Postmodernism i rysk litteratur i slutet av XX - tidiga XXI århundraden. Postmodernism i litteratur Postmodernism i Ryssland

Varför är den ryska postmodernismens litteratur så populär? Alla kan relatera till verk som relaterar till detta fenomen på olika sätt: vissa kanske gillar dem, vissa kanske inte, men de läser ändå sådan litteratur, så det är viktigt att förstå varför det lockar läsare så mycket? Kanske vill unga människor, som huvudpublik för sådana verk, efter att ha lämnat skolan, "övermatade" av klassisk litteratur (som utan tvekan är vacker) andas in ny "postmodernism", om än någonstans grov, någonstans till och med obekväm, men så ny och mycket emotionell.

Den ryska postmodernismen i litteraturen går tillbaka till 1900-talets andra hälft, då människor som växte upp med realistisk litteratur blev chockade och förvirrade. När allt kommer omkring var den avsiktliga icke-dyrkan av lagarna för litterär och taletikett, användningen av obscent språk inte inneboende i traditionella trender.

De teoretiska grunderna för postmodernismen lades på 1960-talet av franska vetenskapsmän och filosofer. Dess ryska manifestation skiljer sig från den europeiska, men det skulle inte ha varit så utan dess "fader". Man tror att den postmoderna början i Ryssland skapades 1970. Venedikt Erofeev skapar dikten "Moskva-Petushki". Detta arbete, som vi noggrant har analyserat i denna artikel, har ett starkt inflytande på utvecklingen av den ryska postmodernismen.

Kort beskrivning av fenomenet

Postmodernism i litteraturen är ett storskaligt kulturellt fenomen som fångade alla konstsfärer mot slutet av 1900-talet och ersatte det inte mindre välkända fenomenet "modernism". Det finns flera grundläggande principer för postmodernismen:

• Världen som text;
• Författarens död;
• Födelse av en läsare;
• Scriptor;
• Brist på kanoner: det finns inga bra och dåliga;
• pastisch;
• Intertext och intertextualitet.

Eftersom huvudtanken i postmodernismen är att författaren inte längre kan skriva något i grunden nytt, skapas idén om "författarens död". Detta betyder i huvudsak att författaren inte är författaren till sina böcker, eftersom allt redan har skrivits före honom, och det som följer är bara att citera tidigare skapare. Det är därför som författaren i postmodernismen inte spelar någon betydande roll, reproducerar sina tankar på papper, han är bara någon som presenterar det som skrevs tidigare på ett annat sätt, i kombination med hans personliga skrivstil, hans ursprungliga presentation och karaktärer.

"The death of the author" som en av postmodernismens principer ger upphov till en annan idé om att texten till en början inte har någon betydelse som författaren investerat. Eftersom en författare bara är en fysisk reproducerare av något som redan har skrivits tidigare, kan han inte sätta sin undertext där det inte kan finnas något fundamentalt nytt. Det är härifrån som en annan princip föds - "en läsares födelse", vilket betyder att det är läsaren, och inte författaren, som lägger sin egen mening i det han läser. Kompositionen, lexikonet som valts specifikt för denna stil, karaktärernas karaktär, huvudsakliga och sekundära, staden eller platsen där handlingen utspelar sig, väcker hans personliga känslor i honom från det han läser, får honom att söka efter meningen som han ligger till en början på egen hand från de första raderna han läste.

Och det är denna princip om "läsarens födelse" som bär ett av postmodernismens huvudbudskap - varje tolkning av texten, varje attityd, någon sympati eller antipati för någon eller något har rätt att existera, det finns ingen uppdelning till "bra" och "dålig" ", som det händer i traditionella litterära rörelser.

Faktum är att alla ovanstående postmoderna principer har samma innebörd - texten kan förstås på olika sätt, kan accepteras på olika sätt, den kan sympatisera med någon, men inte med någon, det finns ingen uppdelning i "bra" och "ond", den som läser det ena eller det andra verket förstår det på sitt eget sätt och inser sig själv, utifrån sina inre förnimmelser och känslor, och inte vad som händer i texten. När man läser analyserar en person sig själv och sin inställning till det han läser, och inte författaren och sin inställning till det. Han kommer inte att leta efter den innebörd eller undertext som skribenten har lagt, för den finns inte och kan inte vara det, han, det vill säga läsaren, kommer snarare att försöka hitta vad han själv lägger in i texten. Vi sa det viktigaste, du kan läsa resten, inklusive postmodernismens huvuddrag.

Representanter

Det finns en hel del representanter för postmodernismen, men jag skulle vilja prata om två av dem: Alexei Ivanov och Pavel Sanaev.

1. Alexei Ivanov är en originell och begåvad författare som har dykt upp i rysk litteratur på 2000-talet. Den har nominerats tre gånger till National Bestseller Award. Pristagare litterära priser"Eureka!", "Start", samt D.N. Mamin-Sibiryak och uppkallad efter P.P. Bazhov.
2. Pavel Sanaev är inte mindre ljus och framstående författare 20-21 århundraden. Pristagare av tidningen "October" och "Triumph" för romanen "Begrav mig bakom sockeln".

Exempel

Geografen drack bort jordklotet

Alexey Ivanov är författare till sådana kända verk, som "The Geographer Drank His Globe Away", "Dormitory-on-Blood", "Heart of Parma", "Gold of Revolt" och många andra. Den första romanen hörs främst i långfilmen med Konstantin Khabensky i ledande roll, men romanen på papper är inte mindre intressant och spännande än på filmduken.

The Geographer Drank His Globe Away är en roman om en skola i Perm, om lärare, om vidriga barn och om en lika vidrig geograf, som till yrket inte alls är geograf. Boken innehåller mycket ironi, sorg, vänlighet och humor. Detta skapar en känsla av fullständig närvaro vid de evenemang som äger rum. Naturligtvis, eftersom det passar genren, finns det mycket beslöjat obscent och väldigt originellt ordförråd här, och även närvaron av jargong från den lägsta sociala miljön är huvuddraget.

Hela berättelsen tycks hålla läsaren i spänning, och nu, när det verkar som att något borde lösa sig för hjälten, är denna svårfångade solstråle på väg att titta fram bakom de grå samlande molnen, medan läsaren fortsätter en framfart igen, för hjältarnas tur och välbefinnande begränsas endast av läsarens hopp om deras existens någonstans i slutet av boken.

Det är detta som kännetecknar historien om Alexei Ivanov. Hans böcker får dig att tänka, bli nervös, känna empati med karaktärerna eller bli arg på dem någonstans, bli förbryllad eller skratta åt deras kvickheter.

Begrav mig bakom bottenplattan

När det gäller Pavel Sanaev och hans känslomässiga verk Begrav mig bakom sockeln är det en biografisk berättelse skriven av författaren 1994 baserad på hans barndom, då han bodde i sin farfars familj i nio år. Huvudkaraktär- pojken Sasha, en andraklassare, vars mamma, som inte bryr sig särskilt om sin son, ger honom till sin mormors vård. Och som vi alla vet är det kontraindicerat för barn att vara hos sina morföräldrar under mer än en viss period, annars finns det antingen en kolossal konflikt baserad på missförstånd, eller, som huvudpersonen i den här romanen, går allt mycket längre, uppåt. till psykiska problem och en bortskämd barndom.

Den här romanen gör ett starkare intryck än till exempel Geografen drack bort sin jordklot eller något annat från denna genre, eftersom huvudpersonen är ett barn, en pojke som ännu inte mognat. Han kan inte förändra sitt liv på egen hand, på något sätt hjälpa sig själv, som karaktärerna i det tidigare nämnda verket eller Dorm-on-Blood kunde göra. Därför finns det mycket mer sympati för honom än för de andra, och det finns inget att vara arg på honom för, han är ett barn, ett verkligt offer för verkliga omständigheter.

I läsningsprocessen, återigen, finns det jargong på den lägsta sociala nivån, obscent språk, många och mycket catchy förolämpningar mot pojken. Läsaren är ständigt indignerad över vad som händer, han vill snabbt läsa nästa stycke, nästa rad eller sida för att försäkra sig om att denna fasa är över, och hjälten har rymt från denna fångenskap av passioner och mardrömmar. Men nej, genren tillåter ingen att vara glad, så just den här spänningen drar ut på tiden för alla 200 boksidor. Mormors och moderns tvetydiga handlingar, den oberoende "smältningen" av allt som händer på uppdrag av en liten pojke och presentationen av själva texten är värda att läsa denna roman.

