William Shakespeare - Brillanter Dramatiker. William Shakespeare: Lebensjahre, Kurzbiografie

Shakespeare-Frage.

Shakespeares Name war schon immer geheimnisumwittert. Keine Manuskripte, keine Lebensporträts, keine Rezensionen von Zeitgenossen sind von ihm geblieben. Selbst der Tod des großen Dramatikers blieb in literarischen Kreisen unbemerkt. Biografische Informationen über Shakespeare sind rar und oft unzuverlässig.

Wir haben keine Informationen über sein Leben, mit Ausnahme von Quittungen seiner Schuldner, Dokumenten über den Kauf von Kirchenzehnten durch ihn und einem Testament - ein sehr merkwürdiges Testament, in dem es keinen einzigen Hinweis auf die schriftstellerische Tätigkeit dieser Person gibt . Kein einziges Buch aus seiner Bibliothek wurde gefunden (während von vielen anderen seiner Zeitgenossen und jetzt immer noch Bücher mit Signaturen, so etwas wie Exlibris usw. gefunden werden). In seiner Heimatstadt Stratford steht zwar ein Shakespeare-Denkmal, aber das darauf abgebildete ist völlig anders als seine Porträts, die Werksammlungen schmücken.Diese und eine Reihe anderer Ungereimtheiten haben zur sogenannten „Shakespeare-Frage“ geführt ." Seit dem 19. Jahrhundert ist die Shakespeare-Forschung in zwei kriegführende Lager geteilt: Stratfordianer (d. h. diejenigen, die Shakespeare aus Stratford als Autor anerkennen, und Nicht-Stratfordianer (die versuchen, den wahren Autor zu finden, der sich unter der Maske versteckt). wiederum mehrere „Kandidaten für Shakespeare“ vor.

Sonette und Gedichte von Shakespeare auf dem Hintergrund des Englischen. Poesie des 16. Jahrhunderts. Russische Übersetzungen von Sonetten.

Shakespeares Gedichte

Shakespeare ging beim Verfassen von Gedichten von anderen künstlerischen Grundsätzen aus als von denen, die ihn beim Verfassen von Theaterstücken leiteten: In Gedichten sieht alles anders aus. wahres Leben und es gibt keine Bewegung in ihnen, die Charaktere sind bedingt und die ganze Situation ist irgendwie ein Treibhaus.Aber Shakespeares poetische Werke, als Ganzes genommen, erheben nicht den Anspruch, ein Abbild der Realität zu sein. Ihr Ziel ist kein Bild, sondern ein Ausdruck von Gedanken und Gefühlen über verschiedene Phänomene der Realität.Die Handlungen der Gedichte sind arm an Handlung. Shakespeare, der viele Ereignisse in Dramen auftürmt, ist hier nicht wiederzuerkennen. In Gedichten dient alles nicht der Handlung, sondern ihrer Hemmung. Der geringste Vorwand reicht aus, um die Entwicklung der Handlung zu stoppen. Shakespeare wählt für die Entwicklung der Handlung diejenigen Elemente aus, die poetische Landschaften und lyrische Ergüsse hervorrufen. Wenn Wirklichkeitsbeschreibungen in Shakespeares poetische Werke eindringen, dann stellen sie nur einen Teil der poetischen Dekoration dar. Der Inhalt von Shakespeares Lyrik sind Reflexionen über das Wesen vieler Lebensphänomene. Der Ausdruck von Gefühlen ist in der Regel immer in eine komplexe Form gekleidet, verbunden mit einer endlosen Kette verschiedener Assoziationen.Die Handlungsstränge von Shakespeares Gedichten sind Jahrhunderte alt. Shakespeare hat bewusst diejenigen ausgewählt, die bereits im Kreis der Aufmerksamkeit anderer Dichter standen, denn die Kunst bestand hier nicht darin was zu sagen, sondern in der Neuheit der Herangehensweise an das Thema, der Neuheit der Ausdrucksmittel.Die Charaktere der Gedichte sind wie Statuen. Shakespeare stellt sie uns immer mit ausdrucksstarken Skulpturengruppen vor: Adonis und ihn verfolgende Venus, die traurige Gestalt der Göttin über dem Leichnam eines schönen jungen Mannes, die schlafende Lucretia und Tarquinius, die sie mit gierigem Blick anblicken, Lucretia, die sie aufrichtet Hände in Trauer oder mit einem Dolch. Die Gedichte offenbaren den enormen Reichtum von Shakespeares Denken. Er schafft Bilder von großer poetischer Schönheit, und obwohl wir hier keine direkte Abbildung der Realität finden, ist alles in den Gedichten von einem Lebensgefühl durchdrungen, von einem Verständnis für seine Komplexität und dem Wunsch, die Gesetze zu verstehen, die die Welt regieren. Und doch wird angenommen, dass Shakespeare keine große poetische Form gelungen ist, und er selbst hat es gespürt, denn er kehrte nicht mehr zu dieser Form zurück, sondern fand eine organischere Gattung für sein lyrisches Talent - das Sonett. Der Begriff des Tragischen charakteristisch für alle frühen Werke Shakespeares tragische Werke Der junge Shakespeare porträtiert die Macht des Bösen, indem er Tugend und Gerechtigkeit mit Füßen tritt. Die Extreme, zu denen die Träger des Bösen gehen, erregen allgemeine Empörung gegen sie. Die Vergeltung kommt nicht vom Himmel, sondern von der Welt der Menschen.“ Shakespeare lehnt das moralisierende Prinzip ab mittelalterliche Kunst, wonach das moralisch Böse im künstlerischen Bild hässlich und das Gute äußerlich schön aussehen musste. Sonette Sonettform wurde vor langer Zeit erfunden. Es wurde wahrscheinlich von provenzalischen Dichtern geschaffen, aber das Sonett erhielt seine klassische Entwicklung im Italien der Renaissance.Und es war Petrarca, der die Kunst des Sonettschreibens zu ihrer größten Höhe erhob.Es gibt immer 14 Zeilen in einem Sonett. Die klassische italienische Form des Sonetts ist wie folgt aufgebaut: zwei Vierzeiler und zwei Tertiärzeilen mit einem bestimmten Reimsystem: abba abav ccd ede oder aww aww ccd-eed. Das Sonett erlaubt keine Wiederholung von Wörtern (mit Ausnahme von Konjunktionen und präpositionalen Wörtern oder Artikeln). Der erste Vierzeiler sollte eine Exposition enthalten, dh eine Aussage zum Thema, und die allererste Zeile sollte den Leser sofort in das Thema des Gedichts einführen. Im zweiten Quartett wird das Thema weiter entwickelt, manchmal nach dem Prinzip der Opposition. In drei Zeilen wird eine Lösung des Themas gegeben, eine Schlussfolgerung, eine Schlussfolgerung aus den Überlegungen des Autors. Strenge der Kompositionsprinzipien faszinierte die Dichter der Renaissance. In England wurde das Sonett von Wyeth eingeführt. Es blieb jedoch lange Zeit eine Nebenform, bis das Beispiel von Philip Sidney andere Dichter in seinen Bann zog und dann Ende des 16. Jahrhunderts das Sonett für kurze Zeit einen führenden Platz in der Lyrik einnahm. Die englische Form eines Sonetts besteht aus drei Vierzeilern und einem abschließenden Couplet (Couplet). Akzeptierte Reihenfolge der Reime: avav cdcd efef gg. Dieses System ist einfacher als das italienische Schema von Petrarca. Da es von Shakespeare verwendet wurde, wurde es Shakespeare's genannt.In der Regel folgt Shakespeare dem üblichen Muster: Der erste Vierzeiler enthält eine Aussage über das Thema, der zweite - seine Entwicklung, der dritte - führt zu einer Auflösung, und der letzte Couplet in aphoristisch-lakonischer Form drückt das Ergebnis aus: Manchmal ist es eine Schlussfolgerung aus dem oben Gesagten, manchmal im Gegenteil ein unerwarteter Gegensatz zu allem bisher Gesagten, und schließlich in manchen Fällen nur eine minderwertige Schlussfolgerung an Ausdruckskraft zu den vorherigen Vierzeilern - der Gedanke beruhigt sich gleichsam, beruhigt sich. Wenden wir uns nun dem zu, was seine innere Form ausmacht. Schon Petrarca bestimmte die Grundlage der inneren Form des Sonetts, seines figurativen Systems. Im Kern sie lag Vergleich. Für jedes Thema fand der Dichter ein eigenes Bild oder eine ganze Bilderkette. Je unerwarteter die Ähnlichkeit, desto höher wurde sie bewertet. Der Vergleich wurde oft bis zur äußersten Übertreibung geführt. Aber die Dichter scheuten sich nicht vor Übertreibungen: Die Bildervielfalt, die in jedem Shakespeare-Sonett auftaucht, ist durch eine innere Einheit zusammengelötet. Seine Essenz ist, dass Gedanken, Gefühle, Stimmungen, alle schwer fassbaren und schwer auszudrückenden spirituellen Bewegungen konkret und visuell ausgedrückt werden, und dann stellt sich heraus, dass es unendlich viele Analogien zwischen der spirituellen und der materiellen Welt gibt.Der Inhalt des Sonetts ist ein Gefühl oder eine Stimmung, die durch eine Tatsache verursacht wird. Die Tatsache selbst wird nur stumpf erwähnt, als Andeutung gegeben, und manchmal hat das Sonett überhaupt keinen unmittelbaren Grund - das Gedicht dient als Ausdruck der Stimmung, die den Dichter beherrscht. Es geht vor allem darum, Emotionen auszudrücken, Worte und Bilder zu finden, die nicht nur den Gemütszustand des lyrischen Helden wiedergeben, sondern auch den Leser mit dieser Stimmung anstecken. Sonderfälle führen zu breiten Verallgemeinerungen alles Leben betreffend. Da die Reihenfolge, in der die „Sonette“ überliefert sind, etwas wirr ist, erschließt sich ihr Inhalt am deutlichsten, wenn man die Gedichte nach thematischen Merkmalen gruppiert. Im Allgemeinen fallen sie in zwei große Gruppen: Die ersten 126 Sonette sind einem Freund gewidmet, die Sonette 127-154 - einem Geliebten.Es gibt viel mehr Sonette, die einem Freund gewidmet sind, als Gedichte über einen Geliebten. Schon das unterscheidet Shakespeares Zyklus von allen anderen Sonettzyklen, nicht nur in der englischen, sondern in der gesamten europäischen Renaissancedichtung: Sonette an einen Freund und Sonette an eine Geliebte sind gleichsam zwei getrennte Zyklen, zwischen denen eine Verbindung besteht. Aber im Allgemeinen stellen sich die „Sonette“ nicht wie ein im Voraus geplanter und systematisch umgesetzter Zyklus lyrischer Gedichte dar. Shakespeares Sonette gehören zu den herausragenden Beispielen der Lyrik. In den Texten sind sie in der Regel daran gewöhnt, den Ausdruck der persönlichen Gefühle und Erfahrungen des Dichters zu sehen. Viele Shakespeare-Forscher haben entschieden, dass die Sonette im wahrsten Sinne des Wortes autobiografisch sind. Die zweite in den Sonette erwähnte Person ist die Geliebte des Dichters. Sie wird nicht beim Namen genannt Shakespeare hat sich nicht einmal die Mühe gemacht, seiner Geliebten einen bedingten poetischen Namen zu geben. Aus "Sonnets" erfahren wir nur, dass sie dunkelhaarig, dunkelhaarig und nicht durch Treue in der Liebe ausgezeichnet ist. Hinter ihr etablierte sich der Name „Swarty Lady of the Sonnets“. Es gibt eine innere Dualität in Shakespeares Sonetten. Ideal und echt in Shakespeares Sonetten in komplexer Kombination wie auch in seiner Dramaturgie koexistieren: Shakespeare erscheint hier entweder als ein Dichter, der der erhabenen und illusorischen Romantik der aristokratischen Poesie seine Schuld zahlt, oder als ein realistischer Dichter, der dem Überlieferten einen zutiefst lebendigen Inhalt verleiht Form des Sonetts, die manchmal Bilder erfordert, die alles andere als galant sind . Könnte man sicher sein, dass die Anordnung der Sonette der Chronologie der Ereignisse entspricht, dann wäre der Ausgang dieser ganzen lyrischen Geschichte tragisch, denn der ganze Zyklus endet mit den Flüchen jener Liebe, die einen Menschen herabsetzt, einen ertragen lässt mit einer Lüge und betrügen. Die Zuflucht vor den erlittenen Leiden ist die Erneuerung der Freundschaft, die durch die Prüfungen noch stärker geworden ist. Platonische Vorstellung von Liebe als spirituelles Gefühl Gewinnt in Shakespeares Rat vollständiger Sieg.

Kanon

Kansona (Liebeslied) ist ein thematisch auf Liebesthemen beschränktes Gedicht und zeichnet sich durch eine exquisite und komplexe Konstruktion einer Strophe aus, die Verse unterschiedlicher Länge verbindet. Das häufigste Genre der Troubadour-Poesie. Oft gekennzeichnet durch Konventionalität und Enge des emotionalen Inhalts, Monotonie und Armut poetischer Bilder. Oft an die edle Patronin des Dichters adressiert, wird der Kanson zu einer Art feudalem Dienst, weniger an die Dame selbst als an ihren Ehepartner.

Das Liebeslied ist geprägt von „Frühlingsmelodien“ (der Dichter beginnt sein Lied mit einer Beschreibung von Frühling, Vogelgezwitscher und blühendem Grün). Dies zeigt, wie eng Cansona mit Volksliedern verwandt war.

Die traditionellste Handlung für Kanson sind die Klagen eines Sängers, der unerwidert verliebt ist edle Dame(Bernard de Ventadorn, Peyre Vidal). Auf Markabrune und seinem Nachfolger Peyre Cardenal finden sich Songs voller Angriffe auf Frauen und auf die Liebe („I have not been shackled by love“, „I have never loved“). Ihre Werke zeichnen sich durch größere Aufrichtigkeit des Ausdrucks, Frische der Bilder, tiefe Emotionalität aus, sind aber nicht frei von den Konventionen der höfischen Liebe („Ich habe nichts für einen Freund verschont“ - die ideale Frau und Beatrice de Dia; „Zwitschern von Vögeln ... Rosen“ - eine traditionelle Landschaft von Rudel ).

Sirventa

Sirventa (Dienstlied) - ein strophisches, polemisches Lied im Ton; entwickelt politische oder öffentliche Themen, enthält auch oft persönliche Angriffe des Dichters gegen seine Feinde.

Dieses Genre der Troubadour-Poesie ist weniger konventionell und mehr mit konkretem Lebensmaterial gesättigt. Sirvents zeichnen sich durch soziale Spitzfindigkeit aus; verwandeln sich oft in Propagandawerke oder Broschüren. Der beste und berühmteste der Sirvent-Autoren ist Bertrand de Born, einer der Politiker der provenzalischen Militäraristokratie. Sirventi diente ihm als eines der Mittel des feudalen Kampfes, daher haben sie einen engen feudal-aristokratischen Charakter. Einige von de Borns Werken sind voll von Beschreibungen malerischer und dynamischer Schlachtenszenen ("zum unaufhörlichen Schwertgeklirr ... zum Rennen toller Pferde"), andere haben einen ausgeprägten satirischen Charakter ("Männer, die böse und grob sind, ihre Zähne schärfen gegen den Adel...").

Ein anderer Troubadour, Peyre Cardenal, stigmatisiert in seinen satirischen Liedern den Stolz und die Grausamkeit der Reichen und des Adels, drückt sein Mitgefühl für die Armen und Machtlosen aus, ärgert sich über die französischen Truppen und die Inquisition, die die Niederlage der Albigenser verraten haben. Und in den Liedern von Guillem Figueira, einem Zeitgenossen von Peire Cardenal, finden sich Aussagen, die sich gegen das Papsttum und die Mönche richten.

