Sex välkända dukar med mycket mer än vad man kan se. Sex välkända dukar som skildrar mycket mer än det verkar Snabba och lätta drag, ljusa färger och en bild av naturen - Monet

Målningar och målare

Konst har alltid varit ett sätt att förstå världen och uttrycka känslor och känslor. Det finns många olika former av konst och måleri är bara en av dem.
Horace sa att en "bild är en dikt utan ord" och det är verkligen så. Under århundradena har många tekniker utvecklats för att låta konstnärer omvandla sina känslor till bilder på duk.
Ryska målare representerar rysk konst som på många sätt är unik och alltid har imponerat på människor runt om i världen. Det härstammar från de världskända ikonmålarna, den mest kända av dem är Andrey Rublyov.
Många ryska målare berömmer skönheten i den ryska naturen i sina verk. Ivan Shishkin är särskilt känd med sina dukar som föreställer rysk skog (t.ex. "Morgon i tallskogen") medan Isaac Levitan hämtade inspiration från den ryska hösten.
Peredvizhniki inkluderade konstnärer från 1800-talet. En av dem var Ilya Repin som är en konstnär som firar för sina stora dukar som "Ivan the Terrible and his Son Ivan" eller "Barge Haulers on the Volga". Victor Vasnetsov valde den folkliga ryska stilen för sina "Bogatyrs" och Mikhail Vrubel är känd för sin originalitet. Hans "Demon" är frukten av hans fantastiska fantasi.
Ivan Aivazovsky fick en världsomspännande berömmelse genom sina romantiska målningar som föreställer havet. "Den nionde vågen" är ett mästerverk som avslöjar det mäktiga havets skönhet en stormig dag.
Rysk konst ställs ut i Statens ryska museum i Sankt Petersburg. Och på avdelningen för engelsk konst i Hermitage kan du njuta av några av de brittiska målarnas mästerverk.
En av de mest kända av dem är John Constable - en engelsk romantisk målare som främst är känd för sina landskapsmålningar av Dedham Vale, ett område nära hans hus i Suffolk som nu är känt som "Constable Country".
William Turner var en landskapskonstnär vars stil kan sägas ha lagt grunden till impressionismen.
William Hogarth är känd inte bara för sina porträtt utan också för serien av målningar med satiriska detaljer som kännetecknar det engelska högsamhället på 1740-talet.
Thomas Gainsborough är en av 1700-talets Storbritanniens mest kända porträtt- och landskapsmålare. I National Gallery, London, kan du se den färgglada målningen "Mr. och Mrs. Andrews" som är en kombination av familjeporträtt och landskap, och mörka porträtt av "Mr and Mrs William Hal-lett" som exemplifierar Gainsboroughs mogna stil.
William Blake är en engelsk poet och målare. Till stor del okända under hans liv idag, anses hans verk vara betydelsefulla i både poesin och bildkonstens historia. Hans målningar kan verka väldigt ovanliga och fantastiska. Till exempel avbildade han Isaac Newton som en gudomlig geometer.

Målningar och konstnärer

Konst har alltid varit ett sätt att förstå världen och uttrycka känslor och känslor. Det finns många former av konst, och måleri är bara en av dem.
Horace sa att "en bild är en vers, bara utan ord" och det är faktiskt så. Utvecklat under århundradena olika tekniker låta konstnärer omvandla sina känslor till bilder på duk.
Ryska konstnärer representerar rysk konst, som är unik på många sätt och alltid har förvånat människor över hela världen. Den kommer från världsberömda ikonmålare, den mest kända av dem är Andrey Rublev.
Många ryska konstnärer sjunger om skönheten i den ryska naturen i sina verk. Ivan Shishkin är särskilt känd för sina ryska skogsmålningar, som Morning in a Pine Forest, medan Isaac Levitan hämtade inspiration från den ryska hösten.
Vandrarna inkluderade konstnärer från 1800-talet. En av dem var Ilya Repin - en konstnär känd för sina stora dukar, som "Ivan den förskräcklige och hans son Ivan" eller "Barge Haulers on the Volga". Viktor Vasnetsov valde den ryska folkstilen för sina Bogatyrer. Mikhail Vrubel är känd för sin originalitet. Hans "Demon" är ett påhitt av fantastisk fantasi.
Ivan Aivazovsky tog emot världsberömmelse tack vare dess romantiska skildring av havet. Den nionde vågen är ett mästerverk som avslöjar skönheten i havskraft i en storm.
rysk konst presenteras i det statliga ryska museet i St. Petersburg. Och på Institutionen för engelsk konst i Hermitage kan du njuta av några av brittiska konstnärers mästerverk.
En av de mest kända av dem är John Constable - en engelsk romantisk målare, berömd, huvudsakligen, för hans landskap av Dedham Vale, området nära hans hem i Suffolk, som idag är känt som Constable's Land.
William Turner var en landskapsmålare, vi kan säga att hans stil lade grunden för impressionismen.
William Hogarth är känd inte bara för sina porträtt, utan också för en rad målningar med satiriska detaljer som kännetecknar det engelska högsamhället på 1740-talet.
Thomas Gainsborough är en av de mest kända porträtt- och landskapsmålarna i 1700-talets Storbritannien. I National Gallery i London kan du se den färgglada Mr and Mrs Andrews, som är en kombination av familjeporträtt och landskap, och den mörka Mr and Mrs William Hallett, som exemplifierar Gainsboroughs mer mogna stil.
William Blake är en engelsk poet och målare. Okänd under hans livstid, idag anses hans verk vara viktiga i historia och poesi, och visuella konsterna. Hans målningar kan verka ovanliga och fantastiska. Till exempel avbildade han Isaac Newton som en gudomlig geometer.