Vandrarhem-på-blodet

Dormitory-on-the-Blood är en bok av Alexei Ivanov, redan känd för oss, berättelsen om ett studenthem, exklusivt inom vars väggar, förresten, det mesta av historien utspelar sig. Romanen är mättad av känslor, eftersom vi pratar om elever vars blod kokar i deras ådror och ungdomlig maximalism sjuder. Men trots detta en viss hänsynslöshet och hänsynslöshet är de stora älskare av filosofiska samtal, pratar om universum och Gud, dömer varandra och skyller på, ångrar sina handlingar och gör ursäkter för dem. Och samtidigt har de absolut ingen lust att ens förbättra och göra sin existens enklare.

Verket är bokstavligen fyllt av ett överflöd av obscent språk, som till en början kan avskräcka någon från att läsa romanen, men ändå är det värt att läsa.

Till skillnad från tidigare verk, där hoppet om något bra bleknat redan mitt under läsningen, lyser det här regelbundet och slocknar genom hela boken, så slutet slår så hårt mot känslorna och retar läsaren så mycket.

Hur visar sig postmodernismen i dessa exempel?

Vilket vandrarhem, vilken stad Perm, vad Sasha Savelyevs mormors hus är fästen för allt dåligt som bor i människor, allt som vi är rädda för och vad vi alltid försöker undvika: fattigdom, förnedring, sorg, okänslighet, själv -intresse, vulgaritet och annat. Hjältar är hjälplösa, oavsett ålder och social status, de är offer för omständigheter, lättja, alkohol. Postmodernismen i dessa böcker manifesteras bokstavligen i allt: i karaktärernas tvetydighet, och i läsarens osäkerhet om sin inställning till dem, och i dialogernas vokabulär, och i hopplösheten i karaktärernas existens, i deras medlidande. och förtvivlan.

Dessa verk är mycket svåra för mottagliga och överkänslosamma människor, men du kommer inte att kunna ångra det du läser, eftersom var och en av dessa böcker innehåller näringsrik och användbar tankeställare.

Intressant? Spara den på din vägg!

1. Ny!

   (Alternativ 1) Ett av de problem som har oroat och, uppenbarligen, kommer att oroa mänskligheten under alla århundraden av dess existens, är problemet med förhållandet mellan människa och natur. Den subtilaste lyriska poeten och en underbar naturkännare Afanasy Afanasyevich ...

2. Ny!

   Sekelskiftet XIX-XX. - början av modern tid, som blev eran av övergången från regionala kulturer till global kultur, eran av civilisationens blomstring, men också tiden för världskrig och revolutioner. Periodisering. Modern tid inkluderar tre perioder: ...

3. Ny!

   Romarriket föll och med dess fall slutade en stor era, krönt med lagrar av visdom, kunskap, skönhet, majestät, briljans. Med sitt fall tog den avancerade civilisationen ett slut, vars ljus kommer att återupplivas först efter tio århundraden - ...

4. Ny!

   När allt kommer omkring förkunnade dess grundare själv, "sångaren av folkets lidanden", Nikolai Nekrasov, att man kanske inte är poet, men man måste verkligen vara medborgare. XIX Art. slutade på samma sätt som det började - under salvorna av kanoner och gevärsskott: 1871 i Frankrike ...

5. Ny!

   "Barnlitteratur" menar vi böcker skrivna speciellt för barn, och böcker som är skrivna för vuxna, men som anses vara barns. Sagor av G.-Kh. Andersen, "Alice i Underlandet" av L. Carroll, " Kaukasus fånge»...

6. Ny!

   Först ville jag börja det här kapitlet med en berättelse om den litterära och kreativa cirkeln vid Balashov Pedagogical Institute, men sedan insåg jag att detta var ämnet för en separat bok. Cirkelmedlemmarnas arbete var särskilt intensivt och fruktbart under 60-talet - 70-talets första hälft, när ca ...

I vidare mening postmodernism- Detta är en allmän trend inom den europeiska kulturen, som har sin egen filosofiska bas; det är en egen inställning, en speciell verklighetsuppfattning. I en snäv mening är postmodernism en trend inom litteratur och konst, uttryckt i skapandet av specifika verk.

Postmodernismen kom in på den litterära scenen som en färdig trend, som en monolitisk formation, även om den ryska postmodernismen är summan av flera trender och strömningar: konceptualism och nybarock.

Konceptualism eller social konst.

Konceptualism, eller sots konst- denna trend utvidgar konsekvent den postmodernistiska bilden av världen och involverar fler och fler nya kulturspråk (från socialistisk realism till olika klassiska trender, etc.). Sammanflätning och jämförelse av auktoritativa språk med marginella (till exempel obsceniteter), heliga med profana, halvofficiella med upproriska, konceptualism avslöjar närheten till olika myter om kulturellt medvetande, förstör verkligheten, ersätter den med en uppsättning fiktioner och samtidigt totalitärt påtvinga läsaren deras idé om världen, sanningen, ideal. Konceptualismen är främst inriktad på att tänka om maktens språk (vare sig det är politisk makts språk, det vill säga socialrealism, eller språket i en moraliskt auktoritativ tradition, till exempel ryska klassiker eller olika historiemytologier).

Konceptualism i litteraturen representeras främst av sådana författare som D. A. Pigorov, Lev Rubinstein, Vladimir Sorokin och i en transformerad form av Evgeny Popov, Anatoly Gavrilov, Zufar Gareev, Nikolai Baitov, Igor Yarkevich och andra.

Postmodernism är en trend som kan definieras som nybarock. Den italienske teoretikern Omar Calabrese beskrev i sin bok Neo-Baroque huvuddragen i denna trend:

upprepningens estetik: dialektik av det unika och repeterbara - polycentrism, reglerad oregelbundenhet, trasig rytm (tematiskt slagen i "Moskva-Petushki" och "Pushkin House", Rubinsteins och Kibirovs poetiska system är byggda på dessa principer);

överskottets estetik- experiment om att tänja på gränserna till de sista gränserna, monstrositet (kroppslighet hos Aksenov, Aleshkovsky, monstrositet av karaktärer och framför allt berättaren i Sasha Sokolovs "Palisandria");

flytta tyngdpunkten från helheten till en detalj och/eller fragment: redundans av detaljer, "där detaljen faktiskt blir ett system" (Sokolov, Tolstaya);

slumpmässighet, diskontinuitet, oregelbundenhet som dominerande kompositionsprinciper, kombinera ojämlika och heterogena texter till en enda metatext ("Moskva-Petushki" av Erofeev, "School for Fools" och "Between a Dog and a Wolf" av Sokolov, "Pushkin House" av Bitov, "Chapaev and Emptiness" av Pelevin , etc.).

olöslighet av kollisioner(bildar i sin tur ett system av "knutar" och "labyrinter"): nöjet att lösa konflikten, intrigkollisioner etc. ersätts av "smaken av förlust och mystik."

Postmodernismens uppkomst.

Postmodernismen växte fram som en radikal, revolutionär rörelse. Den bygger på dekonstruktion (termen introducerades av J. Derrida i början av 60-talet) och decentration. Dekonstruktion är det fullständiga förkastandet av det gamla, skapandet av det nya på bekostnad av det gamla, och decentration är försvinnandet av de solida betydelserna av vilket fenomen som helst. Centrum för varje system är en fiktion, maktens auktoritet är eliminerad, centrum beror på olika faktorer.

I postmodernismens estetik försvinner alltså verkligheten under en ström av simulacra (Deleuze). Världen förvandlas till ett kaos av samtidigt samexisterande och överlappande texter, kulturspråk, myter. En person lever i en värld av simulacra skapad av honom själv eller av andra människor.

I detta avseende bör vi också nämna begreppet intertextualitet, när den skapade texten blir en väv av citat hämtade från tidigare skrivna texter, ett slags palimpsest. Som ett resultat uppstår ett oändligt antal associationer, och betydelsen expanderar till oändlighet.

Vissa verk av postmodernismen kännetecknas av en rhizomatisk struktur, där det inte finns några motsättningar, ingen början och inget slut.

Postmodernismens huvudbegrepp inkluderar också remake och narrativ. En remake är en ny version av ett redan skrivet verk (jfr: texter av Furmanov och Pelevin). Narrativ är ett system av idéer om historia. Historien är inte en förändring av händelserna i deras kronologiska ordning, utan en myt skapad av människors medvetande.

Så den postmoderna texten är interaktionen mellan spelets språk, den imiterar inte livet, som den traditionella gör. I postmodernismen förändras också författarens funktion: att inte skapa genom att skapa något nytt, utan att återvinna det gamla.