Pastorela

Pastorela (Lied über eine Hirtin) ist ein lyrisches Stück, ein poetischer Dialog zwischen einem jungen Mann und einem Mädchen, dem eine kurze Einleitung vorausgeht, die die Situation des Treffens beschreibt. Für Pastorela sind Verweise auf Frühlingsriten, das Vorhandensein eines Refrains und andere folkloristische Merkmale typisch. Menschen der Bauernklasse werden in den Kreis der Schauspieler eingeführt. Üblicherweise wird das Handlungsschema von einem Streit zwischen einer Bäuerin oder einer Hirtin und einem Ritterpoeten gebildet, der einen plötzlichen Ausbruch der Leidenschaft befriedigen will: In einigen Fällen gelingt es dem Mädchen, den aufdringlichen Höfling mit geschickten Reden loszuwerden, in anderen erreicht er, was er will, mit Versprechungen und direkter Gewalt. Manchmal kann die Pastorela einen komischen Charakter annehmen (das Mädchen ruft Dorfbewohner zu Hilfe, die mit Mistgabeln und Keulen herbeigerannt kommen und den Ritter zum schändlichen Rückzug zwingen), manchmal tragisch (der Ritter geht, das Mädchen bleibt entehrt). In einigen Fällen wird der höfische Held eliminiert (der Streit findet zwischen dem Hirten und dem Hirten statt) oder das Stück nimmt einen didaktischen Charakter an (der Dichterritter hört auf die Anweisungen des ehrwürdigen Hirten). Eine andere häufige Art von Pastorela ist die sogenannte "beschreibende Pastorela" oder "Pastorela-Szene". Der höfische Dichter fungiert hier als Beobachter, der Frühlingsfest und bäuerlichen Spaß zeichnet.

Alba

Alba (Morgendämmerung) - ein strophisches Lied, das den Abschied von Liebenden am Morgen nach einem geheimen Date darstellt; verbunden mit Hochzeitsfolklore und Hochzeitsvolksriten. Oft nimmt die Alba die Form eines Dialogs zwischen Liebenden, eines Wächtermonologs oder der Klagen eines der Liebenden an; Charakteristisch ist die Wiederholung des Wortes "alba" - Morgendämmerung. Die bekanntesten sind die Alben von Gieraut de Borneil, Bertrand von Alaman und Gauselm Faidit.

Schrei

Die Klage drückt die Trauer des Dichters über den Tod einer ihm nahestehenden Person oder eines wichtigen Herrn aus. Klagen sind voll von Lobpreisungen der Verdienste des Verstorbenen ("er war großzügig ... er brannte vor unerhörtem Mut") und Klagen. Ein unverzichtbares Attribut des Weinens ist die Erwähnung, dass die ganze Welt um den Verstorbenen trauert („der Tag scheint dunkel geworden zu sein“, „die Seele aller trauert“). Das anschaulichste Beispiel ist die Klage von Bertaran de Born.

Tenson

Tenson (Debatte) - ein Streit zwischen zwei Dichtern über ein Liebes-, literarisches oder philosophisches Thema. Gleichzeitig spricht jeder Dichter eine Strophe aus, wie in einem Live-Dialog. Auch der Name partimen (Abschnitt) kommt vor. Ein Beispiel für einen Tenson ist der Streit zwischen Girnaut de Borneil und Rambout of Orange.

Ballade

Ballade (Tanz) - ein rhythmisches Lied, das normalerweise von einem Chor begleitet wird. Speichert in Wort und Musik viele Merkmale, die seine Verbindung mit Volkstanzliedern bestätigen; Eine anonyme Ballade erwähnt direkt die "April Queen", eine traditionelle Figur volkstümlicher Frühlingsriten .

Andere Genres

Es gab auch viele andere kleinere Genres.

Zum Beispiel ist eskondidzh (Rechtfertigung) ein Lied, in dem sich der Dichter seiner Dame gegenüber rechtfertigt; Descort (Uneinigkeit) - ein Lied mit einer ungeordneten Komposition, das den verwirrten Zustand des Dichters vermittelt; Romantik ist ein lyrisch-episches Genre, das die Einstellung des Autors zu einem bestimmten Ereignis usw. demonstriert. Eine solche Fülle poetischer Genres wurde von einer strengen Regulierung ihres Themas und ihrer verbalen Form begleitet. Zwar gibt es unter Troubadouren Versuche, Genre-Stereotypen zu überwinden, neue Genres zu schaffen oder alte neu zu interpretieren. So entsteht im Gegensatz zur Alba eine Serena (Abendlied). Uc de la Baccalaria macht sich daran, ein Album „on neuer Weg“, wo er einen Fluch nicht an die Morgendämmerung schickt, die die Liebenden trennt, sondern an die Dunkelheit der Nacht, voller Einsamkeit unerwiderter Liebe; Rimbout de Vaqueiras erfindet ein Descort in fünf Dialekten, um mit einer solchen Mischung von Sprachen seinen aufgewühlten Seelenzustand auszudrücken.

Shakespeares Vorgänger. K. Marlo als Schöpfer der Tragödie der englischen Renaissance.

Das bedeutendste Phänomen unter Shakespeares Vorgängern ist sein Kollege, Dichter und Dramatiker Christopher Marlowe (1564 - 1593), im Wesentlichen der Schöpfer der englischen Tragödie der Renaissance. Der Sohn eines armen Mannes, der in Cambridge der Gnade eines zufälligen Gönners ausgeliefert war und dann des "Atheismus" verdächtigt wurde, lebte Marlo 29 Jahre lang, starb in einer Kneipenschlägerei, wurde entweder von einem Agenten der königlichen Geheimpolizei kostenlos erstochen denken, oder weil er selbst so ein Geheimagent war. Die Geschichte ist dunkel, immer noch ungelöst, wie in der Tat das Leben des echten Shakespeare.

Marlo gehörte in seiner Jugend zum Kreis des berühmten englischen Bürgers, Dichters, Marinekommandanten, Piraten und Politikers Walter Raleigh. Dort las er das Gedicht „Hero und Leander“, das ihm erstmals Berühmtheit einbrachte. Aber es waren Dramen, die ihm wirklichen Ruhm einbrachten, völlig unterschiedlich in Handlung, Charakteren und Handlungszeitpunkt, was auf die vielseitige Ausbildung ihres Autors hinweist. Alle von ihnen ("Tamerlane the Great", "The Story of Doctor Faust", "The Jew of Malta", "King Edward IV") eint ein Thema - der Impuls und die Niederlage der Wagemutigen und herausragende Persönlichkeit. Und dies, wie wir uns erinnern, Hauptthema rollende Renaissance.

Hier ist der Hauptunterschied zwischen Marlowe und Shakespeare – das unerbittliche Bewusstsein des Untergangs. Marlos Poetik ist expressiv, hyperbolisch, Texte sind oft mit komplexen Vergleichen überfrachtet.

Es war Marlo, der den Pentametervers perfektionierte, in dem auch Shakespeare schrieb. Dieser Vers erlaubte den beiden subtil und erhaben, Stimmungen, Seelenimpulse und Reflexionen, lebendige Beschreibungen und Landschaften zu vermitteln.

Marlo Christoph

(Marlow) - der berühmteste englische Dramatiker, der Shakespeare (1564-1593) vorausging. Als armer Mann, Sohn eines Schuhmachers, erhielt er seine frühe Ausbildung in Canterbury und trat im Alter von 16 Jahren in die Universität von Cambridge ein. 1583 schloss er die Universität mit einem Bachelor ab und ging nach London, um sein Glück zu suchen. Es gibt Neuigkeiten, dass er, bevor er als Dramatiker auftrat, Schauspieler war, sich aber das Bein brach und seine Bühnenkarriere für immer aufgeben musste. In London lebend lernte M. Dichter und Dramatiker kennen und war mehr oder weniger befreundet mit Greene, Chapman, Sir Walter Rayleigh und Thomas Nash, mit denen sie gemeinsam die Tragödie „Dido“ schrieben. 1587 erhielt Marlowe seinen Master of Arts in Cambridge und inszenierte seine erste Tragödie, Tamerlane. Von den beiden Richtungen der dramatischen Kunst, die seine Zeit dominierten, Klassik und Folk, wählte Marlo die letztere, um sie zu transformieren. Vor M. war Volksschauspiel ein Wechselspiel von blutigen Ereignissen und Possenreißern, in denen Clowns sogar improvisieren durften. Schon im Prolog zu „Tamerlane“ merkt man die bewusste Absicht des Autors, neue Wege für die dramatische Kunst zu ebnen, das Publikum für die Darstellung weltgeschichtlicher Ereignisse, für Bilder vom Untergang von Königreichen und Völkern zu interessieren. Außerdem war Marlo der erste, der den Versuch unternahm, die Handlung auf eine psychologische Grundlage zu stellen, sie mit inneren Motiven zu begreifen. Im Gesicht von Tamerlan brachte er den Typus eines ehrgeizigen Mannes zum Vorschein, der vor unstillbarem Machthunger brannte; Die Einheit der Tragödie liegt darin, dass alle Personen mit diesem tragischen Charakterzug des östlichen Eroberers in Verbindung gebracht werden, an ihm aufsteigen und untergehen. Die gleiche psychologische Manier hat M. auch in seinen anderen Werken beibehalten. Der Held eines anderen Dramas M., Faust (1588), der mit mittelalterlicher Wissenschaft nicht zufrieden ist, will mit Hilfe der Magie in die Geheimnisse der Natur eindringen; nicht zufrieden mit den Vorschriften der mittelalterlichen Askese, schmachtet er mit dem Durst nach Leben und seinen Freuden, die für einen Renaissance-Menschen charakteristisch sind - und für die Befriedigung dieser beiden Bestrebungen ist er bereitwillig bereit, seine Seele dem Teufel zu geben. - Das psychologische Motiv, das dem dritten Drama von Marlo, The Maltese Jew (1589-1590), zugrunde liegt, ist der Rachehunger des Juden an den Christen für all das Unrecht und die Unterdrückung, der seine Landsleute jahrhundertelang von Christen ausgesetzt waren. M.s Aufgabe war es, die allmähliche Bitterkeit und moralische Wildheit eines Menschen darzustellen, der unter dem Einfluss von Verfolgung und Ungerechtigkeit steht, die ihm widerfahren sind. Der Fehler des englischen Dramatikers besteht darin, dass der Held des Stücks die Rolle eines unerbittlichen Rächers für sein Volk nicht bis zum Ende aushält und sich im letzten Akt von Eigennutz mitreißen lässt. Marlowes reifstes Werk ist seine dramatische Chronik von Edward II., die als Vorbild für Shakespeares Richard II. diente. Und in dieser Art von Werken war er derselbe Reformer wie in anderen. Vor Eduard II. waren die Stücke der Nationalgeschichte bis auf wenige Ausnahmen nichts anderes als in die dialogische Form übertragene Chroniken. Im Gegensatz zu den Autoren dieser Werke behandelte M. seinen Stoff wie ein echter Künstler: Er nahm, was er für seine dramatischen Zwecke brauchte, verwarf das Unnötige, enträtselte die inneren Motive der Handlungen der Figuren, schuf ganze Figuren aus obskuren Andeutungen . Dank solcher Techniken, die in Marlowe einen wahren Künstler offenbarten, verwandelte sich die dramatische Chronik unter seiner Hand in ein echtes historisches Drama mit korrekten, sinnvollen inneren Motiven für die Entwicklung von Handlungen, mit dankbaren dramatischen Situationen und meisterhaft umrissenen Charakteren. Die von M. konzipierte Reform des englischen Dramas wurde durch das von ihm eingeführte Metrum, das die dramatische Diktion völlig veränderte, wesentlich erleichtert. Der Ersatz des Reims durch den Blankvers war in der Entwicklungsgeschichte des englischen Dramas von großer Bedeutung. Pflichtreim, wie im Französischen so genannte gesehen. Die pseudoklassische Tragödie behinderte die Vorstellungskraft des Dichters und zwang ihn, bei jedem Schritt den Gedanken der Form zu opfern, während der von M. eingeführte flexible und glatte fünfmetergroße weiße Jambus sofort Englisch gab. Volksschauspiel Natürlichkeit, Einfachheit und Freiheit. Brillante Schauspielkarriere M. wurde auf tragischste Weise unterbrochen. Während seines Aufenthalts in Depford, einer kleinen Stadt an der Themse, stritt er sich in einer Taverne beim Abendessen mit seinem Trinkgefährten Archer. Der hitzige M. zog seinen Dolch und stürzte auf Archer zu, der den Schlag parierte und M.s Dolch auf sein eigenes Auge richtete. Der Dichter starb wenige Stunden später unter schrecklichen Qualen. Wenn wir berücksichtigen, dass Marlowe vor seinem dreißigsten Lebensjahr starb, in einem Alter, in dem Shakespeare noch keines seiner großen Werke geschrieben hatte, dann kann man nur überrascht sein über die Kraft seines Genies, und dass er es in kurzer Zeit geschafft hat soviel zur Entwicklung des englischen Dramas. Man kann ohne Übertreibung sagen, dass er Shakespeare selbst den Weg geebnet hat.

Eine Zusammenfassung von Informationen über Malo findet sich in N. Storozhenkos Buch Shakespeare's Predecessors und in der 20. Ausgabe von Korsh and Kirpichnikovs History of Universal Literature. siehe auch Ward, "English Dramatic Literature" ( t . I, 1875); Saintsbury, „Elizabeth-Literatur“ ( L ., 1887); Symonds, „Shakspeares Vorgänger“ (1884); Ulrici, „Shakspeares Dramatische Kunst“ (1- t .); Fiscker, „Zur Charakteristik der Dramen Marlowe“ ( Lpc ., 1889); Heinemann, „Ein Essay zu einer Bibliographie von Marlowes Fauslus“ ( L ., 1884); Faligan, "De Marlowianis Fabulis" ( P ., 1888); Kellner, "Zur Sprache Christopher Marlowe" ( Wien, 1888). Werke M. mehrfach veröffentlicht; ihre beste Ausgabe gehört Days („Marlowe's Works“, L., 1850). Eduard II., im Besitz von Ms. Radislavskaya (Zeitschrift "Art" für 1885. Der Inhalt von "Maltese Gide" ist sehr detailliert und mit vielen Auszügen in Uvarovs Artikel über M. ("Russisches Wort", 1859, Nr. 2 und 3).

Ab Ende der 80er Jahre des 16. Jahrhunderts trat die Dramaturgie der englischen Renaissance in eine Zeit reifen Könnens ein. Jeder neue Autor, fast jedes neue Werk bereichert das Drama um neue Ideen und künstlerische Formen.

Dramaturgische Kreativität wird professionell. Eine Galaxie von Dramatikern mit dem Spitznamen "Universitätsköpfe" erscheint. Wie der Spitzname andeutet, handelte es sich dabei um Personen mit Hochschulbildung und höheren Abschlüssen. Sie erhielten eine klassische liberale Bildung, waren in der griechischen und römischen Literatur belesen und kannten die Schriften italienischer und französischer Humanisten. Robert Greene und Christopher Marlo erhielten ihre BA- und MA-Abschlüsse in Cambridge. John Lily, Thomas Lodge und George Peel erhielten Abschlüsse in Oxford. Nur Thomas Kidd hat die Universität nicht abgeschlossen, aber er hat an einer der besten Londoner Schulen studiert. Zu diesem Zeitpunkt war der Humanismus eine voll ausgebildete Doktrin, und sie mussten ihn nur akzeptieren.

Aber Oxford und Cambridge bereiteten ihre Studenten nur auf die priesterliche Laufbahn vor. Bestenfalls könnten sie Lehrer werden. Aber das war nicht der Grund, warum sie Plautus und Seneca, Boccaccio und lasen

Ariosto, diesen Weg zu gehen. Nachdem sie ihre Diplome erhalten hatten, eilten sie nach London. Jeder von ihnen war voller neuer Ideen und kreativer Bestrebungen. Bald begannen die Druckereien der Hauptstadt daran zu arbeiten. Aber es war schwierig, von literarischen Einnahmen zu leben. Gedichte, Romane, Broschüren brachten mehr Ruhm als Geld. Die „stürmischen Genies“ dieser Ära, die neue Wege in Literatur und Theater beschritten, lebten verhungernd am Ende von London, wurden von Wirtshausgästen und Dieben belagert, drängten sich in Gasthäusern und liefen von dort weg, wenn es nichts gab, um den Besitzer zu bezahlen . Sie kamen auch zufällig in den Salon eines edlen und wohlhabenden Gönners der Poesie, aber hier schlugen sie keine Wurzeln.

Ihre Liebe zur Kunst und die Jobsuche trieben sie ans Theater. Bei Robert Green war es zum Beispiel so. Eines Tages wanderte er ohne einen Cent in der Tasche durch die Straßen und traf einen alten Bekannten, der ihm mit seinem reichen Anzug auffiel. Neugierig, woher sein Freund so reich wurde, erfuhr Green, dass er Schauspieler geworden war. Der Schauspieler, der erfahren hatte, dass Green Gedichte schreibt, lud ihn ein, für das Theater zu schreiben.

