges Schreiben mit einem überschwänglichen Rubensschen Test der Malerei zu vergleichen; Balzac jedoch dachte anders - für ihn war Rubens zu fleischlich und materiell - Balzac schrieb einen Gedanken; großzügig, saftig, hell - aber der Gedanke, nicht das Fleisch. Und darin ist er ein Schüler der burgundischen Schule – ein Schüler von van der Weyden, aber nicht von Rubens.

Die Kultur hat jedoch die Besonderheit, ihren Genpool für lange Zeit zu bewahren - so überlebte die Phänomenologie des Burgundergeistes innerhalb der holländischen und flämischen Kultur; das Phänomen der Arbeit von Hieronymus Bosch, der am Ende des Herzogtums Burgund geboren wurde, zeigt uns die gleiche auffällige Kombination der Ästhetik des Nordens und des Südens; aber es ist noch schockierender, wenn man an das Erbe eines gebürtigen Flamen, aber eines Burgunders im Geiste denkt - Brueghel.

Pieter Brueghel sen., ein Künstler des Nordens, aber mit einer so klangvollen südlichen Palette, der Erbe des burgundischen Bosch und in Bezug auf die Komposition der direkte Erbe der Gebrüder Lembruck (burgundische Miniaturisten) und der unbestrittene Nachfolger der Plastizität von Hans Memling - Peter Brueghel ist ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie ein einmal enthülltes kulturelles Paradigma immer wieder auftaucht. Und eine ziemlich unglaubliche Rückkehr der Idee der burgundischen Kultur sollte das Erscheinen des brillanten Vincent van Gogh sein, der den Süden und den Norden neu synthetisierte. Die burgundische Kultur erwachte in ihm, in einem Holländer, der nach Südfrankreich zog und die strenge Strenge der Niederlande und die blaue Luft der südlichen Perspektive organisch verband. Es scheint unglaublich, dass der Maler, der seine Arbeit mit düsteren Farben und starren allgemeinen Formen begann, zu einer funkelnden Palette und wirbelnden Strichen überging; Erklären Sie diesen Übergang durch den Einfluss des Impressionismus (dh des Trends, der in jenen Jahren in Mode war).

Tatsache ist jedoch, dass Van Gogh für kurze Zeit vom Impressionismus mitgerissen wurde, die Mode berührte ihn auf einer Tangente; er verließ sowohl die Techniken des Pointillismus als auch den Bruchstrich des Impressionismus - fast augenblicklich: Diese Technik beschäftigte ihn genau für die Dauer seines Aufenthaltes in Paris. Die Arles-Periode ist schon etwas anderes; Farben, die für den Pastellimpressionismus beispiellos sind, ausdrucksstarke Formen, die für den Impressionismus unglaublich sind. Und – und das ist wichtig – die holländische Zeit scheint latent wiederauferstanden zu sein: In den letzten Leinwänden (sie werden manchmal als „Rückkehr des nordischen Stils“ bezeichnet) lebt der Stil der holländischen Zeit wieder auf – aber bereits untrennbar mit der südlichen Dynamik und Farbe. Diese Verschmelzung ist nichts anderes als das „Gen von Burgund“ – Van Gogh ließ in seinem Werk jene organische Verschmelzung von Nord- und Südeuropa wieder auferstehen, die im 15. Jahrhundert das Herzogtum Burgund hervorbrachte.

Ja, das Herzogtum Burgund gibt es nicht mehr, das vereinte Europa beendet wie üblich ein weiteres Projekt – ein weiteres Fiasko, aber das kulturelle genetische Gedächtnis lebt weiter. Am Ende von Balzacs „Unknown Masterpiece“ steht eine enttäuschende Zustandsdiagnose des modernen Europa; und in Bezug auf die Avantgarde und in Bezug auf eine mögliche Synthese der Künste und sogar eine europäische Einheit gibt es keine Perspektiven.

Es stellt sich heraus, dass die Bemühungen um eine Synthese fruchtlos sind. Der Roman endet damit, dass Bewunderer des Genies Frenhofer eine Einladung in die Werkstatt eines Genies erhalten – endlich können sie das Meisterwerk sehen, an dem der Meister seit vielen Jahren schreibt und das sich vor den Augen versteckt. Der große Maler, der das Geheimnis der Synthese von Licht und Farbe, Raum und Objekt, Linie und Farbe entdeckte (und wir ersetzen hier: Nord und Süd, Freiheit und Ordnung usw.) – seit einigen Jahren malt er ein schönes Frau, ein Symbol der Harmonie. Besucher warten darauf, die Schönheit selbst zu sehen. Hier sind sie schon im Atelier, der Künstler reißt den Vorhang vom Bild, und das Publikum sieht nichts - nur Flecken, nur ein absurdes Farbgemisch, sinnlose Kombinationen, chaotische Abstraktion. Es scheint, dass sich unter diesem bunten Brei eine Schönheit verbirgt, aber der Künstler hat sie im Laufe seiner fanatischen und sinnlosen Arbeit einfach überschmiert, die anthropomorphen Züge zerstört.

Der Künstler arbeitete ernsthaft – tat aber genau das Gegenteil von dem, was beabsichtigt war. Hat sich so nicht die europäische anthropomorphe Kunst selbst zerstört? Diese Seiten können als Vorhersage der Zukunft betrachtet werden: Genau das geschah mit der westlichen Kunst, die nach einer Synthese suchte und als Ergebnis der Suche das menschliche Bild zerstörte, die eigentliche Idee, für die gearbeitet wurde . Die anthropomorphe Kunst wurde im 20. Jahrhundert von der Abstraktion weggefegt – der Humanismus wurde im Zuge der Synthese der Künste aus der Kreativität verdrängt, die Avantgarde verschonte die Tradition nicht, und zwar solange die Tradition mit dem Phänomen Mensch verbunden war , deshalb haben sie das Menschenbild nicht geschont.

Balzac sah diesen Prozess der Entmenschlichung der Kunst voraus, der Entmenschlichung.

Die systematische Zerlegung der gemeinsamen Sprache in die Sprachfunktionen führte allmählich dazu, dass eine separate sprachliche Übung wichtiger wurde als der Inhalt der Sprache. Es kam natürlich vor, dass nur Diktaturen das ganze Menschenbild im Europa der letzten Jahrhunderte verkörperten - in Kolossstatuen und Propagandaplakaten; und die Kreativität von Demokratien kann kein Bild von einer Person schaffen. Wir finden den Ausdruck der Freiheit in den Witzen der Oberiuts, in fragmentarischen Nachbildungen des Konzeptualismus, in der bewussten Anspielung auf die Abstraktion – aber entschuldigen Sie, das ist spirituell – der Wunsch, eine ganzheitliche Welt zu schaffen, was wichtig ist, und warum es interessant ist! Und es gibt keine ganze Welt.

Man kann auch in Betracht ziehen, dass Balzacs Kurzgeschichte die Sterilität der europäischen politischen Einigung, das ständige Scheitern der ghibellinischen Partei beschreibt; Ewig zu Einigungsversuchen verdammt und ewig verfallend steigt Europa, wie der alte Sisyphus, endlos den Berg hinauf und geht immer geschlagen wieder unter. In diesem Fall ist das bunte Sammelsurium auf der Leinwand ein Porträt der Schönheit Europas, die besiegt wurde, um das Unvereinbare zu verbinden, die sich selbst verloren hat. Europa existiert, aber gleichzeitig existiert es nicht – es versteckt sich ständig. Es ist auch anzunehmen, dass Balzac das Bild des eidos geschaffen hat – also jener idealen Synthese von Wesenheiten, von der Plato spricht; eidos ist die Einheit der Bedeutungen.

Wir wissen, wie Gott aussah – Michelangelo malte sein Porträt; wir wissen, wie Christus aussah – es gibt Tausende von Bildern; Aber wir wissen nicht, wie ein Eidos aussieht – also bietet Balzac eine mögliche Option an. Und die Tatsache, dass das Eidos für uns nicht klar sichtbar ist, warnte eigentlich Plato davor: Wir können nur einen Schatten an der Wand der Höhle sehen - einen Schatten großer Errungenschaften, die außerhalb unseres Bewusstseins und Seins stattfinden.

Dies sollte jedoch nicht zu pessimistisch klingen. Europa ist ein zerbrechlicher Organismus und gleichzeitig ein unglaublich widerstandsfähiger Organismus; sie ist schon viele Male umgekommen, und ihre Kunst ist immer wieder dem Verfall preisgegeben. Am Ende von The Unknown Masterpiece bemerkte der wahnsinnige Frenhofer plötzlich, dass nichts auf der Leinwand war, „und ich habe zehn Jahre lang gearbeitet!“ - stirbt, indem er zuerst alle seine Gemälde verbrennt. Aber ist das Verbrennen von Gemälden etwas Außergewöhnliches? Sie werden von brennenden Gemälden in Europa nicht überrascht sein. Sandro Botticelli verbrannte seine Bilder am „Feuer der Eitelkeit“ in Florenz; Gemälde „entarteter Kunst“ wurden auf den Plätzen von München und Berlin verbrannt; Im Feuer von Florenz starb Michelangelos Fresko „Die Schlacht von Cascina“ und Leonardos Skulptur schmolz. Ikonen wurden aus Rahmen gerissen und von Bilderstürmern und Revolutionären verbrannt; Die figurative Kunst wurde so oft aufgegeben, dass dies nur denjenigen Hoffnung gibt, die das Bild wiederbeleben. Europa wurde niedergemäht vom Schwarzen Tod, dem Hundertjährigen Krieg, den Religionskriegen, Bürgerkriege Das zwanzigste Jahrhundert, das in die Welt gewachsen ist - Europa ist kein Fremder, um zu sterben und aus der Asche aufzuerstehen, das ist seine übliche Beschäftigung.

Die tödliche Krankheit Europas ist sein Dauerzustand, seine besondere Gesundheit. Europa selbst ist jene gescheiterte Synthese aus Kunsthandwerk, philosophischen Konzepten und politischen Projekten, die – wie ein Gemälde von Frenhofer – manchmal wie eine undeutliche Absurdität, Absurdität, semantisches Durcheinander wirkt – doch plötzlich funkelt in diesem Gebräu ein Diamant des Denkens, und Kant oder Descartes wird geboren. Allerdings der beste Künstler als Frenhofer, Geschichte der Menschheit wahrscheinlich nicht - und nur weil wir seine Absicht nicht verstehen, folgt daraus nicht, dass diese Absicht schlecht ist. Ja, auf Frenhofers Leinwand sahen die Besucher eine bedeutungslose Kombination von Flecken; aber selbst auf den Leinwänden von Cezanne sahen sie eine sinnlose Kombination von Flecken. Sie sagen, dass „einem Narren nicht die Hälfte der Arbeit gezeigt wird“; Gut möglich, dass Frenhofer dem Publikum nur ein unvollendetes Gemälde gezeigt hat – warten Sie mit Ihrem Urteil: Es wird einige Zeit vergehen, und der Meister wird sein Meisterwerk vollenden.