M. Lipovetsky, som förlitar sig på den grundläggande postmoderna principen om paralogi och på begreppet "paralogi", lyfter fram några drag hos den ryska postmodernismen i jämförelse med västerländsk. Paralogi är "motsägelsefull förstörelse utformad för att förändra intelligensens strukturer som sådan." Paralogi skapar en situation som är motsatsen till en binär situation, det vill säga en där det finns en stel opposition med prioritet från någon som börjar, dessutom erkänns möjligheten av existensen av en motsatt. Paralogiken ligger i det faktum att båda dessa principer existerar samtidigt, samverkar, men samtidigt är förekomsten av en kompromiss mellan dem helt utesluten. Ur denna synvinkel skiljer sig rysk postmodernism från västerländsk:

fokuserar just på sökandet efter kompromisser och dialogiska gränssnitt mellan motsättningarnas poler, på bildandet av en "mötespunkt" mellan det fundamentalt oförenliga i klassisk, modernistisk, såväl som dialektisk medvetenhet, mellan filosofiska och estetiska kategorier.

samtidigt är dessa kompromisser i grunden ”paralogiska”, de behåller en explosiv karaktär, är instabila och problematiska, de tar inte bort motsättningar, utan ger upphov till motsägelsefull integritet.

Kategorien simulacra är något annorlunda. Simulacra kontrollerar människors beteende, deras uppfattning och i slutändan deras medvetande, vilket i slutändan leder till "subjektivitetens död": det mänskliga "jag" består också av en uppsättning simulakra.

Uppsättningen av simulacra i postmodernismen är inte emot verkligheten, utan mot dess frånvaro, det vill säga tomheten. Samtidigt, paradoxalt nog, blir simulacra en källa till verklighetsgenerering endast under förutsättning att de realiserar sin simulativa, d.v.s. imaginär, fiktiv, illusorisk natur, endast under villkoret av den initiala otron på deras verklighet. Förekomsten av kategorin simulacra tvingar fram dess interaktion med verkligheten. Därmed uppträder en viss mekanism för estetisk uppfattning, som är karakteristisk för den ryska postmodernismen.

Utöver oppositionen Simulacrum - Verklighet, finns andra motsättningar nedtecknade i postmodernismen, såsom Fragmentering - Integritet, Personlig - Opersonlig, Minne - Oblivion, Makt - Frihet, etc. Opposition Fragmentering - Integritet enligt definitionen av M. Lipovetsky: "... även de mest radikala varianterna av nedbrytningen av integritet i den ryska postmodernismens texter saknar självständig betydelse och presenteras som mekanismer för att generera några "icke-klassiska" integritetsmodeller .”

Kategorien Tomhet får också en annan riktning i den ryska postmodernismen. Enligt V. Pelevin reflekterar tomhet "inte någonting, och därför kan ingenting vara avsett på den, en viss yta, absolut inert, och så mycket att inget verktyg som har gått in i en konfrontation kan skaka dess fridfulla närvaro." På grund av detta har Pelevins tomhet ontologisk överhöghet över allt annat och är ett självständigt värde. Tomhet kommer alltid att förbli tomhet.

Opposition Personligt - Opersonligt realiseras i praktiken som person i form av en föränderlig flytande integritet.

Minne - Oblivion- direkt från A. Bitov realiseras i bestämmelsen om kultur: "... för att spara - det är nödvändigt att glömma."

Baserat på dessa oppositioner härleder herr Lipovetsky en annan, bredare - oppositionen Kaos - Rymden. ”Kaos är ett system vars aktivitet är motsatsen till den likgiltiga oordning som råder i ett tillstånd av jämvikt; ingen stabilitet längre säkerställer riktigheten av den makroskopiska beskrivningen, alla möjligheter aktualiseras, samexisterar och samverkar med varandra, och systemet visar sig samtidigt vara allt det kan vara. För att beteckna detta tillstånd introducerar Lipovetsky begreppet "Kaosmos", som tar platsen för harmoni.

I den ryska postmodernismen saknas också renhet i riktningen - till exempel avantgarde-utopism (i den surrealistiska frihetsutopin från Sokolovs "Skola för dårar") och ekon av den klassiska realismens estetiska ideal, oavsett om det är " själens dialektik" av A. Bitov, samexistera med postmodern skepticism. eller "barmhärtighet åt de fallna" av V. Erofeev och T. Tolstoy.

Ett inslag i den ryska postmodernismen är problemet med hjälten – författaren – berättaren, som i de flesta fall existerar oberoende av varandra, men deras permanenta tillhörighet är arketypen för den heliga dåren. Mer exakt är arketypen för den heliga dåren i texten mitten, punkten där huvudlinjerna konvergerar. Dessutom kan den utföra två funktioner (minst):

En klassisk version av ett gränsämne som svävar mellan diametrala kulturella koder. Så, till exempel, Venichka i dikten "Moskva - Petushki" försöker, redan på andra sidan, att återförena sig själv Yesenin, Jesus Kristus, fantastiska cocktails, kärlek, ömhet, redaktionen för Pravda. Och detta visar sig vara möjligt endast inom gränserna för det dåraktiga medvetandet. Sasha Sokolovs hjälte delas då och då i hälften och står också i mitten av kulturella koder, men utan att uppehålla sig vid någon av dem, utan som om de passerar deras flöde genom honom. Detta motsvarar nära postmodernismens teori om den Andres existens. Det är tack vare existensen av den Andre (eller de Andra), med andra ord samhället, i det mänskliga sinnet som alla typer av kulturella koder korsar varandra och bildar en oförutsägbar mosaik.

Samtidigt är denna arketyp en version av sammanhanget, en kommunikationslinje med en kraftfull gren av kulturell arkaism, som har nått ut från Rozanov och Kharms till nutid.

Den ryska postmodernismen har också flera alternativ för att mätta det konstnärliga rummet. Här är några av dem.

Till exempel kan ett verk baseras på ett rikt kulturtillstånd, vilket till stor del underbygger innehållet ("Pushkin House" av A. Bitov, "Moskva - Petushki" av V. Erofeev). Det finns en annan version av postmodernismen: kulturens mättade tillstånd ersätts av oändliga känslor av någon anledning. Läsaren erbjuds ett uppslagsverk av känslor och filosofiska samtal om allt i världen, och särskilt om den postsovjetiska förvirringen, uppfattad som en fruktansvärd svart verklighet, som ett fullständigt misslyckande, en återvändsgränd ("Endless Dead End" av D. Galkovsky, verk av V. Sorokin).

Litterärt panorama från andra hälften av 1990-talet. bestäms av samspelet mellan två estetiska trender: realistisk, förankrad i traditionen från tidigare litteraturhistoria, och nya, post Modern. Den ryska postmodernismen som litterär och konstnärlig rörelse förknippas ofta med perioden på 1990-talet, även om den i själva verket har en betydande förhistoria på minst fyra decennier. Dess uppkomst var helt naturligt och bestämdes både av den litterära utvecklingens interna lagar och av ett visst stadium av socialt medvetande. Postmodernism är inte så mycket estetik som filosofi, typ av tänkande, ett sätt att känna och tänka, som fick sitt uttryck i litteraturen.

Anspråket på postmodernismens totala universalitet, både inom den filosofiska och litterära sfären, blev uppenbart under andra hälften av 1990-talet, när denna estetik och de konstnärer som representerade den, från litterära utstötta, förvandlades till den läsande allmänhetens tankemästare. , som vid den tiden hade tunnat ut kraftigt. Det var då det i stället för nyckeltal modern litteratur Dmitry Prigov, Lev Rubinshtein, Vladimir Sorokin, Viktor Pelevin läggs fram och chockerar läsaren medvetet. Chockintrycket av deras verk på en person som är uppfostrad i realistisk litteratur är inte bara förknippat med yttre tillbehör, en avsiktlig kränkning av litterär och allmän kulturell taletikett (användning av obscent språk, reproduktion av jargong i den lägsta sociala miljön), avlägsnandet av alla etiska tabun (en detaljerad medvetet underskattad bild av flera sexuella handlingar och antiestetiska fysiologiska manifestationer), det grundläggande förkastandet av en realistisk eller åtminstone på något sätt vitalt rationell motivation för en karaktärs karaktär eller beteende. Chocken från kollisionen med verken av Sorokin eller Pelevin orsakades av en fundamentalt annorlunda förståelse av den verklighet som återspeglas i dem; författarnas tvivel på själva existensen av verklighet, privat och historisk tid, kulturell och sociohistorisk verklighet (romanerna "Chapaev and Emptiness", "Generation P" av V. O. Pelevin); avsiktlig förstörelse av klassiska realistiska litterära modeller, naturliga rationellt förklarande orsak-och-verkan-relationer mellan händelser och fenomen, motiv för karaktärers handlingar, utveckling av plotkollisioner ("Norm" och "Roman" av V. G. Sorokin). Ytterst - ett tvivel om möjligheten till rationella förklaringar av vara. Allt detta tolkades ofta i traditionella realistiskt orienterade publikationers litteraturkritiska tidskrifter som ett hån mot läsaren, litteraturen och människan i allmänhet. Det måste sägas att dessa författares texter, fyllda med sexuella eller fekala motiv, fullt ut gav skäl för en sådan kritisk tolkning. Men allvarliga kritiker blev omedvetet offer för författares provokation, följde vägen för den mest uppenbara, enkla och felaktiga läsningen av den postmodernistiska texten.