Lily kam auf einem anderen Weg zum Schreiben von Theaterstücken. Er unterrichtete die Chorknaben in Latein. Als ein anderer Chor mit großem Erfolg Aufführungen von jungen Schauspielern aufführte, beschloss er, ein Stück zu schreiben und es mit seinen Schülern aufzuführen.

Aber egal, wie zufällig die Gründe waren, die "Universitätsgeister" zum Theater zogen, ihre Ankunft dort war im Wesentlichen natürlich. Das Theater erwies sich als beste Plattform für ihre Ideen, ein Feld, in dem sie ihr künstlerisches Talent zeigen konnten.

Die meisten "Universitätsköpfe" schrieben für das Volkstheater. Nur Lily wurde von Anfang an von der "auserwählten" höfisch-aristokratischen Öffentlichkeit geleitet.

Peru John Lily (1553 - 1606) besitzt acht Theaterstücke: "Alexander und Campaspe" (1584), "Sappho und Phaon" (1584), "Galatea" (1588), "Endymion, or Man in the Moon" (1588), " Midas" (1589 - 1590), "Mutter Bomby" (um 1590), "Metamorphosen der Liebe" (um 1590), "Frau im Mond" (um 1594).

Nicht umsonst studierte Lily antike Autoren. Er war süchtig nach alten Geschichten und Mythen. Aber seine Stücke waren keineswegs akademische Übungen in Anlehnung an antike Autoren. Lilys Dramaturgie war trotzdem ziemlich modern Griechische Namen Helden und Heldinnen. Szenen ausleihen alte Geschichte und Mythologie und stattete sie mit pastoralen Elementen im Geiste des italienischen Humanismus aus und gab in seinen Komödien eine allegorische Darstellung der höfischen Gesellschaft Elisabeths. In fast jeder seiner Komödien wird Queen Elizabeth unter dem einen oder anderen Namen als Vorbild aller Tugenden verherrlicht. Lily's Athens erinnert an London, und die arkadischen Wiesen sind englischer Natur.

In Lilys Komödien dominieren Liebesthemen, nur in „Midas“ gab es Elemente der politischen Satire auf den spanischen König Philipp II. und in „Mutter Bombie“ – Merkmale der Alltagssatire. In der Regel findet Lilys Handlung in einem bedingten Setting statt. Die Charaktere sind halb fiktiv, halb echt. Sie sprechen in einem sehr eigentümlichen weltlichen Jargon.

Lily war die Schöpferin eines besonderen Stils des „Eufus“, der seinen Namen von Lilys Roman „Euphues, or Anatomy of wit“ (1579) erhielt. Der von Lili entwickelte Sprachstil war eng mit dem ideologischen Konzept verbunden, das all seinen Arbeiten zugrunde lag.

Lily war eine Vertreterin des höfisch-aristokratischen Humanismus. Er unterstützte das bestehende System uneingeschränkt und glaubte, dass der Humanismus auf die Aufgabe beschränkt sein sollte, den idealen Gentleman zu erziehen, der mit äußerer und innerer Kultur ausgestattet ist. Ausgehend von der Abhandlung des italienischen Schriftstellers Castiglione „Der Höfling“ versuchte Lily, in Anlehnung an den Helden seines Romans Eufues, eine konkrete Verkörperung seines Ideals darzustellen. Hohe Intelligenz und Feingefühl müssen Hand in Hand gehen mit gepflegten Umgangsformen. Mit seinem Roman wollte Lily den Aristokraten der Zeit Elisabeths Beispiele für Galanterie geben, tatsächlich war sein Roman auf englischem Boden eines der frühesten Beispiele für jenen „präzisen“ Stil, der in der Folge eine so bedeutende Entwicklung erfuhr Französischer Adel Literatur XVII Jahrhundert und wurde von Molière grausam verspottet.

Charakteristische Merkmale des euphuistischen Stils: Rhetorik, eine Fülle von Metaphern und Vergleichen, Antithesen, Parallelismen, Bezüge zur antiken Mythologie. Nicht nur Lilys Roman wurde in einer ähnlichen Sprache geschrieben, sondern auch seine Theaterstücke. In Lilys Komödie Endymion spricht der Held von seiner Geliebten: „O schöne Cynthia! Warum nennen dich andere unbeständig, wenn ich dich unverändert vorfinde? Die ruinöse Zeit, bösartige Moral, unfreundliche Menschen, die die unvergleichliche Beständigkeit meiner schönen Geliebten sehen, nannten sie veränderlich, untreu Kann man jemanden labil nennen, der von Geburt an seinen eigenen Weg geht, ohne auch nur einen Augenblick die Richtung zu ändern?Knospen sind wertlos, bis sie Farbe geben, und die Farbe – bis sie reife Früchte bringt, und sollen wir sie nennen veränderbar, weil aus einem Samen ein Spross, aus einem Spross eine Knospe, aus einer Knospe eine Blüte wird?"

Der Euphuismus hatte einen bedeutenden Einfluss auf die literarische Sprache der damaligen Zeit, einschließlich der Sprache dramatischer Werke. Zu einem bestimmten Zeitpunkt spielte er eine positive Rolle und trug zur Bereicherung und Veredelung der Sprache bei. Die betonte Aristokratie und Künstlichkeit dieses Stils musste jedoch eine Reaktion derjenigen Schriftsteller hervorrufen, die sich von der lebendigen Volkssprache leiten ließen. Shakespeare, der dem Euphuismus zunächst einen gewissen Tribut zollte, diesen Stil dann immer wieder parodierte. Als Falstaff und Prinz Heinrich (Heinrich IV., Teil 1) ein Treffen zwischen dem König und dem Prinzen inszenieren, imitiert der fette Ritter, der in dieser Szene mehrere dramatische Werke der Epoche parodiert, den euphuistischen Stil wie folgt:

„Harry, ich bin nicht nur von deinem Zeitvertreib überrascht, sondern auch von der Gesellschaft, in der du lebst. Obwohl die Kamille schneller wächst, je mehr auf sie getreten wird, nutzt sich die Jugend umso schneller ab, je mehr sie missbraucht wird. Dass du mein Sohn bist , das bin ich teils überzeugt von den Versicherungen deiner Mutter, teils meine eigene Meinung, aber vor allem der verschmitzte Ausdruck in deinen Augen und das dumme Herabhängen deiner Unterlippe ... Deine Gesellschaft befleckt einen Menschen, das sage ich dir, Harry, nicht aus betrunkenen Augen, aber mit Tränen in meinen Augen, nicht scherzend, sondern trauernd, nicht nur mit Worten, sondern mit einem schmerzenden Herzen." Auch die Reden des Polonius in Hamlet sind euphuistisch. Aber hier ist es sowohl eine Parodie als auch eine Charakterisierung des Charakters: Das war der Geschmack der höfischen Umgebung.

Neben Künstlichkeit steckte in Lilys Komödien aber auch richtig lebendiger Witz. Ein Beispiel dafür ist der Dialog von Plato, Aristoteles und Diogenes in "Alexander und Campaspe", die Gespräche von Dienern in anderen Komödien. Von hier aus ist es nur noch ein Schritt zum Witz der Shakespeare-Komödien.

Lily war die Schöpferin der "hohen" Komödie. Er war der Erste, der die Komödie über die Farce hinausführte. Mit der möglichen Ausnahme von „Mother Bombie“, wo es Elemente der Farce gibt, malt er überall romantische Situationen und baut die Handlung auf dem Zusammenprall hoher Leidenschaften auf. Auch darin ist er ein direkter Vorgänger von Shakespeare. Aber die Moral, von der seine Komödien durchdrungen sind, steht in völligem Gegensatz zu Shakespeares und überhaupt zu den ethischen Grundsätzen des Volksdramas. In Lilys Komödien kommt es sehr häufig zu einem Konflikt, der dadurch entsteht, dass zwei Menschen eine Frau lieben ("Alexander und Campaspe", "Sappho und Faon", etc.). Einer von ihnen muss seine Liebe aufgeben. Lily bekennt sich zu strenger moralischer Disziplin, besteht auf der Notwendigkeit, ihre Leidenschaften zu unterdrücken, und in diesem Sinne ist ihm Puritanismus nicht fremd. Das Volksdrama kultivierte keineswegs die stoische Unterdrückung von Leidenschaften, Gefühlen und Begierden. Im Gegenteil, sein ganzes Pathos bestand darin, die Stärke und Schönheit mächtiger Leidenschaften darzustellen, die Legitimität des Rechts eines Menschen zu bekräftigen, seine Bestrebungen zu befriedigen, im Kampf der guten Prinzipien der menschlichen Natur gegen die schlechten.

Die wichtigsten Vertreter des Volksdramas vor Shakespeare waren Green, Kid und Marlo.

Robert Green (1558 - 1592) stammte aus Norwich. Er studierte an der University of Cambridge, wo er 1578 einen Bachelor- und 1583 einen Master-Abschluss erhielt. Als Junggeselle reiste er nach Spanien und Italien. Greens literarische Tätigkeit begann in Cambridge und wurde nach 1583, als er sich in London niederließ, zur Hauptquelle seines Lebensunterhalts. Acht bis neun Jahre, die Green in der Hauptstadt lebte, waren die stürmischste und fruchtbarste Zeit seines Lebens. Green schrieb in verschiedenen Genres: Poesie, Gedichte, Romane, satirische Pamphlete und Dramen. Intensive, schlecht bezahlte Arbeit, Zeiten völliger Not, in denen Green buchstäblich verhungerte, und die folgenden Monate des Wohlstands, in denen er maßlos schwelgte und sein Gehalt verschwendete – all dies untergrub seine Gesundheit. Er wurde krank und starb in einem Gasthaus, verschuldet gegenüber dem Besitzer und hinterließ nicht einmal Geld für eine Beerdigung.

Greenes erstes dramatisches Erlebnis, „Alphonse, König von Aragon“ (1587), ist ein Stück, das die außergewöhnlichen Taten und grandiosen Siege eines Helden darstellt, der die Krone und die Liebe eines schönen Mädchens gewinnt. Auch die Dramatisierung des „Zornigen Roland“ (1588) hat eine romantische Grundlage. Die Handlung von Ariostos Gedicht gab Green die Gelegenheit, die Liebe der Öffentlichkeit für helle, unterhaltsame Action zu befriedigen und Helden hervorzubringen, die mit großen Leidenschaften ausgestattet sind.

Monk Bacon und Monk Bongay (1589) spiegeln wie Marlowes Faust ein charakteristisches Phänomen dieser Zeit wider – den Wunsch, die Geheimnisse der Natur zu kennen und sie mit Hilfe der Wissenschaft zu unterwerfen. Wie Marlo trennt Green Wissenschaft nicht von Magie. Sein Held, der Mönch Bacon, ist ein Hexenmeister mit der Fähigkeit, Wunder zu wirken. Greenes Spiel ist jedoch völlig frei von dem tragischen Sinn, den Marlowes Spiel hat. In Greens Charakteren gibt es keinen Titanismus, und die gesamte Handlung erhält eine romantische Färbung. Der Prinz von Wales und sein Höfling Lacey suchen die Liebe der Tochter des Försters, der schönen Marguerite. Die Rivalität zwischen den beiden Magiern Bacon und Bongay ist gleichsam der komische Hintergrund dieser Liebesgeschichte.

Ein wesentliches Element des Stücks ist seine Verbindung zur Folklore. Seine Handlung hat ihre Wurzeln in englischen Volkslegenden über den mittelalterlichen Wissenschaftler Roger Bacon (13. Jahrhundert), der Brillen erfand und das Prinzip des Baus eines Teleskops begründete. In dem Stück besitzt er ein "magisches Glas", mit dem er weit sehen kann. Einige Szenen bauen darauf auf, dass Bacon durch dieses Glas schaut, und was er sieht, sieht das Publikum.

Monk Bacon und Monk Bongay ist eines der beliebtesten Stücke im Volkstheater. Es ist von unbestreitbarer Demokratie durchdrungen. Die Heldin des Stücks Margarita ist ein Mädchen aus dem Volk, das als Verkörperung des Ideals von Schönheit, Treue und Liebe, als Trägerin freier Gefühle fungiert. „Weder der König von England noch der Herrscher von ganz Europa“, erklärt sie, „würde mich davon abhalten, den zu lieben, den ich liebe.“

Auch die Haltung der Grünen zur Wissenschaft ist von Demokratie durchdrungen. Monk Bacon nutzt seine magische Kraft nicht für persönliche Zwecke, sondern um Menschen zu helfen. Am Ende des Stücks äußert er eine Prophezeiung über die Zukunft Englands, das, nachdem es die Schmelztiegel der Kriege durchlaufen hat, ein friedliches Leben erreichen wird:

Erst wird der Mars die Felder in Besitz nehmen, dann wird das Ende des militärischen Sturms kommen: Pferde werden ohne Angst auf den Feldern grasen, Reichtum wird an den Ufern blühen, dessen Anblick einst Brutus bewunderte, und Frieden wird vom Himmel in die Büsche herabsteigen ...

In "James IV" (1591) verwendete Green, wie andere Dramatiker dieser Zeit, die historische Handlung, um politische Probleme zu interpretieren. Green ist ein Anhänger der "aufgeklärten Monarchie". Wie später Shakespeare wirft er die Frage nach der Persönlichkeit des Königs auf, weil er glaubt, dass es davon abhängt, ob die Regierung gerecht oder ungerecht sein wird. Der schottische König Jakob IV. wird im Stück als typische Verkörperung monarchischer Willkür dargestellt. Aufgrund seiner Liebe zu Ida, der Tochter der Gräfin von Arran, befiehlt Jakob IV. auf Betreiben des verräterischen Höflings Atekin die Ermordung seiner Frau Dorothea, der Tochter des englischen Königs. Vor der Verschwörung gewarnt, versteckt sich die Königin. Die Nachricht von ihrem vermeintlichen Tod erreicht ihren Vater Heinrich VII., der mit einer Armee in Schottland einfällt. Dorothea taucht versteckt auf. James IV bereut und alles endet in Frieden.

Dieses Stück zeichnet sich wie andere Werke Greens durch die Kombination eines gesellschaftspolitischen Themas mit persönlichen Konflikten aus. Dem bösen König James steht der englische König Heinrich VII. gegenüber, der als Hüter der Gerechtigkeit und Gesetzmäßigkeit fungiert. Um den allgemeinen Geist dieses Stücks zu verstehen, ist die Episode, in der der Anwalt, der Kaufmann und der Priester ein Gespräch über die Ursachen sozialer Katastrophen führen, von großer Bedeutung. Green macht den Priester zum Sprecher der gerechtsten Ansichten. „Wie heißt so ein Orden, bei dem die Armen immer verlieren, egal wie gerecht er ist?“, ist der Priester empört, und sie werden auf Ihre Hilfe zurückgreifen, Sie werden ihnen den letzten Faden nehmen und sie lassen gehen mit ihren Kindern um die Welt. Jetzt hat der Krieg begonnen; die Beraubten sind besorgt; wir werden auch ohne Feinde beraubt; die eigenen ruinieren uns und urteilen zugleich: im Frieden hat uns das Gesetz nicht verschont, jetzt wir wird es wiederum zerstören."

Der Held des Theaterstücks „George Greene, Weckfield Field Watchman“ (1592) ist ein Mann des Volkes, ein Freigeist, der stolz darauf ist, ein Bürger zu sein, und den Adelstitel ablehnt, den der König ihm zusprechen möchte. George Green ist den Feudalherren feindlich gesinnt, er nimmt die rebellischen Herren gefangen, die sich gegen Edward III auflehnen. Die politische Ausrichtung des Stücks entsprach den Positionen der bürgerlichen Humanisten, die in der Stärkung der absolutistischen Monarchie ein Mittel sahen, den Eigenwillen der Feudalherren zu unterdrücken. Die Idee der Einheit von Volk und König im Kampf gegen die Feudalherren zieht sich durch das gesamte Stück. Solche Ansichten von Greene waren natürlich eine Illusion, die in jenem Stadium der gesellschaftlichen Entwicklung Englands entstand, als die absolute Monarchie in ihrem Kampf gegen die Feudalherren auf die Unterstützung der Bourgeoisie und des Volkes vertraute.