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Honoré de Balzac
Unbekanntes Meisterwerk
I. Gillette
Ende 1612, an einem kalten Dezembermorgen, ging ein sehr leicht gekleideter junger Mann an der Tür eines Hauses in der Rue des Grandes Augustines in Paris auf und ab. Nachdem er viel so gegangen war, wie ein unentschlossener Liebhaber, der es nicht wagt, vor der ersten Geliebten in seinem Leben zu erscheinen, egal wie zugänglich sie sein mag, trat der junge Mann schließlich über die Schwelle der Tür und fragte, ob der Meister Francois sei Porbus war dabei.
Nachdem er von der alten Frau, die den Baldachin fegte, eine bejahende Antwort erhalten hatte, begann der junge Mann langsam aufzustehen und blieb bei jedem Schritt stehen, genau wie ein neuer Höfling, beschäftigt mit dem Gedanken, welche Art von Empfang der König ihm bereiten würde. Als er die Wendeltreppe hinaufstieg, stand der junge Mann auf dem Treppenabsatz und wagte es immer noch nicht, den kunstvollen Hammer zu berühren, der die Tür der Werkstatt schmückte, wo wahrscheinlich der Maler Heinrichs IV., Der von Marie Medici wegen Rubens vergessen wurde, arbeitete um diese Zeit.
Der junge Mann erlebte jenes starke Gefühl, das die Herzen großer Künstler höher schlagen lassen muss, wenn sie sich voller jugendlicher Inbrunst und Liebe zur Kunst einem Genie oder einem großen Werk näherten. In den menschlichen Gefühlen gibt es eine Zeit der ersten Blüte, die von edlen Impulsen erzeugt wird und allmählich schwächer wird, wenn das Glück nur noch eine Erinnerung und der Ruhm eine Lüge wird. Unter den kurzlebigen Erregungen des Herzens ähnelt nichts der Liebe so sehr wie die junge Leidenschaft des Künstlers, der die ersten wunderbaren Qualen auf dem Weg von Ruhm und Unglück kostet - eine Leidenschaft voller Mut und Schüchternheit, vagen Glaubens und unvermeidlicher Enttäuschungen . Demjenigen, der in den Jahren des Geldmangels und der ersten kreativen Ideen keine Angst verspürte, wenn er einem großen Meister begegnete, wird immer eine Saite in seiner Seele fehlen, irgendein Pinselstrich, irgendein Gefühl in Kreativität, einiges schwer fassbarer poetischer Schatten. Einige selbstzufriedene Angeber, die zu früh an ihre Zukunft geglaubt haben, erscheinen nur Narren als kluge Menschen. Insofern sprach alles für den unbekannten jungen Mann, wenn Talent an jenen Äußerungen anfänglicher Schüchternheit gemessen wird, an jener unerklärlichen Schüchternheit, die Menschen, die für den Ruhm geschaffen wurden, beim ständigen Drehen auf dem Gebiet der Kunst ebenso leicht verlieren, wie schöne Frauen verlieren ihre Schüchternheit durch ständige Koketterie. Die Gewohnheit des Erfolgs übertönt Zweifel, und Bescheidenheit ist vielleicht eine der Arten des Zweifels.
Von Not niedergeschlagen und in diesem Augenblick von seiner eigenen Kühnheit überrascht, hätte der arme Neuankömmling es nicht gewagt, den Künstler zu betreten, dem wir ein schönes Porträt Heinrichs IV. verdanken, wenn nicht eine unerwartete Gelegenheit zur Rettung gekommen wäre. Ein alter Mann kam die Treppe herauf. An seiner seltsamen Tracht, an seinem prachtvollen Spitzenkragen, an seinem wichtigen, sicheren Gang erriet der junge Mann, dass es sich entweder um einen Gönner oder einen Freund des Meisters handelte, und indem er einen Schritt zurücktrat, um ihm Platz zu machen, begann er es zu tun untersuchen ihn neugierig, in der Hoffnung, in ihm die Freundlichkeit eines Künstlers oder die Freundlichkeit eines Kunstliebhabers zu finden - aber im Gesicht des alten Mannes lag etwas Teuflisches und etwas anderes Unfassbares, Eigentümliches, so Anziehendes für den Künstler. Stellen Sie sich eine hohe, prominente, fliehende Stirn vor, die über einer kleinen, flachen, nach oben gerichteten Nase hängt, wie die von Rabelais oder Sokrates; Lippen spöttisch und faltig; kurzes, hochmütig erhobenes Kinn; grauer Spitzbart; grün, die Farbe von Meerwasser, Augen, die mit dem Alter verblasst zu sein schienen, aber nach den perlmuttfarbenen Proteintönen zu urteilen, manchmal immer noch in der Lage waren, in einem Moment der Wut oder Freude einen magnetischen Blick zu werfen. Dieses Gesicht schien jedoch nicht so sehr vom Alter verblasst zu sein, sondern von jenen Gedanken, die sowohl Seele als auch Körper zermürben. Wimpern waren bereits ausgefallen, und an den Augenbrauenbögen waren kaum Haare zu sehen. Setze diesen Kopf an einen zerbrechlichen und schwachen Körper, umrahme ihn mit Spitze, strahlend weiß und auffallend in der Feinheit der Verarbeitung, wirf eine schwere Goldkette über den schwarzen Mantel des alten Mannes, und du wirst ein unvollkommenes Bild dieser Person erhalten denen die schwache Beleuchtung der Treppe einen fantastischen Schatten spendete. Man könnte sagen, dass dies ein Rembrandt-Porträt ist, das seinen Rahmen verlässt und sich lautlos im Halbdunkel bewegt, so geliebt von dem großen Künstler.
Der alte Mann warf dem jungen Mann einen durchdringenden Blick zu, klopfte dreimal und sagte zu einem kränklichen Mann von etwa vierzig Jahren, der die Tür öffnete:
- Guten Tag, Meister.
Porbus verneigte sich höflich; er ließ den jungen Mann herein, im Glauben, er sei mit dem alten Mann gekommen, und achtete nicht mehr auf ihn, zumal der Neuankömmling vor Bewunderung erstarrte, wie alle geborenen Künstler, die zuerst ins Atelier kamen, wo sie sich etwas angucken konnten der Techniken der Kunst. Ein offenes Fenster im Gewölbe erhellte Meister Porbus' Zimmer. Das Licht konzentrierte sich auf eine Staffelei mit einer daran befestigten Leinwand, auf die nur drei oder vier weiße Striche gelegt waren, und erreichte nicht die Ecken dieses riesigen Raums, in dem Dunkelheit herrschte; aber skurrile Reflexionen leuchteten entweder im braunen Halbdunkel silbrig auf den Wölbungen des Reitar-Kürasses, der an der Wand hing, oder sie umrissen in einem scharfen Streifen das polierte, geschnitzte Gesims eines alten Schranks, der mit seltenem Geschirr ausgekleidet und dann mit glänzenden Punkten übersät war die pickelige Oberfläche einiger alter Vorhänge aus Goldbrokat, aufgenommen von großen Falten, die wahrscheinlich als Vorlage für einige Bilder dienten.
Gipsabgüsse nackter Muskeln, Fragmente und Oberkörper antiker Göttinnen, liebevoll poliert von den Küssen der Jahrhunderte, vollgestopfte Regale und Konsolen.
Unzählige Skizzen, Skizzen mit drei Bleistiften, Rötel oder Kugelschreiber, bedeckten die Wände bis zur Decke. Schubladen mit Farben, Flaschen mit Ölen und Essenzen, umgestürzte Bänke ließen nur einen schmalen Durchgang, um zu dem hohen Fenster zu gelangen; das Licht davon fiel direkt auf das bleiche Gesicht von Porbus und auf den nackten, elfenbeinfarbenen Schädel eines fremden Mannes. Die Aufmerksamkeit des jungen Mannes wurde nur von einem Bild in Anspruch genommen, das selbst in diesen unruhigen, unruhigen Zeiten bereits berühmt war, so dass hartnäckige Menschen es sahen, denen wir die Bewahrung des heiligen Feuers in den Tagen der Zeitlosigkeit verdanken. Diese schöne Kunstseite zeigte Maria von Ägypten, die beabsichtigte, die Überfahrt in einem Boot zu bezahlen. Das für Marie de Medici bestimmte Meisterwerk wurde später von ihr in ihrer Not verkauft.
„Ich mag deine Heilige“, sagte der alte Mann zu Porbus, „ich würde dir zehn Goldkronen zusätzlich zu dem zahlen, was die Königin gibt, aber versuche, mit ihr zu konkurrieren … verdammt!
- Magst du das Ding?
- Hehe, gefällt es dir? murmelte der alte Mann. - Ja und nein. Ihre Frau ist gut gebaut, aber sie lebt nicht. Ihr Künstler braucht nur die Figur richtig zu zeichnen, damit alles nach den Gesetzen der Anatomie stimmt, wenn ihr ab und zu eine nackte Frau anseht, die vor euch auf dem Tisch steht, glaubt ihr zu reproduzieren Natur, du bildest dir ein, Künstler zu sein und Gott das Geheimnis gestohlen zu haben ... Brrr!
Um ein großer Dichter zu sein, reicht es nicht aus, die Syntax perfekt zu kennen und keine Fehler in der Sprache zu machen! Sieh dir deinen Heiligen Porbus an! Auf den ersten Blick wirkt sie charmant, aber wenn man sie länger betrachtet, merkt man, dass sie zur Leinwand gewachsen ist und nicht herumlaufen konnte.
Es ist nur eine Silhouette mit einer Vorderseite, nur ein geschnitztes Bild, ein Abbild einer Frau, die sich weder umdrehen noch ihre Position ändern kann, ich spüre nicht die Luft zwischen diesen Händen und dem Hintergrund des Bildes; Mangel an Raum und Tiefe; dabei werden die Abstandsgesetze voll eingehalten, die Luftperspektive genau eingehalten; aber trotz all dieser lobenswerten Bemühungen kann ich nicht glauben, dass dieser schöne Körper durch den warmen Atem des Lebens belebt werden sollte; mir scheint, wenn ich meine Hand auf diese runde Brust lege, fühle ich, dass sie kalt wie Marmor ist! Nein, mein Freund, Blut fließt nicht in diesem elfenbeinernen Körper, Leben strömt nicht wie purpurroter Tau durch die Adern und Venen, die sich mit einem Netz unter der bernsteinfarbenen Transparenz der Haut an den Schläfen und auf der Brust verflechten. Dieser Ort atmet, nun ja, aber der andere ist völlig bewegungslos, Leben und Tod kämpfen in jedem Partikel des Bildes; hier spürt man eine Frau, dort eine Statue und weiter eine Leiche. Deine Schöpfung ist unvollkommen. Du hast es geschafft, deiner geliebten Schöpfung nur einen Teil deiner Seele einzuhauchen. Die Fackel des Prometheus erlosch mehr als einmal in deinen Händen, und das himmlische Feuer berührte nicht viele Stellen deines Bildes.
- Aber warum, lieber Lehrer? sagte Porbus respektvoll zu dem alten Mann, während der junge Mann sich kaum zurückhalten konnte, ihn mit seinen Fäusten anzugreifen.
- Aber wieso! - sagte der alte Mann. - Sie schwankten zwischen zwei Systemen, zwischen Zeichnung und Malerei, zwischen der phlegmatischen Kleinlichkeit, der harten Genauigkeit der alten deutschen Meister und der schillernden Leidenschaft, der liebenswürdigen Großzügigkeit italienischer Künstler. Sie wollten gleichzeitig Hans Holbein und Tizian, Albrecht Dürer und Paolo Veronese nachahmen. Das war natürlich ein großer Anspruch. Aber was ist passiert? Sie haben weder den herben Charme der Trockenheit noch die Illusion des Hell-Dunkels erreicht. Wie geschmolzenes Kupfer eine zu zerbrechliche Form durchbricht, so durchbrachen hier die satten und goldenen Töne von Tizian die strenge Kontur von Albrecht Dürer, in die Sie sie gezwängt haben.
An anderer Stelle behauptete sich das Design und ertrug den herrlichen Überschwang der venezianischen Palette. Das Gesicht ist weder zeichnerisch noch farblich perfekt, und es trägt Spuren deiner unglücklichen Unentschlossenheit. Da Sie nicht genug Kraft hinter sich verspürten, um beide konkurrierenden Schreibweisen auf dem Feuer Ihres Genies zu verschmelzen, so mussten Sie sich entschlossen für die eine oder andere entscheiden, um wenigstens zu jener Einheit zu gelangen, die eines der Merkmale der lebendigen Natur wiedergibt . Du bist nur in den mittleren Teilen wahrheitsgemäß; die Konturen sind falsch, sie runden sich nicht ab und man erwartet nichts dahinter. Hier ist Wahrheit“, sagte der alte Mann und deutete auf die Brust des Heiligen. „Und dann wieder hier“, fuhr er fort und markierte den Punkt, an dem die Schulter auf dem Bild endete. „Aber hier“, sagte er und kehrte wieder in die Mitte seiner Brust zurück, „hier ist alles falsch ... Lassen wir jede Analyse, sonst kommen Sie zur Verzweiflung ...
Der alte Mann setzte sich auf eine Bank, stützte den Kopf auf die Hände und verstummte.
„Meister“, sagte ihm Porbus, „ich habe diese Brust an einem nackten Körper viel studiert, aber zu unserem Unglück gibt die Natur solche Eindrücke hervor, die auf der Leinwand unglaublich erscheinen …
- Die Aufgabe der Kunst besteht nicht darin, die Natur zu kopieren, sondern sie auszudrücken. Du bist kein elender Kopist, sondern ein Dichter! rief der alte Mann forsch und unterbrach Porbus mit einer herrischen Geste. „Sonst hätte der Bildhauer seine Arbeit erledigt, indem er die Gipsform von der Frau entfernt hätte. Probieren Sie es aus, entfernen Sie die Gipsform von der Hand Ihres Geliebten und legen Sie sie vor sich - Sie werden nicht die geringste Ähnlichkeit sehen, es wird die Hand einer Leiche sein, und Sie müssen sich an den Bildhauer wenden. wer, ohne zu geben exakte Kopie, vermittelt Bewegung und Leben. Wir müssen die Seele, die Bedeutung, die charakteristische Erscheinung der Dinge und Wesen erfassen. Eindruck!
Eindruck! Nun, sie sind nur Zufälle des Lebens und nicht das Leben selbst! Die Hand, da ich dieses Beispiel genommen habe, stellt die Hand nicht nur einen Teil des menschlichen Körpers dar – sie drückt und setzt den Gedanken fort, den es zu erfassen und zu vermitteln gilt. Weder der Künstler noch der Dichter noch der Bildhauer sollten den Eindruck von der Ursache trennen, da sie untrennbar miteinander verbunden sind. Das ist der wahre Zweck des Kampfes. Viele Künstler gewinnen instinktiv, ohne sich einer solchen Aufgabe der Kunst bewusst zu sein. Du zeichnest eine Frau, aber du siehst sie nicht. So kann man der Natur nicht das Geheimnis entreißen. Sie reproduzieren, ohne es zu merken, dasselbe Modell, das Sie von Ihrem Lehrer kopiert haben. Du kennst die Form nicht genau genug, folgst ihr nicht liebevoll und hartnäckig genug in all ihren Wendungen und Rückzügen. Schönheit ist streng und launisch, sie kommt nicht so leicht, man muss auf eine günstige Stunde warten, sie aufspüren und sie festhalten, um sie zur Kapitulation zu zwingen.
Die Form ist Proteus, viel schwer fassbarer und kunstvoller als der Proteus des Mythos! Erst nach langem Kampf kann sie gezwungen werden, sich in ihrer jetzigen Form zu zeigen. Sie sind alle zufrieden mit dem ersten Auftritt, bei dem sie sich bereit erklärt, Ihnen gegenüber zu erscheinen, oder in extremen Fällen mit dem zweiten, dritten; so verhalten sich siegreiche Wrestler nicht. Diese unbeugsamen Künstler lassen sich von allerlei Wendungen nicht täuschen und beharren so lange, bis sie die Natur dazu zwingen, sich ganz nackt, in ihrem wahren Wesen, zu zeigen. Das hat Raphael getan, - sagte der alte Mann und nahm seine schwarze Samtmütze vom Kopf, um seine Bewunderung für den König der Kunst auszudrücken. - Die große Überlegenheit Raphaels ist eine Folge seiner Fähigkeit, tief zu fühlen, die seine Form gleichsam bricht. Die Form in seinen Kreationen ist die gleiche, wie sie bei uns sein sollte, nur ein Vermittler für die Übertragung von Ideen, Empfindungen, vielseitiger Poesie. Jedes Bild ist eine ganze Welt – es ist ein Porträt, dessen Vorbild eine majestätische Vision war, von Licht erleuchtet, uns von einer inneren Stimme angedeutet und ohne Hüllen vor uns erscheinend, wenn der himmlische Finger es uns anzeigt Ausdrucksmittel, dessen Quelle das ganze vergangene Leben ist. Sie kleiden Ihre Frauen in feine Kleider aus Fleisch, schmücken sie mit einem wunderschönen Lockenmantel, aber wo ist das Blut, das durch die Adern fließt, Ruhe oder Leidenschaft erzeugt und einen ganz besonderen visuellen Eindruck macht? Deine Heilige ist brünett, aber diese Farben, mein armer Porbus, sind einer Blondine abgenommen! Deshalb sind die von Ihnen geschaffenen Gesichter nur gemalte Gespenster, an denen Sie in einer Reihe vor unseren Augen vorbeiziehen - und das nennen Sie Malerei und Kunst!
Nur weil Sie etwas mehr wie eine Frau als ein Haus gemacht haben, stellen Sie sich vor, Sie hätten das Ziel erreicht, und stolz darauf, dass Sie keine Inschriften für Ihre Bilder brauchen - currus venustus oder pulcher homo - wie die ersten Maler, stellen Sie sich vor, Sie selbst erstaunliche Künstler! .. Ha ha ...
Nein, das haben Sie noch nicht erreicht, meine lieben Genossen, Sie müssen viele Bleistifte zeichnen, viele Leinwände kalken, bevor Sie Künstler werden.
Mit Recht, so hält eine Frau ihren Kopf, so hebt sie ihren Rock, in ihren Augen glüht die Müdigkeit von so unterwürfiger Zärtlichkeit, so zittert der flatternde Schatten ihrer Wimpern auf ihren Wangen. All dies ist so - und nicht so! Was fehlt hier? Eine Kleinigkeit, aber diese Kleinigkeit ist alles. Du begreifst die Erscheinung des Lebens, aber drückst nicht sein überfließendes Übermaß aus; drücken Sie nicht aus, was vielleicht die Seele ist und die wie eine Wolke die Oberfläche der Körper umhüllt; mit anderen Worten, Sie drücken nicht jenen blühenden Charme des Lebens aus, der von Tizian und Raphael eingefangen wurde. Wenn Sie vom höchsten Punkt Ihrer Errungenschaften ausgehen und weitergehen, können Sie vielleicht ein schönes Gemälde schaffen, aber Sie werden zu schnell müde. Normale Leute sind begeistert, und ein wahrer Kenner lächelt. Ach Mabuse! rief dieser seltsame Mann. „O mein Lehrer, du bist ein Dieb, du hast dein Leben mitgenommen! … Trotzdem“, fuhr der alte Mann fort, „ist diese Leinwand besser als die Leinwände des unverschämten Rubens mit Bergen von flämischem Fleisch, das mit Rouge besprenkelt ist, mit Strömen von roten Haaren und schreienden Farben. Zumindest haben Sie hier Farbe, Gefühl und Design - die drei wesentlichen Teile der Kunst.
- Aber dieser Heilige ist entzückend, mein Herr! rief der junge Mann laut und erwachte aus tiefen Gedanken. - In beiden Gesichtern, im Gesicht des Heiligen und im Gesicht des Schiffers, spürt man die Feinheit künstlerischer Gestaltung, unbekannt Italienische Meister. Ich kenne niemanden, der bei einem Bootsmann einen solchen Ausdruck des Zögerns hätte erfinden können.
- Ist das dein Junge? fragte Porbus den Alten.
- Ach, Lehrer, vergib mir die Unverschämtheit, - antwortete der Neuankömmling errötend.
- Ich bin unbekannt, klein durch Anziehungskraft und erst kürzlich in dieser Stadt angekommen, der Quelle allen Wissens.
- An die Arbeit! Porbus erzählte es ihm und reichte ihm einen Rotstift und Papier.
Ein unbekannter junger Mann kopierte die Figur der Maria mit schnellen Strichen.
- Oh! .. - rief der alte Mann. - Ihr Name? Der junge Mann unterschrieb unter dem Bild:
„Nicolas Poussin.“ „Nicht schlecht für einen Anfänger“, sagte der seltsame alte Mann, der so verrückt argumentierte. - Ich sehe, Sie können über Malerei sprechen. Ich mache Ihnen keinen Vorwurf, dass Sie Saint Porbus bewundern. Für alle ist dieses Ding ein großes Werk, und nur wer in die geheimsten Geheimnisse der Kunst eingeweiht ist, kennt ihre Fehler. Da Sie aber würdig sind, Ihnen eine Lektion zu erteilen und verstehen können, werde ich Ihnen nun zeigen, was für eine Kleinigkeit erforderlich ist, um dieses Bild zu vervollständigen. Schaue in alle Augen und strenge alle Aufmerksamkeit an. Vielleicht wirst du nie wieder eine solche Gelegenheit haben, zu lernen. Gib mir deine Palette, Porbus.
Porbus holte eine Palette und Pinsel. Der alte Mann krempelte impulsiv die Ärmel hoch und rutschte aus Daumen in die Öffnung der kunterbunten, farbenbeladenen Palette, die Porbus ihm reichte; fast hätte er ihm eine Handvoll Pinsel verschiedener Größe aus der Hand gerissen, und plötzlich bewegte sich der keilförmig geschnittene Bart des alten Mannes bedrohlich und drückte mit seinen Bewegungen die Angst leidenschaftlicher Phantasie aus.
Er nahm die Farbe mit einem Pinsel auf und knurrte durch die Zähne:
- Diese Töne sollten zusammen mit ihrem Compiler aus dem Fenster geworfen werden, sie sind widerlich hart und falsch - wie schreibt man damit?
Dann tauchte er mit fieberhafter Geschwindigkeit die Spitzen seiner Pinsel in verschiedene Farben und lief manchmal schneller durch die gesamte Tonleiter als der Kirchenorganist, der während des Osterliedes O filii über die Tasten läuft.
Porbus und Poussin standen zu beiden Seiten der Leinwand und waren in tiefe Kontemplation versunken.
„Siehst du, junger Mann“, sagte der Alte, ohne sich umzudrehen, „siehst du, wie man mit Hilfe von zwei, drei Strichen und einem bläulich-durchsichtigen Strich Luft um den Kopf dieses armen Heiligen blasen konnte, der muss sind in einer so stickigen Atmosphäre vollständig erstickt und gestorben.
Sehen Sie, wie diese Falten jetzt schwanken und wie klar wurde, dass die Brise mit ihnen spielt! Vorher schien es eine gestärkte Leinwand zu sein, die mit Nadeln durchstochen war. Merkst du, wie getreu dieses leichte Highlight, das ich gerade auf meine Brust gesetzt habe, die samtige Elastizität einer Mädchenhaut wiedergibt und wie diese Mischtöne - rotbraun und gebranntes Ocker - Wärme über diesen großen schattigen Raum ergossen, grau und kalt, wo das Blut gefror anstatt sich zu bewegen? Jugend. junger Mann, kein Lehrer wird dir beibringen, was ich dir jetzt zeige! Nur Mabuse kannte das Geheimnis, wie man Figuren Leben einhaucht. Mabuse hatte nur einen Schüler – mich. Ich hatte sie überhaupt nicht, und ich bin alt. Sie sind schlau genug, um den Rest zu verstehen, worauf ich anspiele.
So gesprochen, korrigierte der alte Exzentriker inzwischen verschiedene Stellen des Bildes: er setzte zwei Striche hier, einen dort und jedes Mal so passend, dass sozusagen neues Gemälde, ein lichtgesättigtes Gemälde. Er arbeitete so leidenschaftlich, so wütend, dass Schweiß auf seinem nackten Schädel ausbrach; er handelte so flink, mit so scharfen, ungeduldigen Bewegungen, dass es dem jungen Poussin schien, als sei dieser seltsame Mann von einem Dämon besessen und würde ihn gegen seinen Willen nach seiner Laune an der Hand führen. Das übernatürliche Funkeln der Augen, die krampfhafte Bewegung der Hand, als ob sie einen Widerstand überwinden würde, verliehen dieser für die jugendliche Fantasie so verführerischen Idee eine gewisse Plausibilität.
Der alte Mann fuhr mit seiner Arbeit fort und sagte:
- Puh! Puff! Puff! So schmiert es, junger Mann! Hier, meine Striche, beleben diese eisigen Töne. Komm schon! Gut gut gut! sagte er und belebte die Teile, die er als leblos bezeichnete, wieder, löschte mit ein paar Farbflecken die Widersprüchlichkeit im Körperbau und stellte eine Einheit des Tons wieder her, die einem glühenden Ägypter entspräche. - Weißt du, Schatz, nur die letzten Striche zählen. Porbus hat Hunderte von ihnen, aber ich habe nur einen. Niemand wird für das danken, was darunter liegt. Erinnere dich gut daran!
Schließlich blieb dieser Dämon stehen und wandte sich verblüfft vor Bewunderung an Porbus und Poussin und sagte zu ihnen:
- Dieses Ding ist noch weit von meinem "Beautiful Noiseza" entfernt, aber unter so ein Werk kann man seinen Namen setzen. Ja, ich würde dieses Bild abonnieren“, fügte er hinzu und stand auf, um einen Spiegel zu holen, in dem er begann, es zu untersuchen. „Jetzt lass uns frühstücken gehen“, sagte er. - Ich bitte Sie beide zu mir. Ich verwöhne Sie mit geräuchertem Schinken und gutem Wein. Hehe, trotz der schlechten Zeiten reden wir übers Malen. Wir meinen immer noch etwas! Hier ist ein junger Mann nicht ohne Fähigkeiten, - fügte er hinzu und schlug Nicolas Poussin auf die Schulter.
Hier lenkte der alte Mann die Aufmerksamkeit auf die erbärmliche Jacke des Normannen, zog eine lederne Geldbörse hinter seiner Schärpe hervor, durchwühlte sie, nahm zwei goldene heraus und reichte sie Poussin und sagte:
- Ich kaufe deine Zeichnung.
„Nimm es“, sagte Porbus zu Poussin, der sah, dass er schauderte und vor Scham errötete, weil der Stolz des armen Mannes in dem jungen Künstler sprach. - Nimm es, seine Geldbörse ist enger gestopft als die des Königs!
Die drei verließen die Werkstatt und erreichten, über Kunst sprechend, ein schönes Holzhaus, das in der Nähe der Pont Saint-Michel stand und Poussin mit seinen Dekorationen, Türklopfern, Fensterflügeln und Arabesken entzückte. Der zukünftige Künstler befand sich plötzlich im Empfangszimmer, neben einem lodernden Kamin, neben einem mit köstlichen Gerichten beladenen Tisch und durch ein unerhörtes Glück in der Gesellschaft zweier großer Künstler, die so süß waren.
„Junger Mann“, sagte Porbus zu dem Neuankömmling, der sah, dass er eines der Gemälde anstarrte, „sieh dir diese Leinwand nicht zu genau an, sonst verzweifelst du.
Es war „Adam“ – ein Bild, das Mabuse gemalt hatte, um aus dem Gefängnis entlassen zu werden, wo er so lange von Gläubigern festgehalten wurde. Die ganze Gestalt Adams war wirklich von einer so mächtigen Realität erfüllt, dass es Poussin von diesem Moment an klar wurde wahre Bedeutung obskure Worte des alten Mannes. Und er betrachtete das Bild zufrieden, aber ohne große Begeisterung, als würde er gleichzeitig denken:
"Ich schreibe besser."
„Da ist Leben drin“, sagte er, „mein armer Lehrer hat sich hier selbst übertroffen, aber in der Tiefe des Bildes ist er noch nicht ganz zur Wahrhaftigkeit gelangt. Der Mann selbst ist ganz lebendig, er steht gleich auf und kommt zu uns. Aber die Luft, die wir atmen, der Himmel, den wir sehen, der Wind, den wir fühlen, sind nicht da! Ja, und eine Person hier ist nur eine Person. Inzwischen hätte in dieser einzigen Person, die gerade die Hände Gottes verlassen hat, etwas Göttliches empfunden werden müssen, und das ist es, was fehlt. Mabuse selbst gab dies traurig zu, als er nicht betrunken war.
Poussin blickte mit unruhiger Neugier zuerst auf den alten Mann, dann auf Porbus.
Er näherte sich dem letzteren, wahrscheinlich in der Absicht, ihn nach dem Namen des Hausbesitzers zu fragen; aber der Künstler legte mit einem geheimnisvollen Blick den Finger an die Lippen, und der junge Mann, sehr interessiert, sagte nichts und hoffte früher oder später, aus einigen zufällig fallenden Wörtern den Namen des Besitzers zu erraten, zweifellos ein reicher und brillanter Mann, wie der Respekt, den Porbus ihm entgegenbrachte, und diese wunderbaren Werke, mit denen der Raum gefüllt war, genug bewiesen.
Als Poussin ein prächtiges Porträt einer Frau auf einer dunklen Eichentafel sah, rief er aus:
- Was für ein schöner Giorgione!
- Nein! - wandte der alte Mann ein. - Before you ist eines meiner frühen Gizmos.
- Herr, dann besuche ich den Gott der Malerei! - sagte Poussin naiv.
Der Älteste lächelte wie ein Mann, der diese Art von Lob schon lange gewohnt ist.
„Frenhofer, mein Lehrer“, sagte Porbus, „gibst du mir etwas von deinem guten rheinischen Wein?“
„Zwei Fässer“, erwiderte der Alte, „eins als Belohnung für die Freude, die ich heute Morgen von deiner schönen Sünderin erhalten habe, und das andere als Zeichen der Freundschaft.“
„Ah, wenn da nicht meine ständigen Krankheiten wären“, fuhr Porbus fort, „und wenn du mir erlauben würdest, dein „Schönes Rauschen“ anzuschauen, dann würde ich ein Werk hoch, groß, durchdringend schaffen, und ich würde Figuren hineinmalen menschliches Wachstum.
- Meine Arbeit zeigen?! rief der alte Mann in großer Aufregung aus. - Nein nein! Ich muss es noch vervollständigen. Gestern abend, - sagte der alte Mann, - dachte ich, ich hätte mein Noiseza beendet. Ihre Augen schienen mir feucht und ihr Körper belebt. Ihre Zöpfe wanden sich. Sie atmete! Obwohl ich einen Weg gefunden habe, die Konvexität und Rundung der Natur auf einer flachen Leinwand darzustellen, habe ich heute Morgen im Licht meinen Fehler erkannt. Ah, um den endgültigen Erfolg zu erzielen, habe ich die großen Meister der Farbe gründlich studiert, ich habe untersucht, ich habe Schicht für Schicht das Bild von Tizian selbst, dem König des Lichts, untersucht. Ich bin einfach so größter Künstler, trug die anfängliche Zeichnung des Gesichts mit leichten und kräftigen Strichen auf, denn der Schatten ist nur ein Zufall, denk daran, mein Junge, Dann kehrte ich zu meiner Arbeit zurück und mit Hilfe von Halbschatten und transparenten Tönen, die ich allmählich verdichtete, I übertrug die Schatten, bis ins Schwarze, ins Tiefste schließlich besteht bei gewöhnlichen Künstlern die Natur dort, wo sie gleichsam beschattet wird, aus einer anderen Substanz als an beleuchteten Stellen - sie ist Holz, Bronze, alles andere als ein beschatteter Körper.
Es wird angenommen, dass, wenn die Figuren ihre Position ändern würden, die schattigen Stellen nicht auffallen würden, nicht beleuchtet würden. Ich habe diesen Fehler vermieden, den viele der berühmte Künstler, und ich spüre wahres Weiß unter dem dicksten Schatten. Ich habe die Figur nicht in scharfen Konturen gezeichnet, wie viele unwissende Künstler, die sich einbilden, dass sie nur richtig schreiben, weil sie jede Zeile glatt und sorgfältig ausschreiben, und ich habe nicht die kleinsten anatomischen Details freigelegt, weil der menschliche Körper nicht mit Linien endet .