Som svar på många förebråelser om att han inte gillar människor, att han hånar dem i sina verk, hävdade V. G. Sorokin att litteraturen är "en död värld", och de människor som avbildas i en roman eller berättelse är "inte människor, de är bara bokstäver på papper. Författarens uttalande innehåller nyckeln inte bara till hans förståelse av litteratur, utan också till postmodernt medvetande i allmänhet.

Summan av kardemumman är att i sin estetiska grund står postmodernismens litteratur inte bara skarpt mot realistisk litteratur – den har en fundamentalt annorlunda konstnärlig karaktär. Traditionella litterära trender, som inkluderar klassicism, sentimentalism, romantik och naturligtvis realism, är på ett eller annat sätt fokuserade på verkligheten, som fungerar som bildens motiv. I det här fallet kan konstens relation till verkligheten vara väldigt annorlunda. Det kan bestämmas av litteraturens önskan att imitera livet (aristotelisk mimesis), att utforska verkligheten, att studera den utifrån sociohistoriska processer, vilket är typiskt för klassisk realism, för att skapa några idealmodeller sociala relationer(klassicism eller realism av N. G. Chernyshevsky, författare till romanen "Vad ska göras?"), för att direkt påverka verkligheten, förändra en person, "forma" honom, rita olika sociala masktyper av hans era (socialistisk realism). I vilket fall som helst är den grundläggande korrelationen och korrelationen mellan litteratur och verklighet utom tvivel. Exakt

därför föreslår vissa forskare att karakterisera sådana litterära rörelser eller kreativa metoder som primär estetiska system.

Kärnan i postmodern litteratur är en helt annan. Den har inte alls som sin uppgift (åtminstone förklaras det så) studiet av verkligheten; dessutom, själva sambandet mellan litteratur och liv, kopplingen mellan dem förnekas i princip (litteratur är "det här är en död värld", hjältar är "bara bokstäver på papper"). I det här fallet är litteraturämnet inte en genuin social eller ontologisk verklighet, utan den tidigare kulturen: litterära och icke-litterära texter från olika epoker, uppfattade utanför den traditionella kulturhierarkin, vilket gör det möjligt att blanda högt och lågt, heligt och profan, hög stil och halvlitterärt folkspråk, poesi och slangjargong. Mytologi, övervägande socialistisk realism, oförenliga diskurser, omtänkta öden för folklore och litterära karaktärer, vardagliga klichéer och stereotyper, oftast oreflekterade, existerande på nivån av det kollektiva omedvetna, blir föremål för litteraturen.

Den grundläggande skillnaden mellan postmodernism och, säg, realistisk estetik är alltså att den är det sekundär ett konstnärligt system som inte utforskar verkligheten, utan tidigare idéer om den, kaotiskt, bisarrt och osystematiskt blandar och omprövar dem. Postmodernismen som ett litterärt och estetiskt system eller en kreativ metod är benägen till djup självreflektion. Den utvecklar sitt eget metaspråk, ett komplex av specifika begrepp och termer, bildar runt sig en hel korpus av texter som beskriver dess ordförråd och grammatik. I denna mening framstår det som en normativ estetik, där själva konstverket föregås av dess poetiks tidigare formulerade teoretiska normer.

De teoretiska grunderna för postmodernismen lades på 1960-talet. bland franska vetenskapsmän, poststrukturalistiska filosofer. Postmodernismens födelse belyses av auktoriteten av Roland Barthes, Jacques Derrida, Yulia Kristeva, Gilles Deleuze, Jean Francois Lyotard, som skapade en vetenskaplig strukturell-semiotisk skola i Frankrike i mitten av förra seklet, som förutbestämde födelsen och expansionen av en hel litterär rörelse både inom europeisk och rysk litteratur. Den ryska postmodernismen är ett helt annat fenomen än den europeiska, men den filosofiska grunden för postmodernismen skapades just då, och den ryska postmodernismen hade dock inte varit möjlig utan den, liksom den europeiska. Det är därför, innan man vänder sig till den ryska postmodernitetens historia, är det nödvändigt att uppehålla sig vid dess grundläggande termer och begrepp som utvecklades för nästan ett halvt sekel sedan.

Bland de verk som lägger hörnstenarna i det postmoderna medvetandet är det nödvändigt att lyfta fram R. Barths artiklar "En författares död"(1968) och Y. Kristeva "Bakhtin, ord, dialog och roman"(1967). Det var i dessa verk som postmodernismens grundläggande begrepp introducerades och underbyggdes: världen som text, författarens död och födelsen av en läsare, manusförfattare, intertext och intertextualitet. I hjärtat av det postmoderna medvetandet ligger idén om historiens grundläggande fullständighet, som manifesteras i uttömningen av den mänskliga kulturens kreativa potential, fullständigheten i dess utvecklingskrets. Allt som är nu har redan varit och kommer att bli, historia och kultur rör sig i en cirkel, i huvudsak är dömda till upprepning och tidsmarkering. Samma sak händer med litteraturen: allt har redan skrivits, det är omöjligt att skapa något nytt, den moderna författaren är dömd att med vilja upprepa och till och med citera sina avlägsna och nära föregångares texter.

Det är denna kulturs attityd som motiverar idén författarens död. Enligt postmodernismens teoretiker är den moderna författaren inte författaren till sina böcker, eftersom allt han kan skriva skrevs före honom, mycket tidigare. Han kan bara citera, frivilligt eller ofrivilligt, medvetet eller omedvetet tidigare texter. I huvudsak är den moderna författaren bara en sammanställare av tidigare skapade texter. Därför, i postmodernistisk kritik, "blir författaren mindre till växten, som en figur i själva djupet av den litterära scenen." Moderna litterära texter skapar skriptare(Engelsk - scriptor), orädd sammanställning av texter från tidigare epoker:

"Hans hand<...>gör en rent beskrivande (och inte uttrycksfull) gest och skisserar ett visst teckenfält som inte har någon utgångspunkt - i alla fall kommer det bara från språket som sådant, och det tvivlar outtröttligt på någon idé om en utgångspunkt.

Här möter vi den grundläggande framställningen av postmodern kritik. Författarens död ifrågasätter själva innehållet i texten, mättad med författarens mening. Det visar sig att texten initialt inte kan ha någon mening. Det är "ett mångdimensionellt utrymme där olika typer av skrifter kombineras och argumenterar med varandra, varav ingen är original; texten är vävd från citat som hänvisar till tusentals kulturella källor", och författaren (d.v.s. manus) "kan bara imitera för alltid vad som har skrivits förut och inte har skrivits för första gången." Denna avhandling av Barthes är utgångspunkten för ett sådant begrepp om postmodern estetik som intertextualitet:

"... Vilken text som helst är byggd som en mosaik av citat, vilken text som helst är en produkt av absorption och transformation av någon annan text", skrev Y. Kristeva och underbyggde begreppet intertextualitet.

Samtidigt förlorar ett oändligt antal källor som "absorberas" av testet sin ursprungliga betydelse, om de någonsin haft det, kommer de in i nya semantiska kopplingar med varandra, som endast läsare. En liknande ideologi präglade de franska poststrukturalisterna i allmänhet:

"Den manusförfattare som ersatte författaren bär inte på passioner, stämningar, känslor eller intryck, utan bara en sådan enorm ordbok från vilken han hämtar sitt brev, som inte har något stopp; livet imiterar bara boken, och själva boken är vävd av tecken , själv imiterar något som redan glömts, och så vidare i oändlighet.