Ordförråd:

duk - duk, duk
firande - känd
avbilda - avbilda
hämta inspiration - ta emot inspiration
gudomlig - gudomlig
framkalla - orsaka, väcka (känslor)
exemplifiera - tjäna som exempel
folk - folk
fantasins frukt - fantasins frukt
Horace - Horace
landskap - landskap
landskapskonstnär - landskapsmålare
lägga grund (för) - lägga grunden, börja
mästerverk
mogen - mogen
mäktig - mäktig, mäktig
noterad - anmärkningsvärd, berömd
uppstå - uppstå
beröm - beröm
dominera - att dominera
känd - känd
avslöja - öppna, avslöja
unrecognized - unrecognized
bildkonst - fin konst
världskänd - världskänd

Svara på frågorna
l.Vad sa Horace om målningar? Hur förstår du hans ord?
2. Vem är Andrey Rublyov? Vad är han känd för?
3. Vilka ryska konstnärer berömde naturens skönhet?
4. Vilka artister kallas The Peredvizhniki?
5. Vilka målningar av Ilya Repin känner du till?
6. Vad är Ivan Aivazovsky känd för?
7. På vilka museer kan du se målningar av ryska konstnärer?
8. På vilka museer kan du se målningar av brittiska konstnärer?
9. Vad är "Constable Country"? Varför heter det så?
10. Vems stil har lagt grunden till impressionismen?
11. Vilken målare var också känd för satirisk gestaltning av det höga samhället?
12. Vad är Thomas Gainsborough känd för?
13. Vad vet du om William Blake?
14. Vilka är dina favoritartister och varför?

Dessa konstnärer förvånar med sin talang och sättet de skapar sina hyperrealistiska målningar. Det är svårt att tro, men det här är inga foton, utan riktiga målningar ritade med en penna, färger och till och med kulspetspennor. Vi förstår inte hur de gör?! Bara njuta av deras kreativitet.

Omar Ortizär en hyperrealistisk konstnär från Mexiko med en kandidatexamen i grafisk design. Huvudämnet för hans målningar är mänskliga figurer, mestadels nakna kvinnor. På bilden skiljer konstnären tre element: figuren av en man, draperade tyger, vit färg. Ett inslag i Omars arbete är en minimalistisk stil, lakonism i överföringen av subtila kurvor och linjer i kroppen, oljearbete.

Paul Cadden - samtida konstnär världsklass från Skottland. För sitt arbete använder Paul bara vit krita och grafit, med vilka han kan återskapa nästan vilket fotografi som helst, med uppmärksamhet på omärkliga små detaljer. Som konstnären själv erkänner kommer han inte på nya detaljer, utan framhäver dem bara och skapar därigenom illusionen ny verklighet, vilket ofta inte syns på originalfotografierna.

Kamalky Laureano- konstnären föddes i Dominikanska republiken 1983, bor och arbetar för närvarande i Mexico City. Kamalki tog examen från School of Design and Art, specialiserad på att skapa hyperrealistiska porträtt. Scenerna är svåra att skilja från riktiga foton, även om de är målade med akryl på duk. För författaren till hans verk - inte bara en imitation av fotografier, utan ett helt liv förkroppsligad på duk.

Gregory Thielker– Född i New Jersey 1979, studerade konsthistoria och måleri vid University of Washington. Att flytta till Boston blev utgångspunkten för hans arbete med hyperrealistiska stadsbilder, vilket gjorde honom känd över hela världen. Tilkers målningar är en resa med bil en kall regnig dag. Inspirerad av verk av konstnärer från 70-talet skapar författaren sina realistiska målningar med hjälp av akvareller och oljefärger.

Lee Price- en konstnär från New York, utexaminerad från universitetet med en examen i måleri, är engagerad i figurativt målning. Huvudhandlingen i Lees arbete är kvinnors svåra inställning till mat. Tittaren, som från utsidan, tittar på kvinnor som i hemlighet äter något gott, men skadligt. Konstnären själv säger att hon i sina verk försöker visa det faktum att kvinnor ger mat kvaliteter som inte är inneboende i den, de söker tröst i en olämplig källa. Bilderna förmedlar det absurda i situationen, ett försök att fly från verkligheten, för att lindra obehag.