1832 schrieb Balzac eine Kurzgeschichte „Das unbekannte Meisterwerk“, die später beim Entwerfen des Plans „ menschliche Komödie", wird sich mit "Shagreen Skin" in einem Zyklus "Philosophical Studies" verbinden. Ich möchte Ihre Aufmerksamkeit auf diese Geschichte lenken, weil Balzac darin sehr merkwürdige Urteile über die Prinzipien der Kunst im Allgemeinen und der bildenden Kunst im Besonderen fällt. Der Streit In dieser Geschichte geht es um Probleme der Wirklichkeitsspiegelung in der Kunst. Ihr Held, ein genialer Künstler, der Greis Frenhofer, widersetzt sich der blinden Nachahmung der Natur. Frenhofer sieht das Prinzip der Nachahmung in der Anlehnung an „Äußerlichkeiten“ – und er lehnt es ab, widerspricht es das Prinzip „das Wesentliche ausdrücken“: „Unser Ziel ist es, die Bedeutung, das Wesen der Dinge und Menschen zu erfassen.“

Es ist leicht zu erkennen, dass, obwohl die Handlung der Geschichte formal im 17. Jahrhundert spielt, sie Themen berührt, die für den Stand der Kunst der Zeit, als Balzac seine Geschichte schuf, sehr relevant sind, und darüber hinaus Probleme im Zusammenhang mit die Kunst von Balzac selbst. Frenhofer greift das Prinzip der Beschreibung äußerer Merkmale, Kleinigkeiten an, aber wir wissen bereits, dass für das kreative Prinzip von Balzac all diese Kleinigkeiten, diese scheinbar zufälligen äußeren Merkmale von grundlegender Bedeutung waren. Frenhofer tut Kleinigkeiten als Unfälle ab – für Balzac selbst, gerade in diesem Moment, in dem er sich dem gigantischen Plan der „Menschlichen Komödie“ nähert, scheint die Kategorie des Zufalls ihre Bedeutung zu verlieren – für ihn ist jede Kleinigkeit gerade deshalb wertvoll, weil sie der Enthüllung dient die Essenz des Phänomens tiefer. Wenn wir dies erkennen, werden wir verstehen, dass der wirkliche versteckte Gesprächspartner und ideologische Gegner von Frenhofer in der Geschichte Balzac selbst ist. Zwar streben beide – sowohl die Kunstfigur als auch sein wirklicher Schöpfer – der Schriftsteller Balzac – letztlich das gleiche Ziel an: Wenn Frenhofer fordert „Lebensfülle zu geben, überfließend“, – das sagt Balzac zweifellos selbst. . Aber sie haben unterschiedliche Ansichten darüber, wie diese Fülle erreicht und ausgedrückt werden kann.

Frenhofers Grundsatz - nicht zufällige Merkmale, sondern das Wesentliche darzustellen - scheint unmöglich zu widerlegen. Dies ist die Essenz aller wahren Kunst, einschließlich realistischer Kunst. Aber der frühe Realist Balzac pocht auf das Recht des Künstlers, „Details“ darzustellen. Und so zwingt er seinen Helden-Gegner von diesem Ausgangspunkt aus zu einem schöpferischen Kollaps. Mal sehen, wie das passiert.

Frenhofer ist ein überzeugter Prediger und Verteidiger des intuitiven Prinzips der Kreativität, er ist der Apostel der Kunst, die im Grunde subjektiv und irrational ist und die Rechte der Vernunft nicht anerkennt. Frenhofer, ist natürlich eine Art Romantiker, sie waren es, die die Leichtsinnigkeit der Kunst verteidigten, sie waren es, die „ganze Epen, Zauberschlösser“ sahen, wo sich „kalte Spießer“ langweilten. Übrigens waren sie es, die Balzac vorwarfen, banal zu sein, weil er auf "äußere Merkmale, Kleinigkeiten, zufällige Manifestationen des Lebens" achte. Es stellt sich heraus, dass in dieser „philosophischen Studie“, die bewusst in das 17. Jahrhundert übertragen wurde und eine reale historische Person – Poussin – bewusst mit einer fiktiven Person (die den Effekt von „Zeitlosigkeit“ und „Universalität“ erzeugt) gedrängt wird, sich herausstellt, dass dies der Fall ist das verbirgt eine völlig relevante und persönliche ästhetische Kontroverse!

Balzac ist weit davon entfernt, das intuitive Prinzip der Kunst, das von seinem Antagonisten in der Geschichte verteidigt wird, kategorisch und bedingungslos abzulehnen. Er versucht jedoch, die Logik eines solchen Prinzips zu verstehen, wohin es letztendlich führt, und entdeckt auf diesem Weg nicht nur die Möglichkeit neuer Siege der Kunst, sondern auch sehr ernste Gefahren.

Indem Balzacs Frenhofer seine schöpferischen Prinzipien skizziert und konkretisiert, äußert er Ansichten, die sicherlich nicht nur für das 17. Jahrhundert, sondern sogar für das erste Drittel des 18. Jahrhunderts ungewöhnlich sind. Diese Ansichten mögen Ihnen und mir jedoch bereits bekannt vorkommen. Hier spricht Frenhofer über die bildende Kunst, über Malerei und Skulptur: „Der menschliche Körper ist nicht durch Linien begrenzt. In diesem Sinne können die Skulpturen der Wahrheit näher kommen als wir Künstler. Genau genommen gibt es keine Zeichnung ... Die Linie ist nur ein Mittel, mit dem eine Person die Reflexion von Licht auf einem Objekt wahrnimmt, aber Linien gibt es nicht in der Natur, in der alles Volumen hat; zeichnen bedeutet formen, das heißt, ein objekt von der umgebung, in der es sich befindet, zu trennen.

Dies ist das gleiche Prinzip wie am Ende des 19. Jahrhunderts. Rodin ließ sich in seiner Arbeit leiten, als er sich zum Ziel setzte, die umgebende Lichtatmosphäre in seine skulpturalen Bilder einzubeziehen; für Rodin ist gerade die „Reflektion des Lichts auf einem Objekt“ eine der ganz wesentlichen Komponenten der inneren Form eines Objekts; Mit anderen Worten, Rodin berücksichtigte nicht nur seine eigene Plastizität des skulpturalen Bildes, sondern auch seine Wechselwirkung mit der Lichtumgebung. Balzac nimmt hier deutlich spätere Formen der bildenden Kunst vorweg. Es ist offenbar kein Zufall, dass sich die Figur des Balzac so sehr für Rodin interessierte und ihm ein wunderbares Denkmal errichtete, auf dessen Sockel eine Inschrift steht: „Balzac – von Rodin“.

Aber das ist nicht alles. Frenhofer entwickelt seine Gedanken immer weiter. Was folgt, ist eine fantastisch genaue Beschreibung der Prinzipien und Techniken jener französischen Künstler des letzten Drittels des 19. Jahrhunderts, die als Impressionisten bekannt wurden. Die Beschreibung ist so genau, dass man fast versucht ist anzunehmen, dass Monet, Renoir, Pizarro und Signac einfach „aus Balzac kamen“. Aber das ist eine Frage der Kunstgeschichte. Sie und ich können nur feststellen, dass Balzac auch hier eine brillante Einsicht offenbart; Jedenfalls ist es nicht verwunderlich, dass die Technik des bildhaften Impressionismus nicht irgendwo, sondern in Frankreich zum ersten Mal Gestalt annahm, wenn sie bereits 1832 von französischen Schriftstellern beschrieben wurde.

Dies ist jedoch noch nicht alles. Das waren bisher alles theoretische Argumente Frenhofers, und man konnte nur vermuten, dass der Künstler danach so wunderbare Skulpturen und Leinwände schaffen könnte, die sich später als Rodins Skulpturen und impressionistische Gemälde herausstellten.

Aber die Handlung der Balzac-Geschichte ist so konstruiert, dass wir unsere eigenen Schöpfungen eines so genialen Künstlers erst ganz am Ende der Geschichte sehen, obwohl der Autor unser Interesse für sie immer mehr schärft. Wir können sagen, dass diese Verschwörung auf einem Geheimnis aufgebaut ist - uns wird gesagt, dass Frenhofer ein brillanter Künstler ist, der es sich sogar leisten kann, Rubens abschätzig "einen Berg aus flämischem Fleisch" zu nennen - diesen Mann, für den es in der Vergangenheit fast keine Autoritäten gibt und Gegenwart, arbeitet seit vielen Jahren an seinem Hauptbild, dem Meisterwerk seines Lebens, einem Porträt einer schönen Frau, in dem sich alle irdische und himmlische Schönheit verkörpern wird, das zum Gipfel, zur Grenze der bildenden Kunst werden wird. Natürlich freuen sich Poussin und ich darauf, dieses Meisterwerk kennenzulernen.

Und schließlich dürfen wir zusammen mit Poussin und seinem Freund, dem Künstler Porbus, ins Allerheiligste. Der Schleier wird vor uns weggeworfen. Es folgt diese Szene: Poussin ist ratlos, er hat noch nicht begriffen, was passiert. Er sagt: „Ich sehe nur einen chaotischen Farbhaufen, durchzogen von einem ganzen Netz seltsamer Linien – es bildet eine durchgehende bemalte Fläche.“

Porbus kommt als erster zur Vernunft. „Unter all dem ist eine Frau“, rief Porbus aus und zeigte Poussin die Farbschichten, die der alte Mann übereinander aufgetragen hatte, weil er dachte, er würde sein Werk verbessern. Und jetzt, wo sich Poussin von der Obsession befreit hat, wagt es, Frenhofer angesichts der grausamen, aber unwiderlegbaren Wahrheit zu sagen: "Hier ist nichts!" - Frenhofer schreit hektisch: "Du siehst nichts, du Trottel, Ignorant, Dummkopf, Nichts! Warum bist du nur hierher gekommen?" - Und das "Weinen" geht weiter: "Ich sehe sie! - rief er - Sie ist göttlich schön!"