Wie in „The Monk Bacon“ spürt man auch in „Weckfield Field Watchman“ deutlich die Verbindung zwischen Greenes Dramaturgie und Folklore. Ganz zu schweigen von der Tatsache, dass eine der Figuren im Stück der Held der Volksballaden Robin Hood ist, das Bild von George Green wurde vom Autor auch aus Volksliedern entlehnt. Die demokratischen Sympathien des Autors spiegeln sich auch in den Bildern der Bürger von Weckfield wider, in der liebevollen Schilderung des Lebens der einfachen Leute und im volkstümlichen Humor, der einige Episoden des Stücks färbt.

Grinsen war für tragisches Pathos völlig untypisch. Seine Stücke haben in der Regel ein Happy End. Das komische Element in ihnen ist sehr bedeutsam, was Green organisch mit den Hauptlinien der Handlung verband. Green baute gerne komplexe Intrigen auf und führte parallele Aktionen an.

Diese Merkmale von Greens Dramaturgie sind fest in die Praxis des englischen Renaissance-Theaters eingedrungen.

Thomas Kidd ist eine der interessantesten und zugleich mysteriösesten Figuren der englischen Renaissance. Auch seine Geburts- und Todesdaten sind nicht genau bekannt: Es wird angenommen, dass er 1557 geboren und 1595 gestorben ist. Wir wissen nur, dass er Schreiber war, bevor er Dramatiker wurde. Einige seiner Stücke wurden ohne den Namen des Autors veröffentlicht, andere wurden nur mit Initialen gekennzeichnet. Die Hauptquelle für die Bestimmung der Urheberschaft von Kid waren die Geschäftsbücher des Theaterunternehmers Philip Genslo, der die Zahlung von Lizenzgebühren an die Autoren der Stücke vermerkte.

Laut Forschern war Kid der Autor von fünf Theaterstücken. Die zeitlich erste war die "Spanische Tragödie", deren Popularität sich daran ablesen lässt, dass sie im Laufe eines Jahrzehnts viermal erschienen ist (1. Auflage - ohne Datum, 2. - 1594, 3. - 1599, 4. - 1602). Obwohl der Name des Autors auf keiner Ausgabe angegeben ist, halten alle Forscher die Zugehörigkeit dieses Stücks zu Kid für unbestreitbar. Es wird angenommen, dass Kid den ersten Teil der Tragödie „Jeronimo“ geschrieben hat, die die Ereignisse vor der „Spanischen Tragödie“ darstellt.

Kid wird außerdem die Urheberschaft des Stücks zugeschrieben, dessen langer Titel lautet: „Die Tragödie von Soliman und Persis, in der die Beständigkeit in der Liebe dargestellt wird, die Unbeständigkeit des Schicksals und das Aushandeln des Todes.“ Mit Sicherheit kann man in Bezug auf die Tragödie „Pompeji der Große und die schöne Cornelia“ von Kid’s Autorschaft sprechen, denn sein Name ist auf dem Titelblatt angegeben. Es heißt auch, dass das Stück eine Übersetzung einer Tragödie des französischen Dichters Robert Garnier ist. Schließlich wird angenommen, dass Kyd der Autor der Prä-Shakespeare-Tragödie von Hamlet war, von der bekannt ist, dass sie 1587-1588 auf der Bühne aufgeführt wurde, obwohl ihr Text uns nicht überliefert ist.

Das bemerkenswerteste aller dieser Dramen war die "Spanische Tragödie", die den Beginn des Genres "Blutiges Drama" markierte. Es beginnt mit dem Erscheinen des Geistes von Andrea, der nach Rache für seinen Tod durch die Hände des portugiesischen Balthasar schreit. Diese Aufgabe übernimmt der Freund des Verstorbenen Horatio, der Balthasar gefangen nimmt und nach Spanien bringt. Aber hier gelingt es Balthazar, sich mit dem Sohn des Herzogs von Kastilien anzufreunden - Lorenzo. Mit seiner Hilfe wird Balthazar die Braut der verstorbenen Andrea, die schöne Belimperia, heiraten. Aber Belimperia liebt Horatio. Um den Rivalen auszuschalten, töten Balthazar und sein Freund Lorenzo Horatio. Sie hängen die Leiche des Ermordeten an einen Baum vor seinem Haus. Horatios Vater Hieronimo findet die Leiche und schwört, die Mörder zu finden, um sich an ihnen zu rächen. Mutter Horatio, von Trauer geschockt, begeht Selbstmord. Nachdem Jeronimo herausgefunden hat, wer die Ursache all seines Unglücks war, heckt er einen Racheplan aus. Er lädt die Mörder seines Sohnes ein, an der Aufführung des Stücks bei der Hochzeitsfeier anlässlich der Hochzeit von Balthasar und Belimperia teilzunehmen. Alle Hauptfiguren sind an diesem Stück beteiligt. Im Verlauf dieses Stücks muss Hieronimo Lorenzo und Balthazar töten, was er auch tut. Belimperia begeht Selbstmord, Vater Lorenzo fällt tot um und so wird Jeronimos Rache vollzogen. Als der König Hieronimos Verhaftung befiehlt, beißt er ihm die Zunge ab und spuckt sie aus, um sein Geheimnis nicht preiszugeben. Hieronimo ersticht sich dann mit einem Dolch.

"Spanische Tragödie" - das Drama um höfische Intrigen und grausame Rache - ist von beträchtlichem Interesse sowohl in seiner künstlerische Besonderheiten sowie in seiner ideologischen Ausrichtung.

Kid lehnte vorgefertigte Handlungen antiker oder mittelalterlicher Herkunft ab und erfand die Handlung seiner Tragödie, die in den 80er Jahren des 16. Jahrhunderts im heutigen Spanien spielt, selbst. Er füllt das Stück mit heftigen Leidenschaften, sich schnell entwickelnden Ereignissen und pathetischen Reden. Geschickt baut er die Handlung auf, führt gleichzeitig mehrere parallele Intrigen an und überrascht den Zuschauer mit unerwarteten Zufällen und scharfe Kurven im Schicksal der Helden. Die Charaktere sind mit scharfen, ausdrucksstarken Strichen umrissen. Temperament verbindet sich in ihnen mit Zielstrebigkeit, mit einem enormen willensstarken Druck. Er erschafft Bilder von Schurken, die der Täuschung und Grausamkeit keine Grenzen kennen. Jeronimos Rachedurst wird zu einer Besessenheit, die an Wahnsinn grenzt.

Passend zur ganzen Farbe der Tragödie und weibliche Bilder, insbesondere die Heldin des Stücks Belimperia, die den Männern an Leidenschaft, Energie und Entschlossenheit nicht nachsteht. Kinderfiguren gießen ihre Gefühle in Reden voller intensiver Emotionalität, stürmischer Ausrufe, mutiger Übertreibungen aus. Darin ähnelt Kid's Tragödie vielen anderen dramatischen Werken dieser Zeit. Aber es gibt eine Eigenschaft in der "Spanischen Tragödie", die dieses Stück von der Masse der modernen dramatischen Produktion unterscheidet. Das ist ihre außergewöhnliche Theatralik und Bühnenpräsenz. Im Gegensatz zu vielen Theaterstücken, in denen ein Großteil der Handlung hinter der Bühne stattfand, findet in Kid alles auf der Bühne statt, vor dem Publikum. Den Schematismus des literarischen, "akademischen" Dramas überwunden, belebte Kid sozusagen auf neuer Grundlage die für das Mysterientheater charakteristischen Elemente der Visualisierung und des effektvollen Spektakels. Kinderspiele schaffen ein spannendes Spektakel, die darin präsentierten Ereignisse lösen entweder Mitleid und Mitgefühl oder Angst und Schrecken aus. Während der gesamten Handlung der "Spanischen Tragödie" gibt es acht Morde und Selbstmorde, von denen jeder auf seine eigene Weise ausgeführt wird; außerdem wird dem Publikum Erhängen, Wahnsinn, Zungenabbeißen und andere schreckliche Dinge gezeigt. Die Helden von Kid hielten nicht nur Reden, sondern vollbrachten viele verschiedene Taten, und all dies erforderte für die damalige Zeit neue Schauspieltechniken, die Entwicklung von Mimik, Gestik und Bühnenbewegung. Unter den innovativen Elementen von Kid's Dramaturgie ist auch seine Einführung des "Bühne auf der Bühne" zu erwähnen - ein Mittel, das reichhaltige Bühnenmöglichkeiten enthielt und später von Shakespeare wiederholt verwendet wurde.

Die dramatischen Innovationen von Kid waren kein Selbstzweck. Sie sind untrennbar mit der ideologischen Ausrichtung seiner Arbeit verbunden. Horror und Schurkerei, die in der "Spanischen Tragödie" in Hülle und Fülle präsentiert wurden, spiegelten Kidus charakteristische tragische Wahrnehmung der Realität wider.

Der Haufen von Schrecken und Gräueltaten in dem blutigen Drama spiegelte die Ausgelassenheit des individualistischen Eigenwillens und den Zusammenbruch aller feudalen Bindungen in den Verhältnissen der entstehenden bürgerlichen Gesellschaft wider. Der Bruch mit alten moralischen Normen äußerte sich im Verlust zügelnder Prinzipien. Wut, Betrug, Verrat, Raub, Gewalt, Mord und andere ähnliche Phänomene, die in dem blutigen Drama eingefangen wurden, waren keine Erfindung von Dramatikern, sondern ein Spiegelbild der Tatsachen der Realität. Nicht ohne Grund entstand im Genre des blutigen Dramas eine beträchtliche Anzahl von Werken, die auf modernem Material und nicht auf entliehenen literarischen oder historischen Handlungen beruhten.

Die überwiegende Mehrheit der blutigen Tragödien schilderte das Leben der oberen Gesellschaftsschichten, des Hofes und des Adels. Die demokratische Ausrichtung des Genres spiegelte sich darin wider, dass blutige Dramen im Kern immer die Unmoral und Grausamkeit der High Society verurteilten.

Einen besonderen Platz unter den blutigen Dramen nimmt das Werk eines unbekannten Autors „Arden from Feversham“ (um 1590) ein. Der wesentliche Unterschied dieses Stücks zu anderen Werken dieser Gattung besteht darin, dass die Handlung darin nicht am Hof ​​und nicht im Adel stattfindet, sondern im Leben von Menschen einfachen Standes. Dies ist das erste bürgerliche Familiendrama im englischen Theater. Die Quelle seiner Handlung waren die realen Ereignisse, die 1551 stattfanden.

Das Stück zeigt die Geschichte der Ermordung des Bürgers von Arden durch seine Frau Alice und ihren Geliebten Mosby. Alice kann ihre Leidenschaften nicht zurückhalten und beschließt, ihren ungeliebten Ehemann loszuwerden, aber die Umsetzung ihres Plans stößt immer wieder auf Hindernisse, und Arden gelingt es, den Fallen auszuweichen, die ihm immer wieder aufs Neue bereitet werden.

Geschickt leitet der Dramatiker die Handlung und entfaltet vor dem Betrachter Bilder vom provinziellen und großstädtischen Leben der Mittelschicht, der Arbeiter und des Abschaums der Gesellschaft. Das dramatische Geschick, mit dem sich die Geschichte entfaltet, hat Forscher zu Spekulationen veranlasst, dass Shakespeare oder The Kid der Autor dieses anonymen Stücks gewesen sein könnte. Diese Annahmen haben jedoch keine ernsthafte Grundlage.

Der größte von Shakespeares Vorgängern war Christopher Marlowe (1564-1593). Als Sohn eines Schuhmachers aus Canterbury, der an der University of Cambridge ein volles Studium der Naturwissenschaften absolvierte, erhielt Marlow 1587 den Grad eines Master of Liberal Arts. Nachdem er sich in London niedergelassen hatte, beschäftigte er sich mit poetischen und dramatischen Aktivitäten und inszenierte Stücke für öffentliche Theater.

Während er in London lebte, schloss sich Marlowe einem Kreis von Freidenkern an, angeführt von Walter Raleigh, einer der klügsten Persönlichkeiten der englischen Renaissance; Raleigh war ein Krieger, Seefahrer, Dichter, Philosoph, Historiker. Ideologisch mit Raleigh verbunden, bekannte sich Marlo offen zum Atheismus und zu republikanischen Ansichten. Zahlreiche Denunziationen von Marlo sind erhalten, die von Agenten der Geheimpolizei eingereicht wurden. Im Fall seines freien Denkens wurde eine Untersuchung durchgeführt. Doch die Behörden verzichteten auf das übliche Gerichtsverfahren: Marlo wurde von Regierungsbeamten in einem Gasthaus in der Stadt Deptford ermordet, und dann wurde eine Version verfasst, dass die Todesursache des Dichters eine Schlägerei um ein Wirtshausmädchen sei. Tatsächlich fiel der Dramatiker, wie Forscher nun dokumentierten, dem Polizeiterror der elisabethanischen Regierung zum Opfer.

Marlos erstes Stück erschien 1587, und fünf Jahre später war er bereits tot. Trotz der kurzen Dauer seiner Tätigkeit hinterließ Marlo ein sehr bedeutendes dramatisches Erbe.

Die erste Tragödie von Marlowe schockierte seine Zeitgenossen buchstäblich. Kein einziges Werk der Szene hatte bis dahin einen solchen Erfolg wie das, das "Tamerlane" (1. Teil - 1587, 2. Teil - 1588) zufiel. Der Held der Tragödie ist ein einfacher Hirte, der zum Feldherrn wird und zahlreiche Königreiche des Ostens erobert.

Tamerlane ist eine titanische Persönlichkeit: Er strebt nach unbegrenzter Herrschaft über die Welt. Dies ist ein Mann mit großem Ehrgeiz, unermüdlichem Machthunger und unbändiger Energie. Er glaubt nicht an Schicksal und an Gott, er ist sein eigenes Schicksal und sein eigener Gott. Er ist unerschütterlich davon überzeugt, dass alles Erwünschte erreichbar ist, man muss es nur wirklich wollen und erreichen.

Der Glaube an die Kraft des Geistes und des Willens des Menschen wird von Marlo in Tamerlanes Monolog zum Ausdruck gebracht:

Wir sind aus vier Elementen erschaffen, die sich hartnäckig untereinander bekriegen. Die Natur lehrt unseren Geist zu schweben und mit einer unersättlichen Seele die wunderbare Architektur der Welt zu erkennen, den komplexen Weg der Himmelskörper zu messen und nach unendlichem Wissen zu streben ...

Nachdem Tamerlane einen seiner ersten militärischen Siege errungen hat, nimmt er die schöne Zenocrate, die Tochter des ägyptischen Sultans, gefangen. Er verliebt sich in sie mit der ganzen Kraft der Leidenschaft, die seiner Natur innewohnt. Zenocrate hat zunächst Angst vor Tamerlanes Unbezwingbarkeit, und dann, gebändigt von seiner heroischen Energie, gibt sie ihm ihr Herz. Tamerlan macht seine Eroberungen und will seiner geliebten Frau die ganze Welt zu Füßen legen. Am Ende des ersten Teils tritt Tamerlan in den Kampf mit dem Vater des ägyptischen Sultans Zenokrates. Zenocrate erlebt eine Spaltung der Gefühle zwischen der Liebe zu Tamerlane und zu seinem Vater. Tamerlan nimmt den Sultan gefangen, gibt ihm aber seine Freiheit zurück und segnet seine Ehe mit Zenocrates.

Wenn der erste Teil die Eroberung des Ostens durch Tamerlan darstellt, sehen wir im zweiten, wie Tamerlan seine Eroberungen im Westen ausbreitet. Er besiegt den ungarischen König Sigismund.

Zenocrate, der es geschafft hat, Tamerlane drei Söhne zu schenken, stirbt. Tamerlanes Trauer ist grenzenlos. Er brennt die Stadt nieder, in der Zenocrate starb. Begleitet von seinen drei Söhnen fegt Tamerlan wie ein Todeswirbel mit seinen Truppen durch alle neuen Länder, die er erobert. Er erobert Babylon und die Türkei. Hier befiehlt er, den Koran zu verbrennen. Diese Episode ist eine Herausforderung an die atheistische Marlo-Religion, es war für Zeitgenossen nicht schwer zu erraten, dass er sich auch auf die heiligen Schriften des Christentums bezieht. Tamerlane stirbt, befiehlt, neben Zenokrates begraben zu werden, und vermacht seinen Söhnen, die Eroberung neuer Länder fortzusetzen.