Ben Weiner född 10 november 1980 i Burlington, Vermont, tog examen från University of the Arts, målar i olja på duk. Det speciella med konstnärens verk är en ovanlig handling. Ben målar! Först applicerar konstnären färger på arbetsytan, fotograferar dem och skriver sedan från det färdiga fotot målning på duk.

Född 1950 i norra Kalifornien, är han känd för sina realistiska akrylmålningar på duk. Som barn delade författaren kärleken till att rita med framgång inom sport, men en ryggskada avgjorde Rays huvudsakliga sysselsättning. Som konstnären erkände distraherade teckningen honom från konstant ryggsmärta. Även i sin ungdom fick mästaren brett erkännande och många utmärkelser vid konsttävlingar.

Alyssa Monks bor och skapar sina målningar i Brooklyn, har blivit vida känd för sina realistiska "våta" målningar. Konstnären använder filter som vatten, glas eller ånga för att skapa abstrakta mönster. I sitt arbete använder Alyssa ofta fotografier från familjens och vänners personliga arkiv. Kvinnors ansikten och figurerna på målningarna liknar varandra - konstnären ritar ofta självporträtt, eftersom hon hävdar att det är "lättare" för henne att skapa den nödvändiga handlingen.

Pedro Campos- hyperrealist från Madrid, började måla i olja först vid 30 års ålder. Konstnären skapar sina realistiska stilleben med hjälp av oljefärg. Campos har arbetat som inredningsarkitekt, illustratör, konstrestauratör av möbler, skulpturer och målningar. Konstnären tror att det var hans arbete som restauratör som hjälpte honom att finslipa sina färdigheter.

Dirk Dzimirsky- en konstnär från Tyskland, född 1969, fick en konstutbildning, arbetar med pennteknik. Konstnären ritar bilder från fotografier, utan att gå in i de minsta detaljerna, improviserar mycket. Dirk säger att när han arbetar med en målning representerar han en levande modell, så han använder bilden endast för en grundlig överföring av förutbestämda proportioner. Författaren överväger sin huvudsakliga uppgift att skapa en känsla av närvaron av motivet i bilden.

Thomas Arvid– Amerikansk hyperrealistisk konstnär från New Orleans, som är född och uppvuxen i Detroit, har ingen formell utbildning, en mästare på det så kallade "överdimensionerade" stillebenet. Hans serie av realistiska målningar "Vinkällare" är korkar, flaskor, glas med mousserande eller djupröda drycker. Auktoritativa kritiker och publikationer har noterat mer än 70 verk av konstnären. Mästarens målningar pryder inte bara väggarna i vingårdar och prestigefyllda vinsalonger, utan även privata samlingar och gallerier.

Robin Eley Född i Storbritannien, växte upp och fortsätter att bo och arbeta i Australien, har en Bachelor of Fine Arts-examen och har tilldelats Doug Moran National Portrait Award. Han skapar sina hyperrealistiska målningar i olja och anser att handlingen "människor och cellofan" är den huvudsakliga "hästen". Mästaren arbetar på en bild i cirka 5 veckor, 90 timmar i veckan, nästan varje bild föreställer människor insvepta i cellofan.

Samuel Silva- Portugisisk amatörkonstnär utan specialutbildning, som bevisar genom personliga exempel att du kan skapa ett mästerverk av vad som helst. När konstnären skapar tavlor använder konstnären en palett med åtta färger av kulspetspennor från Bic. Silva är advokat till yrket och ser sin passion för att rita inget annat än en hobby. Idag behärskar en världsberömd självlärd konstnär nya målningstekniker med hjälp av färger, krita, färgpennor, pasteller etc.

Gottfried Helnwein– Österrikisk konstnär, författare till hyperrealistiska målningar om sociala, politiska och historiska ämnen, "en mästare av oväntat erkännande", som författaren W. Burroughs kallade honom. Författaren är utbildad vid Wiens konstakademi, tillhör konstnärer på hög professionell nivå. Något kontroversiella ämnen, surrealistiska kompositioner gav honom berömmelse. Ofta avbildade mästaren seriefigurer i sina målningar och medger att han "lärde sig mer av Kalle Anka än i alla skolor han studerade i."

Franco Clunär en italiensk självlärd konstnär som föredrar att rita med grafit framför alla andra konstnärliga tekniker. Hans svartvita realistiska målningar är resultatet av Francos oberoende studie av olika litteratur om teckningstekniker.

Kelvin Okaforär en hyperrealistisk konstnär, född 1985, bor och arbetar i London. Kelvin tog examen i konst från Middlesex University. Författaren skapar sina målningar med en enkel penna, huvudtemat för hans arbete är porträtt av kändisar.