Inwiefern ähnelt diese Szene den Auseinandersetzungen des 20. Jahrhunderts, Auseinandersetzungen vor Gemälden „mit einem ungeordneten Farbhaufen, mit einem Netz seltsamer Linien, mit einer durchgehenden bemalten Fläche“? Schließlich sagten auch dort oft einige, sie hätten nichts gesehen, während andere ihnen sagten, sie seien unwissend und tölpelhaft. Und auch da haben sich die Künstler unwiderlegbar behauptet - aber ich sehe sie, und sie ist wunderschön!

Balzac erwies sich auch hier als Visionär, er nahm auch die Tragödie der abstrakten gegenstandslosen Kunst vorweg (natürlich dort, wo es sich um einen wahren Suchversuch und nicht um Quacksalberei handelte - wo der Künstler wirklich davon überzeugt war, dass er sah Schönheit darin).

Und nun müssen wir erkennen, dass diese Balzac-Einsichten nicht nur nicht zufällig sind, sondern eindeutig miteinander verbunden sind, und dieser Zusammenhang ist kausal: Das eine entsteht durch das andere, geht aus dem anderen hervor, und das Auffälligste ist, dass die Die Logik der Frenhoferschen Prinzipien erscheint uns in der Handlung der Geschichte in der gleichen Reihenfolge, in der sie später in der wirklichen Kunstgeschichte wiederholt wurde. Balzac, ich wiederhole, hat einige sehr bedeutsame Trends in der Logik der subjektiven Kunst erfasst – er schien den Weg von der Romantik über den Impressionismus zum Abstraktionismus vorzuzeichnen. Balzac sah die innere Logik hier klar darin, dass das Prinzip des subjektiven Selbstausdrucks, das der romantischen Kunst zugrunde liegt, zwangsläufig zu einem rein formalen Prinzip tendiert. Die Romantiker selbst strebten noch nach dem Ausdruck der Natur, also nicht nach einer Form. Aber die Abkehr von der Realität, von der Nachahmung der Natur – wenn dieses Prinzip strikt und unbeirrt befolgt wird – ist laut Balzac immer mit der Gefahr behaftet, die Natur selbst, also den Inhalt in der Kunst, zu verlieren und in den Vordergrund zu rücken ein rein formales Prinzip. Und dann kann sich der Künstler eines Tages an einem solchen Punkt befinden, dass sein Bewusstsein auf der Suche nach der genauesten Form, um seine subjektive Sicht der Natur auszudrücken, sich vollständig nur der Form unterwirft, und wo er selbst eine schöne Frau sieht, alles andere werden nur "ein chaotisches Durcheinander von Farben" sehen. Und jetzt stirbt Frenhofer und verbrennt sein ganzes Atelier. Und Porbus zieht beim Blick auf sein unbekanntes Meisterwerk ein trauriges Fazit: "Hier vor uns liegt die Grenze der menschlichen Kunst auf Erden."

Ein halbes Jahrhundert später hielt Emile Zola genau denselben Prozess in seinem Roman Kreativität fest. Protagonist dieses Romans ist auch ein Künstler, und auch er wird sich erschöpfen und verbrennen in dem vergeblichen Versuch, ein perfektes Porträt einer schönen Frau zu schaffen. Auch er wird sich immer mehr in die Netze des formalen Prinzips verstricken und auch an die Grenze stoßen, ab der der Wahnsinn beginnt. Aber Zola wird sich bereits auf die reale Erfahrung der Kunst verlassen - der Prototyp seines Helden wird Claude Monet sein, das heißt der konsequenteste und perfekteste Vertreter des Impressionismus in der Malerei. Aber Balzac nahm eine solche Logik und ein solches Modell des künstlerischen Denkens lange vor Monet, Zola und noch mehr vor der abstrakten Kunst vorweg.

Natürlich war Frenhofer für Balzac nur eine Utopie, eine Fantasie, ein Gedankenspiel. Nichts dergleichen in der Kunstgeschichte vor Balzac und in der Zeit von Balzac war es natürlich nicht. Aber wie tief war es notwendig, das Wesen der Kunst im Allgemeinen und die Logik der romantischen Kunst im Besonderen zu verstehen, um fast sichtbare Bilder dessen zu malen, was fast ein Jahrhundert später geschehen sollte! Doch kürzlich zeigte eine amerikanische Nachfolgerin in ihrem Buch über das Zusammenspiel von Literatur und Musik, dass Balzac in seiner philosophischen Studie „Gambara“ die Musik Wagners mit ihren Dissonanzen ebenso vorwegnahm wie die atonale Musik Schönbergs. Und diese Logik, ich wiederhole es, sieht Balzac gerade darin, dass sich die Romantiker zu einseitig nur auf die intuitive, irrationale Seite der Kunst verlassen und sowohl die Vernunft als auch das wirkliche Leben grundsätzlich vernachlässigen. Dann laufen sie Gefahr, sich früher oder später in den Netzen einer rein formalen Suche zu verfangen, und dieser Kampf wird fruchtlos sein und die Kunst in eine Sackgasse, ins Nichts führen.

Porbus sagt über Frenhofer: "Er hat lange und tief über Farben nachgedacht, über die perfekte Linientreue, aber er hat so viel gesucht, dass er schließlich anfing, am eigentlichen Zweck seiner Suche zu zweifeln." Dies ist eine sehr präzise und umfangreiche Formel! Balzac warnt hier vor der Gefahr der formalen Selbsterschöpfung, die der subjektiven Kunst droht.

Vernunft und Gefühl sind zweitrangig, sie sollen nicht mit dem Pinsel streiten, sagt Balzac, sie sollen der Arbeit des Pinsels nicht vorausgehen, sie sollen ihn nicht gleichsam absichtlich auf irgendetwas stimmen, also verwirren. Für dich zählt nur das Objekt, das du betrachtest, und der Pinsel, mit dem du arbeitest. Reflexion sollte dem Akt der Kreativität nicht vorausgehen, sie kann ihn bestenfalls begleiten (wenn Sie denken, dann nur mit dem Pinsel in der Hand). Gegen ein solches Prinzip als das andere Extrem lassen sich aus kunstpsychologischer Sicht durchaus ernsthafte Einwände finden. Aber es ist uns jetzt wichtig festzuhalten, dass dies natürlich, wenn auch mit Nachdruck, ein polemisch zugespitztes Programm realistischer, objektiver Kunst ist, die nur auf Beobachtung und Arbeit setzt.