Men varför är vi, när vi läser ett verk, övertygade om att det fortfarande har en mening? För det är inte författaren som lägger in meningen i texten, utan läsare. Efter bästa förmåga samlar han alla början och slutet av texten och lägger på så sätt sin egen mening i den. Därför är idén ett av postulaten för den postmoderna världsbilden flera tolkningar av verket, var och en har rätt att existera. Därmed ökar läsarens gestalt, dess betydelse, oerhört. Den läsare som lägger mening i verket tar liksom författarens plats. En författares död är betalning av litteratur för en läsares födelse.

I huvudsak förlitar sig även andra begrepp inom postmodernismen på dessa teoretiska bestämmelser. Så, postmodern sensibilitet innebär en total troskris, den moderna människans uppfattning av världen som kaos, där alla ursprungliga semantiska och värdemässiga orienteringar saknas. intertextualitet, Att föreslå en kaotisk kombination i texten av koder, tecken, symboler från tidigare texter, leder till en speciell postmodern form av parodi - pastisch uttrycker total postmodern ironi över själva möjligheten av existensen av en enda, en gång för alla fast mening. Simulacrum blir ett tecken som inte betyder någonting, ett tecken på en simulering av verkligheten, inte korrelerad med den, utan bara med andra simulacra, som skapar en overklig postmodern värld av simuleringar och oäktheter.

Grunden för den postmoderna inställningen till den tidigare kulturens värld är dess dekonstruktion. Detta koncept är traditionellt förknippat med namnet J. Derrida. Termen själv, som inkluderar två prefix som är motsatta i betydelse ( de- förstörelse och con - skapelse) betecknar dualitet i förhållande till föremålet som studeras - text, diskurs, mytologem, vilket som helst begrepp om det kollektiva undermedvetna. Dekonstruktionens funktion innebär förstörelsen av den ursprungliga betydelsen och dess samtidiga skapelse.

"Meningen med dekonstruktion<...>består i att avslöja textens inre inkonsekvens, att i den upptäcka gömda och obemärkta inte bara av en oerfaren, "naiv" läsare, utan också av författaren själv ("sova", med Jacques Derridas ord) kvarvarande betydelser som ärvts från tal, annars - diskursiva praktiker från det förflutna, inskrivna i språket i form av omedvetna mentala stereotyper, som i sin tur förvandlas lika omedvetet och oberoende av författaren till texten under inflytande av erans språkklichéer .

Nu står det klart att själva förlagsperioden, som samtidigt förde samman olika epoker, decennier, ideologiska inriktningar, kulturella preferenser, diasporan och metropolen, författare som nu lever och som har dött för fem till sju decennier sedan, skapade grunden för postmodernistisk lyhördhet, impregnerade tidskriftssidor med uppenbar intertextualitet. Det var under dessa förhållanden som den postmodernistiska litteraturens expansion på 1990-talet blev möjlig.

Men vid den tiden hade den ryska postmodernismen en viss historisk och litterär tradition som går tillbaka till 1960-talet. Av förklarliga skäl fram till mitten av 1980-talet. det var ett marginellt, underjordiskt, katakombfenomen inom rysk litteratur, både bokstavligt och bildligt. Till exempel skrevs Abram Tertz bok Walks with Pushkin (1966-1968), som anses vara ett av den ryska postmodernismens första verk, i fängelse och skickades till frihet under täckmantel av brev till sin fru. En roman av Andrey Bitov "Pushkin House"(1971) stod i nivå med Abram Tertz bok. Dessa verk sammanförde gemensamt ämne bilder är rysk klassisk litteratur och mytologer, genererade av mer än hundra års tradition av dess tolkning. Det var de som blev föremål för postmodern dekonstruktion. A. G. Bitov skrev, enligt sitt eget erkännande, "en anti-lärobok i rysk litteratur."

1970 skapades en dikt av Venedikt Erofeev "Moskva - Petushki", som ger en kraftfull drivkraft till utvecklingen av den ryska postmodernismen. Genom att komiskt blanda många diskurser av rysk och sovjetisk kultur, fördjupa dem i vardags- och talsituationen för en sovjetisk alkoholist, verkade Erofeev följa den klassiska postmodernismens väg. Genom att kombinera den uråldriga traditionen av rysk dårskap, öppen eller förtäckt citering av klassiska texter, fragment av Lenins och Marx' verk som memorerades i skolan med situationen som berättaren upplevde i ett pendeltåg i ett tillstånd av allvarligt berusning, uppnådde han både effekten av pastisch och verkets intertextuella rikedom, med en verkligt obegränsad semantisk outtömlighet, vilket tyder på en mångfald tolkningar. Dikten "Moskva - Petushki" visade dock att den ryska postmodernismen inte alltid är korrelerad med kanonen för en liknande västerländsk riktning. Erofeev avvisade i grunden konceptet om författarens död. Det var uppfattningen om författaren-berättaren som i dikten bildade en enda syn på världen, och rustillståndet sanktionerade så att säga den fullständiga frånvaron av den kulturella hierarkin av de semantiska skikten som ingick i den.

Den ryska postmodernismens utveckling under 1970-1980-talen gick i första hand i linje med konceptualism. Genetiskt går detta fenomen tillbaka till "Lianozovo" poetiska skola i slutet av 1950-talet, till V.N. Nekrasovs första experiment. Men som ett självständigt fenomen inom den ryska postmodernismen tog Moskvas poetiska konceptualism form på 1970-talet. En av grundarna av denna skola var Vsevolod Nekrasov, och de mest framstående representanterna var Dmitry Prigov, Lev Rubinshtein och lite senare Timur Kibirov.

Kärnan i konceptualismen uppfattades som en radikal förändring i ämnet estetisk verksamhet: en orientering inte till bilden av verkligheten, utan till kunskapen om språket i dess metamorfoser. Samtidigt visade sig tal och mentala klichéer från sovjettiden vara föremål för poetisk dekonstruktion. Det var en estetisk reaktion på den sena, döda och förbenade socialistiska realismen med dess slitna formler och ideologer, slagord och propagandatexter som inte var meningsfulla. De var tänkta som koncept, vars dekonstruktion utfördes av konceptualister. Författarens "jag" var frånvarande, upplöst i "citat", "röster", "åsikter". I huvudsak utsattes sovjettidens språk för total dekonstruktion.

Med särskild självklarhet manifesterade sig konceptualismens strategi i den kreativa praktiken Dmitry Alexandrovich Prigov(1940–2007), skaparen av många myter (inklusive myten om sig själv som en modern Pushkin), parodierande sovjetiska idéer om världen, litteratur, vardagsliv, kärlek, förhållandet mellan människa och makt, etc. I hans arbete, sovjetiska ideologier om det stora arbetet, omvandlades den allsmäktiga makten (bilden av Militsaner) och vanhelgades postmodernistiskt. Maskbilder i Prigovs dikter, "den flimrande känslan av närvaron - frånvaron av författaren i texten" (L. S. Rubinshtein) visade sig vara en manifestation av konceptet om författarens död. Parodiska citat, avlägsnandet av den traditionella oppositionen av det ironiska och det allvarliga bestämde förekomsten av postmodern pastisch i poesin och, så att säga, reproducerade kategorierna av den sovjetiska mentaliteten " liten man". I dikterna "Här flyger tranorna med en remsa av scharlakansröd ...", "Jag hittade ett nummer på min disk ...", "Här ska jag steka en kyckling ..." förmedlade de de psykologiska komplexen av hjälten, upptäckte en förändring i de verkliga proportionerna av bilden av världen. Allt detta åtföljdes av skapandet av kvasi-genrer av Prigovs poesi: "filosofer", "pseudo-verser", "pseudo-nekrolog", " opus", etc.

I kreativitet Lev Semenovich Rubinstein(f. 1947) realiserades en "hårdare version av konceptualism" (M. N. Epshtein). Han skrev sina dikter på separata kort, samtidigt som en viktig del av hans arbete blev prestanda - presentation av dikter, deras författares framförande. Att hålla och sortera igenom korten som ordet skrevs på, bara en poetisk rad, ingenting skrevs, han betonade liksom poetikens nya princip - "katalogernas" poetiken, poetiska "kortfilerna". Kortet blev en elementär textenhet som förenade poesi och prosa.

"Varje kort", sa poeten, "är både ett objekt och en universell rytmenhet, som utjämnar varje talgest - från ett detaljerat teoretiskt meddelande till ett interjektion, från en scenriktning till ett fragment av ett telefonsamtal. Ett paket med kort är ett objekt, en volym, det är INTE en bok, detta är idén till den "extra-Gutenbergska" existensen av den verbala kulturen.