Amy Robinsär en brittisk konstnär som använder färgpennor och tjockt papper för sina hyperrealistiska verk. Konstnären har en Bachelor of Fine Arts-examen i konst och design och bor och arbetar i Bristol. Lite är känt om den unga författaren, men hennes verk har redan blivit kända över hela världen, slående med sin realism och teknik.

Robert Longo– Amerikansk målare och skulptör, född i Brooklyn 1953, belönades med den legendariska Goslar Kaiser Ring. Konstnären tecknar sina tredimensionella bilder av kärnvapenexplosioner, tornados, orkaner och hajar med kol på papper. Longo kallas ofta för "dödens målare". berömd målning Untitled (Skull Island) med en våg såldes på Christie's i London för 392 000 dollar.

Diego Fazio- självlärd konstnär, född 1989 i Italien, har ingen konstutbildning, började med utvecklingen av skisser för tatueringar, utvecklade så småningom sin egen ritteknik. Den unga konstnären var medlem av många internationella tävlingar, där han vann priser, presenterades på utställningar runt om i världen. Konstnären arbetar under pseudonymen DiegoKoi.

Bryan Drury född 1980 i Salt Lake City, har diplom från New York Academy of Art, skapar målningar i genren realism. Konstnären målar sina målningar med oljefärger. Som författaren medger försöker han i sina verk fokusera på hudens organiska egenskaper, dess brister.

Steve Millsär en amerikansk konstnär som sålde sin första målning vid 11 års ålder. Konstnären skapar sina målningar med oljefärger, med fokus på de minsta detaljerna. Vardagsliv, som vi ofta inte märker i det eviga ruset. Konstnären konstaterar att han avbildar objekt som de är i verkligheten, utan att ändra och överdriva deras ursprungliga form.

Paul Lung född i Hong Kong, ritar med automatisk penna på A2-ark. Ett inslag i tekniken för att skapa målningar är den grundläggande vägran att använda ett suddgummi, alla verk ritas rena. Konstnärens huvudsakliga "muser" är katter, även om han också ritar människor och andra djur. För varje verk tar författaren minst 40 timmar.

Roberto Bernardi född i Italien, blev intresserad av hyperrealism vid 19 års ålder, arbetade som restauratör i kyrkan San Francesco. Hon använder oljefärger för att skapa tavlor. Världsberömmelsen för konstnären kom med en serie verk som skildrar föremål som är karakteristiska för konsumtionssamhället. Målningar med godis, varuautomater, kylskåpshyllor är konstnärens visitkort, även om hans arsenal inkluderar landskap, stilleben och mycket mer.

Juan Francisco Casas- Spansk konstnär som skapar sina målningar med en vanlig Bic-kulspetspenna. Casas var en traditionell konstnär som bestämde sig för att bevisa för andra att det inte var materialet för arbetet som gällde, utan sättet och tekniken att teckna. Den allra första utställningen av den kreativa spanjoren gav honom världsberömdhet. De flesta av målningarna av Casas föreställer hans vänner.

Teresa Elliottär en amerikansk konstnär som arbetat framgångsrikt som illustratör i 26 år innan han skapade realistiska oljemålningar. Teresa har en kandidatexamen bild och form, som återvände till klassisk konst, blev känd över hela världen tack vare sina porträtt, sanningsenliga in i minsta detalj.

samtalet handlade om hur olika konstnärer skildrar samma tema.
Givet: två målningar på temat hur vita på fartyg flydde från det bolsjevikiska Ryssland.

a) Ivan Vladimirov (1869−1947). "Borgerlighetens flykt från Novorossiysk" (1926)

b) Dmitry Belyukin (f. 1962). "Vita Ryssland. Exodus". 1992-4

Vilken av dem skildrar händelsen historiskt korrekt? Vilka av dessa artister ska man lita på? kommentatorer hävdar.

Låt oss här använda exemplet med dem (liksom andra målningar) för att analysera vad som generellt är "sanning" i målningarna, och vem som bör lita på.
Det visar sig att vissa människor inte förstår det.

Så, för att på rätt sätt njuta av betydelsen av ett konstverk, dess historia, etc. (och inte bara separat estetisk perfektion, harmoni), det är mycket användbart att förstå vad som var MÅL konstnären som skapade detta verk.

1) Uttryck dig
(självbeundran, beundra favoritsaker)

Jag sätter detta högst upp på listan eftersom detta mål för konstnärer på 1900- och 2000-talet upplevs av allmänheten (och artisterna själva kanske) som en prioritet.

Samhället under denna period blev så rikt, ett sådant överskott av resurser bildades att man kunde ägna sig åt konst stor mängd människor, både professionella och icke-professionella. Alla som bara gillar att rita (skriva poesi, musik, fota på Instagram osv). Andas hur jag kan skulptera klimpar / rita clowner / brodera med satinsöm, etc., hur vacker jag är, och mina barn, och min yacht.