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I. Gillette

Ende 1612, an einem kalten Dezembermorgen, ging ein sehr leicht gekleideter junger Mann an der Tür eines Hauses in der Rue des Grandes Augustines in Paris auf und ab. Nachdem er viel gelaufen war, wie ein unentschlossener Liebhaber, der es nicht wagt, vor seiner ersten Geliebten in seinem Leben zu erscheinen, egal wie zugänglich sie auch sein mag, trat der junge Mann schließlich über die Schwelle der Tür und fragte, ob der Meister Francois Porbus ( Porbus - Francois Porbus der Jüngere (1570–1622) ist ein flämischer Künstler, der in Paris lebte und arbeitete.).
Nachdem er von der alten Frau, die den Baldachin fegte, eine bejahende Antwort erhalten hatte, begann der junge Mann langsam aufzustehen und blieb bei jedem Schritt stehen, genau wie ein neuer Höfling, beschäftigt mit dem Gedanken, welche Art von Empfang der König ihm bereiten würde. Als er die Wendeltreppe hinaufstieg, stand der junge Mann auf dem Treppenabsatz und wagte es immer noch nicht, den kunstvollen Hammer zu berühren, der die Tür der Werkstatt schmückte, wo wahrscheinlich der Maler Heinrichs IV., Der von Marie Medici wegen Rubens vergessen wurde, arbeitete um diese Zeit.
Der junge Mann erlebte jenes starke Gefühl, das die Herzen großer Künstler höher schlagen lassen muss, wenn sie sich voller jugendlicher Inbrunst und Liebe zur Kunst einem Genie oder einem großen Werk näherten. Menschliche Gefühle haben eine Zeit der ersten Blüte, erzeugt durch edle Impulse, die allmählich schwächer werden, wenn das Glück nur noch eine Erinnerung und der Ruhm eine Lüge wird. Unter den kurzlebigen Erregungen des Herzens gleicht nichts der Liebe so sehr wie die junge Leidenschaft eines Künstlers, der die ersten wunderbaren Qualen auf dem Weg von Ruhm und Unglück erlebt – eine Leidenschaft voller Mut und Schüchternheit, vagen Glaubens und unvermeidlicher Enttäuschungen. Demjenigen, der in den Jahren des Geldmangels und der ersten kreativen Ideen keine Angst verspürte, wenn er einem großen Meister begegnete, wird immer eine Saite in seiner Seele fehlen, irgendein Pinselstrich, irgendein Gefühl in Kreativität, einiges schwer fassbarer poetischer Schatten. Einige selbstzufriedene Angeber, die zu früh an ihre Zukunft geglaubt haben, erscheinen nur Narren als kluge Menschen. Insofern sprach alles für den unbekannten jungen Mann, wenn Talent an jenen Äußerungen anfänglicher Schüchternheit gemessen wird, an jener unerklärlichen Schüchternheit, die Menschen, die für den Ruhm geschaffen wurden, beim ständigen Drehen auf dem Gebiet der Kunst ebenso leicht verlieren, wie schöne Frauen verlieren ihre Schüchternheit durch ständige Koketterie. Die Gewohnheit des Erfolgs übertönt Zweifel, und Bescheidenheit ist vielleicht eine der Arten des Zweifels.
Von Not niedergeschlagen und in diesem Augenblick von seiner eigenen Kühnheit überrascht, hätte der arme Neuankömmling es nicht gewagt, den Künstler zu betreten, dem wir ein schönes Porträt Heinrichs IV. verdanken, wenn nicht eine unerwartete Gelegenheit zur Rettung gekommen wäre. Ein alter Mann kam die Treppe herauf. An seiner seltsamen Tracht, an seinem prachtvollen Spitzenkragen, an seinem wichtigen, sicheren Gang erriet der junge Mann, dass es sich entweder um einen Gönner oder einen Freund des Meisters handelte, und indem er einen Schritt zurücktrat, um ihm Platz zu machen, begann er es zu tun untersuchen ihn neugierig, in der Hoffnung, an ihm die Freundlichkeit eines Künstlers oder die Höflichkeit eines Kunstliebhabers zu finden, aber im Gesicht des alten Mannes lag etwas Teuflisches und etwas anderes Unfassbares, Eigentümliches, so Anziehendes für den Künstler. Stellen Sie sich eine hohe, prominente, fliehende Stirn vor, die über einer kleinen, flachen, nach oben gerichteten Nase hängt, wie die von Rabelais oder Sokrates; Lippen spöttisch und faltig; kurzes, hochmütig erhobenes Kinn; grauer Spitzbart; grün, die Farbe von Meerwasser, Augen, die mit dem Alter verblasst zu sein schienen, aber nach den perlmuttfarbenen Proteintönen zu urteilen, manchmal immer noch in der Lage waren, in einem Moment der Wut oder Freude einen magnetischen Blick zu werfen. Dieses Gesicht schien jedoch nicht so sehr vom Alter verblasst zu sein, sondern von jenen Gedanken, die sowohl Seele als auch Körper zermürben. Wimpern waren bereits ausgefallen, und an den Augenbrauenbögen waren kaum Haare zu sehen. Setze diesen Kopf an einen zerbrechlichen und schwachen Körper, umrahme ihn mit Spitze, strahlend weiß und auffallend in der Feinheit der Verarbeitung, wirf eine schwere Goldkette über den schwarzen Mantel des alten Mannes, und du wirst ein unvollkommenes Bild dieser Person erhalten denen die schwache Beleuchtung der Treppe einen fantastischen Schatten spendete. Man könnte sagen, dass dies ein Rembrandt-Porträt ist, das seinen Rahmen verlässt und sich lautlos im Halbdunkel bewegt, so geliebt von dem großen Künstler.
Der alte Mann warf dem jungen Mann einen durchdringenden Blick zu, klopfte dreimal und sagte zu einem kränklichen Mann von etwa vierzig Jahren, der die Tür öffnete:
— Guten Tag, Meister.
Porbus verneigte sich höflich; er ließ den jungen Mann herein, im Glauben, er sei mit dem alten Mann gekommen, und achtete nicht mehr auf ihn, zumal der Neuankömmling vor Bewunderung erstarrte, wie alle geborenen Künstler, die zuerst ins Atelier kamen, wo sie sich etwas angucken konnten der Techniken der Kunst. Ein offenes Fenster im Gewölbe erhellte Meister Porbus' Zimmer. Das Licht konzentrierte sich auf eine Staffelei mit einer daran befestigten Leinwand, auf die nur drei oder vier weiße Striche gelegt waren, und erreichte nicht die Ecken dieses riesigen Raums, in dem Dunkelheit herrschte; aber skurrile Reflexionen leuchteten entweder im braunen Halbdunkel silbrig auf den Wölbungen des Reitar-Kürasses, der an der Wand hing, oder sie umrissen in einem scharfen Streifen das polierte, geschnitzte Gesims eines alten Schranks, der mit seltenem Geschirr ausgekleidet und dann mit glänzenden Punkten übersät war die pickelige Oberfläche einiger alter Vorhänge aus Goldbrokat, aufgenommen von großen Falten, die wahrscheinlich als Vorlage für einige Bilder dienten.
Gipsabgüsse nackter Muskeln, Fragmente und Oberkörper antiker Göttinnen, liebevoll poliert von den Küssen der Jahrhunderte, vollgestopfte Regale und Konsolen.
Unzählige Skizzen, Skizzen mit drei Bleistiften, Rötel oder Kugelschreiber, bedeckten die Wände bis zur Decke. Schubladen mit Farben, Flaschen mit Ölen und Essenzen, umgestürzte Bänke ließen nur einen schmalen Durchgang, um zu dem hohen Fenster zu gelangen; das Licht davon fiel direkt auf das bleiche Gesicht von Porbus und auf den nackten, elfenbeinfarbenen Schädel eines fremden Mannes. Die Aufmerksamkeit des jungen Mannes wurde nur von einem Bild in Anspruch genommen, das selbst in diesen unruhigen, unruhigen Zeiten bereits berühmt war, so dass hartnäckige Menschen es sahen, denen wir die Bewahrung des heiligen Feuers in den Tagen der Zeitlosigkeit verdanken. Diese schöne Kunstseite zeigte Maria von Ägypten, die beabsichtigte, die Überfahrt in einem Boot zu bezahlen. Das für Marie de Medici bestimmte Meisterwerk wurde später von ihr in ihrer Not verkauft.
„Ich mag deine Heilige“, sagte der Alte zu Porbus, „ich würde dir zehn Goldkronen mehr zahlen als die Königin, aber versuche, mit ihr zu konkurrieren … verdammt!
- Magst du das Ding?
- Hehe, gefällt es dir? murmelte der alte Mann. - Ja und nein. Ihre Frau ist gut gebaut, aber sie lebt nicht. Ihr Künstler braucht nur die Figur richtig zu zeichnen, damit alles nach den Gesetzen der Anatomie stimmt, wenn ihr ab und zu eine nackte Frau anseht, die vor euch auf dem Tisch steht, glaubt ihr zu reproduzieren Natur, du bildest dir ein, Künstler zu sein und Gott das Geheimnis gestohlen zu haben ... Brrr!
Um ein großer Dichter zu sein, reicht es nicht aus, die Syntax perfekt zu kennen und keine Fehler in der Sprache zu machen! Sieh dir deinen Heiligen Porbus an! Auf den ersten Blick wirkt sie charmant, aber wenn man sie länger betrachtet, merkt man, dass sie zur Leinwand gewachsen ist und nicht herumlaufen konnte.
Es ist nur eine Silhouette mit einer Vorderseite, nur ein geschnitztes Bild, ein Abbild einer Frau, die sich weder umdrehen noch ihre Position ändern kann, ich spüre nicht die Luft zwischen diesen Händen und dem Hintergrund des Bildes; Mangel an Raum und Tiefe; dabei werden die Abstandsgesetze voll eingehalten, die Luftperspektive genau eingehalten; aber trotz all dieser lobenswerten Bemühungen kann ich nicht glauben, dass dieser schöne Körper durch den warmen Atem des Lebens belebt werden sollte; mir scheint, wenn ich meine Hand auf diese runde Brust lege, fühle ich, dass sie kalt wie Marmor ist! Nein, mein Freund, Blut fließt nicht in diesem elfenbeinernen Körper, Leben strömt nicht wie purpurroter Tau durch die Adern und Venen, die sich mit einem Netz unter der bernsteinfarbenen Transparenz der Haut an den Schläfen und auf der Brust verflechten. Dieser Ort atmet, nun ja, aber der andere ist völlig bewegungslos, Leben und Tod kämpfen in jedem Partikel des Bildes; hier spürt man eine Frau, dort eine Statue und weiter eine Leiche. Deine Schöpfung ist unvollkommen. Du hast es geschafft, deiner geliebten Schöpfung nur einen Teil deiner Seele einzuhauchen. Die Fackel des Prometheus erlosch mehr als einmal in deinen Händen, und das himmlische Feuer berührte nicht viele Stellen deines Bildes.
„Aber warum, lieber Lehrer? sagte Porbus respektvoll zu dem alten Mann, während der junge Mann sich kaum zurückhalten konnte, ihn mit seinen Fäusten anzugreifen.
- Aber wieso! sagte der alte Mann. „Sie schwankten zwischen den beiden Systemen, zwischen Zeichnung und Malerei, zwischen der phlegmatischen Kleinlichkeit, der harten Präzision der alten deutschen Meister und der schillernden Leidenschaft, der liebenswürdigen Großzügigkeit der italienischen Künstler. Sie wollten gleichzeitig Hans Holbein und Tizian, Albrecht Dürer und Paolo Veronese nachahmen. Das war natürlich ein großer Anspruch. Aber was ist passiert? Sie haben weder den herben Charme der Trockenheit noch die Illusion des Hell-Dunkels erreicht. Wie geschmolzenes Kupfer eine zu zerbrechliche Form durchbricht, so durchbrachen hier die satten und goldenen Töne von Tizian die strenge Kontur von Albrecht Dürer, in die Sie sie gezwängt haben.
An anderer Stelle behauptete sich das Design und ertrug den herrlichen Überschwang der venezianischen Palette. Das Gesicht ist weder zeichnerisch noch farblich perfekt, und es trägt Spuren deiner unglücklichen Unentschlossenheit. Da Sie nicht genug Kraft hinter sich verspürten, um beide konkurrierenden Schreibweisen auf dem Feuer Ihres Genies zu verschmelzen, so mussten Sie sich entschlossen für die eine oder andere entscheiden, um wenigstens zu jener Einheit zu gelangen, die eines der Merkmale der lebendigen Natur wiedergibt . Du bist nur in den mittleren Teilen wahrheitsgemäß; die Konturen sind falsch, sie runden sich nicht ab und man erwartet nichts dahinter. Hier ist die Wahrheit“, sagte der alte Mann und deutete auf die Brust des Heiligen. „Und dann wieder hier“, fuhr er fort und markierte den Punkt, an dem die Schulter auf dem Bild endete. „Aber hier“, sagte er und kehrte wieder in die Mitte seiner Brust zurück, „hier ist alles falsch ... Lassen wir jede Analyse, sonst kommen Sie zur Verzweiflung ...
Der alte Mann setzte sich auf eine Bank, stützte den Kopf auf die Hände und verstummte.
„Meister“, sagte ihm Porbus, „trotzdem habe ich diese Brust an einem nackten Körper viel studiert, aber zu unserem Unglück gibt die Natur solche Eindrücke hervor, die auf der Leinwand unglaublich erscheinen …
Die Aufgabe der Kunst besteht nicht darin, die Natur zu kopieren, sondern sie auszudrücken. Du bist kein elender Kopist, sondern ein Dichter! rief der alte Mann forsch und unterbrach Porbus mit einer gebieterischen Geste. „Sonst hätte der Bildhauer seine Arbeit erledigt, indem er die Gipsform von der Frau entfernt hätte. Nun, versuchen Sie es, entfernen Sie die Gipsform von der Hand Ihres Geliebten und legen Sie sie vor sich - Sie werden nicht die geringste Ähnlichkeit sehen, es wird die Hand einer Leiche sein, und Sie müssen sich an einen Bildhauer wenden, der , ohne eine exakte Kopie zu geben, vermittelt Bewegung und Leben. Wir müssen die Seele, die Bedeutung, die charakteristische Erscheinung der Dinge und Wesen erfassen. Eindruck!
Eindruck! Nun, sie sind nur Zufälle des Lebens und nicht das Leben selbst! Die Hand, da ich dieses Beispiel genommen habe, stellt die Hand nicht nur einen Teil des menschlichen Körpers dar – sie drückt den Gedanken aus und setzt ihn fort, der erfasst und übermittelt werden muss. Weder der Künstler noch der Dichter noch der Bildhauer sollten den Eindruck von der Ursache trennen, da sie untrennbar miteinander verbunden sind. Das ist der wahre Zweck des Kampfes. Viele Künstler gewinnen instinktiv, ohne sich einer solchen Aufgabe der Kunst bewusst zu sein. Du zeichnest eine Frau, aber du siehst sie nicht. So kann man der Natur nicht das Geheimnis entreißen. Sie reproduzieren, ohne es zu merken, dasselbe Modell, das Sie von Ihrem Lehrer kopiert haben. Du kennst die Form nicht genau genug, folgst ihr nicht liebevoll und hartnäckig genug in all ihren Wendungen und Rückzügen. Schönheit ist streng und launisch, sie kommt nicht so leicht, man muss auf eine günstige Stunde warten, sie aufspüren und sie festhalten, um sie zur Kapitulation zu zwingen.
Die Form ist Proteus, viel schwer fassbarer und kunstvoller als der Proteus des Mythos! Erst nach langem Kampf kann sie gezwungen werden, sich in ihrer jetzigen Form zu zeigen. Sie sind alle zufrieden mit dem ersten Auftritt, bei dem sie sich bereit erklärt, Ihnen gegenüber zu erscheinen, oder in extremen Fällen mit dem zweiten, dritten; so verhalten sich siegreiche Wrestler nicht. Diese unbeugsamen Künstler lassen sich von allerlei Wendungen nicht täuschen und beharren so lange, bis sie die Natur dazu zwingen, sich ganz nackt, in ihrem wahren Wesen, zu zeigen. Das hat Raphael getan“, sagte der alte Mann und nahm seine schwarze Samtmütze vom Kopf, um seine Bewunderung für den König der Kunst auszudrücken. - Die große Überlegenheit Raphaels ist eine Folge seiner Fähigkeit, tief zu fühlen, die seine Form gleichsam bricht. Die Form in seinen Kreationen ist die gleiche, wie sie bei uns sein sollte, nur ein Vermittler für die Übertragung von Ideen, Empfindungen, vielseitiger Poesie. Jedes Bild ist eine ganze Welt, es ist ein Porträt, dessen Vorbild eine majestätische Vision war, von Licht erleuchtet, uns von einer inneren Stimme angedeutet und ohne Hüllen vor uns erscheinend, wenn der himmlische Finger uns die Ausdrucksmittel anzeigt , dessen Quelle das ganze vergangene Leben ist. Sie kleiden Ihre Frauen in feine Kleider aus Fleisch, schmücken sie mit einem wunderschönen Lockenmantel, aber wo ist das Blut, das durch die Adern fließt, Ruhe oder Leidenschaft erzeugt und einen ganz besonderen visuellen Eindruck macht? Deine Heilige ist brünett, aber diese Farben, mein armer Porbus, sind einer Blondine abgenommen! Deshalb sind die von Ihnen geschaffenen Gesichter nur gemalte Gespenster, an denen Sie in einer Reihe vor unseren Augen vorbeiziehen - und das nennen Sie Malerei und Kunst!
Nur weil Sie etwas mehr wie eine Frau als ein Haus gemacht haben, stellen Sie sich vor, Sie hätten das Ziel erreicht und sind stolz darauf, dass Sie keine Inschriften auf Ihren Bildern benötigen - Currus Venustus<Прекрасная колесница (лат.).>oder pulcher homo<Красивый человек (лат.).>, - wie die ersten Maler stellen Sie sich vor, erstaunliche Künstler zu sein! .. Ha-ha ...
Nein, das haben Sie noch nicht erreicht, meine lieben Genossen, Sie müssen viele Bleistifte zeichnen, viele Leinwände kalken, bevor Sie Künstler werden.
Mit Recht, so hält eine Frau ihren Kopf, so hebt sie ihren Rock, in ihren Augen glüht die Müdigkeit von so unterwürfiger Zärtlichkeit, so zittert der flatternde Schatten ihrer Wimpern auf ihren Wangen. All dies ist so - und nicht so! Was fehlt hier? Eine Kleinigkeit, aber diese Kleinigkeit ist alles. Du begreifst die Erscheinung des Lebens, aber drückst nicht sein überfließendes Übermaß aus; drücken Sie nicht aus, was vielleicht die Seele ist und die wie eine Wolke die Oberfläche der Körper umhüllt; mit anderen Worten, Sie drücken nicht jenen blühenden Charme des Lebens aus, der von Tizian und Raphael eingefangen wurde. Wenn Sie vom höchsten Punkt Ihrer Errungenschaften ausgehen und weitergehen, können Sie vielleicht ein schönes Gemälde schaffen, aber Sie werden zu schnell müde. Normale Leute sind begeistert, und ein wahrer Kenner lächelt. Ach Mabuse! (Mabuse war der niederländische Künstler Jan Gossart (70er Jahre des 15. Jahrhunderts - 30er Jahre des 16. Jahrhunderts), erhielt den Spitznamen "Mabuse" nach dem Namen seiner einen Stadt.) rief dieser seltsame Mann aus. „O mein Lehrer, du bist ein Dieb, du hast dein Leben mitgenommen! … Trotzdem“, fuhr der alte Mann fort, „ist diese Leinwand besser als die Leinwände des unverschämten Rubens mit Bergen von flämischem Fleisch, das mit Rouge besprenkelt ist, mit Strömen von roten Haaren und auffälligen Farben. Zumindest haben Sie hier Farbe, Gefühl und Design - die drei wesentlichen Teile der Kunst.
„Aber dieser Heilige ist entzückend, mein Herr!“ rief der junge Mann laut und erwachte aus tiefen Gedanken. - In beiden Gesichtern, im Gesicht des Heiligen und im Gesicht des Schiffers, spürt man die Feinheit der künstlerischen Konzeption, die den italienischen Meistern unbekannt war. Ich kenne niemanden, der bei einem Bootsmann einen solchen Ausdruck des Zögerns hätte erfinden können.
Ist das dein Junge? fragte Porbus den Alten.
„Ach, Herr Lehrer, verzeihen Sie meine Unverschämtheit“, erwiderte der Neuankömmling errötend.
- Ich bin unbekannt, klein durch Anziehungskraft und erst kürzlich in dieser Stadt angekommen, der Quelle allen Wissens.
- An die Arbeit! Porbus erzählte es ihm und reichte ihm einen Rotstift und Papier.
Ein unbekannter junger Mann kopierte die Figur der Maria mit schnellen Strichen.
„Wow!“, rief der alte Mann. - Ihr Name? Der junge Mann unterschrieb unter dem Bild:
"Nicolas Poussin"<Никола Пуссен (1594-1665) — знаменитый французский художник.>"Nicht schlecht für einen Anfänger", sagte der seltsame alte Mann, der so verrückt argumentierte. — Ich sehe, Sie können über Malerei sprechen. Ich mache Ihnen keinen Vorwurf, dass Sie Saint Porbus bewundern. Für alle ist dieses Ding ein großes Werk, und nur wer in die geheimsten Geheimnisse der Kunst eingeweiht ist, kennt ihre Fehler. Da Sie aber würdig sind, Ihnen eine Lektion zu erteilen und verstehen können, werde ich Ihnen nun zeigen, was für eine Kleinigkeit erforderlich ist, um dieses Bild zu vervollständigen. Schaue in alle Augen und strenge alle Aufmerksamkeit an. Vielleicht wirst du nie wieder eine solche Gelegenheit haben, zu lernen. Gib mir deine Palette, Porbus.
Porbus holte eine Palette und Pinsel. Der Greis, der impulsiv die Ärmel hochkrempelte, steckte den Daumen durch das Loch in der kunterbunten Palette voller Farben, die Porbus ihm reichte; fast hätte er ihm eine Handvoll Pinsel verschiedener Größe aus der Hand gerissen, und plötzlich bewegte sich der keilförmig geschnittene Bart des alten Mannes bedrohlich und drückte mit seinen Bewegungen die Angst leidenschaftlicher Phantasie aus.
Er nahm die Farbe mit einem Pinsel auf und knurrte durch die Zähne:
- Diese Töne sollten samt ihrem Komponisten aus dem Fenster geworfen werden, sie sind ekelhaft hart und falsch - wie schreibt man damit?
Dann tauchte er mit fieberhafter Geschwindigkeit die Spitzen seiner Pinsel in verschiedene Farben und lief manchmal schneller durch die gesamte Tonleiter als der Kirchenorganist, der während des Osterliedes O filii über die Tasten läuft<О сыны (лат.).>.
Porbus und Poussin standen zu beiden Seiten der Leinwand und waren in tiefe Kontemplation versunken.
„Siehst du, junger Mann“, sagte der Alte, ohne sich umzudrehen, „siehst du, wie man mit Hilfe von zwei, drei Strichen und einem bläulich-durchsichtigen Strich Luft um den Kopf dieses armen Heiligen blasen konnte, der muss sind in einer so stickigen Atmosphäre vollständig erstickt und gestorben.
Sehen Sie, wie diese Falten jetzt schwanken und wie klar wurde, dass die Brise mit ihnen spielt! Vorher schien es eine gestärkte Leinwand zu sein, die mit Nadeln durchstochen war. Merkst du, wie treu die samtige Elastizität einer Mädchenhaut von diesem hellen Highlight, das ich gerade auf meine Brust gesetzt habe, vermittelt wird und wie diese Mischtöne - Rotbraun und gebranntes Ocker - Wärme über diesen großen schattigen Raum verbreiten, grau und kalt, wo das Blut gefroren ist, anstatt sich zu bewegen? Jugend. junger Mann, kein Lehrer wird dir beibringen, was ich dir jetzt zeige! Nur Mabuse kannte das Geheimnis, wie man Figuren Leben einhaucht. Mabuse hatte nur einen Schüler, mich. Ich hatte sie überhaupt nicht, und ich bin alt. Sie sind schlau genug, um den Rest zu verstehen, worauf ich anspiele.
So gesprochen korrigierte der alte Exzentriker unterdessen verschiedene Stellen des Bildes: er setzte zwei Striche hier, einen Strich dort, und jedes Mal so passend, dass eine Art neues Gemälde entstand, ein lichtgesättigtes Gemälde. Er arbeitete so leidenschaftlich, so wütend, dass Schweiß auf seinem nackten Schädel ausbrach; er handelte so flink, mit so scharfen, ungeduldigen Bewegungen, dass es dem jungen Poussin schien, als sei dieser seltsame Mann von einem Dämon besessen und würde ihn gegen seinen Willen nach seiner Laune an der Hand führen. Das übernatürliche Funkeln der Augen, die krampfhafte Bewegung der Hand, als ob sie einen Widerstand überwinden würde, verliehen dieser für die jugendliche Fantasie so verführerischen Idee eine gewisse Plausibilität.
Der alte Mann fuhr mit seiner Arbeit fort und sagte:
- Puh! Puff! Puff! So schmiert es, junger Mann! Hier, meine Striche, beleben diese eisigen Töne. Komm schon! Gut gut gut! sagte er und belebte die Teile, die er als leblos bezeichnete, löschte Widersprüchlichkeiten im Körperbau mit ein paar Farbflecken aus und stellte eine Einheit des Tons wieder her, die einem glühenden Ägypter entsprechen würde. „Siehst du, Schatz, nur die letzten Striche zählen. Porbus hat Hunderte von ihnen, aber ich habe nur einen. Niemand wird für das danken, was darunter liegt. Erinnere dich gut daran!
Schließlich blieb dieser Dämon stehen und wandte sich verblüfft vor Bewunderung an Porbus und Poussin und sagte zu ihnen:
„Dieses Ding ist noch weit von meinem „Beautiful Noiseza“ entfernt, aber unter so ein Werk kann man seinen Namen setzen. Ja, ich würde dieses Bild abonnieren“, fügte er hinzu und stand auf, um einen Spiegel zu holen, in dem er begann, es zu untersuchen. „Jetzt lass uns frühstücken gehen“, sagte er. „Ich bitte Sie beide, zu mir zu kommen. Ich verwöhne Sie mit geräuchertem Schinken und gutem Wein. Hehe, trotz der schlechten Zeiten reden wir übers Malen. Wir meinen immer noch etwas! Hier ist ein junger Mann nicht ohne Fähigkeiten“, fügte er hinzu und schlug Nicolas Poussin auf die Schulter.
Hier lenkte der alte Mann die Aufmerksamkeit auf die erbärmliche Jacke des Normannen, zog eine lederne Geldbörse hinter seiner Schärpe hervor, durchwühlte sie, nahm zwei goldene heraus und reichte sie Poussin und sagte:
— Ich kaufe deine Zeichnung.
„Nimm es“, sagte Porbus zu Poussin, der sah, dass er schauderte und vor Scham errötete, weil der Stolz des armen Mannes in dem jungen Künstler sprach. „Nimm es, seine Börse ist enger gestopft als die des Königs!“
Die drei verließen die Werkstatt und erreichten, über Kunst sprechend, ein schönes Holzhaus, das in der Nähe der Pont Saint-Michel stand und Poussin mit seinen Dekorationen, Türklopfern, Fensterflügeln und Arabesken entzückte. Der zukünftige Künstler befand sich plötzlich im Empfangszimmer, neben einem lodernden Kamin, neben einem mit köstlichen Gerichten beladenen Tisch und durch ein unerhörtes Glück in der Gesellschaft zweier großer Künstler, die so süß waren.
„Junger Mann“, sagte Porbus zu dem Neuankömmling, der sah, dass er eines der Gemälde anstarrte, „sieh dir diese Leinwand nicht zu genau an, sonst verzweifelst du.
Es war „Adam“ – ein Bild, das Mabuse gemalt hatte, um aus dem Gefängnis entlassen zu werden, wo er so lange von Gläubigern festgehalten wurde. Die ganze Gestalt Adams war in der Tat von einer so mächtigen Realität erfüllt, dass Poussin von diesem Moment an die wahre Bedeutung der dunklen Worte des alten Mannes verstand. Und er betrachtete das Bild zufrieden, aber ohne große Begeisterung, als würde er gleichzeitig denken:
"Ich schreibe besser."
„Da ist Leben drin“, sagte er, „mein armer Lehrer hat sich hier selbst übertroffen, aber in der Tiefe des Bildes ist er noch nicht ganz zur Wahrhaftigkeit gelangt. Der Mann selbst ist ganz lebendig, er steht gleich auf und kommt zu uns. Aber die Luft, die wir atmen, der Himmel, den wir sehen, der Wind, den wir fühlen, sind nicht da! Ja, und eine Person hier ist nur eine Person. Inzwischen hätte in dieser einzigen Person, die gerade die Hände Gottes verlassen hat, etwas Göttliches empfunden werden müssen, und das ist es, was fehlt. Mabuse selbst gab dies traurig zu, als er nicht betrunken war.
Poussin blickte mit unruhiger Neugier zuerst auf den alten Mann, dann auf Porbus.
Er näherte sich dem letzteren, wahrscheinlich in der Absicht, ihn nach dem Namen des Hausbesitzers zu fragen; aber der Künstler legte mit einem geheimnisvollen Blick den Finger an die Lippen, und der junge Mann, sehr interessiert, sagte nichts und hoffte früher oder später, aus einigen zufällig fallenden Wörtern den Namen des Besitzers zu erraten, zweifellos ein reicher und brillanter Mann, wie der Respekt, den Porbus ihm entgegenbrachte, und diese wunderbaren Werke, mit denen der Raum gefüllt war, genug bewiesen.
Als Poussin ein prächtiges Porträt einer Frau auf einer dunklen Eichentafel sah, rief er aus:
Was für ein schöner Giorgione!
- Nein! erwiderte der alte Mann. Hier ist eines meiner frühen Stücke.
- Herr, dann besuche ich den Gott der Malerei! sagte Poussin unschuldig.
Der Älteste lächelte wie ein Mann, der diese Art von Lob schon lange gewohnt ist.
„Frenhofer, mein Lehrer“, sagte Porbus, „würdest du mir etwas von deinem guten rheinischen Wein geben?“
„Zwei Fässer“, erwiderte der Alte, „eins als Belohnung für die Freude, die ich heute Morgen von deiner schönen Sünderin erhalten habe, und das andere als Zeichen der Freundschaft.“
„Ah, wenn da nicht meine ständigen Krankheiten wären“, fuhr Porbus fort, „und wenn du mir erlauben würdest, dein „Schönes Rauschen“ anzuschauen, dann würde ich ein Werk hoch, groß, durchdringend schaffen und Figuren in Menschenfarbe malen Höhe.
Meine Arbeit zeigen? rief der alte Mann in großer Aufregung aus. - Nein nein! Ich muss es noch vervollständigen. Gestern Nachmittag“, sagte der alte Mann, „dachte ich, ich hätte mein Noiseza beendet. Ihre Augen schienen mir feucht und ihr Körper belebt. Ihre Zöpfe wanden sich. Sie atmete! Obwohl ich einen Weg gefunden habe, die Konvexität und Rundung der Natur auf einer flachen Leinwand darzustellen, habe ich heute Morgen im Licht meinen Fehler erkannt. Ah, um den endgültigen Erfolg zu erzielen, habe ich die großen Meister der Farbe gründlich studiert, ich habe untersucht, ich habe Schicht für Schicht das Bild von Tizian selbst, dem König des Lichts, untersucht. Ich habe, wie dieser größte Künstler, die anfängliche Zeichnung des Gesichts mit leichten und kräftigen Strichen aufgetragen, weil der Schatten nur ein Zufall ist, erinnere dich daran, mein Junge, Dann kehrte ich zu meiner Arbeit zurück und mit Hilfe von Halbschatten und transparenten Tönen, die ich nach und nach verdickt habe, die Schatten bis zum Schwarzen ins tiefste übertrug; schließlich besteht bei gewöhnlichen Künstlern die Natur an den Stellen, an denen ein Schatten auf sie fällt, aus einer anderen Substanz als an beleuchteten Stellen - es ist Holz, Bronze, alles, was Sie wollen, aber kein beschatteter Körper.
Es wird angenommen, dass, wenn die Figuren ihre Position ändern würden, die schattigen Stellen nicht auffallen würden, nicht beleuchtet würden. Ich habe diesen Fehler vermieden, in den viele der berühmten Künstler geraten sind, und ich fühle echtes Weiß unter dem dicksten Schatten. Ich habe die Figur nicht in scharfen Konturen gezeichnet, wie viele unwissende Künstler, die sich einbilden, dass sie nur richtig schreiben, weil sie jede Zeile glatt und sorgfältig ausschreiben, und ich habe nicht die kleinsten anatomischen Details freigelegt, weil der menschliche Körper nicht mit Linien endet . Insofern sind Bildhauer näher an der Wahrheit als wir Künstler. Die Natur besteht aus einer Reihe von Rundungen, die ineinander übergehen. Genau genommen existiert die Zeichnung nicht! Lach nicht, junger Mann.
Egal wie seltsam Ihnen diese Worte vorkommen, eines Tages werden Sie ihre Bedeutung verstehen. Die Linie ist ein Weg, durch den eine Person sich der Wirkung der Beleuchtung auf das Erscheinungsbild eines Objekts bewusst ist. Aber in der Natur, wo alles konvex ist, gibt es keine Linien: Nur das Modellieren schafft eine Zeichnung, dh die Auswahl eines Objekts in der Umgebung, in der es existiert. Erst die Lichtverteilung macht Körper sichtbar! Deshalb habe ich keine harten Konturen gegeben, sondern die Konturen mit einem leichten Schleier aus hellen und warmen Halbtönen verdeckt, sodass es mir unmöglich wäre, mit dem Finger genau zu zeigen, wo die Kontur auf den Hintergrund trifft. Aus der Nähe wirkt diese Arbeit zottelig, es scheint ihr an Präzision zu fehlen, aber wenn man zwei Schritte zurücktritt, dann wird alles sofort stabil, bestimmt und deutlich, Körper bewegen sich, Formen werden konvex, Luft wird spürbar. Und doch bin ich immer noch nicht zufrieden, ich werde von Zweifeln gequält. Vielleicht hätte keine einzige Linie gezogen werden sollen, vielleicht wäre es besser gewesen, die Figur in der Mitte zu beginnen, zuerst die hellsten Wölbungen zu nehmen und dann zu den dunkleren Teilen überzugehen. Funktioniert nicht so die Sonne, die göttliche Malerin der Welt? O Natur, Natur! Wer hat es jemals geschafft, deine schwer fassbare Form einzufangen? Aber hier, komm schon, - übermäßiges Wissen sowie Unwissenheit führt zu Verleugnung.
Ich zweifle an meiner Arbeit.
Der alte Mann hielt inne und begann dann erneut:
„Seit zehn Jahren arbeite ich, junger Mann. Aber was bedeuten zehn kurze Jahre, wenn es darum geht, die lebendige Natur zu beherrschen! Wir wissen nicht, wie viel Zeit Lord Pygmalion damit verbracht hat, diese eine Statue zu erschaffen, die zum Leben erweckt wurde.
Der alte Mann verfiel in tiefe Gedanken und drehte mechanisch das Messer in seinen Händen, während er seine Augen auf einen Punkt fixierte.
»Er spricht mit seinem Geist«, sagte Porbus halblaut.
Bei diesen Worten wurde Nicolas Poussin von einer unerklärlichen künstlerischen Neugier gepackt. Ein alter Mann mit farblosen Augen, auf etwas gerichtet und taub, wurde für Poussin zu einem dem Menschen überlegenen Wesen, erschien vor ihm als bizarres Genie, das in einer unbekannten Sphäre lebte. Er erweckte tausend vage Gedanken in meiner Seele. Die Phänomene des spirituellen Lebens, die sich in einer solchen magischen Wirkung widerspiegeln, sind nicht genau zu definieren, ebenso wie es unmöglich ist, die Erregung zu vermitteln, die ein Lied hervorruft und das Herz an ein Exil der Heimat erinnert.
Die offene Verachtung dieses alten Mannes für die schönsten Künste, seine Art, die Ehrfurcht, mit der Porbus ihn behandelte, seine Arbeit, die so lange verborgen war, eine Arbeit, die auf Kosten einer so großen, so offenen Bewunderung für den jungen Poussin ausgeführt wurde, war sogar im Vergleich damit schön Mabuses „Adam“, der vom kraftvollen Pinselstrich eines der souveränen Herrscher der Kunst zeugt – alles an diesem alten Mann ging über die menschliche Natur hinaus. In diesem übernatürlichen Wesen hat Nicolas Poussins glühende Fantasie nur eines deutlich und greifbar gemacht: dass es das perfekte Bild eines geborenen Künstlers war, einer dieser verrückten Seelen, denen so viel Macht gegeben wurde und die sie zu oft missbrauchen, um eine Erkältung zu vertreiben Geist. gewöhnliche Menschen und sogar Kunstliebhaber auf tausend steinigen Straßen, wo sie nichts finden werden, während diese Seele mit weißen Flügeln, verrückt in ihren Launen, dort ganze Epen, Paläste, Kunstschöpfungen sieht. Von Natur aus spöttisch und freundlich, reich und arm! So verwandelte sich dieser alte Mann für den Poussin-Enthusiasten plötzlich in Kunst selbst, Kunst mit all ihren Geheimnissen, Impulsen und Träumen.
„Ja, lieber Porbus“, sprach Frenhofer erneut, „ich habe noch keine makellose Schönheit kennengelernt, einen Körper, dessen Konturen von perfekter Schönheit wären, und die Farbe der Haut ... Aber wo finde ich sie lebend“, er sagte, sich selbst unterbrechend, – diese unerworbene Venus der Alten? Wir suchen sie so eifrig, finden aber kaum nur verstreute Teilchen ihrer Schönheit! Ach, für einen Augenblick, nur einmal, eine göttlich schöne Natur zu sehen, die Vollendung der Schönheit, mit einem Wort – ein Ideal, dafür würde ich mein ganzes Vermögen hergeben. Ich würde dir ins Jenseits folgen, o himmlische Schönheit! Wie Orpheus würde ich in die Hölle der Kunst hinabsteigen, um von dort Leben zu holen.
„Wir können gehen“, sagte Porbus zu Poussin, „er hört und sieht uns nicht mehr.
„Lass uns in seine Werkstatt gehen“, antwortete der bewundernde junge Mann.
— Ach, da hat der alte Reiter wohlweislich den Eingang geschlossen. Seine Schätze sind sehr gut bewacht, und wir können nicht dorthin eindringen. Du warst nicht der erste mit einem solchen Gedanken und einem solchen Wunsch, ich habe bereits versucht, in das Geheimnis einzudringen.
- Gibt es hier ein Geheimnis?
„Ja“, sagte Porbus. „Der alte Frenhofer ist der Einzige, den Mabuse als Lehrling nehmen wollte. Frenhofer wurde sein Freund, Retter, Vater, gab den größten Teil seines Vermögens für die Befriedigung seiner Leidenschaften aus, und im Gegenzug gab ihm Mabuse das Geheimnis der Erleichterung, seine Fähigkeit, Figuren diese außergewöhnliche Vitalität, diese Natürlichkeit zu verleihen, um die wir so hoffnungslos ringen - während Mabuse beherrschte diese Fähigkeit so perfekt, dass Mabuse, als er zufällig durch den seidengemusterten Stoff trank, den er für die Anwesenheit beim feierlichen Abgang von Karl dem Fünften anziehen sollte, seinen Gönner in Kleidern aus seidenbemaltem Papier dorthin begleitete. Die außergewöhnliche Pracht des Mabuse-Kostüms erregte die Aufmerksamkeit des Kaisers selbst, der mit seiner Bewunderung für diesen Wohltäter des alten Trunkenbolds zur Aufdeckung des Betrugs beitrug.
Frenhofer ist ein Mann mit Leidenschaft für unsere Kunst, seine Ansichten sind breiter und höher als die anderer Künstler. Er dachte tief über die Farben nach, über die absolute Wahrhaftigkeit der Linien, erreichte aber den Punkt, an dem er selbst am Gegenstand seiner Überlegungen zu zweifeln begann. In einem Moment der Verzweiflung argumentierte er, dass die Zeichnung nicht existiere, dass Linien nur vermittelt werden könnten geometrische Figuren. Das ist völlig falsch, nur weil Sie ein Bild nur aus Linien und schwarzen Punkten erstellen können, die schließlich keine Farbe haben. Dies beweist, dass unsere Kunst, wie die Natur selbst, aus vielen Elementen besteht: In der Zeichnung ist ein Rahmen gegeben, Farbe ist Leben, aber das Leben ohne Rahmen ist etwas Unvollkommeneres als ein Rahmen ohne Leben. Und zum Schluss das Wichtigste: Übung und Beobachtung sind alles für einen Künstler, und wenn Vernunft und Poesie sich nicht mit dem Pinsel vertragen, dann kommt ein Mensch in Zweifel, wie unser alter Mann, ein begabter Künstler, aber ebenso verrückt. Als großartiger Maler hatte er das Pech, reich geboren zu werden, was ihm erlaubte, nachzudenken. Imitiere ihn nicht! Arbeit! Künstler sollten nur mit einem Pinsel in der Hand argumentieren.
Wir kommen in diesen Raum! rief Poussin, der Porbus nicht mehr zuhörte, bereit, für sein mutiges Unternehmen alles zu tun.
Porbus lächelte, als er die Begeisterung des jungen Fremden sah, verabschiedete sich von ihm und lud ihn ein, zu ihm zu kommen.
Nicolas Poussin kehrte langsam in die Rue de la Arpe zurück und ging, ohne es zu merken, an dem bescheidenen Hotel vorbei, in dem er wohnte. Er stieg hastig eine elende Treppe hinauf und betrat einen Raum ganz oben, unter einem Dach mit sichtbaren Holzsparren - eine einfache und leichte Abdeckung für alte Pariser Häuser. Am schummrigen und einzigen Fenster dieses Zimmers sah Poussin ein Mädchen, das beim Knarren der Tür in einem Liebesanfall aufsprang – sie erkannte den Künstler daran, wie er die Türklinke ergriff.
- Was ist mit dir passiert? sagte das Mädchen.
„Es ist mir passiert, mir“, rief er und würgte vor Freude, „es ist passiert, dass ich mich wie ein Künstler gefühlt habe!“ Bisher habe ich an mir gezweifelt, aber heute Morgen habe ich an mich geglaubt. Ich kann großartig werden! Ja, Gilletta, wir werden reich, glücklich! Diese Pinsel bringen uns Gold!
Aber plötzlich schwieg er. Sein ernstes und energisches Gesicht verlor den Ausdruck der Freude, als er seine großen Hoffnungen mit seinen jämmerlichen Mitteln verglich. Die Wände waren mit glatten Tapeten bedeckt, die mit Bleistiftskizzen gesprenkelt waren. Er konnte keine vier sauberen Leinwände finden. Farben waren damals sehr teuer, und die Palette des armen Kerls war fast leer. In solcher Armut lebend, war und erkannte er sich als Besitzer eines unglaublichen spirituellen Reichtums, eines alles verschlingenden Genies, überfließend. Von einem Bekannten eines Adligen oder vielmehr von seinem eigenen Talent nach Paris angezogen, traf Poussin zufällig seine Geliebte hier, edel und großzügig, wie alle Frauen, die leiden, ihr Schicksal mit großen Menschen verbinden, Armut mit ihnen teilen, Versuchen Sie, ihre Launen zu verstehen, bleiben Sie standhaft in den Prüfungen der Armut und der Liebe, so wie andere sich furchtlos in die Jagd nach Luxus stürzen und ihre Unempfindlichkeit zur Schau stellen. Das Lächeln, das über die Lippen von Gillette wanderte, vergoldete diesen Dachbodenschrank und konkurrierte mit dem Glanz der Sonne. Schließlich schien die Sonne nicht immer, aber sie war immer da, gab der Leidenschaft all ihre geistige Kraft, hängte an ihrem Glück und ihrem Leiden und tröstete einen genialen Mann, der sich, bevor er die Kunst beherrschte, in die Welt der Liebe stürzte.
– Komm zu mir, Gilletta, hör zu.
Gehorsam und freudig sprang das Mädchen vor dem Künstler auf die Knie. Alles an ihr war Anmut und Anmut, sie war so schön wie der Frühling und mit allen Schätzen ausgestattet weibliche Schönheit, erleuchtet vom Licht ihrer reinen Seele. „Oh mein Gott“, rief er aus, „ich werde es niemals wagen, es ihr zu sagen …
- Ein Geheimnis? Sie fragte. - Nun, sprechen Sie! - Poussin war tief in Gedanken. - Warum bist du still?
- Gilletta, meine Liebe!
"Ah, brauchst du etwas von mir?"
- Ja…
„Wenn du willst, dass ich wieder für dich posiere, wie damals“, sagte sie und schmollte ihre Lippen, „dann werde ich niemals zustimmen, denn in diesen Momenten sagen mir deine Augen nichts mehr. Du denkst überhaupt nicht an mich, obwohl du mich ansiehst...
„Würde es dir gefallen, wenn eine andere Frau für mich posiert?“
- Vielleicht, aber natürlich nur das Hässlichste.
„Nun, was wäre, wenn Sie um meines zukünftigen Ruhms willen“, fuhr Poussin ernst fort, „um mir zu helfen, ein großer Künstler zu werden, vor einem anderen posieren müssten?
Willst du mich testen? - Sie sagte. „Du weißt genau, dass ich es nicht tun werde.
Poussin senkte den Kopf auf die Brust, wie ein Mann, der von zu viel Freude oder unerträglichem Kummer überwältigt wird.
„Hören Sie“, sagte Gillette und zog Poussin am Ärmel einer abgetragenen Jacke, „Ich habe Ihnen gesagt, Nick, dass ich bereit wäre, mein Leben für Sie zu opfern, aber ich habe Ihnen zu Lebzeiten nie versprochen, mein Leben aufzugeben Liebe ...
- Die Liebe aufgeben? rief Poussin.
- Denn wenn ich mich in dieser Form einem anderen zeige, wirst du aufhören, mich zu lieben. Ja, ich selbst werde mich Ihrer unwürdig fühlen. Seinen Launen zu gehorchen ist ganz natürlich und einfach, nicht wahr? Trotz allem tue ich gerne und sogar stolz deinen Willen. Aber zum anderen ... Was für ein Ekel!
„Vergib mir, liebe Gilletta! sagte der Künstler und fiel auf die Knie. „Ja, ich würde deine Liebe lieber behalten, als berühmt zu werden.“ Du bist mir lieber als Reichtum und Ruhm! Also wirf meine Pinsel weg, verbrenne alle Skizzen. Ich habe mich geirrt! Meine Berufung ist es, dich zu lieben. Ich bin kein Künstler, ich bin ein Liebhaber. Möge die Kunst mit all ihren Geheimnissen untergehen!
Sie bewunderte ihren Geliebten, freudig, bewundernd. Sie regierte, sie wusste instinktiv, dass die Kunst ihretwegen vergessen und ihr zu Füßen geworfen wurde.
„Trotzdem ist dieser Künstler ein ziemlich alter Mann“, sagte Poussin, „er wird in Ihnen nur eine schöne Form sehen. Deine Schönheit ist so perfekt!
Was wirst du nicht für die Liebe tun? rief sie aus, schon bereit, ihre Skrupellosigkeit aufzugeben, um ihren Geliebten für all die Opfer zu belohnen, die er ihr bringt. „Aber dann werde ich sterben“, fuhr sie fort. Oh, für dich zu sterben! Ja, es ist wunderbar! Aber du wirst mich vergessen ... Oh, wie schlecht du dir das ausgedacht hast!
„Ich habe es mir ausgedacht und ich liebe dich“, sagte er mit etwas Reue in seiner Stimme. „Aber das bedeutet, dass ich ein Elend bin.
"Lass uns Onkel Arduin konsultieren!" - Sie sagte.
- Ah nein! Lass das ein Geheimnis zwischen uns bleiben.
„Nun gut, ich werde gehen, aber kommen Sie nicht mit rein“, sagte sie. „Bleib vor der Tür, Dolch bereit. Wenn ich schreie, renn rein und töte den Künstler.
Poussin drückte Gillette an seine Brust, ganz in den Gedanken an Kunst versunken.
Er liebt mich nicht mehr, dachte Gilletta, allein gelassen.
Sie bereute bereits ihre Zustimmung. Aber bald ergriff sie ein Entsetzen, grausamer als dieses Bedauern. Sie versuchte, den schrecklichen Gedanken, der ihr in den Sinn gekommen war, zu verdrängen. Es schien ihr, als ob sie selbst den Künstler weniger liebte, da sie vermutete, er sei weniger respektabel.
II. Katharina Lesko