„Tamerlane“ von Marlo ist die Apotheose einer starken Persönlichkeit, eine Hymne an die menschliche Energie. Der Held der Tragödie verkörpert den Zeitgeist der Befreiung des Individuums von feudalen Fesseln. Tamerlane hat zweifellos Züge des bürgerlichen Individualismus. Sein höchstes Streben ist unbegrenzte Macht über die Welt und die Menschen. Er verwirft die alten moralischen Prinzipien und glaubt, dass das einzige Gesetz sein Wille ist.

Aber es gab auch eine zutiefst demokratische Grundlage im Bild von Tamerlane. Marlo wählte als Helden des Dramas einen Mann, der von ganz unten an die Spitze der Macht und Macht aufstieg. Das damalige Volkspublikum sollte beeindruckt sein von diesem Hirten, der die Könige besiegt und sie zu seinen Diensten macht. Tamerlan zwingt einen der gefangenen Könige, einen Schritt am Fuß seines Throns darzustellen, er spannt andere Könige vor einen Streitwagen und fährt darauf herum, steckt einen anderen König in einen Käfig und trägt ihn hinter sich her, um seine Macht zu demonstrieren.

Der demokratische Zuschauer applaudierte natürlich freudig diesem Spektakel von so vielen abgesetzten Königen, die von einem einfachen Hirten besiegt wurden. "Tamerlane" war eine Herausforderung an die alte Welt, ihre Herrscher. Marlo kündigte gleichsam mit seinem Stück an, was kommen würde neuer Herr Frieden; Er hat keine Titel, keine Vorfahren, aber er ist mächtig, klug, energisch, und vor seinem Willen werden Throne und Altäre zu Staub zerfallen. Das war im Wesentlichen die Idee des Stücks, und das war sein Pathos, das die Zeitgenossen so sehr fesselte.

Dieselbe Herausforderung enthielt " tragische Geschichte„Doktor Faust“ (1588 - 1589). Auch hier ist der Held eine titanische Persönlichkeit. Wollte Tamerlan aber durch militärische Heldentaten die uneingeschränkte Macht über die Welt erlangen, so strebt Faust dasselbe Ziel durch Wissen an. Die Handlung dem deutschen Volk entlehnend Buch über den Hexenmeister Dr. Faust schuf Marlo ein typisches Renaissance-Werk, das das wichtigste Merkmal dieser Ära widerspiegelte – die Entstehung einer neuen Wissenschaft.

Faust lehnt die mittelalterliche Scholastik und Theologie ab, die machtlos sind, die Natur zu begreifen und ihre Gesetze zu entdecken; sie binden nur die Person. Die Revolte gegen die mittelalterliche Theologie und die Ablehnung der Religion verkörpert sich in dem Bündnis, das Faust mit dem Teufel eingeht. Der gottlose und atheistische Marlo macht hier seinem Religionshass freien Lauf. Sein Held findet in der Gemeinschaft mit dem Teufel – Mephistopheles – mehr Nutzen für sich als im Gehorsam gegenüber religiösen Dogmen.

In Marlowes Tragödie spürt man einen starken Erkenntnisdrang, ein leidenschaftliches Verlangen, die Natur zu erobern und sie den Menschen dienen zu lassen. Im Faust ist dieser Wunsch nach Erkenntnis verkörpert. Die Suchenden nach neuen Wegen in der Wissenschaft waren mutige Menschen, die sich heldenhaft gegen mittelalterliche religiöse Vorurteile auflehnten, mutig die Kirchenverfolgung und die Verfolgung von Obskurantisten ertrugen, die ihr Leben aufs Spiel setzten, um ihr großes Ziel zu erreichen.

Solch ein heldenhafter Mensch ist Faust, der sich sogar bereit erklärt, seine Seele an den Teufel zu verkaufen, um die Geheimnisse der Natur zu meistern und sie zu erobern. Faust komponiert eine begeisterte Hymne an die Erkenntnis:

Oh, was für eine Welt, eine Welt der Weisheit und des Nutzens, Ehre, Allmacht und Macht Steht denen offen, die sich der Wissenschaft hingegeben haben! Alles, was zwischen den stillen Polen liegt, Ist Mir untertan.

Wissen ist für Faust kein Selbstzweck. Es ist für ihn dasselbe Mittel, die ganze Welt für sich zu erobern, was für Tamerlane sein Schwert war. Die Wissenschaft sollte ihm Reichtum und Macht verleihen.

Es gibt jedoch einen Unterschied zwischen Faust und Tamerlane. Tamerlane ist eine ganze Person. Er kennt keine Zweifel und Zögern. Das Stück über ihn ist in der Tat keine Tragödie, sondern eher ein Heldendrama, denn von Anfang bis Ende sieht der Zuschauer die soliden Triumphe des Helden. Faust ist anders. Hier spüren wir von Anfang an die Dualität des Helden. Er hat zwei Seelen. Faust sehnt sich nach zwar kurzfristiger, aber dennoch realer Macht über die Welt und ist bereit, dafür seine „unsterbliche“ Seele zu opfern. Aber auch die Angst lebt in ihm, die Angst um diese seine „Seele“, die am Ende für die Verletzung der ewigen Ordnung der Dinge büßen muss.

Am Ende der Tragödie ist Faust bereit, auf sich selbst zu verzichten, „seine Bücher zu verbrennen“. Was ist das - die Anerkennung des Autors der Niederlage seines Helden? Absage an den Wunsch nach grenzenloser Freiheit und Macht über die Welt, Versöhnung mit allem, worauf Faust zunächst verzichtete?

Es sollte nicht vergessen werden, dass Marlowe bei der Schaffung der Tragödie auf seine Quelle angewiesen war und den Lauf der Ereignisse in der Legende von Faust verfolgen musste. Außerdem musste Marlowe mit der vorherrschenden Sichtweise rechnen und hätte das Stück nicht inszenieren können, wenn Faust nicht für den Verzicht auf die Religion bestraft worden wäre. Aber neben diesen äußeren Umständen, die ihre Rolle spielten, gab es auch einen inneren Grund, der Marlo veranlasste, ein solches Ende der Tragödie zu schreiben. Faust spiegelt die Dualität jenes Ideals eines freien Menschen wider, nach dem Marlowe strebte. Sein Held ist ein starker Mann, der sich von der Macht Gottes und dem Feudalstaat befreit hat, aber er ist auch ein Egozentriker, der soziale Institutionen und moralische Gesetze mit Füßen tritt.

"Faust" ist die tragischste von Marlowes Schöpfungen, weil sie die Sackgasse offenbart, in die ein Mensch gerät, der alle moralischen Normen in seinem Streben nach Freiheit ablehnt.

„Der maltesische Jude“ (1592) markiert eine neue Etappe in der Entwicklung von Marlos Weltanschauung. Anders als in den ersten beiden Dramen, die das Individuum verherrlichten, kritisiert Marlo hier den Individualismus.

Die Tragödie spielt sich auf Malta ab. Als der türkische Sultan von den Malteserrittern Tribut fordert, findet der Ordenskommandant einen einfachen Ausweg. Er nimmt Geld von den auf der Insel lebenden Juden und zahlt die Türken aus. Diese Willkür ärgert den wohlhabenden Juden Barabas, der sich weigert, Geld zu geben und es in seinem Haus versteckt. Dann berauben sie ihn seines Eigentums und verwandeln sein Haus in ein Nonnenkloster. Um das dort versteckte Geld zu sparen, zwingt Barabas seine Tochter, ihren Übertritt zum Christentum zu erklären und Nonne zu werden. Aber anstatt ihrem Vater zu helfen, wird Abigail, die Tochter von Barabas, eine aufrichtige Christin. Dann vergiftet Barabas sie. Malta wird derweil von den Türken belagert. Barabas geht an ihre Seite und hilft ihnen, die Festung einzunehmen. Als Belohnung dafür ernennen ihn die Türken zum Statthalter und geben ihm die verhassten Ritter in die Hände. Barabas will die Statthalterschaft behalten, erkennt aber, dass er dafür die Unterstützung der Einwohner braucht, bietet den gefangenen Rittern die Freiheit und verspricht, die Türken zu vernichten, unter der Bedingung, dass die Ritter dann die Verwaltung der Insel in seinen Händen lassen und Zahlen Sie ihm hunderttausend Pfund. Barabas richtet eine Luke ein, unter die er einen Kessel mit kochendem Harz stellt. In diese Luke sollen die von ihm eingeladenen türkischen Militärführer fallen. Aber der ehemalige Gouverneur der Insel, der sich der Sache verschrieben hat, sorgt dafür, dass Barabas in die Luke fällt, die in kochendem Teer brennt.

Nach dem Bild von Barabas brandmarkte Marlo als Humanist die Habsucht und Gier der Bourgeoisie. Marlowe war der erste, der den räuberischen bürgerlichen Typus im englischen Renaissance-Drama schuf.

Wenn in den ersten beiden seiner Stücke Reichtum von Marlo als eines der Mittel zur Befriedigung menschlicher Bedürfnisse dargestellt wurde, zeigt der Dramatiker in The Maltese Jew die nachteilige Wirkung von Gold auf den Charakter, wenn Reichtum zum Zweck wird. Das Bild von Barabas verkörpert die typischen Züge der Bourgeoisie der Ära der primitiven Kapitalakkumulation. Er gründete sein Vermögen durch Wucher. Jetzt ist er Kaufmann und schickt seine Schiffe mit Waren um verschiedene Länder. Er verwandelt seinen Erlös in Schmuck. Mit der Leidenschaft eines Schatzsuchers, der vor Freude erstickt, spricht er von seinen Schätzen:

Taschen aus Opal, Saphir und Amethyst, Topas, Smaragd und Hyazinthe, Rubin, funkelnde Diamanten, Edelsteine, groß, und jeder wiegt viele Karat. Für sie werde ich im Notfall die großen Könige aus der Gefangenschaft erlösen können, - Darin besteht mein Reichtum Und das ist, glaube ich, nötig, um Einkünfte aus Handel umzuwandeln; Ihr Preis wird ständig steigen, und in einer kleinen Schachtel werden Sie unendlich viele Schätze aufbewahren.

Alle Natur, so Barabas, sollte dem Zweck dienen, den Reichtum zu mehren, in dem er das höchste Gut sieht, denn, wie er sagt: "Menschen werden nur nach Reichtum geschätzt." Was Gewissen und Ehre betrifft, hat Barabas seine eigene Meinung zu dieser Angelegenheit:

Diese Unglücklichen, die ein Gewissen haben, sind dazu verdammt, für immer in Armut zu leben.

Als sein Eigentum von Barabas beschlagnahmt wird, spricht er daher verzweifelt einen Monolog voller Leidenschaft aus:

Ich habe alles Gold verloren, alle Reichtümer! Oh Himmel, habe ich das verdient? Warum habt ihr beschlossen, Sterne, Mich in Verzweiflung und Armut zu stürzen?

Nachdem er Gouverneur geworden ist, versucht Barabas, Macht zu seinem Vorteil zu nutzen; zugleich bringt er ein typisch bürgerliches Machtverständnis zum Ausdruck:

Ich werde die durch Verrat gewonnene Macht mit fester Hand bewahren. Ohne Gewinn werde ich mich nicht von ihr trennen. Wer Macht hat und sich weder Freunde noch Säcke voll Gold anschafft, ist wie ein Esel in Äsops Fabel: Er warf das Gepäck mit Brot und Wein ab Und fing an, getrocknete Disteln zu nagen.

Der Atheist Marlo verurteilte den grausamen Raubzug von Barabas und versäumte es dennoch nicht, Worte in den Mund zu legen, die die heuchlerische Religion der Christen entlarvten:

Die Früchte ihres Glaubens, die ich kenne, sind: Täuschung und Bosheit, Stolz über alle Maßen, - Und das ist nicht mit ihren Lehren vereinbar.

Barabas ist dagegen positiver Charakter Herrscher von Malta Farnese. In seinen Reden hören wir die Verurteilung des Wuchers und anderer Methoden der bürgerlichen Akkumulation. Als Barabas die ihm vom Herrscher auferlegte Geldabgabe einen Diebstahl nennt, wendet Farnese ein:

Nein, wir nehmen Ihnen Ihren Reichtum weg, um viele Menschen damit zu retten. Zum Wohle aller lass einen leiden, Als alle anderen für einen erdulden.

So stellt Marlo das Prinzip des Gemeinwohls dem Individualismus entgegen.

„Der Jude von Malta“ Marlo nähert sich in punkto gesellschaftlicher Tiefe dem „Kaufmann von Venedig“ und „Timon von Athen“ von Shakespeare.

"Edward II" (1593) ist eine historische Chronik voller politischer Inhalte. Edward II. ist ein willensschwacher, verwöhnter König, ein Sklave seiner Leidenschaften, Launen, Launen. Macht dient ihm nur als Mittel zur Befriedigung seiner eigenen Launen. Er ist willensschwach und weich im Körper und gehorcht seinen Dienern, insbesondere einem von ihnen, Gaveston, dessen unverschämtes Verhalten allgemeine Empörung hervorruft.

Dem schwachen König steht der energische und ehrgeizige Mortimer gegenüber, der eine Rebellion erhebt, um die Macht in seine eigenen Hände zu nehmen. Er gibt vor, der Hüter des gemeinsamen Interesses zu sein. Im Grunde sieht er in der Macht nur die Befriedigung seines Egoismus. Nachdem er den König durch Tötung eliminiert hat und de facto zum Herrscher des Landes geworden ist, verursacht er auch Unzufriedenheit mit seiner Herrschaft und wird Opfer einer edlen Rebellion.

"Edward II" ist ein antimonarchistisches und antiadliges Stück. Marlo leugnet die Göttlichkeit königlicher Macht und zeichnet ein Bild eines Staates, in dem Willkür und Gewalt herrschen. Dieses Stück setzt die Kritik am Individualismus fort, die in The Maltese Jew stattfand. Edwards Schwäche und Mortimers Stärke stehen sich gegenüber wie zwei Seiten des Egoismus. Der epikureische Edward und der ehrgeizige Mortimer sind nur zwei Seiten des Individualismus.

Das Massaker von Paris (1593) hat als Handlung die Ereignisse der Bartholomäusnacht. Marlo zeigt hier die Folgen religiöser Intoleranz auf und nutzt dies für seine beständige Religionskritik. Letztes Stück Marlo – „Die Tragödie der Dido, Königin von Karthago“ (1593) – blieb unvollendet. Geschrieben von Thomas Nash.

Marlowes Dramaturgie ist eine der bedeutendsten Entwicklungen in der Entwicklung des englischen Renaissance-Dramas. Von allen Vorgängern Shakespeares war er der begabteste. Ein früher Tod unterbrach seine Tätigkeit in ihrer Blütezeit, aber was Marlowe gelang, bereicherte das Theater seiner Zeit.

In den Tragödien drückte Marlo das Pathos aus, eine Persönlichkeit zu behaupten, die von mittelalterlichen feudalen Bindungen und Beschränkungen befreit war. Die Verherrlichung der Macht des Menschen, sein Streben nach Wissen und Macht über die Welt, die Ablehnung von Religion und patriarchalischer Moral verbinden sich in Marlowes Helden mit der Verleugnung jeglicher ethischer Grundlagen. Der Individualismus seiner mächtigen Helden trug anarchistischen Charakter.

Ausgehend von der Idee der Persönlichkeitsbekräftigung in Tamerlane kommt Marlo bereits in Faust zu einem partiellen Verständnis der Widersprüche des Individualismus, dessen Kritik zum Hauptmotiv von The Maltese Jew wird. Gleichzeitig sollte man natürlich auch die unterschiedlichen Ziele der Helden berücksichtigen: Für Tamerlane - das ist Macht, für Faust - Wissen, für Barabas - Reichtum. Faust sticht daher als Held mit wahrhaft positivem Anspruch bei all seinem Individualismus hervor. Obwohl es in Marlos Stücken Versuche gibt, positive Charaktere zu schaffen (Zenocrates in Tamerlane, Farnese in The Maltese Jew), schuf Marlo dennoch keine Bilder, die seinen individualistischen Helden ideologisch und künstlerisch vollständig widerstehen konnten. Daher die Widersprüchlichkeit und gewisse Einseitigkeit, die für Marlowes Dramaturgie charakteristisch sind. Die Aufgabe, titanische Charaktere mit positiven sozialen Ambitionen zu schaffen, wurde von Shakespeare ausgeführt, der Marlo ersetzte, der seinem Vorgänger viel zu verdanken hat.