Men när du använder verk av absolut någon form av konst inuti (målning, litteratur, etc.), kom ALLTID ihåg att denna frihet, detta mål, denna idé om konst som en "konstnärs instagram" är en prestation som blev tillgänglig för kreatörer endast i Senaste tiden. Under tidigare århundraden, desto längre - desto starkare, en sådan position var oacceptabel, löshet, uppfattades som en fåfänga mässa. I inget fall, titta på de "gamla mästarnas" verk, döm dem inte från positionen "han gjorde det för att han ville." Naturligtvis skulle jag inte vilja - han skulle inte göra det, men fram till impressionismens tidevarv väver denna "önskade" in i listan över mål när man skapar ett konstverk väldigt mycket svans. Döm inte själv, utifrån ställningen hos en person från 2000-talet.

2) Uttryck dina inre demoner
(eller erotiska fantasier)

Men detta är tvärtom konstens klassiska mål, ett av de äldsta.
Det första offentliga målet med att skapa konst var troligen religiöst (shamanism för en bra mammutjakt, begravningsritualer, etc.), men det individuella, personliga målet för de första författarna var också att uttrycka sina känslor, rädslor, drömmar.

Men även här är en mycket viktig egenskap som särskiljer en man från modern tid – och en man från det förflutna, en konstnär av modernismen (med början med impressionisterna) – återigen graden av yttrandefrihet för dessa fantasier.

skylla på avantgardet modern konst för det faktum att de är obegripliga och inte realistiska - det är inte värt det; det hände dem, eftersom livet självt på 1900-talet förändrades globalt. Titta, det var en sexuell revolution, och det blev möjligt att gå på gatorna praktiskt taget i shorts, eller till och med utan trosor. Vad gäller konst, hur ska man bemöta denna kollapsade frihet, på de nya möjligheterna att göra vad man vill? Konstnärer har ritat kvinnor utan trosor i konsten helt fritt i femhundra år, detta kommer inte att förvåna någon. Så den sexuella revolutionen inom bildkonsten uttrycktes i förkastandet av realism, naturlig likhet; i själva verket, från alla regler för konst, uppfanns de föregående femhundra åren. Detta är en helt normal reaktion från konstnärer på vad som hände globalt i samhället i stort. Är de rödhåriga för att vara anständiga när alla runt omkring gör som de vill?

Så kom ihåg att konstnären från tidigare århundraden, som uttryckte sina demoner, hade tydliga gränser påtvingade av samhället. Och för att uttrycka detta var han tvungen att hitta rätt nisch som tillåts av censuren (samhället), en anständig nisch.
Som regel var dessa alla slags fasor för religiös konst.

När det gäller erotiska fantasier var det lättare - de var inte tabubelagda av konst (med undantag för ren porr, liksom alltför realistiska småsaker som könshår).

Frihet börjar infinna sig med utvecklingen av författarens personlighet, individualitet, när konstnären upphör att känna sig som en hantverkare och blir en "poet". Så i slutet av 1700-talet får vi hägringar av Goya, William Blake, Fuseli, etc., all sorts romantik. Och så individualitet uppmuntrades inte alltid, till exempel var det helt enkelt oanständigt att sätta författarens signatur på medeltida religiös konst i vissa epoker (det är därför vi känner så få mästare i dessa epoker).

Generellt sett bör du inte mäta själv, du bör försöka interpolera.

3) Pengar

Också ett uråldrigt mål att skapa ett verk, likaså extremt populärt.
Ett mycket, mycket värdigt mål. Det är hon som tvingar konstnärerna att avsluta sitt arbete till slutet, för annars kommer kunden inte att betala, det är hon som får folk att resa sig från spisen och söka arbete för att mata barnen, förbättra deras färdigheter och inte förvandlas till UG.
Eftersom marknaden alltid dikterar (dikterar), och ingen köpte dåliga tavlor.

(Kan du föreställa dig hur coolt det skulle vara om Leonardo da Vinci fick betalt först i efterhand, och han skulle också vara skyldig att lämna en 10-års garanti? Han skulle lägga sitt skarpa sinne på säkerhetsfrågor, och mycket mer skulle komma till oss .. Men tyvärr, han lyckades pumpa upp sitt personliga varumärke, och han fick betalt bara för namnet).

Men återigen, man måste förstå skillnaden mellan en modernistisk konstnär och en "gammal mästare". Ekonomin har förändrats mycket, och det påverkar. Ekonomi och tekniska framsteg. Skapandet av en målning var i första hand ett hantverk, ett jobb och inte en tankeflykt av ett geni. Låt oss ta arkitektur, den är mer oförändrad i denna mening: du bestämmer dig för att bygga dig en herrgård. Vi gick till arkitekten, uttryckte våra önskemål, skrev på ett kontrakt. Han ritade en skiss, godkände den, byggde ett tegelhus, gjorde klart det med marmor, betalade arkitekten, sedan använder man huset för det avsedda ändamålet. Samma sak hände med målning: 1311 beslutade katedralens gemenskap att beställa en altartavla, säg Duccio, uttryckte sina önskemål, undertecknade ett kontrakt punkt för punkt. Duccio tar en dyr träskiva, perfekt förberedd och till och med enorm i storlek och invecklad form. Färger: krossad lapis lazuli, ljusblå, hämtad från Indien, och det kostar helvetespengar; förgyllning är på något sätt inte heller billigt osv.