Drei Monate nach dem Treffen mit Poussin besuchte Porbus den Meister Frenhofer. Den alten Mann packte diese tiefe und plötzliche Verzweiflung, die nach Ansicht medizinischer Mathematiker durch schlechte Verdauung, Wind, Hitze oder Schwellungen in der Magengegend und nach Meinung von Spiritisten durch die Unvollkommenheit unserer spirituellen Natur verursacht wird. Der alte Mann war einfach müde, sein mysteriöses Bild fertigzustellen. Müde saß er in einem großen, mit schwarzem Leder gepolsterten Sessel aus geschnitzter Eiche und sah Porbus an, ohne seine melancholische Haltung zu ändern, wie ein Mann, der schon an Sehnsucht gewöhnt ist.
„Nun, Herr Lehrer“, sagte Porbus zu ihm, „ist das Ultramarin, mit dem Sie nach Brügge gegangen sind, schlecht zu werden?“ Oder hast du unser neues Weiß nicht gemahlen? Oder hast du schlechtes Öl bekommen? Oder Bürsten sind nicht biegsam?
– Ach! rief der alte Mann. - Es schien mir einmal, dass meine Arbeit beendet war, aber ich habe mich wahrscheinlich in einigen Einzelheiten geirrt, und ich werde nicht ruhen, bis ich alles herausgefunden habe. Ich beschloss, eine Reise zu machen, ich werde in die Türkei, nach Griechenland, nach Asien gehen, um dort ein Modell zu finden und meine Malerei mit verschiedenen Arten weiblicher Schönheit zu vergleichen. Vielleicht habe ich dort oben, sagte er mit einem zufriedenen Lächeln, „lebendige Schönheit selbst. Manchmal habe ich sogar Angst, dass ein Atemzug diese Frau nicht wecken wird und sie nicht verschwinden würde ...
Dann stand er plötzlich auf, als würde er sich zum Aufbruch bereit machen. „Whoa“, rief Porbus, „ich bin rechtzeitig gekommen, um Ihnen die Reisekosten und Strapazen zu ersparen.
- Wie? fragte Frenhofer überrascht.
- Es stellt sich heraus, dass der junge Poussin von einer Frau von unvergleichlicher, makelloser Schönheit geliebt wird. Aber nur, lieber Lehrer, wenn er sich bereit erklärt, sie zu Ihnen gehen zu lassen, müssen Sie uns auf jeden Fall Ihre Leinwand zeigen.
Der Alte stand wie angewurzelt da, erstarrt vor Staunen, - Wie?! rief er schließlich bitter aus. — Meine Schöpfung zeigen, mein Ehepartner? Um den Schleier zu brechen, mit dem ich mein Glück keusch bedeckte? Aber das wäre eine ekelhafte Unanständigkeit! Seit zehn Jahren lebe ich das gleiche Leben mit dieser Frau, sie gehört mir und nur mir, sie liebt mich. Hat sie mich nicht bei jedem neuen Blick, den ich aufgesetzt habe, angelächelt? Sie hat eine Seele, ich habe ihr diese Seele gegeben. Diese Frau würde rot werden, wenn jemand außer mir sie ansähe. Ihr zeigen?! Aber welcher Ehemann oder Liebhaber ist so niederträchtig, seine Frau der Schande auszusetzen? Wenn Sie ein Bild für den Hof malen, legen Sie nicht Ihre ganze Seele hinein, Sie verkaufen nur bemalte Mannequins an Hofadlige. Meine Malerei ist keine Malerei, sie ist das Gefühl selbst, die Leidenschaft selbst! Die in meiner Werkstatt geborene schöne Noiseza muss dort keusch bleiben und darf nur bekleidet ausgehen.
Poesie und Frau erscheinen nur vor ihrer Geliebten nackt. Kennen wir das Modell von Raphael oder das Bild von Angelica, nachgebildet von Ariosto, Beatrice, nachgebildet von Dante? Nein! Nur das Bild dieser Frauen ist uns überliefert. Nun, meine Arbeit, die ich oben hinter starken Schlössern aufbewahre, ist eine Ausnahme in unserer Kunst. Das ist kein Bild, das ist eine Frau – eine Frau, mit der ich zusammen weine, lache, rede und denke. Willst du, dass ich mich sofort von meinem zehnjährigen Glück trenne, so einfach wie einen Umhang abwerfen? Damit ich plötzlich aufhöre, ein Vater, ein Liebhaber und ein Gott zu sein! Diese Frau ist nicht nur eine Schöpfung, sie ist eine Schöpfung. Lass deinen jungen Mann kommen, ich werde ihm meine Schätze geben, die Bilder von Correggio selbst, Michelangelo, Tizian, ich werde seine Fußspuren im Staub küssen; aber ihn zu deinem Rivalen zu machen – wie schade! Ha ha, ich bin sogar mehr ein Liebhaber als ein Künstler. Ja, ich habe die Kraft, mein wunderschönes Noiseza mit meinem letzten Atemzug zu verbrennen; aber dass ich sie einen fremden Mann, einen Jüngling, einen Künstler anschauen lasse? - Nein! Nein! Ich werde am nächsten Tag jeden töten, der sie mit einem Blick beschmutzt! Ich hätte dich in diesem Moment getötet, dich, mein Freund, wenn du nicht vor ihr gekniet hättest. Also willst du wirklich, dass ich mein Idol den kalten Augen und der rücksichtslosen Kritik von Narren überlasse! Oh! Die Liebe ist ein Mysterium, die Liebe lebt nur tief im Herzen, und alles ist verloren, wenn ein Mann zumindest zu seinem Freund sagt: Das ist es, den ich liebe ...
Der alte Mann schien verjüngt zu sein: seine Augen leuchteten und belebten sich, seine blassen Wangen waren mit einer hellen Röte überzogen. Seine Hände zitterten. Porbus, überrascht von der leidenschaftlichen Kraft, mit der diese Worte gesprochen wurden, wusste nicht, wie er mit solch ungewöhnlichen, aber tiefen Gefühlen umgehen sollte. Ist Frenhofer gesund oder verrückt? Besitzte ihn die Vorstellungskraft des Künstlers oder waren die von ihm geäußerten Gedanken das Ergebnis eines exorbitanten Fanatismus, der auftritt, wenn ein Mensch ein großes Werk in sich trägt? Gibt es Hoffnung, mit einem Exzentriker, der von solch einer absurden Leidenschaft besessen ist, eine Einigung zu erzielen?
Überwältigt von all diesen Gedanken sagte Porbus zu dem alten Mann:
„Aber hier ist eine Frau für eine Frau!“ Überlässt Poussin seine Geliebte nicht Ihrem Blick?
- Was für eine Herrin ist da! Frenhofer widersprach. „Früher oder später wird sie ihn betrügen. Meine wird mir immer treu bleiben.
„Nun“, sagte Porbus, „reden wir nicht mehr darüber. Aber bevor Sie, selbst in Asien, eine Frau treffen können, die so makellos schön ist wie die, von der ich spreche, können Sie sterben, ohne Ihr Bild fertigzustellen.
"Oh, es ist vorbei", sagte Frenhofer. „Wer sie ansah, sah eine Frau, die unter einem Baldachin auf einem samtenen Bett lag. Neben der Frau steht ein goldener Dreifuß, der Weihrauch ausgießt. Sie würden den Wunsch haben, die Quaste der Schnur zu ergreifen, die den Vorhang aufhebt, es scheint Ihnen, als würden Sie sehen, wie die Brüste der schönen Kurtisane Catherine Lescaut mit dem Spitznamen „The Beautiful Noiseza“ atmen. Allerdings möchte ich sicher gehen...
„Dann geh nach Asien“, antwortete Porbus und bemerkte ein Zögern in Frenhofers Augen.
Und schon ging Porbus auf die Tür zu.
In diesem Moment näherten sich Gillette und Nicolas Poussin Frenhofers Wohnung.
Das Mädchen bereitete sich schon darauf vor, einzutreten, löste ihre Hand von der Hand des Künstlers und trat, wie von einer plötzlichen Vorahnung ergriffen, zurück.
"Aber warum komme ich hierher?" fragte sie ihren Geliebten mit Sorge in ihrer Stimme und richtete ihre Augen auf ihn.
- Gilletta, ich habe es dir überlassen, selbst zu entscheiden, und ich möchte dir in allem gehorchen. Du bist mein Gewissen und meine Herrlichkeit. Komm nach Hause, ich fühle mich vielleicht glücklicher, als wenn du...
„Wie kann ich etwas entscheiden, wenn du so mit mir redest? Nein, ich werde nur ein Kind. Auf geht's“, fuhr sie fort, sich offenbar sehr anstrengend, „wenn unsere Liebe zu Grunde geht und ich meine Tat grausam bereue, wird dann dein Ruhm nicht immer noch eine Belohnung dafür sein, dass ich deinen Wünschen gehorcht habe?.. Komm in! Ich werde noch leben, da eine Erinnerung an mich auf deiner Palette sein wird.
Die Liebenden öffneten die Tür und begegneten Porbus, der, beeindruckt von der Schönheit Gillettes, deren Augen voller Tränen waren, sie an der Hand nahm, sie zitternd zu dem alten Mann führte und sagte:
- Da ist sie! Ist es nicht alle Meisterwerke der Welt wert?
Frenhofer zuckte zusammen. Vor ihm stand Gillette in einer naiv einfachen Pose, wie eine junge georgische Frau, ängstlich und unschuldig, von Räubern entführt und von ihnen zu einem Sklavenhändler gebracht. Eine schüchterne Röte überflutete ihr Gesicht, sie senkte die Augen, ihre Arme baumelten, es schien, als würde sie an Kraft verlieren, und ihre Tränen waren ein stiller Vorwurf an die Gewalt gegen ihre Schüchternheit. In diesem Moment verfluchte sich Poussin verzweifelt, weil er diesen Schatz aus seinem Schrank geholt hatte.
Der Liebhaber übernahm den Künstler, und Tausende von schmerzlichen Zweifeln schlichen sich in Poussins Herz, als er sah, wie sich die Augen des alten Mannes verjüngten, wie er, sozusagen nach Künstlergewohnheit, das Mädchen mit seinen Augen entkleidete und alles erriet ihr Körperbau bis ins Intimste. Der junge Künstler kannte damals die grausame Eifersucht der wahren Liebe.
"Gillette, lass uns hier verschwinden!" er rief aus. Bei diesem Ausruf, bei diesem Schrei hob seine Geliebte freudig die Augen, sah sein Gesicht und warf sich in seine Arme.
„Ah, also liebst du mich!“ antwortete sie und brach in Tränen aus.
Nachdem sie so viel Mut gezeigt hatte, als es notwendig war, ihr Leiden zu verbergen, fand sie jetzt nicht die Kraft in sich selbst, ihre Freude zu verbergen.
„Ach, geben Sie es mir einen Augenblick,“ sagte der alte Maler, „und Sie werden es mit meiner Katharina vergleichen. Ja ich bin einverstanden!
In Frenhofers Ausruf nach dem von ihm geschaffenen Frauenbild steckte noch Liebe. Man könnte meinen, er sei stolz auf die Schönheit seines Noiseza und ahnte im Voraus den Sieg, den seine Schöpfung über ein lebendes Mädchen erringen würde.
– Nehmen Sie ihn beim Wort! sagte Porbus und klopfte Poussin auf die Schulter. „Die Blumen der Liebe sind kurzlebig, die Früchte der Kunst sind unsterblich.
Bin ich nur eine Frau für ihn? erwiderte Gillette und sah Poussin und Porbus aufmerksam an.
Sie hob stolz den Kopf und warf Frenhofer einen funkelnden Blick zu, bemerkte aber plötzlich, dass ihr Geliebter das Bild bewunderte, das er bei seinem ersten Besuch für Giorgione machte, und dann entschied Gilletta:
- Oh, lass uns nach oben gehen. Er hat mich nie so angesehen.
„Alter Mann“, sagte Poussin, der von Gillettes Stimme aus seinen Träumereien gerissen wurde, „seht ihr diesen Dolch? Er wird dein Herz bei der ersten Beschwerde dieses Mädchens durchbohren, ich werde dein Haus in Brand setzen, damit niemand herauskommt. Versteht du mich?
Nicolas Poussin war düster. Seine Rede klang bedrohlich. Die Worte des jungen Künstlers und vor allem die Geste, mit der sie begleitet wurden, beruhigten Gillette, und sie verzieh ihm fast, dass er sie der Kunst und seiner glorreichen Zukunft geopfert hatte.
Porbus und Poussin standen an der Tür der Werkstatt und sahen sich schweigend an. Zunächst erlaubte sich der Autor von Mary of Egypt einige Bemerkungen: „Ah, sie zieht sich aus ... Er sagt ihr, sie solle sich dem Licht zuwenden! .. Er vergleicht sie ...“ - aber er verstummte bald, tiefe Traurigkeit auf Poussins Gesicht sehen; obwohl Künstler solchen Vorurteilen schon im Alter fremd sind, unbedeutend im Vergleich zur Kunst, bewunderte Porbus dennoch Poussin: er war so süß und naiv. Der junge Mann umklammerte den Griff des Dolches und drückte sein Ohr fast an die Tür. Als sie hier im Schatten standen, sahen sie beide aus wie Verschwörer, die auf den richtigen Zeitpunkt warteten, um den Tyrannen zu töten.
- Komm rein, komm rein! sagte der alte Mann und strahlte vor Glück. - Meine Arbeit ist perfekt, und jetzt kann ich es stolz zeigen. Ein Künstler, Farben, Pinsel, Leinwand und Licht werden niemals eine Rivalin für meine Catherine Lesko, eine wunderschöne Kurtisane, sein.
Von ungeduldiger Neugier ergriffen, liefen Porbus und Poussin hinaus in die Mitte einer geräumigen Werkstatt, wo alles durcheinander und verstaubt war, wo hier und da Gemälde an den Wänden hingen. Beide blieben zunächst vor dem Bild einer halbnackten Frau in Menschengröße stehen, was sie in Entzücken versetzte.
„Oh, mach dir nichts draus“, sagte Frenhofer, „ich habe skizziert, um die Pose zu studieren, das Bild ist nichts wert. Und hier sind meine Wahnvorstellungen“, fuhr er fort und zeigte den Künstlern wundervolle Kompositionen, die überall an den Wänden hingen.
Bei diesen Worten begannen Porbus und Poussin, erstaunt über Frenhofers Verachtung für solche Gemälde, nach dem betreffenden Porträt zu suchen, konnten es aber nicht finden.
- Hier, schau! - sagte der alte Mann, dessen Haar zerzaust war, dessen Gesicht von einer Art übernatürlicher Lebhaftigkeit brannte, seine Augen funkelten und seine Brust sich krampfhaft hob, wie die eines verliebten jungen Mannes. – Aha! rief er aus, "hast du nicht solche Vollkommenheit erwartet?" Vor dir steht eine Frau und du suchst ein Bild. Diese Leinwand hat so viel Tiefe, die Luft wird so originalgetreu wiedergegeben, dass Sie sie nicht von der Luft unterscheiden können, die Sie atmen. Wo ist die Kunst? Es ist weg, es ist weg. Hier ist die Leiche des Mädchens. Ist die Färbung, die lebendigen Umrisse, wo die Luft mit dem Körper in Berührung kommt und ihn gleichsam umhüllt, nicht richtig erfasst? Stellen Gegenstände in der Atmosphäre nicht dasselbe Phänomen dar wie Fische im Wasser?
Bewerten Sie, wie die Konturen vom Hintergrund getrennt sind. Glaubst du nicht, dass du dieses Lager mit deiner Hand umkreisen kannst? Ja, nicht umsonst habe ich sieben Jahre lang studiert, welcher Eindruck entsteht, wenn Lichtstrahlen mit Objekten kombiniert werden. Und dieses Haar – wie lichtgesättigt ist es! Aber sie seufzte, wie es scheint!... Diese Truhe... schau! Oh, wer kniet nicht vor ihr? Der Körper zittert! Sie wird jetzt aufstehen, warte...
- Siehst du etwas? fragte Poussin Porbus.
- Nein. Und Sie?
- Nichts…
Beide Künstler ließen den alten Mann bewundern und begannen zu prüfen, ob das Licht alle Effekte zerstört, indem es direkt auf die Leinwand fiel, die Frenhofer ihnen zeigte. Sie betrachteten das Bild, entfernten sich nach rechts, nach links, standen sich bald gegenüber, bald beugten sie sich, dann richteten sie sich auf.
„Ja, ja, es ist ein Gemälde“, sagte Frenhofer, der sich über den Zweck einer so sorgfältigen Untersuchung irrte. - Schau, hier ist der Rahmen, die Staffelei und endlich meine Farben und Pinsel ...
Und indem er einen der Pinsel ergriff, zeigte er ihn unschuldig den Künstlern.
„Der alte Landsknecht lacht uns aus“, sagte Poussin und kam damit auf das sogenannte Gemälde zurück. „Ich sehe hier nur eine chaotische Kombination von Strichen, umrissen von vielen seltsamen Linien, die sozusagen einen Farbzaun bilden.
„Wir täuschen uns, sehen Sie! ...“ widersprach Porbus. Als sie näher kamen, bemerkten sie in der Ecke des Bildes die Spitze eines nackten Fußes, die sich aus dem Chaos von Farben, Tönen und unbestimmten Schattierungen abhob und eine Art formlosen Nebel bildete - die Spitze eines schönen Beins, eines lebendigen Beins. Sie waren fassungslos vor diesem Fragment, das die unglaubliche, langsame, allmähliche Zerstörung überlebte.
Das Bein auf dem Bild machte den gleichen Eindruck wie der Torso einer Venus aus parischem Marmor inmitten der Ruinen einer verbrannten Stadt.
"Da ist eine Frau darunter!" rief Porbus und wies Poussin auf die Farbschichten hin, die der alte Künstler übereinandergelegt hatte, um das Bild zu vervollständigen.
Beide Künstler wandten sich unwillkürlich Frenhofer zu und begannen, wenn auch noch undeutlich, die Ekstase zu begreifen, in der er lebte.
„Er glaubt, was er sagt“, sagte Porbus.
„Ja, mein Freund“, antwortete der alte Mann und kam zur Besinnung, „man muss glauben.
Man muss an die Kunst glauben und sich an seine Arbeit gewöhnen, um ein solches Werk zu schaffen. Einige dieser Schattenflecken kosteten mich viel Kraft. Schauen Sie, hier, auf der Wange, unter dem Auge, gibt es einen leichten Halbschatten, der Ihnen in der Natur, wenn Sie darauf achten, fast unbeschreiblich erscheinen wird. Und was meinen Sie, hat mich dieser Effekt nicht unerhörte Mühen gekostet? Und dann, mein lieber Porbus, schau dir meine Arbeit genauer an, dann verstehst du besser, was ich dir über Rundungen und Konturen gesagt habe.
Schauen Sie in die Beleuchtung auf der Brust und beobachten Sie, wie ich es mit Hilfe einer Reihe von Glanzlichtern und markanten, dick aufgetragenen Strichen geschafft habe, das eigentliche Licht hier zu fokussieren, es mit dem brillanten Weiß des beleuchteten Körpers zu kombinieren, und wie, weiter im Gegenteil, indem ich die Wölbungen und Rauhigkeiten der Farbe entfernte, die Konturen meiner Figur dort, wo sie in die Dämmerung getaucht war, ständig glättete, gelang es mir, die Zeichnung und alle Künstlichkeit vollständig zu zerstören und den Linien des Körpers eine Rundung zu geben, die in der Natur vorhanden ist . Kommen Sie näher, Sie werden die Textur besser sehen. Aus der Ferne sieht man es nicht. Hier ist sie, denke ich, sehr beachtenswert.
Und mit der Pinselspitze zeigte er den Künstlern eine dicke Schicht heller Farbe ...
Porbus klopfte dem alten Mann auf die Schulter und sagte zu Poussin gewandt:
Wussten Sie, dass wir ihn für einen wirklich großen Künstler halten?
„Er ist eher ein Dichter als ein Künstler“, sagte Poussin ernst.
„Hier“, fuhr Porbus fort und berührte das Bild, „endet unsere Kunst auf Erden …
„Und von hier aus geht es am Himmel verloren“, sagte Poussin.
- Wie viele erlebte Freuden auf dieser Leinwand! In seine Gedanken versunken hörte der alte Mann nicht auf die Künstler: Er lächelte eine imaginäre Frau an.
- Aber früher oder später wird er merken, dass nichts auf seiner Leinwand ist! rief Poussin.
„Ist nichts auf meiner Leinwand?“ fragte Frenhofer und blickte abwechselnd auf den Künstler, dann auf das imaginäre Bild.
- Was hast du getan! Porbus wandte sich an Poussin. Der alte Mann nahm den jungen Mann bei der Hand und sagte zu ihm:
„Du siehst nichts, du Redneck, ein Räuber, ein Nichts, Blödsinn!“
Warum bist du hierher gekommen?... Mein guter Porbus“, fuhr er fort, sich an den Künstler wendend, „du, verspottest du mich auch? Antworten! Ich bin dein Freund.
Sag mir, vielleicht habe ich mein Bild ruiniert?
Porbus wagte zögernd nicht zu antworten, aber dem bleichen Gesicht des alten Mannes stand eine so grausame Angst ins Gesicht geschrieben, dass Porbus auf die Leinwand deutete und sagte:
- Überzeugen Sie sich selbst!
Frenhofer betrachtete sein Bild lange und taumelte plötzlich.
- Nichts! Absolut gar nichts! Und ich habe zehn Jahre gearbeitet! Er setzte sich hin und weinte.
Also, ich bin ein Narr, ein Narr! Ich habe kein Talent, keine Fähigkeit, ich bin nur ein reicher Mann, der nutzlos in der Welt lebt. Und ich habe also nichts erschaffen!
Unter Tränen betrachtete er sein Gemälde. Plötzlich richtete er sich stolz auf und sah die beiden Künstler mit funkelnden Augen an.
„Beim Fleisch und Blut Christi, ihr seid einfach neidisch!“ Du willst mir sagen, dass das Bild ruiniert ist, um es mir zu stehlen! Aber ich, ich sehe sie“, rief er, „sie ist von wunderbarer Schönheit!
In diesem Moment hörte Poussin den Schrei von Gillette, vergessen in der Ecke.
Was ist los mit dir, mein Engel? fragte der Künstler, der wieder ein Liebhaber geworden war.
„Töte mich“, sagte sie. „Es wäre eine Schande, dich immer noch zu lieben, weil ich dich verachte. Ich bewundere dich und du widerst mich an. Ich liebe dich und ich glaube, ich hasse dich bereits.
Während Poussin Gillette zuhörte, zupfte Frenhofer so ruhig und behutsam an seiner Catherine mit dem grünen Köper, wie ein Juwelier seine Schubladen schließt, im Glauben, es mit schlauen Dieben zu tun zu haben. Er warf einen mürrischen Blick auf beide Künstler, voller Verachtung und Mißtrauen, dann führte er sie schweigend, mit einer Art krampfhafter Eile, aus der Tür der Werkstatt und sagte zu ihnen auf der Schwelle seines Hauses:
- Lebt wohl, Tauben!
Ein solcher Abschied brachte bei beiden Künstlern Melancholie.
Am nächsten Tag besuchte ihn Porbus aus Sorge um Frenhofer erneut und erfuhr, dass der alte Mann in dieser Nacht gestorben war, nachdem er alle seine Gemälde verbrannt hatte.
Paris, Februar 1832