Marlo leistete einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung des Dramas und hob seine künstlerische Form auf eine große Höhe. Er gab Beispiele für eine perfektere Konstruktion der dramatischen Handlung, der er eine innere Einheit verlieh, indem er die Entwicklung der Handlung um die Persönlichkeit und das Schicksal der Hauptfigur herum aufbaute. In seinem Werk erfährt auch der Begriff des Tragischen eine tiefere Entfaltung. Vor Marlowe wurde das Tragische äußerlich als Bild aller Arten von Schurkerei verstanden, das Angst und Schrecken auslöst. Marlo selbst stand auf dieser Position und schuf "Tamerlane" und "Maltese Jew". Marlowes „Faust“ übertrifft diese beiden Dramen an einem tieferen Verständnis des Tragischen, das sich hier weniger im Äußeren als im Inneren der Heldenseele ausdrückt, die im Finale des Stückes kulminiert. Das Bild des Faust, in Übereinstimmung mit Aristoteles' Verständnis des Tragischen, weckt Angst und Mitgefühl. Gleichzeitig sollte beachtet werden, dass sich Marlowes Realismus von Stück zu Stück vertiefte und in Edward II. die größte psychologische Wahrheit erreichte.

Das Verdienst von Marlo war auch die Einführung von Blankversen in das Drama. Weiße Verse hatten die Freiheit, die notwendig war, um den Reden der Charaktere Natürlichkeit zu verleihen. Von allen Vorgängern Shakespeares war Marlowe der begabteste Dichter. Sein Stil war pathetisch, kühne Vergleiche, lebhafte Metaphern, eine Fülle von Übertreibungen und der beste Weg entsprach den Gefühlen der titanischen Helden von Marlo. Die Energie und große emotionale Kraft von Marlowes dramatischer Rede gab Ben Jonson anschließend allen Grund, von Marlowes „kraftvollen Versen“ zu sprechen.

William Shakespeare (1564-1616) - der große englische Dichter und Dramatiker, ist einer der beste schriftsteller Welt, der Nationaldichter Englands. Shakespeares Werke wurden in alle wichtigen Sprachen der Welt übersetzt und haben im Vergleich zu allen anderen Dramatikern die größte Anzahl von Theaterproduktionen.

Geburt und Familie

William wurde 1564 in der kleinen Stadt Stratford-upon-Avon geboren. Sein Geburtsdatum ist nicht genau bekannt, es gibt nur Aufzeichnungen über die Taufe des Babys, die am 26. April stattfand. Da Babys damals am dritten Tag nach der Geburt getauft wurden, geht man davon aus, dass der Dichter am 23. April geboren wurde.

Der Vater des zukünftigen Genies, John Shakespeare (1530-1601), war ein wohlhabender Stadtbewohner, der im Fleisch-, Woll- und Getreidehandel tätig war, ein Handschuhhandwerk hatte und sich später für Politik interessierte. Er wurde oft in bedeutende Positionen der Gesellschaft gewählt: 1565 als Schöffe (Mitglied der Gemeindeversammlung), 1568 als Bürge (Bürgermeister der Stadt). In Stratford hatte mein Vater viele Häuser, sodass die Familie alles andere als arm war. Der Vater ging nie zum Gottesdienst in die Kirche, dafür wurden ihm erhebliche Geldstrafen auferlegt, es wird angenommen, dass er sich heimlich zum Katholizismus bekannte.

Die Mutter des Dichters, Mary Arden (1537-1608), stammte von der ältesten ab Noble Familie Sachsen. William war das dritte von acht Kindern der Shakespeare-Familie.

Studien

Der kleine Shakespeare besuchte das örtliche "Gymnasium", wo er Rhetorik, Latein und Grammatik studierte. Kinder im Original lernten die Werke berühmter antiker Denker und Dichter kennen: Seneca, Virgil, Cicero, Horace, Ovid. Diese frühe Studie über die besten Köpfe hinterließ einen Eindruck in Williams späterer Arbeit.

Die Provinzstadt Stratford war klein, alle Leute dort kannten sich vom Sehen, kommunizierten unabhängig von der Klasse. Shakespeare spielte mit den Kindern gewöhnlicher Bürger und lernte ihr Leben kennen. Er lernte Folklore und kopierte anschließend viele der Helden seiner Werke von den Einwohnern von Stratford. In seinen Stücken treten schlaue Diener auf, hochmütige Edelleute, einfache Leute, leidend unter den Rahmenbedingungen der Konventionen, zeichnete er all diese Bilder aus Kindheitserinnerungen.

Jugend

Shakespeare war sehr fleißig, zumal ihn das Leben zwang, früh mit der Arbeit zu beginnen. Als William 16 Jahre alt war, geriet sein Vater in seinen Handelsangelegenheiten völlig durcheinander, ging bankrott und konnte seine Familie nicht ernähren. Der zukünftige Dichter versuchte sich als ländlicher Lehrer und Lehrling in einer Metzgerei. Schon damals zeigte sich seine kreative Natur, bevor er das Tier schlachtete, hielt er eine feierliche Rede.

Als Shakespeare 18 Jahre alt war, heiratete er die 26-jährige Anne Hathaway. Anns Vater war ein ortsansässiger Gutsbesitzer, das Mädchen erwartete zum Zeitpunkt der Heirat ein Kind. 1583 gebar Ann ein Mädchen, Susan, 1585 tauchten Zwillinge in der Familie auf – ein Mädchen, Judith, und ein Junge, Hemnet (starb im Alter von 11 Jahren).

Drei Jahre nach der Heirat ging die Familie nach London, weil William sich vor dem örtlichen Landbesitzer Thomas Lucy verstecken musste. Damals galt es als besondere Tapferkeit, ein Reh auf dem Anwesen eines reichen Mannes zu erlegen. Genau das tat Shakespeare, und Thomas begann seine Verfolgung.

Schaffung

In der englischen Hauptstadt bekam Shakespeare einen Job im Theater. Zunächst kümmerte er sich um die Pferde der Theaterbesucher. Dann wurde er mit „Stopfstücken“ betraut, im modernen Sinne war er Umschreiber, das heißt, er überarbeitete alte Werke für neue Aufführungen. Er versuchte, auf der Bühne zu spielen, aber der berühmte Schauspieler kam nicht aus ihm heraus.

Im Laufe der Zeit wurde William eine Stelle als Theaterautor angeboten. Seine Komödien und Tragödien wurden von den Servants of the Lord Chamberlain aufgeführt, die eine der führenden Positionen unter den Theatergruppen in London einnahmen. 1594 wurde Wilhelm Miteigentümer dieser Truppe. 1603, nach dem Tod von Queen Elizabeth, wurde die Gruppe in „Servants of the King“ umbenannt.

1599 bauten William und seine Partner am Südufer der Themse ein neues Theater namens Globe. Auf 1608 datiert der Erwerb des geschlossenen Blackfriars Theatre zurück. Shakespeare wurde ein ziemlich wohlhabender Mann und kaufte das Haus am New Place, in seiner Heimatstadt Stratford war dieses Gebäude das zweitgrößte.

Von 1589 bis 1613 komponierte William den Großteil seiner Werke. Seine frühe Arbeit besteht hauptsächlich aus Chroniken und Komödien:

• "Ende gut alles gut";
• „Die lustigen Weiber von Windsor“;
• "Komödie der Fehler";
• "Viel Lärm um nichts";
• "Der Kaufmann von Venedig";
• "Zwölfte Nacht";
• "Ein Traum in einer Sommernacht";
• "Der Widerspenstigen Zähmung".

Später begann für den Dramatiker eine Zeit der Tragödien:

• "Romeo und Julia";
• "Julius Caesar";
• "Weiler";
• "Othello";
• "König Lear";
• „Antonius und Kleopatra“.

Insgesamt schrieb Shakespeare 4 Gedichte, 3 Grabinschriften, 154 Sonette und 38 Theaterstücke.

Tod und Vermächtnis

Ab 1613 schrieb William nicht mehr, und seine letzten drei Werke entstanden in einer kreativen Allianz mit einem anderen Autor.

Der Dichter vermachte seinen Besitz seiner ältesten Tochter Susan und nach ihr den direkten Erben. Susan heiratete 1607 John Hall, sie hatten ein Mädchen, Elizabeth, die dann zweimal heiratete, aber beide Ehen waren kinderlos.

Shakespeares jüngste Tochter Judith heiratete kurz nach dem Tod ihres Vaters den Winzer Thomas Quiney. Sie hatten drei Kinder, aber sie starben alle, bevor sie Familien gründen und Erben gebären konnten.

Das gesamte kreative Erbe des großen Dramatikers ging an dankbare Nachkommen. Es gibt eine große Anzahl von Denkmälern, Denkmälern und Statuen, die William auf der Welt gewidmet sind. Er selbst ist in der Church of the Holy Trinity in Stratford begraben.

Shakespeare ist in Stratford-upon-Avon geboren und aufgewachsen. Mit 18 heiratete er Anne Hathaway, mit der er drei Kinder hatte: eine Tochter, Suzanne, und die Zwillinge Hemnet und Judith. Shakespeares Karriere begann zwischen 1585 und 1592, als er nach London zog. Er wurde bald ein erfolgreicher Schauspieler, Dramatiker und Mitinhaber einer Theatergruppe namens Lord Chamberlain's Servants, später bekannt als The King's Servants. Um 1613 kehrte er im Alter von 49 Jahren nach Stratford zurück, wo er drei Jahre später starb. Es sind nur wenige historische Beweise für Shakespeares Leben erhalten, und Theorien über sein Leben werden auf der Grundlage offizieller Dokumente und Zeugnisse von Zeitgenossen erstellt, sodass Fragen zu seinem Aussehen und seinen religiösen Überzeugungen in der wissenschaftlichen Gemeinschaft immer noch diskutiert werden, und es gibt auch einen Punkt der Ansicht, dass die ihm zugeschriebenen Werke von wem geschaffen wurden - etwas anderes; Es ist in der Kultur beliebt, obwohl es von der überwiegenden Mehrheit der Shakespeare-Gelehrten abgelehnt wird.

Die meisten Werke Shakespeares wurden zwischen 1589 und 1613 geschrieben. Seine frühen Stücke waren meist Komödien und Chroniken, in denen Shakespeare brillierte. Dann begann eine Zeit der Tragödien in seiner Arbeit, einschließlich Werken "Weiler", "König Lear", "Othello" und "Macbeth" die zu den besten in englischer Sprache zählen. Am Ende seiner Arbeit schrieb Shakespeare mehrere Tragikomödien und arbeitete auch mit anderen Schriftstellern zusammen.

Viele von Shakespeares Stücken wurden zu seinen Lebzeiten veröffentlicht. 1623 veröffentlichten zwei von Shakespeares Freunden, John Heming und Henry Condell, das First Folio, eine Sammlung von Shakespeares Stücken bis auf zwei, die derzeit im Kanon enthalten sind. Später wurden mehrere weitere Stücke (oder ihre Fragmente) von verschiedenen Forschern mit unterschiedlichem Beweisgrad Shakespeare zugeschrieben.

Schon zu seinen Lebzeiten erhielt Shakespeare lobenswerte Kritiken für sein Werk, wirklich populär wurde er aber erst im 19. Jahrhundert. Vor allem Vertreter der Romantik und des Viktorianischen Zeitalters verneigten sich so sehr vor Shakespeare, dass Bernard Shaw es „Bardolatry“ nannte, was auf Englisch „Bardenverehrung“ bedeutet. Shakespeares Werke sind bis heute beliebt und werden ständig unter Berücksichtigung politischer und kultureller Bedingungen studiert und neu gedacht.

Biografie

William Shakespeare wurde 1564 in Stratford-upon-Avon (Warwickshire) geboren, am 26. April getauft, das genaue Geburtsdatum ist unbekannt. Die Tradition legt seine Geburt auf den 23. April: Dieses Datum fällt mit dem genau bekannten Tag seines Todes zusammen. Außerdem wird am 23. April der Tag von St. George, dem Schutzpatron Englands, gefeiert, und an diesem Tag könnte die Legende konkret mit der Geburt des größten Nationaldichters zusammenfallen. Aus dem Englischen wird der Nachname "Shakespeare" mit "mit einem Speer atemberaubend" übersetzt.

Sein Vater, John Shakespeare (1530-1601), war ein wohlhabender Handwerker (Handschuhmacher), der oft in verschiedene bedeutende öffentliche Ämter gewählt wurde. 1565 war John Shakespeare Alderman und 1568 Gerichtsvollzieher (Vorsitzender des Stadtrates). Er besuchte keine Gottesdienste, wofür er hohe Geldstrafen zahlte (es ist möglich, dass er ein heimlicher Katholik war).

Shakespeares Mutter, geborene Mary Arden (1537-1608), gehörte einer der ältesten sächsischen Familien an. Insgesamt hatte das Paar 8 Kinder, William wurde als drittes geboren.

Shakespeare soll an der Stratford Grammar School studiert haben. Gymnasium), wo er sich gute Lateinkenntnisse aneignen sollte: Der Stratforder Latein- und Literaturlehrer schrieb Gedichte auf Latein. Einige Gelehrte behaupten, dass Shakespeare die Schule von König Edward VI. besuchte. in Stratford-upon-Avon, wo er die Werke von Dichtern wie Ovid und Plautus studierte, aber die Schulzeitschriften sind nicht erhalten, und jetzt kann nichts mit Sicherheit gesagt werden.

1582 heiratete er im Alter von 18 Jahren Anne Hathaway, die Tochter eines örtlichen Landbesitzers, die 8 Jahre älter war als er. Zum Zeitpunkt der Hochzeit war Ann schwanger. 1583 bekam das Paar eine Tochter, Susan (getauft am 23. Mai), 1585 Zwillinge: Sohn Hemnet, der im August 1596 im Alter von 11 Jahren starb, und Tochter Judith (getauft am 2. Februar).

Über weitere (innerhalb von sieben Jahren) Ereignisse in Shakespeares Leben gibt es nur Vermutungen. Die erste Erwähnung einer Londoner Theaterkarriere stammt aus dem Jahr 1592, und die Zeit zwischen 1585 und 1592 wird von Forschern als Shakespeares „verlorene Jahre“ bezeichnet. Versuche von Biographen, etwas über Shakespeares Handlungen in dieser Zeit zu erfahren, haben zu vielen apokryphen Geschichten geführt. Nicholas Rowe, Shakespeares erster Biograf, glaubte, dass Shakespeare Stratford verließ, um der Strafverfolgung wegen Wilderei auf dem Anwesen des örtlichen Gutsherrn Thomas Lucy zu entgehen. Es wird auch angenommen, dass Shakespeare sich an Lucy rächte, indem er ihm mehrere obszöne Balladen schrieb. Einer anderen Version des 18. Jahrhunderts zufolge begann Shakespeare seine Theaterkarriere, indem er sich um die Pferde der Londoner Theatermäzene kümmerte. John Aubrey schrieb, dass Shakespeare ein Schullehrer war. Einige Gelehrte des 20. Jahrhunderts glaubten, dass Shakespeare der Lehrer von Alexander Nogton aus Lancashire war, da dieser katholische Landbesitzer einen gewissen „William Shakeshaft“ hatte. Diese Theorie hat wenig andere Grundlage als die Gerüchte, die nach Shakespeares Tod kursierten, und außerdem ist "Shakeshaft" ein ziemlich gebräuchlicher Nachname in Lancashire.

Es ist nicht genau bekannt, wann Shakespeare begann, Theaterstücke zu schreiben und auch nach London zog, aber die ersten uns überlieferten Quellen, die davon sprechen, stammen aus dem Jahr 1592. In diesem Jahr erwähnt das Tagebuch des Unternehmers Philip Henslow Shakespeares historische Chronik „Henry VI“, die im Rose Theatre in Henslow gezeigt wurde. Im selben Jahr erschien posthum ein Pamphlet des Dramatikers und Prosaautors Robert Greene, in dem dieser Shakespeare mit Häme angriff, ohne seinen Nachnamen zu nennen, sie aber ironisch schlug – „scene shaker“ (shake-scene), paraphrasierend a Zeile aus dem dritten Teil von „Heinrich VI.“ „Oh, das Herz eines Tigers im Fell dieser Frau! als „das Herz eines Tigers im Fell eines Heuchlers“. Gelehrte sind sich über die genaue Bedeutung dieser Worte nicht einig, aber es ist allgemein anerkannt, dass Greene Shakespeare beschuldigt hat, versucht zu haben, es mit hochgebildeten Schriftstellern ("Universitätsköpfen") wie Christopher Marlowe, Thomas Nash und Greene selbst aufzunehmen.