En speciell plats bland konceptualister upptas av Timur Yurievich Kibirov(f. 1955). Med hjälp av konceptualismens tekniska metoder kommer han till en annan tolkning av det sovjetiska förflutna än hans höga kamrater i butiken. Vi kan prata om en sort kritisk sentimentalism Kibirov, som manifesterade sig i sådana dikter som "Till konstnären Semyon Faibisovich", "Säg bara ordet "Ryssland"...", "Tjugo sonetter till Sasha Zapoeva". Traditionella poetiska teman och genrer utsätts inte alls för total och destruktiv dekonstruktion av Kibirov. Till exempel utvecklas temat poetisk kreativitet av honom i dikter - vänliga meddelanden till "L. S. Rubinstein", "Kärlek, Komsomol och vår. D. A. Prigov", etc. I det här fallet kan man inte tala om författarens död: Författarens aktivitet "manifisteras i den säregna lyriken i Kibirovs dikter och dikter, i deras tragikomiska färgsättning. Hans poesi förkroppsligade världsbilden av en man i slutet av historien, som befinner sig i en situation av kulturellt vakuum och lider av detta ("Utkast till svar till Gugolev").

Den moderna ryska postmodernismens centralgestalt kan betraktas Vladimir Georgievich Sorokin(f. 1955). Början av hans verk, som ägde rum i mitten av 1980-talet, förbinder författaren starkt med konceptualism. Han tappade inte denna koppling i sina efterföljande verk, även om det aktuella stadiet av hans arbete naturligtvis är bredare än den konceptualistiska kanonen. Sorokin är en fantastisk stylist; ämnet för skildring och reflektion i hans verk är just stil - både rysk klassisk och Sovjetisk litteratur. L. S. Rubinshtein beskrev mycket exakt Sorokins kreativa strategi:

"Alla hans verk – olika tematiskt och genremässigt – bygger i huvudsak på samma teknik. Jag skulle beteckna denna teknik som en "stilhysteri." Sorokin beskriver inte den s.k. livssituationer- språket (främst litterärt språk), dess tillstånd och rörelse i tiden är det enda (äkta) drama som upptar konceptuell litteratur<...>Språket i hans verk<...>som om han blir galen och börjar bete sig olämpligt, vilket i själva verket är lämpligheten i en annan ordning. Det är lika laglöst som det är lagligt."

Faktum är att Vladimir Sorokins strategi består av en hänsynslös sammandrabbning av två diskurser, två språk, två oförenliga kulturella lager. Filosofen och filologen Vadim Rudnev beskriver denna teknik på följande sätt:

"Oftast är hans berättelser byggda efter samma schema. I början finns det en vanlig, lite överdrivet saftig parodisk Sotsart-text: en berättelse om en jakt, ett Komsomolmöte, ett möte i festkommittén - men plötsligt sker helt oväntat och omotiverat<...>ett genombrott till något fruktansvärt och fruktansvärt, som enligt Sorokin är verklig verklighet. Som om Pinocchio genomborrade en duk med en målad härd med näsan, men hittade där inte en dörr, utan något liknande det som visas i moderna skräckfilmer.

Texter av V. G. Sorokin började publiceras i Ryssland först på 1990-talet, även om han började skriva aktivt 10 år tidigare. I mitten av 1990-talet publicerades författarens huvudverk, skapade på 1980-talet. och redan kända utomlands: romanerna "Kö" (1992), "Norma" (1994), "Marinas trettioende kärlek" (1995). 1994 skrev Sorokin berättelsen "Hearts of Four" och romanen "Roman". Hans roman "Blue Fat" (1999) får ganska skandalöst berömmelse. År 2001 publicerades en samling av nya noveller "Feast" och 2002 - romanen "Ice", där författaren påstås bryta med konceptualism. Sorokins mest representativa böcker är Roman och Feast.

Ilyin I.P. Postmodernism: Ord, termer. M., 2001. S. 56.

Bitov A. Vi vaknade upp i ett obekant land: journalistik. L., 1991. S. 62.

Rubinshtein L.S. Vad kan τντ säga... // Index. M., 1991. S. 344.

Cit. Citerat från: The Art of Cinema. 1990. Nr 6.

Rudnev V.P. Ordbok över XX-talets kultur: Nyckelbegrepp och texter. M., 1999. S. 138.

Sammanfattning om ämnet:

"Postmodern litteratur från slutet av 1900-talet"

Nyligen har det blivit populärt att meddela att i början av det nya århundradet passerade postmodernismen äntligen alla möjliga stadier av sitt självbestämmande, efter att ha uttömt tillvarons möjligheter som ett fenomen av modern kultur som har tecken på universalitet. Tillsammans med detta, postmodernismens yttringar under den sista tredjedelen av 1900-talet. betraktas ofta som ett intellektuellt spel, älskat av elitdelen av den kreativa intelligentian både i väst och Ryssland.

Samtidigt kommer forskare som vände sig till frågan om postmodernism i en situation av uppenbar dominans av den postmoderna världsbilden och framväxten av ett stort antal verk ägnade postmodernism till slutsatsen att "många publikationer visade sig vara inkonsekventa och motsägelsefulla: den nya Det estetiska fenomenet var flytande, vagt och trotsande definition." D. V. Zatonsky, med hänvisning till teoretiska och konstnärliga texter för att identifiera och formulera allmänna slutsatser om postmodernism, kallade själva termen för ett "oförståeligt ord", vars användning inte gör mycket för att effektivisera bilden av världen i ordets vanliga bemärkelse . På ett eller annat sätt måste vi erkänna, efter vetenskapsmannen, att den viktigaste orsaken till postmodernismens spridning var tillståndet av allmän kris, och dess betydelse ligger i det faktum att det ifrågasatte det traditionella "existensens system". av ande och kultur."

I själva verket är bildandet av postmodernism i första hand förknippat med de djupgående förändringar i världsbilden som följer med det postindustriella, informations- och datorstadiet i utvecklingen av den moderna civilisationen. I praktiken förvandlades detta till en djup och ofta oåterkallelig misstro mot den universella betydelsen av både objektiva och subjektiva principer för kognition av den verkliga världen. För många händelser och fenomen som uppfattas av medvetandet modern värld upphört att ha karaktären av bilder, tecken, begrepp som innehåller någon objektivt betydelsefull mening eller andlig och moralisk mening, korrelerad med idén om verklig progressiv historisk utveckling eller fri andlig aktivitet. Enligt J.-F. Lyotard, numera den så kallade "tidsandan" "kan uttrycka sig i alla möjliga slags reaktiva eller till och med reaktionära attityder eller utopier, men det finns ingen positiv orientering som skulle kunna öppna något nytt perspektiv inför oss." Generellt sett var postmodernismen "ett symptom på den tidigare världens kollaps och samtidigt det lägsta märket på skalan av ideologiska stormar" som det tjugoförsta århundradet är kantat av. Denna karaktärisering av postmodernismen kan finna många bekräftelser i teoretiska verk och litterära texter.

Samtidigt tillåter definitionen av postmodernism som ett fenomen som anger en allmän kris och kaos som öppnade efter kollapsen av det traditionella systemet för förståelse och kognition av världen oss ibland inte att se några betydande aspekter av den postmoderna perioden av världen. sinnesstämning. Vi talar om de intellektuella och estetiska ansträngningar som gjorts i linje med postmodernismen för att utveckla nya koordinater och definiera konturerna av den nya typen av samhälle, kultur och världsbild som har vuxit fram i det nuvarande postindustriella skedet i utvecklingen av den västerländska civilisationen. Fallet var inte begränsat till allmänt förnekande eller parodi kulturellt arv. För vissa författare, kallade postmodernister, har det blivit viktigare att fastställa de nya relationer mellan kultur och människa som utvecklas när principen om progressiv, progressiv utveckling av samhället och kulturen i ett samhälle som existerar i informations- och datorcivilisationens tidevarv förlorar sin dominerande värde.