En normal arkitekt i mitten av att bygga en herrgård kommer inte att inspirera till att ändra konceptet, eftersom han är författaren, skaparen, han ville, han vet att denna bankett inte är på hans bekostnad. Konstnären var också tvungen att helt enkelt göra sitt jobb bra, leverera beställningen i tid (moderna designers kommer att förstå nu. Och låt dem avundas: på den tiden fanns det inga e-postmeddelanden, så ingen kunde ofta be om att "leka med typsnitt").

Konstmarknaden gick under lång tid till den filmiska situationen som vi känner till idag: när en så lysande konstnär sitter i en ateljé full av sina chica målningar. Sedan kommer en bekant till honom och tar med sig sina förmögna amerikanska vänner, som entusiastiskt säger: "Men vi tar det här, och det här, och det här! och vad du mer har, slå in det!".
Innan dess fanns det ytterligare ett skede, som inte längre kan jämföras med arkitektur, utan med kakor. Här har du ett hembageri och pengar till råvaror till 10 kakor. Det finns inga specifika kunder som skrivit kontrakt med dig för dina tårtor, men du vet att det i princip kommer folk till dig. Du kommer inte göra 20 tårtor eftersom så många kunder inte når dig. Du måste sälja allt som du har bakat, annars har du inte pengar att köpa nya råvaror. Du förstår, färger var dyra, dukar var dyra (men billigare än gammaldags trä, nästa gång ska jag berätta i detalj), att hyra en verkstad är dyrt,. Varför målade de "små holländarna" stilleben, vardagsscener och landskap så aktivt på 1600-talet i Holland? Eftersom landet blev mycket välmående, och varje lokal invånare hade råd (och fick) komma till den "färdiga målarbutiken" och välja en skönhet för sig själv på väggen. Följaktligen dök det upp ett mycket tjockt skikt av konstnärer som tjänade dessa borgare.

Och slutligen, på 1800-talet, dyker konstnärens livsstil upp, som för oss verkar vara en lärobok: med ett gäng dukar målade "på bordet", som skulle vara trevligt att sälja, men du kan inte, i alla fall, det finns något att äta, men låt det hänga på väggarna osålt.
Jag uppehåller mig medvetet inte vid de sociala, ideologiska, psykologiska aspekterna, bara om ekonomin.
Konstnärer aspirerade till Paris inte bara för att det var roligt att hänga där, utan också för att staden bildade en miljö för deras tjänst: återförsäljare av färger och dukar (de beställer i lösvikt, så de säljer billigare), många loft att hyra. , modeller kommer målmedvetet till jobbet, köpare kommer målmedvetet för att köpa och så vidare.
Idag har det generellt blivit så billigt att vem som helst kan göra konst, och tjäna pengar på ett helt annat sätt (kanske är det därför vi har så mycket sopor i slutändan?)

Så, för att förstå varför en bild ritas, försök att förstå den ur pengars synvinkel - skrev konstnären den för en specifik beställning? bara till försäljning till borgarna, på bordet (eftersom han fick det), som present till sin mamma eller för vad?

4) Ära
(och konjunktur)

Också ett mycket förståeligt motiv. Sant, inte särskilt gammalt, kom ihåg det. Konstnärer började styras av målet att få Fame när de skapade konstverk endast från en viss period (bara Fame, inte rykte + många kunder). På medeltiden var som sagt måleri bara ett hantverk, som smycken eller möbler. Under renässansen börjar konstnärer höja sina huvuden och gradvis, med hjälp av den intilliggande skriftintelligentsia (till exempel Vasari), skapa en kult kring sitt yrke, som förvandlar det från hantverk till konst. Att skriva under sina namn börjar bli normen. Gradvis (långsamt) blir det coolt att vara artist (även om högsamhället fortfarande inte riktigt accepterar dem). En liknande process med skådespeleri - vid alla tillfällen är det den lägsta servicepersonalen som är förbjuden att begravas i vigd mark och anses vara jämställd med skökor; nu har de blivit kändisar av kunglig rang.

I allmänhet finns det i många konstnärers arbete programverk som författaren skrev utan en specifik beställning från beskyddaren, utan helt enkelt för att inspirationen kom till honom. Efter att ha skapat det förstod han tydligt (ja, åtminstone hoppades han) att han skulle "göra det" med dem, bli känd. Om stjärnorna konvergerar, och på bilden var det möjligt att kombinera estetik (skönhet) med denna svårfångade, svävande i luften, då börjar bilden åska. Och det går verkligen till historien som ett mästerverk. (Obs, barn: ett mästerverk är inte en synonym för ordet "målning", en konstnär kan måla 200 dukar och bara ett mästerverk under en livstid, och de kommer att minnas honom bara på grund av honom).