Ende 1612, an einem kalten Dezembermorgen, ging ein sehr leicht gekleideter junger Mann an der Tür eines Hauses in der Rue des Grandes Augustines in Paris auf und ab. Nachdem er viel so gegangen war, wie ein unentschlossener Liebhaber, der es nicht wagt, vor der ersten Geliebten in seinem Leben zu erscheinen, egal wie zugänglich sie sein mag, trat der junge Mann schließlich über die Schwelle der Tür und fragte, ob der Meister Francois sei Porbus war dabei. Nachdem er von der alten Frau, die den Baldachin fegte, eine bejahende Antwort erhalten hatte, begann der junge Mann langsam aufzustehen und blieb bei jedem Schritt stehen, genau wie ein neuer Höfling, beschäftigt mit dem Gedanken, welche Art von Empfang der König ihm bereiten würde. Als er die Wendeltreppe hinaufstieg, stand der junge Mann auf dem Treppenabsatz und wagte es immer noch nicht, den kunstvollen Hammer zu berühren, der die Tür der Werkstatt schmückte, wo wahrscheinlich der Maler Heinrichs IV., Der von Marie Medici wegen Rubens vergessen wurde, arbeitete um diese Zeit. Der junge Mann erlebte jenes starke Gefühl, das die Herzen großer Künstler höher schlagen lassen muss, wenn sie sich voller jugendlicher Inbrunst und Liebe zur Kunst einem Genie oder einem großen Werk näherten. In den menschlichen Gefühlen gibt es eine Zeit der ersten Blüte, die von edlen Impulsen erzeugt wird und allmählich schwächer wird, wenn das Glück nur noch eine Erinnerung und der Ruhm eine Lüge wird. Unter den kurzlebigen Erregungen des Herzens ähnelt nichts der Liebe so sehr wie die junge Leidenschaft des Künstlers, der die ersten wunderbaren Qualen auf dem Weg von Ruhm und Unglück kostet - eine Leidenschaft voller Mut und Schüchternheit, vagen Glaubens und unvermeidlicher Enttäuschungen . Demjenigen, der in den Jahren des Geldmangels und der ersten kreativen Ideen keine Angst verspürte, wenn er einem großen Meister begegnete, wird immer eine Saite in seiner Seele fehlen, irgendein Pinselstrich, irgendein Gefühl in Kreativität, einiges schwer fassbarer poetischer Schatten. Einige selbstzufriedene Angeber, die zu früh an ihre Zukunft geglaubt haben, erscheinen nur Narren als kluge Menschen. Insofern sprach alles für den unbekannten jungen Mann, wenn Talent an jenen Äußerungen anfänglicher Schüchternheit gemessen wird, an jener unerklärlichen Schüchternheit, die Menschen, die für den Ruhm geschaffen wurden, beim ständigen Drehen auf dem Gebiet der Kunst ebenso leicht verlieren, wie schöne Frauen verlieren ihre Schüchternheit durch ständige Koketterie. Die Gewohnheit des Erfolgs übertönt Zweifel, und Bescheidenheit ist vielleicht eine der Arten des Zweifels.