Som ett resultat av detta har en sammanhängande bild av livet baserad på handlingen som händelseutvecklingen i litteraturverk ofta inte ersatts så mycket av den traditionella genreplotprincipen att välja och ordna material i den rumsliga-temporala dimensionen och linjära sekvensen. , men genom att skapa en viss integritet byggd på en kombination av olika lager av material. , förenade av karaktärer eller figuren av författaren-berättaren. Faktum är att detaljerna för en sådan text kan definieras genom att använda termen "diskurs". Bland de många begrepp som avslöjar begreppet "diskurs" bör man peka ut dess förståelse, vilket gör att man kan gå bortom lingvistik. Diskurs kan trots allt tolkas som en "överfrasal enhet av ord", såväl som "vilken meningsfull enhet som helst, oavsett om den är verbal eller visuell." I detta fall är diskursen ett system av sociokulturella och andliga fenomen, fixerade i en eller annan form, extern till individuell person och erbjöd honom till exempel som ett kulturarv helgat av tradition. Ur denna synvinkel förmedlade postmodernismens skribenter en ganska akut känsla av att för en modern person som lever i en värld av format, "färdigt att använda" mångsidigt socialt och kulturellt material, finns det två vägar kvar: konformistisk acceptans av allt. detta eller medvetenhet om ens tillstånd av alienation och ofrihet. Postmodernism i kreativitet börjar alltså med det faktum att författaren kommer att förstå att varje skapelse av verk av den traditionella formen urartar till reproduktion av en eller annan diskurs. Därför i vissa verk modern prosa huvudsaken är beskrivningen av en persons vistelse i världen av olika typer av diskurser.

I detta avseende är J. Barnes arbete karakteristiskt, som i romanen "England, England" (1998) föreslog att man skulle reflektera över frågan "Vad är det riktiga England?" för en person från den postindustriella eran som lever i ett "konsumtionssamhälle". Romanen är uppdelad i två delar: den ena heter "England", och i den bekantar vi oss med huvudkaraktär Martha, som växte upp i en enkel familj. När hon träffar sin far, som en gång lämnade familjen, påminner hon honom om att hon som barn brukade sätta ihop counties of England-pusslet, och hon saknade alltid en bit, för. hans far gömde honom. Med andra ord representerade hon landets geografi som en uppsättning yttre konturer av enskilda territorier, och detta pussel kan betraktas som ett postmodernt koncept som avslöjar kunskapsnivån vanlig person om ditt land.

Det är så den grundläggande frågan "Vad är verklighet" definieras i romanen, och den andra delen av romanen ägnas åt ett visst projekt för att skapa territoriet "Good Old England" bredvid det moderna England. Barnes föreslår att presentera hela Englands kultur i form av en sociokulturell diskurs bestående av 50 begrepp om "engelskhet". Detta inkluderade kungafamiljen och drottning Victoria, Big Ben, parlamentet, Shakespeare, snobberi, The Times, homosexualitet, fotbollsklubben Manchester United, öl, pudding, Oxford, imperialism, cricket, etc. Dessutom ger texten en omfattande meny med riktiga "engelska" rätter och drycker. Allt detta är placerat i en specialdesignad och speciellt skapad sociokulturell rumslig analog, som är en slags grandios rekonstruktion eller reproduktion av "gamla England" på ett visst ö-territorium som valts för detta ändamål. Organisatörerna av detta projekt utgår från det faktum att historisk kunskap inte är som en korrekt videoinspelning av verkliga händelser från det förflutna, och modern man lever i en värld av kopior, myter, tecken och arketyper. Med andra ord, om vi vill reproducera livet i det engelska samhället och kulturarvet, kommer det inte att vara en presentation, utan en representation av denna värld, med andra ord, "dess förbättrade och berikade, ironiserade och sammanfattade version", när " verkligheten i kopian kommer att bli den verklighet som vi kommer att möta på vår väg." Barnes uppmärksammar att det moderna samhällets postmoderna tillstånd bland annat visar sig i att det inom kultursfären, d.v.s. en persons andliga liv, vissa teknologier används också nu. Kulturens värld designas och skapas systematiskt på samma sätt som det görs till exempel inom industriell produktion.

"England, England" är ett utrymme där arketyperna och myterna om detta land presenteras som ett spektakel och där bara moln, fotografer och turister är autentiska, och allt annat är skapandet av de bästa restauratörerna, skådespelarna, kostymdesignerna och formgivarna med hjälp av den mest moderna tekniken för att skapa effekt av antiken och historicitet. Denna produkt från den moderna showbranschen från "konsumtionssamhällets" era är en "ompositionering" av myterna om England: England som utländska turister vill se för sina pengar skapades, utan att uppleva några av de olägenheter som följer med gästerna när du reser genom det riktiga landet - Storbritannien.

I det här fallet lyfte postmodernismens litteratur fram ett av den postindustriella världens fenomen som en värld av realiserad utopi av universell konsumtion. Den moderna människan befann sig i en situation där hon, placerad i masskulturens sfär, agerar som en konsument, vars "jag" uppfattas som ett "system av begär och deras tillfredsställelse" (E. Fromm), och principen om obehindrat Konsumtionen sträcker sig nu till den klassiska kulturens sfär och allt kulturarv. Begreppet diskurs som ett sociokulturellt fenomen ger alltså Barnes möjlighet att visa att bilden av världen inom vilken en modern människa existerar i huvudsak inte är frukten av hans egen livserfarenhet, utan påtvingas honom utifrån av vissa teknologer. , "Konceptutvecklare", som de kallas i roman.

Samtidigt är det mycket karakteristiskt att författarna själva, samtidigt som de återskapar några av de väsentliga aspekterna av den moderna världens och människans postmoderna tillstånd, uppfattar sitt arbete som en serie procedurer för att skapa texter utanför den klassiska prosatraditionen. Vi talar om att förstå kreativitet som en process av individuell bearbetning, kombination och kombination av individuella redan bildade materiallager, delar av kulturtexter, enskilda bilder och arketyper. Under andra hälften av nittonhundratalet. Det är denna postmoderna typ av verksamhet som tillfälligt blir dominerande för att skydda, bevara och förverkliga det ursprungliga mänskliga behovet och förmågan till kognition och kreativitet.

I det här fallet återges de interna sammankopplingarna av textfragment, bilder och motiv i den postmoderna texten som en diskurs, som allmänt karaktäriseras som ett av bevisen på det så kallade ”posthistoriska tillståndet” av konstnärligt medvetande under det senaste tredje av 1900-talet. Inom postmodernismen sker en konsekvent ersättning av det verkliga historiska perspektivet på övergången från det förflutna till framtiden genom processen att dekonstruera en individuell bild av världen, vars integritet helt är baserad på diskurs, i processen att återskapa vilken denna bild av världen får en viss anknytning för läsaren, vilket ibland öppnar vägen för honom till en ny förståelse av denna värld och sina egna positioner i den. Postmodernismen drar med andra ord nya källor till konstnärskap i att återskapa en bild av världen från olika historiska, sociokulturella och informationsfragment. Således föreslås det att utvärdera individens existens och andliga liv, inte så mycket under sociala omständigheter, utan i den moderna historiska och kulturella kontexten.

Samtidigt är det den informationsmässiga och kulturella aspekten av urvalet och organiseringen av material som utgör särdragen i postmodernistiska texter, som ser ut som ett flernivåsystem. Oftast kan tre nivåer urskiljas: konstnärlig (figurativ), informativ och kulturell. På informationsnivån är användningen av extrakonstnärliga textfragment, som vanligtvis kallas dokument, ytterst utmärkande för postmodernismen. Berättelser om hjältarna och deras liv kompletteras med heterogent material som redan är bearbetat och ordnat för förståelse. I vissa fall kan delar av texterna vara alla äkta formaliserade prover eller deras imitationer: till exempel dagböcker och dagboksanteckningar, brev, akter, rättegångsprotokoll, data från sociologi eller psykologi, utdrag ur tidningar, citat ur böcker, inklusive från litterära verk av poesi och prosa, skrivna i en mängd olika epoker. Allt detta samlas till en litterär text, bidrar till skapandet av berättelsens kulturologiska kontext och blir en del av den diskurs som åtföljer beskrivningen, som har genredragen hos en roman på handlings- och handlingsnivå och avslöjar problemen med hjältens individuella öde.

Detta informations- och kulturlager representerar oftast den postmoderna komponenten i det konstnärliga narrativet. Det är på denna nivå som kombinationen av material från olika epoker uppstår, när bilder, intrig, symboler från kulturens och konstens historia korreleras med ett system av normer, värderingar och begrepp på nivån av modern teoretisk kunskap och humanitär frågor. Till exempel, i W. Ecos "Foucaults pendel" ges utdrag från vetenskaplig, filosofisk, teologisk litteratur från olika epoker som epigrafer till enskilda kapitel. Andra exempel på den intellektuella mättnaden av postmodern prosa med informativt, kulturellt och teoretiskt material är olika typer av förord ​​av författarna, som har karaktären av självständiga essäer. Sådana är till exempel "Notes on the margins of the Name of the Rose" av W. Eco eller "Prologue" och "Conclusion" till romanen av J. Fowles "The Worm", "Intermedia" mellan två kapitel i "Världens historia i 10 ½ kapitel” av J. Barnes. Efter modell av en vetenskaplig avhandling avslutar J. Barnes sin "Världens historia" med en lista över böcker som han använde för att beskriva medeltiden och historien kring skapandet av målningen av den franske konstnären Géricault "Flotten av medusan", och hans roman "Flauberts papegoja" är försedd med en ganska detaljerad kronologi över den franske författarens liv.