Skrivet flera månader efter händelsen avbildad.

Stora konstnärer är just de som kan rita bra (anatomiskt korrekt, harmoniskt kombinera färger etc.) + samtidigt känna tidsandan, och kan reflektera den. Därför kan det i en generation finnas många bra tecknare, men få verkligt stora mästare (även under renässansen). På vissa hittar den bara en gång i livet, och de skapar detta "vita mästerverk" (till exempel Pukirevs "Ojämlikt äktenskap", eller). Andra, som David eller Repin, kommer ständigt att producera sådana hits. Tro inte att konstnären sitter på en stol och säger "nu ska jag rita ett mästerverk och förtjäna berömmelse för det." Så det går förstås inte. För artister (författare, musiker) av denna höga kategori av skicklighet, föds mästerverk tack vare en kombination av utmärkta medfödda förmågor, ständiga övningar (färdighetsutveckling). Och även på grund av den otroligt utvecklade intuitionen. Och intuitionen, som du vet, pumpas över, om du upprepar något en miljon gånger, då gör hjärnan ett skarpt kvalitativt språng och börjar producera resultat snabbt och spontant. Och det verkar för författaren av resultatet som att hjärnan faktiskt inte gjorde något arbete, den kom ner från himlen - och så uppfanns uttrycket att författaren fick besök av musen.

I allmänhet målar konstnärerna på denna nivå bilder inte längre för Glorys skull, och inte för att bli av med sina demoner, utan av mer komplexa skäl. De blir som en radiomottagare som fångar det omgivande samhällets förväntningar, såväl som det omgivande konstnärliga samhället, på stilen som nu är på modet och så vidare. - och lyckas dumpa allt på duken, passera genom sig själva.
Och så blir det ett mästerverk.
Skriv ner det, försök inte upprepa hemma.

Och här, i denna kategori av mål, bör vi inkludera mer praktiska artister som medvetet fångar vågen, de radiosignaler som samhället (men i första hand av staten) sänder. Och de producerar tavlor inte bara för att bli kända (och komma in i konsthistorien), utan mer för att leva gott och ha alla möjliga godsaker. I vissa fall är sådan opportunism, servilitet ett personligt val av författaren, eller i allmänhet normen för den eran (se Derzhavins hyllningar tillägnade kejsarinnan). Under 1900-talet, under totalitära staters förhållanden, som ni förstår, gällde frågan inte bara att få pengar, utan ibland var det banalt i överlevnaden. Men, som många psykologiska studier av alla möjliga stockholmssyndrom visar, är det värsta att människor, inklusive konstnärer, börjar uppriktigt tro och glorifiera. Så att förbli en kallblodig opportunist under sådana förhållanden - kanske inte ett så dåligt alternativ, va?

5) Predikan

Och så, de mest tålmodiga och intelligenta av mina läsare, som har nått denna plats i mitt ark, nu när du har förstått de grundläggande, grundläggande målen, har vi nått den som är förknippad med två målningar om vita på Krim, som denna text började med.

Detta syfte med ett konstverk är att uttrycka författarens idéer, hans idé om världen, om vad som är rätt och fel. Låt oss hoppa över de första par tusen åren, allt är enkelt där: det är när konstnären trodde på gudarna, och sedan på Gud, och uttryckte sin tro, bön, skapade en "ikon", en bönebild och därmed förstå Herre. Bra ikonmålare fortsätter att göra detta idag. Vad vi behöver är New Age, när det blir möjligt att predika genom konst, inte bara tro. Ovan skrev jag att från renässansen förvandlas konstnärer gradvis i allmänhetens medvetande från hantverkare till skapare, deras figurer romantiseras. Artister blir personligheter, kändisar, det viktigaste är att i deras egna huvuden också; de bestämmer sig för att de är åsiktsdomare och måste lära människor sanningen, predika. (Varför inte? Huvudsaken är att med smak, men alla lyckas inte).

Så konst har ett uppdrag.
(Förresten, om vilka mål konsten har måste vi prata separat – de sammanfaller inte alls med konstnärernas mål).

Och nu förstår du vilken grej. Det är en sak när konstnärer med en mäktig skola, stående på jättarnas axlar, sysslade med "predikningar". Och då är dessa verk från 1800-talet ibland irriterande, moralen har förändrats smärtsamt och historien har gett alla möjliga lärdomar.
Men på 1900-talet, av någon anledning, gillade artister särskilt att göra detta - Vasiliev, Glazunov, Ryzhenko, Nesterenko ... Och om du går igenom den här listan från början får du en intressant situation. Temat för den älskade (katter, barn) är inte intressant för dem - små, de dras till globala prestationer. De har inte demoner och erotiska fantasier eller så är de inte alls intressanta (och detta berövar omedelbart kreativiteten från pepparkorn, se Konstantin Vasiliev, som, till skillnad från de andra jag har listat, fortfarande har sina fetischer, och hur detta positivt utmärker honom, gör honom speciell, minnesvärd).