Von Not niedergeschlagen und in diesem Augenblick von seiner eigenen Kühnheit überrascht, hätte der arme Neuankömmling es nicht gewagt, den Künstler zu betreten, dem wir ein schönes Porträt Heinrichs IV. verdanken, wenn nicht eine unerwartete Gelegenheit zur Rettung gekommen wäre. Ein alter Mann kam die Treppe herauf. An seiner seltsamen Tracht, an seinem prachtvollen Spitzenkragen, an seinem wichtigen, sicheren Gang erriet der junge Mann, dass es sich entweder um einen Gönner oder einen Freund des Meisters handelte, und indem er einen Schritt zurücktrat, um ihm Platz zu machen, begann er es zu tun untersuchen ihn neugierig, in der Hoffnung, in ihm die Freundlichkeit eines Künstlers oder die Freundlichkeit eines Kunstliebhabers zu finden - aber im Gesicht des alten Mannes lag etwas Teuflisches und etwas anderes Unfassbares, Eigentümliches, so Anziehendes für den Künstler. Stellen Sie sich eine hohe, prominente, fliehende Stirn vor, die über einer kleinen, flachen, nach oben gerichteten Nase hängt, wie die von Rabelais oder Sokrates; Lippen spöttisch und faltig; kurzes, hochmütig erhobenes Kinn; grauer Spitzbart; grün, die Farbe von Meerwasser, Augen, die mit dem Alter verblasst zu sein schienen, aber nach den perlmuttfarbenen Proteintönen zu urteilen, manchmal immer noch in der Lage waren, in einem Moment der Wut oder Freude einen magnetischen Blick zu werfen. Dieses Gesicht schien jedoch nicht so sehr vom Alter verblasst zu sein, sondern von jenen Gedanken, die sowohl Seele als auch Körper zermürben. Wimpern waren bereits ausgefallen, und an den Augenbrauenbögen waren kaum Haare zu sehen. Setze diesen Kopf an einen zerbrechlichen und schwachen Körper, umrahme ihn mit Spitze, strahlend weiß und auffallend in der Feinheit der Verarbeitung, wirf eine schwere Goldkette über den schwarzen Mantel des alten Mannes, und du wirst ein unvollkommenes Bild dieser Person erhalten denen die schwache Beleuchtung der Treppe einen fantastischen Schatten spendete. Man könnte sagen, dass dies ein Rembrandt-Porträt ist, das seinen Rahmen verlässt und sich lautlos im Halbdunkel bewegt, so geliebt von dem großen Künstler. Der alte Mann warf dem jungen Mann einen durchdringenden Blick zu, klopfte dreimal und sagte zu einem kränklichen Mann von etwa vierzig Jahren, der die Tür öffnete:

Guten Tag, Meister.

Porbus verneigte sich höflich; er ließ den jungen Mann herein, im Glauben, er sei mit dem alten Mann gekommen, und achtete nicht mehr auf ihn, zumal der Neuankömmling vor Bewunderung erstarrte, wie alle geborenen Künstler, die zuerst ins Atelier kamen, wo sie sich etwas angucken konnten der Techniken der Kunst. Ein offenes Fenster im Gewölbe erhellte Meister Porbus' Zimmer. Das Licht konzentrierte sich auf eine Staffelei mit einer daran befestigten Leinwand, auf die nur drei oder vier weiße Striche gelegt waren, und erreichte nicht die Ecken dieses riesigen Raums, in dem Dunkelheit herrschte; aber skurrile Reflexionen leuchteten entweder im braunen Halbdunkel silbrig auf den Wölbungen des Reitar-Kürasses, der an der Wand hing, oder sie umrissen in einem scharfen Streifen das polierte, geschnitzte Gesims eines alten Schranks, der mit seltenem Geschirr ausgekleidet und dann mit glänzenden Punkten übersät war die pickelige Oberfläche einiger alter Vorhänge aus Goldbrokat, aufgenommen von großen Falten, die wahrscheinlich als Vorlage für einige Bilder dienten.

Gipsabgüsse nackter Muskeln, Fragmente und Oberkörper antiker Göttinnen, liebevoll poliert von den Küssen der Jahrhunderte, vollgestopfte Regale und Konsolen. Unzählige Skizzen, Skizzen mit drei Bleistiften, Rötel oder Kugelschreiber, bedeckten die Wände bis zur Decke. Schubladen mit Farben, Flaschen mit Ölen und Essenzen, umgestürzte Bänke ließen nur einen schmalen Durchgang, um zu dem hohen Fenster zu gelangen; das Licht davon fiel direkt auf das bleiche Gesicht von Porbus und auf den nackten, elfenbeinfarbenen Schädel eines fremden Mannes. Die Aufmerksamkeit des jungen Mannes wurde nur von einem Bild in Anspruch genommen, das selbst in diesen unruhigen, unruhigen Zeiten bereits berühmt war, so dass hartnäckige Menschen es sahen, denen wir die Bewahrung des heiligen Feuers in den Tagen der Zeitlosigkeit verdanken. Diese schöne Kunstseite zeigte Maria von Ägypten, die beabsichtigte, die Überfahrt in einem Boot zu bezahlen. Das für Marie de Medici bestimmte Meisterwerk wurde später von ihr in ihrer Not verkauft.

Ich mag deine Heilige, - sagte der Alte zu Porbus, - ich würde dir zehn goldene Kronen zusätzlich zu dem zahlen, was die Königin gibt, aber versuche, mit ihr zu konkurrieren ... verdammt!