I dessa fall är det viktigt för författarna att bevisa möjligheten till fruktbar andlig verksamhet och intellektuell frihet på basis av litterärt arbete. Till exempel menar A. Robbe-Grillet att en modern författare inte som tidigare kan förvandla ett utåtriktat och verkligt vardagsliv till en källa till kreativitet och ge sina verk karaktären av en totalitär sanning om dygdens normer och lagar och fullständig kunskap. om världen. Nu "motsätter sig författaren inte enskilda bestämmelser i det ena eller det andra systemet, nej, han förnekar något system." Endast i sin inre värld kan han finna en källa till fri inspiration och en grund för att skapa en individuell bild av världen som text utan det allomfattande trycket från principen om pseudo-plausibilitet för form och innehåll. Levande i hopp om en intellektuell och estetisk befrielse från världen, betalar den moderna författaren priset genom att "känna sig själv som ett slags skifte, en spricka i det vanliga ordnade förloppet av saker och händelser ...".

Inte utan anledning, i W. Ecos "Foucaults pendel" för berättaren, blir datorn en symbol för en aldrig tidigare skådad frihet i att hantera kreativitetens material och därmed individens intellektuella frigörelse. "Åh lycka, o olikhetens yrsel, åh, min idealläsare, överväldigad av den ideala "sömnlösheten" ... "Mekanismen för hundra procent andlighet. Om du skriver fjäderpenna, knarrar på fett papper och doppar det varje minut i bläckhuset, tankarna ligger före varandra och handen hänger inte med tanken, skriver man på skrivmaskin blandas bokstäverna ihop, det går inte att hänga med med hastigheten på dina egna synapser vinner den tråkiga mekaniska rytmen. Men med honom (kanske med henne?) dansar fingrarna som de vill, hjärnan kombineras med tangentbordet och du fladdrar mitt på himlen, du har vingar som en fågel, du komponerar en psykologisk kritisk analys av förnimmelser av bröllopsnatten ... ". "Proust är som ett barns spill jämfört med en sådan sak." Tillgång till en aldrig tidigare skådad mängd kunskap och information från de mest skilda områdena i det sociokulturella förflutna och nuet, möjligheten till deras samtidiga uppfattning, fri kombination och jämförelse, kombinationen av pluralism av värderingar och normer med deras konflikt och totalitära tryck på det mänskliga medvetandet - alla bestämmer de motsägelsefulla grunderna för den postmoderna metoden att skapa konstnärlig bild liv. I praktiken ser postmoderna manifestationer av metodiken för den kreativa processen ut som en tydligt definierad repertoar av olika sätt, tekniker och "tekniker" för att bearbeta källmaterialet för att skapa en text på flera nivåer.

Dock framträdandet på 1980-talet ett antal prosaverk låter oss se att sådana drag som citat, fragmentering, eklekticism och lekfullhet långt ifrån uttömmer den litterära postmodernismens möjligheter. Sådana drag hos postmodern prosa som skapandet av en kulturell, filosofisk och konstnärlig berättelse (till exempel en historisk roman eller en deckare) som inte motsvarar förankrade traditionella idéer om prosagenrer har fått sin dominerande betydelse. Till exempel "The Name of the Rose" (1980) och "Foucault's Pendulum" (1989), den "illustrerade romanen" "The Mysterious Flame of Queen Loana" (2004) av W. Eco, den historiska romanen - "fantasy" av J. Fowles " Worm "(1985)," History of the World in 10 ½ kapitel” (1989) av J. Barnes, självbiografisk trilogi av A. Robbe-Grillet ”Romaneschi” (1985-1994). Dessa verk visar att valet av den postmodernistiska kreativitetens metodik till stor del beror på önskan att komma bort från bilden av den virtuella världsbild som påtvingats en person utifrån i linje med den förankrade genrediskursen, när innehållet och handlingen bestäms av de allmänt accepterade estetiska, ideologiska och moraliska kanonerna i det moderna samhället och masskulturen. Därför vägrade Robbe-Grillet att vilseleda läsarna helt enkelt genom att utvinna ur verklighetens material en form av "oskyldig och ärlig berättelse". Författaren ser till exempel outnyttjade möjligheter till kreativitet i det faktum att i fantasin hos en författare som skriver om kriget 1914 kan historiskt korrekta militära episoder mycket väl kombineras med bilder av hjältar från medeltida episka berättelser och ridderromaner. Enligt J. Barnes är den konstnärliga dekonstruktionen av världen nödvändig eftersom vi som regel "uppfinner vår egen berättelse för att kringgå de fakta som vi inte vill acceptera" och som ett resultat "lever vi i en atmosfär av universell triumf av osanning.” Endast konst som ett resultat fri från tryck utifrån kreativ aktivitet en person kan övervinna den stela handlingen i en ideologiserad bild av världen, återuppliva gamla teman, bilder och koncept genom sitt individuella omtänkande, kombination och tolkning. I The History of the World satte författaren uppgiften att övervinna den ytliga handlingen och ungefärligheten i det allmänt accepterade panoramat av det historiska förflutna och nuet. Övergången från en "elegant intrig" till en annan över en komplex ström av händelser kan bara motiveras av det faktum att genom att begränsa sin kunskap om livet till selektiva fragment kopplade till en viss handling, dämpar den moderna människan sin panik och smärta från uppfattningen om kaos och grymhet i den verkliga världen.

Å andra sidan är det just omvandlingen av faktiska historiska eller samtida händelser och fakta till konstverk förblir den viktigaste tillgången för en kreativ person. Barnes ser en betydande skillnad i förståelsen av trohet mot "livets sanning" i klassisk konst och nu, när bruket att påtvinga människor en felaktig syn på världen har slagit rot i den moderna masskulturen genom litteratur, tidningar och tv. Han uppmärksammar de uppenbara skillnaderna mellan den pittoreska scenen avbildad på målningen av Géricault "Flotten av Medusa" och de verkliga fruktansvärda fakta om sjökatastrofen med detta fartyg. Genom att befria sina åskådare från kontemplationen av sår, skavsår och scener av kannibalism, skapade Gericault ett enastående konstverk som bär en laddning av energi som befriar inre värld tittare genom att betrakta lidandes kraftfulla gestalter och hoppfulla karaktärer. I den moderna postindustriella eran, i postmodernitetens tillstånd, ställer litteraturen en väsentligen evig fråga: kommer konsten att kunna bevara och öka sin intellektuella, andliga och estetiska potential för att förstå och skildra världen och människan.

Därför är det ingen slump att i postmodernismen på 80-talet. försök att skapa litterära texter som innehåller ett modernt livsbegrepp visar sig vara förknippat med utvecklingen av humanistiska frågor, vilket var en av de viktigaste tillgångarna klassisk litteratur. Därför, i romanen av J. Fowles "The Worm", episoderna av uppkomsten i England på 1700-talet. en av de oortodoxa religiösa rörelserna tolkas som en berättelse om hur "hur personlighetens grodd smärtsamt bryter igenom den hårda stenjorden i ett irrationellt samhälle bundet av traditioner." Således, under de sista decennierna av XX-talet. postmodernismen avslöjar en tydlig tendens att återvända till konstfältet och kreativiteten hos en person som en i sig värdefull person, befriad från samhällets tryck och allmänt accepterade ideologiska och världsbildande kanoner och principer. postmodernism kreativitet kulturell text

Begagnade böcker

1. Kuzmichev I. K. Litteraturkritik av det tjugonde århundradet. Metodkris. Nizhny Novgorod: 1999.

Zatonsky DV Modernism och postmodernism. Kharkov: 2000.

Utländsk litteratur. 1994. Nr 1.

Vladimirova T. E. Called into communication: Russian discourse in intercultural communication. M.: 2010.

Bart R. Utvalda verk: Semiotik: Poetik. M., 1989.

Handledning

Behöver du hjälp med att lära dig ett ämne?

Våra experter kommer att ge råd eller tillhandahålla handledningstjänster i ämnen av intresse för dig.
Lämna in en ansökan anger ämnet just nu för att ta reda på möjligheten att få en konsultation.