Det visar sig att under bilderna av vissa kända artister andra bilder är dolda. Ibland, om du tittar noga, är de synliga för blotta ögat. Men oftare hittas de av konsthistoriker när de studerar målningar av kända mästare eller restauratörer som arbetar med restaurering av målningar. I vår recension, sex intressanta fall när målningarna var kantade av dolda bilder.

För att svara på frågan om dolda målningar noterar forskare att orsakerna till deras utseende på kända dukar är olika. Ibland gillade konstnären helt enkelt inte originalversionen, ibland fick bilden ritas om pga allmän åsikt, och det hände också att konstnärer hamnade i ekonomisk nöd, inte hade råd att köpa en ny duk och använde gamla till sina nya verk.

1. Byst av monarken i målningen av Jean Auguste Ingres

På vänster sida av målningen av den franske nyklassicistiska konstnären Ingres "Porträtt av Jacques Marquet, Baron de Montbreton de Norvin" (1811-12), som föreställer polischefen i Rom efter Napoleons erövring av staden, även med med blotta ögat kan du se bysten av ett barns huvud. Man tror att detta är en byst av huvudet av Napoleons son, som hans far utropade till kung av Rom. 1814, när Napoleon slutligen besegrades och abdikerades, målade Ingres över tavlan av politiska skäl och målade en ny ovanpå den.

2. Kvinna i Picassos "Old Guitarist"

Pablo Picasso hade en svår period 1901-1904, då han inte ens hade pengar för att köpa nytt material för arbetet. Han grundmålade ofta gamla dukar och använde dem för att skapa nya målningar. Ett av de mest kända exempel Pentimento i verken av Picasso är målningen "Den gamle gitarristen", där en målad figur av en kvinna hittades.

Konstkritiker har tidigare noterat en luddig kontur bakom gitarristens svängda hals, men först genom att belysa bilden med röntgenbilder avslöjade de en gammal bild av en kvinna som matar ett litet barn, och bredvid dem står en tjur och ett får.

3. Den skäggige mannen i Picassos blå rum

Picassos målning Det blå rummet, målat 1901, innehåller också en hemlighet som nyligen avslöjats med infraröd optisk tomografi. Om man sätter bilden vertikalt hittas en viss skäggig man med många ringar på fingrarna under ett lager färg.

4. Axelrem i John Singer Sargents "Portrait of Madame X"

"Porträtt av Madame X", som ställs ut i Metropolitan Museum of Art, anses vara en stilikon på grund av damens enkla svarta kläder som avbildas på den, hennes ståtliga figur och högdragna ansiktsuttryck. Men vid en tidpunkt ansågs detta porträtt vara en skandalös förolämpning av anständigheten och hade en mycket negativ inverkan på konstnärens karriär i Europa.

Kvinnan på porträttet är den berömda parisiska socialisten Virginie Gautreau. Bleken i hennes hud, som ansågs vara symbolen för skönhet på den tiden, fick en samtida kritiker att beskriva Gautreaus hudton som "kadaverös". Denna effekt uppnåddes genom användning av arsenik. Gautreau tonade också hennes hår med henna för större kontrast. För att betona Gautreaus ovanliga skönhet avbildade Sargent henne i en svart klänning, vars ena remmar kokett föll över hennes axel.

När porträttet först visades på Parissalongen exploderade allmänheten av indignation, eftersom den halvt tappade axelremmen visade sig vara mycket obscen. Som ett resultat skrev Sargent om denna detalj av klänningen och lyfte den över axeln.

5. Kvinna vid fönstret

PÅ Nationalgalleriet i London, i färd med att restaurera en duk från 1500-talet av en okänd konstnär, upptäcktes en ovanlig "sminkning". Det visade sig att blondinen på bilden faktiskt är en brunett, och hennes hårfärg skrevs om av konstnären över originalet. Idag har målningen återställts till sitt ursprungliga skick och är inrymd i Nationalgalleriet.

6. Val i Hendrick van Antonissens "Beach Scene"

När denna holländska målning från 1600-talet donerades till Fitzwilliam-museet föreställde den helt enkelt en strandscen. Konsthistoriker har dock varit förbryllade över varför målningen föreställer en folkmassa som samlats nära vattnet utan någon uppenbar anledning. Efter restaurering, under ett lager färg, upptäcktes en bild av en val som spolas iland. Valen tros ha målats över av estetiska skäl på 1700- eller 1800-talet.

Konstkännare kommer att vara intresserade av att lära sig om.