Biographen glauben, dass Shakespeares Karriere seit Mitte der 1580er Jahre hätte beginnen können. Ab 1594 wurden Shakespeares Stücke nur noch von der Lord Chamberlain's Servants Company aufgeführt. Zu dieser Truppe gehörte Shakespeare, der Ende desselben Jahres 1594 Miteigentümer wurde. Die Truppe wurde bald zu einer der führenden Theatergruppen in London. Nach dem Tod von Königin Elizabeth im Jahr 1603 erhielt die Truppe vom neuen Herrscher James I. ein königliches Patent und wurde als "Diener des Königs" bekannt.

1599 baute eine Partnerschaft von Mitgliedern der Gruppe am Südufer der Themse ein neues Theater namens Globe. 1608 kauften sie auch das geschlossene Blackfriars Theatre. Berichte über Shakespeares Immobilienkäufe und -investitionen zeigen, dass die Truppe ihn zu einem wohlhabenden Mann machte. 1597 kaufte er das zweitgrößte Haus in Stratford, New Place.

Einige von Shakespeares Stücken wurden 1594 von In-quarto veröffentlicht. 1598 tauchte sein Name erstmals auf den Titelseiten von Veröffentlichungen auf. Aber auch nachdem Shakespeare als Dramatiker berühmt wurde, spielte er weiterhin in Theatern. In der Ausgabe von Ben Jonsons Werken von 1616 ist Shakespeares Name in der Liste der Schauspieler enthalten, die die Stücke aufführten. „Jeder hat seine Macken“(1598) und "Der Fall des Sejanus"(1603). Sein Name stand jedoch nicht auf der Liste der Schauspieler in Johnsons Stück. "Volpone" 1605, das von einigen Gelehrten als Ende von Shakespeares Karriere in London angesehen wird. Trotzdem wird Shakespeare im Ersten Folio von 1623 als „der Hauptdarsteller in all diesen Stücken“ bezeichnet, und einige von ihnen wurden erst danach aufgeführt "Volpone", obwohl nicht sicher bekannt ist, welche Rolle Shakespeare darin gespielt hat. 1610 schrieb John Davies, dass „guter Wille“ „königliche“ Rollen spielte. 1709 schrieb Rowe in seinem Werk die damals schon etablierte Meinung nieder, Shakespeare spiele den Schatten von Hamlets Vater. Später wurde auch behauptet, er spiele die Rolle des Adam in "Wie du es magst" und Hora rein „Heinrich V.“, obwohl Wissenschaftler die Zuverlässigkeit dieser Informationen bezweifeln.

Shakespeare lebte während seiner Zeit als Schauspieler und Dramatiker in London, verbrachte aber auch einen Teil seiner Zeit in Stratford. 1596, ein Jahr nach dem Kauf von New Place, residierte er in St. Helena's in Bishopgate auf der Nordseite der Themse. Nach dem Bau des Globe Theatre im Jahr 1599 zog Shakespeare auf die andere Seite des Flusses – nach Southwark, wo sich das Theater befand. 1604 zog er erneut über den Fluss, diesmal in das Gebiet nördlich der St. Paul's Cathedral, wo es eine große Anzahl guter Häuser gab. Er mietete Zimmer bei einem französischen Hugenotten namens Christopher Mountjoy, einem Hersteller von Damenperücken und Kopfbedeckungen.

Letzte Jahre und Tod

Es gibt eine traditionelle Ansicht, dass Shakespeare einige Jahre vor seinem Tod nach Stratford gezogen ist. Rowe war der erste Shakespeare-Biograph, der eine solche Meinung äußerte. Ein Grund dafür mag sein, dass Londons öffentliche Theater wegen Pestepidemien immer wieder geschlossen wurden und die Schauspieler nicht genug zu tun hatten. Ein vollständiger Ruhestand war damals selten, und Shakespeare besuchte weiterhin London. 1612 war Shakespeare Zeuge in dem Fall Bellot gegen Mountjoy, ein Rechtsstreit um die Mitgift von Mountjoys Tochter Mary. Im März 1613 kaufte er ein Haus in der ehemaligen Gemeinde Blackfriar; im November 1614 verbrachte er mehrere Wochen bei seinem Schwager John Hall.

Nach 1606-1607 schrieb Shakespeare nur noch wenige Stücke, und nach 1613 hörte er ganz auf, sie zu schreiben. Er schrieb seine letzten drei Stücke mit einem anderen Dramatiker, möglicherweise John Fletcher, der Shakespeare als Chef-Dramatiker der King's Men nachfolgte.

Alle erhaltenen Unterschriften von Shakespeare auf Dokumenten (1612-1613) zeichnen sich durch eine sehr schlechte Handschrift aus, aufgrund derer einige Forscher glauben, dass er zu dieser Zeit schwer krank war.

Shakespeare starb am 23. April 1616. Traditionell wird angenommen, dass er an seinem Geburtstag starb, aber es ist nicht sicher, dass Shakespeare am 23. April geboren wurde. Shakespeare wurde von einer Witwe, Anne (gest. 1623), und zwei Töchtern überlebt. Susan Shakespeare war seit 1607 mit John Hall verheiratet, und Judith Shakespeare heiratete zwei Monate nach Shakespeares Tod den Winzer Thomas Quiney.

In seinem Testament hinterließ Shakespeare den größten Teil seiner Immobilien seiner ältesten Tochter Susan. Nach ihr sollte es von ihren direkten Nachkommen geerbt werden. Judith hatte drei Kinder, die alle unverheiratet starben. Susan hatte eine Tochter, Elizabeth, die zweimal heiratete, aber 1670 kinderlos starb. Sie war die letzte direkte Nachfahrin Shakespeares. In Shakespeares Testament wird seine Frau nur kurz erwähnt, sie sollte aber bereits ein Drittel des Vermögens ihres Mannes erhalten. Darin hieß es jedoch, dass er ihr „mein zweitbestes Bett“ hinterließ, eine Tatsache, die zu vielen unterschiedlichen Spekulationen Anlass gab. Einige Gelehrte betrachten dies als Beleidigung für Ann, während andere argumentieren, dass das zweitbeste Bett das Ehebett ist und daher nichts Anstößiges daran ist.

Drei Tage später wurde Shakespeares Leichnam in der St. Dreieinigkeit. Auf seinem Grabstein steht ein Epitaph:

Guter Freund, um Himmels willen,
Um den dvst beiliegenden Hörer zu graben.
Blast sei ihr Mann, ihr verschont die Steine,
Und vielleicht bewegt er meine Knochen.

Freund, um des Herrn willen, schwärme nicht
Bleibt von diesem Land eingenommen;
Unberührt seit Jahrhunderten gesegnet
Und verflucht - wer meine Asche berührt hat.
(Übersetzt von A. Velichansky)

Irgendwann vor 1623 wurde in der Kirche eine bemalte Büste von Shakespeare aufgestellt, die ihn beim Schreiben zeigt. Grabinschriften in Englisch und Latein vergleichen Shakespeare mit dem weisen Pylos-König Nestor, Sokrates und Virgil.

Es gibt viele Shakespeare-Statuen auf der ganzen Welt, darunter Grabdenkmäler in der Southwark Cathedral und der Poets' Corner in der Westminster Abbey.

Schaffung

Shakespeares literarisches Erbe ist in zwei ungleiche Teile geteilt: poetisch (Gedichte und Sonette) und dramatisch. V. G. Belinsky schrieb: „Es wäre zu kühn und seltsam, Shakespeare als eigentlichen Dichter einen entscheidenden Vorteil gegenüber allen Dichtern der Menschheit zu verschaffen, aber als Dramatiker steht er jetzt ohne einen Rivalen da, dessen Name neben seinem Namen stehen könnte .“

Die Frage der Periodisierung

Forscher von Shakespeares Werk (dänischer Literaturkritiker G. Brandes, Herausgeber der russischen Gesamtwerke von Shakespeare S. A. Vengerov) stellten Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts, basierend auf der Chronologie der Werke, seine spirituelle Entwicklung von a "heitere Stimmung", Glaube an den Triumph der Gerechtigkeit, humanistische Ideale am Anfang des Weges zur Enttäuschung und Zerstörung aller Illusionen am Ende. In den letzten Jahren wurde jedoch die Meinung vertreten, dass der Schluss auf die Persönlichkeit des Autors aufgrund seiner Werke ein Fehler ist.

1930, Shakespeare-Gelehrter E. K. Chambers. schlug eine Chronologie von Shakespeares Werk nach Genre vor, die später von J. McManway korrigiert wurde. Es gab vier Perioden: die erste (1590-1594) - früh: Chroniken, Renaissance-Komödien, "Tragödie des Grauens" ("Titus Andronicus"), zwei Gedichte; die zweite (1594-1600) - Renaissance-Komödien, die erste reife Tragödie ("Romeo und Julia"), Chroniken mit Elementen der Tragödie, antike Tragödie ("Julius Caesar"), Sonette; der dritte (1601-1608) - große Tragödien, alte Tragödien, "dunkle Komödien"; das vierte (1609-1613) - Märchendramen mit einem tragischen Anfang und einem glücklichen Ende. Einige der Shakespeare-Gelehrten, darunter A. A. Smirnov, kombinierten die erste und zweite Periode zu einer frühen Periode.

Dramaturgie

Die meisten Dramatiker dieser Zeit haben ihre Werke zusammen mit anderen Autoren geschrieben, und Kritiker glauben, dass Shakespeare einige seiner Stücke auch zusammen mit anderen Autoren geschrieben hat. dies gilt vor allem für Früh- und Spätwerke. Für einige Arbeiten wie z "Titus Andronicus" und frühe Geschichtsstücke, es wurde nicht festgestellt, dass sie definitiv gemeinsam geschrieben wurden, während für "Zwei edle Verwandte" und das verlorene Spiel "Cardenio" dies ist dokumentiert. Aus den Texten gewonnene Daten deuten auch darauf hin, dass einige Werke von anderen Autoren in Bezug auf den Originaltext überarbeitet wurden.

Einige von Shakespeares frühesten Werken "Richard III" und drei Teile „Heinrich VI.“, geschrieben in den frühen 1590er Jahren, einer Zeit, als historische Dramen in Mode waren. Shakespeares Stücke sind schwer zu datieren, aber Textwissenschaftler vermuten dies "Titus Andronicus", "Komödie der Fehler", "Der Widerspenstigen Zähmung" und "Zwei Verona" beziehen sich auch auf den Beginn von Shakespeares Karriere. Seine ersten Chroniken, höchstwahrscheinlich basierend auf der Ausgabe von 1587 "Chroniken von England, Schottland und Irland" Raphael Holinshed, stellte die zerstörerischen Folgen der Herrschaft schwacher und korrupter Herrscher dar und diente in gewissem Maße dazu, die Entstehung der Tudor-Dynastie zu rechtfertigen. Shakespeares frühe Stücke wurden von der Arbeit anderer elisabethanischer Dramatiker beeinflusst, insbesondere von Thomas Kyd und Christopher Marlowe, der Tradition des mittelalterlichen Dramas und dem Stück von Seneca. "Komödie der Fehler" ebenfalls nach klassischem Vorbild gebaut, dafür wurden keine Quellen gefunden "Der Widerspenstigen Zähmung", obwohl es mit einem anderen ähnlich betitelten Stück verwandt ist, das in den 1590er Jahren in Londoner Theatern gespielt wurde und möglicherweise folkloristische Wurzeln hat.

Mitte der 1590er Jahre wechselte Shakespeare von spöttischen und lächerlichen Komödien zu romantischen Werken. "Ein Traum in einer Sommernacht" ist eine witzige Mischung aus Romantik, Märchenzauber und Low-Society-Leben. In Shakespeares nächster, ebenfalls romantischer Komödie "Der Kaufmann von Venedig" enthält ein Porträt des rachsüchtigen jüdischen Geldverleihers Shylock, das die rassistischen Vorurteile der Engländer der elisabethanischen Ära widerspiegelt. witziges Spiel "Viel Lärm um nichts", die das Leben in der Provinz wunderschön darstellt "Wie du es magst" und von Freude beseelt "Zwölfte Nacht (Spiel)" ergänzen eine Reihe von Shakespeares Komödien. Nach der Lyrik "Richard II", fast vollständig in Versen geschrieben, führte Shakespeare die Prosakomödie in seine Chroniken ein "Heinrich IV. Teil 1" und 2 , und „Heinrich V.“. Seine Charaktere werden komplexer und sanfter, er wechselt sehr geschickt zwischen komischen und ernsten Szenen, Prosa und Poesie, so dass sein reifes Werk erzählerische Vielfalt erreicht. Diese Zeit begann und endete mit Tragödien: "Romeo und Julia", berühmte Geschichte Liebe und Tod eines Mädchens und eines Jungen, und "Julius Caesar" basierend auf "Vergleichende Leben" Plutarch.

Im frühen 17. Jahrhundert schrieb Shakespeare mehrere sogenannte "Problemstücke": "Maß für Maß", "Troilus und Cressida" und , sowie eine Reihe der berühmtesten Tragödien. Viele Kritiker glauben, dass die Tragödien dieser Zeit den Höhepunkt von Shakespeares Werk darstellen. Hamlet, die Titelfigur einer der berühmtesten Tragödien Shakespeares, ist vielleicht die am besten recherchierte Figur des Dramatikers; das gilt besonders für den berühmten Monolog, der mit „Sein oder Nichtsein, das ist die Frage“ beginnt. Anders als der introvertierte Hamlet, der zögernde Held, leiden die Helden der nachfolgenden Tragödien, König Lear und Othello, unter übereilten Entscheidungen. Oft baut Shakespeares Tragödie auf den Unzulänglichkeiten oder tödlichen Taten der Helden auf, die ihn und seine Lieben zerstören. BEI "Othello" der Bösewicht Jago bringt die Eifersucht der Titelfigur auf den Punkt und tötet seine unschuldige Frau. BEI "König Lear" Der alte König begeht den fatalen Fehler, seine Machtrechte aufzugeben, was zu schrecklichen Ereignissen wie der Ermordung von Lears jüngster Tochter Cordelia führt. BEI "Macbeth", Shakespeares kürzester und prägnantester Tragödie, treiben unbändige Ambitionen Macbeth und seine Frau Lady Macbeth dazu, den rechtmäßigen König zu töten und den Thron an sich zu reißen, und werden schließlich durch die Erkenntnis ihrer Schuld zerstört. In diesem Stück fügt Shakespeare der tragischen Struktur ein Element des Übernatürlichen hinzu. Seine letzten großen Tragödien „Antonius und Kleopatra“ und "Coriolanus", werden von einigen Kritikern als einige seiner besten Gedichte angesehen.

In der letzten Phase seines Schaffens wandte sich Shakespeare dem Genre der Romanze oder Tragikomödie zu und vollendete drei große Stücke: "Kymbeline", "Wintergeschichte" und "Sturm", und auch, zusammen mit einem anderen Dramatiker, ein Theaterstück "Perikles". Die Werke dieser Zeit sind weniger düster als die Tragödien, die ihnen vorangegangen sind, aber ernster als die Komödien der 1590er Jahre, aber sie enden mit Versöhnung und Befreiung von Schwierigkeiten. Einige Forscher glauben, dass diese Veränderungen von einer veränderten Sicht auf Shakespeares Leben herrührten, die entspannter wurde, aber vielleicht spiegelten die Stücke einfach die Theatermode dieser Zeit wider. Zwei weitere erhaltene Stücke von Shakespeare wurden von ihm in Zusammenarbeit geschrieben, möglicherweise mit John Fletcher: "Heinrich der Achte" und "Zwei edle Verwandte".

Lebenslange Produktionen

Für welche Theatergruppen Shakespeare seine frühen Stücke geschrieben hat, ist noch nicht genau bekannt. Also auf der Titelseite der Publikation "Tita Andronicus" 1594 wird angegeben, dass das Stück von drei verschiedenen Gruppen aufgeführt wurde. Nach der Pest von 1592-1593 wurden Shakespeares Stücke bereits von seiner eigenen Kompanie im Theater und am Vorhang aufgeführt. in Shoreditch nördlich der Themse. Da war der erste Teil „Heinrich IV.“. Nach einem Streit mit ihrem Besitzer verließ die Gesellschaft das Theater und baute auf der Südseite der Themse in Southwark das Globe Theatre, das erste Theater, das von Schauspielern für Schauspieler gebaut wurde. Das Globe wurde im Herbst 1599 eröffnet und war eines der ersten Theaterstücke, die dort aufgeführt wurden "Julius Caesar". Die meisten von Shakespeares berühmtesten Stücken, die nach 1599 geschrieben wurden, wurden für den Globe geschrieben, darunter "Weiler", "Othello" und "König Lear".

Shakespeares Truppe, The Lord Chamberlain's Servants, hatte eine besondere Beziehung zu König James I., besonders nachdem sie 1603 in The King's Servants umbenannt wurde. Obwohl die Produktionsaufzeichnungen verstreut sind, gibt es zwischen dem 1. November 1604 und dem 31. Oktober 1605 7 Produktionen von Shakespeares Stücken am Hof, darunter zwei Produktionen "Kaufmann von Venedig". Nach 1608 traten sie im Winter im Blackfriars Indoor Theatre auf und arbeiteten im Sommer im Globe. Gute Räumlichkeiten, kombiniert mit königlicher Schirmherrschaft, ermöglichten es Shakespeare, komplexere Geräte in die Requisiten seiner Stücke einzuführen. Zum Beispiel im "Kymbeline" Jupiter steigt herab "mit Donner und Blitz, auf einem Adler sitzend: Er wirft Blitze. Geister fallen auf die Knie."

Shakespeares Truppe bestand aus solchen Berühmte Schauspieler wie Richard Burbage, William Kemp, Neri Condell und John Heminges. Burbage war der Hauptdarsteller in vielen von Shakespeares Stücken, darunter "Richard III", "Weiler", "Othello" und "König Lear". Der beliebte Comic-Schauspieler William Kemp spielte unter anderem Pietro "Romeo und Julia" und Hartriegel hinein "Viel Lärm um nichts". An der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert wurde er von Robert Armin abgelöst, der Rollen wie Touchstone spielte "Wie du es magst" und Narr aus "König Lear". 1613 berichtete Henry Wotton, dass das Stück aufgeführt worden sei. "Heinrich der Achte". Am 29. Juni, während der Aufführung dieser Aufführung, zündete die Kanone fehl und setzte das Strohdach des Gebäudes in Brand, so dass das gesamte Theater abbrannte. Diese Tatsache erlaubt es uns, den Zeitpunkt der Entstehung des Stücks mit ziemlicher Genauigkeit festzustellen.

Erste Veröffentlichungen

Es wird geschätzt, dass die Hälfte (18) von Shakespeares Stücken zu Lebzeiten des Dramatikers auf die eine oder andere Weise veröffentlicht wurde. Das Folio von 1623 (das sogenannte „First Folio“), herausgegeben von Edward Blount und William Jaggard als Teil der sogenannten „Chester Collection“, gilt als wichtigste Veröffentlichung von Shakespeares Erbe; Drucker Worrall und Col. Diese Ausgabe enthält 36 Shakespeare-Stücke – alle außer „Pericles“ und „Two Noble Kinsmen“. Es ist diese Ausgabe, die der gesamten Forschung auf dem Gebiet von Shakespeare zugrunde liegt.

Dieses Projekt wurde durch die Bemühungen von John Heminge und Henry Condell, Shakespeares Freunden und Kollegen, ermöglicht. Dem Buch geht eine Botschaft an die Leser im Namen von Heminge und Condell sowie eine poetische Widmung an Shakespeare von dem Dramatiker Ben Jonson voran, der auch zur Veröffentlichung des ersten Folios beigetragen hat.

In den Jahren 1593 und 1594, als die Theater wegen der Pest geschlossen waren, schrieb Shakespeare zwei erotische Gedichte, "Venus und Adonis" und "Entehrte Lucretia". Diese Gedichte wurden Henry Risley, Earl of Southampton, gewidmet. BEI "Venus und Adonis" der unschuldige Adonis weist die sexuellen Avancen der Venus zurück; während in "Entehrte Lucretia" die tugendhafte Frau von Lucretia wird von Tarquinius vergewaltigt. Unter dem Einfluss Metamorphose Ovid, die Gedichte zeigen Schuld und die schrecklichen Folgen unkontrollierter Liebe. Beide Gedichte waren beliebt und wurden zu Shakespeares Lebzeiten mehrmals nachgedruckt. Drittes Gedicht, "Liebesklage", in dem sich ein Mädchen über einen verführerischen Betrüger beschwert, wurde in der Erstausgabe gedruckt Sonette 1609. Die meisten Wissenschaftler akzeptieren das mittlerweile "Liebesklage" geschrieben von Shakespeare. In einem Gedicht „Phönix und Taube“, gedruckt 1601 in der Sammlung von Robert Chester "Märtyrer der Liebe", erzählt vom traurigen Tod des mythologischen Phönix und seiner Geliebten, der treuen Taube. 1599 zwei Sonette von Shakespeare im Auftrag von Shakespeare, jedoch ohne seine Zustimmung "Leidenschaftlicher Pilger".

Ein Sonett ist ein Gedicht aus 14 Zeilen. In Shakespeares Sonetten wird der folgende Reim übernommen: abab cdcd efef gg, das heißt, drei Vierzeiler für Kreuzreime und ein Couplet (ein Typ, der vom Dichter Earl of Surrey eingeführt wurde, der unter Heinrich VIII. hingerichtet wurde).

Insgesamt schrieb Shakespeare 154 Sonette, die meisten davon entstanden in den Jahren 1592-1599. Sie wurden erstmals 1609 ohne Wissen des Autors gedruckt. Zwei davon wurden bereits 1599 in der Sammlung The Passionate Pilgrim veröffentlicht. Das sind Sonette 138 und 144 .

Der gesamte Zyklus der Sonette ist in einzelne thematische Gruppen unterteilt:

• Sonette einem Freund gewidmet: 1 -126
• Einen Freund singen: 1 -26
• Freundschaftsversuche: 27 -99
• Die Bitterkeit der Trennung: 27 -32
• Erste Enttäuschung bei einem Freund: 33 -42
• Sehnsucht und Ängste: 43 -55
• Wachsende Entfremdung und Melancholie: 56 -75
• Rivalität und Eifersucht gegenüber anderen Dichtern: 76 -96
• "Winter" der Trennung: 97 -99
• Feier der erneuerten Freundschaft: 100 -126
• Sonette, die einem dunklen Liebhaber gewidmet sind: 127 -152
• Fazit - die Freude und Schönheit der Liebe: 153 -154

Sonett 126 verstößt gegen den Kanon - er hat nur 12 Zeilen und ein anderes Reimmuster. Manchmal wird es als Abschnitt zwischen zwei bedingten Teilen des Zyklus betrachtet - Sonette, die der Freundschaft gewidmet sind (1-126) und an die "dunkle Dame" gerichtet sind (127-154). Sonett 145 in jambischem Tetrameter statt Pentameter geschrieben und unterscheidet sich im Stil von den anderen; manchmal wird es der Frühzeit zugeschrieben und seine Heldin wird mit Shakespeares Frau Anna Hathaway identifiziert (deren Nachname, vielleicht als Wortspiel „hate away“, im Sonett vorkommt).

Stil

Die Sprache von Shakespeares ersten Stücken ist die Sprache, die den Stücken dieser Zeit gemeinsam ist. Diese stilisierte Sprache erlaubt es dem Dramatiker nicht immer, seine Figuren zu enthüllen. Poesie ist oft mit komplexen Metaphern und Sätzen überladen, und die Sprache eignet sich eher zum Rezitieren des Textes als zum Live-Schauspiel. Zum Beispiel feierliche Reden "Tita Andronicus", laut einigen Kritikern, verlangsamt oft die Aktion; Zeichensprache "Zwei Veroner" wirkt unnatürlich.

Bald jedoch beginnt Shakespeare, den traditionellen Stil für seine eigenen Zwecke zu adaptieren. Erster Monolog ab "Richard III" geht zurück auf die Selbstgespräche von Vice, einer traditionellen Figur des mittelalterlichen Dramas. Gleichzeitig entwickelten sich Richards lebhafte Monologe später zu den Monologen von Shakespeares späteren Stücken. Alle Stücke markieren den Übergang vom traditionellen Stil zum Neuen. Während seiner späteren Karriere kombinierte Shakespeare sie, und eines der erfolgreichsten Beispiele für das Mischen von Stilen ist "Romeo und Julia". Bis Mitte der 1590er Jahre, der Zeit der Schöpfung "Romeo und Julia", "Richard II" und "Ein Sommernachtstraum", Shakespeares Stil wird natürlicher. Metaphern und bildliche Ausdrücke entsprechen zunehmend den Erfordernissen des Dramas.

Die von Shakespeare verwendete poetische Standardform ist der leere Vers, der in jambischen Pentametern geschrieben ist. Die Blankverse der frühen und späteren Stücke unterscheiden sich erheblich. Der frühe ist oft schön, aber in der Regel endet entweder der ganze Satz oder sein semantischer Teil am Zeilenende, was Monotonie erzeugt. Nachdem Shakespeare den traditionellen weißen Vers gemeistert hatte, begann er, ihn zu ändern, indem er den Satz am Ende der Zeile brach. Die Verwendung dieser Technik verleiht Poesie Kraft und Flexibilität in Stücken wie z "Julius Caesar" und "Weiler". Zum Beispiel verwendet Shakespeare es, um die Gefühle eines schockierten Hamlet zu vermitteln:

Sir, in meinem Herzen gab es eine Art Kampf

Das ließ mich nicht schlafen. Dachte ich liege

Schlimmer als die Meutereien in den Bilboes. Voreilig-

Und gelobt wäre die Unbesonnenheit dafür – lassen Sie es uns wissen

Unsere Indiskretion tut uns manchmal gut …

Es gab einen Kampf in meiner Seele

meinen Schlaf stören; Ich musste lügen

Schwerer als der Sträfling. Plötzlich, -

Lob der Überraschung: uns Leichtsinn

Manchmal hilft es dort, wo es stirbt

Tiefe Absicht ...

"Weiler", Akt 5, Szene 2, 4-8. Übersetzt von T. Shchepkina-Kupernik.

Im nächsten "Weiler" In den Stücken variierte der poetische Stil weiterhin, insbesondere in den emotionalen Passagen seiner späteren Tragödien. Literaturkritiker Bradley. beschrieb den Stil als "konzentrierter, schneller, abwechslungsreicher, mit weniger Wiederholungen". Gegen Ende seiner Karriere wandte Shakespeare viele Methoden an, um ähnliche Effekte zu erzielen. Er verwendete Techniken wie Enjambement, unstrukturierte Pausen und Stopps sowie verschiedene ungewöhnliche Variationen in Satzkonstruktion und -länge. In vielen Fällen muss sich der Zuhörer selbst den Sinn des Satzes ausdenken. In spätromantischen Stücken werden lange und kurze Sätze einander gegenübergestellt, Subjekt und Objekt der Handlung vertauscht, Worte weggelassen, was ein Gefühl von Spontaneität erzeugt.

Shakespeare verband poetische Kunst mit einem Verständnis für praktische Details Theateraufführung. Wie alle damaligen Dramatiker dramatisierte er Geschichten aus Quellen wie Plutarch und Holinshead. Aber die ursprüngliche Quelle blieb nicht unverändert; Shakespeare führte neue ein und veränderte alte Handlungsstränge, sodass dem Publikum die ganze Vielseitigkeit der Geschichte offenbart wurde. Mit dem Wachstum von Shakespeares Fähigkeiten begannen seine Charaktere klarer hervorzutreten und charakteristische sprachliche Merkmale anzunehmen. Seine späteren Stücke erinnern jedoch eher an seine früheren Kreationen. Später rein romantische Werke er kehrte bewusst zu einem künstlichen Stil zurück, um die illusorische Natur des Theaters zu betonen.

Beeinflussen

Die Werke Shakespeares haben das Theater und die Literatur der folgenden Jahre nachhaltig beeinflusst. Insbesondere erweiterte er den Umfang der Arbeit des Dramatikers um Charakterisierung, Handlung, Sprache und Genre. Zum Beispiel vorher "Romeo und Julia" Romantik wurde nie als würdiges Thema für Tragödien angesehen. Monologe wurden hauptsächlich verwendet, um die Zuschauer über die stattgefundenen Ereignisse zu informieren; Shakespeare begann, sie zu verwenden, um die Natur der Figur und ihre Gedanken zu enthüllen. Seine Arbeit beeinflusste nachfolgende Dichter stark. Die Dichter der Romantik versuchten, Shakespeares Versdrama wiederzubeleben, hatten aber wenig Erfolg. Der Kritiker George Steiner nannte alle englischen Dramen von Coleridge bis Tennyson „schwache Variationen von Shakespeare-Themen“.

Shakespeare beeinflusste Schriftsteller wie Thomas Hardy, William Faulkner und Charles Dickens. Sein Einfluss erstreckte sich auch auf Herman Melville; sein Kapitän Ahab aus dem Roman "Moby-Dick" ist ein klassischer tragischer Held, inspiriert von König Lear. Wissenschaftler schätzen, dass 20.000 Musikalische Werke mit den Werken von Shakespeare verbunden. Darunter sind 2 Opern von Giuseppe Verdi, "Othello" und "Falstaff", in deren Hauptquelle sich die gleichnamigen Stücke befinden. Shakespeare inspirierte auch zahlreiche Künstler, darunter Romantiker und Präraffaeliten. Der Schweizer Künstler Henry Fuseli, ein Freund von William Blake, übersetzte das Stück sogar ins Deutsche. "Macbeth". Der Entwickler der Theorie der Psychoanalyse, Sigmund Freud, stützte sich in seinen Theorien über die menschliche Natur auf die Shakespearesche Psychologie, insbesondere auf das Hamlet-Bild.

Zu Shakespeares Zeiten waren die englische Grammatik, Rechtschreibung und Aussprache weniger standardisiert als heute, und seine Sprache trug dazu bei, das moderne Englisch zu formen. Er ist der meistzitierte Autor von Samuel Johnson in "Ein Wörterbuch der englischen Sprache", das erste Werk dieser Art. Ausdrücke wie "mit angehaltenem Atem" (wörtlich mit angehaltenem Atem = mit schlagendem Herzen) ( "Der Kaufmann von Venedig") und "eine ausgemachte Sache" (wörtlich eine ausgemachte Sache) ( "Othello") sind Teil der modernen englischen Alltagssprache geworden.

Ruf und Kritik

"Er war ein Mann nicht einer Ära, sondern aller Zeiten." - Ben Johnson

Obwohl Shakespeare zu seinen Lebzeiten nicht als großer Dramatiker galt, erhielt er lobenswerte Kritiken für seine Werke.

1598 hob ihn der geistliche Schriftsteller Francis Meurice unter den englischen Schriftstellern als „den hervorragendsten“ sowohl in der Komödie als auch in der Tragödie hervor. Und die Autoren des Playbooks "Parnass" verglich Shakespeare mit Chaucer, Gower und Spencer. Im ersten Folio nannte Ben Jonson Shakespeare: „Die Seele des Zeitalters, des Applaus würdig, des Entzückens, des Wunders unserer Bühne.“

In der Zeit zwischen der Wiederherstellung der Monarchie 1660 und dem Ende des 17. Jahrhunderts dominierten die Ideen des Klassizismus. Daher stuften die damaligen Kritiker Shakespeare überwiegend niedriger ein als John Fletcher und Ben Jonson. Thomas Riemer zum Beispiel verurteilte Shakespeare dafür, das Komische mit dem Tragischen zu vermischen. Der Dichter und Kritiker John Dryden schätzte Shakespeare jedoch sehr und sagte über Johnson: "Ich bewundere ihn, aber ich liebe Shakespeare." Doch über mehrere Jahrzehnte dominierten Riemers Ansichten, aber im 18. Jahrhundert begannen Kritiker, ihn zu bewundern und ihn als Genie zu bezeichnen. Dieser Ruf wurde nur durch eine Reihe von Veröffentlichungen gestärkt wissenschaftliche Arbeiten, die dem Werk von Shakespeare gewidmet ist, wie dem Werk von Samuel Johnson im Jahr 1765 und Edmond Malone im Jahr 1790. Um 1800 war er als Nationaldichter Englands fest etabliert. Im XVIII. und XIX Jahrhunderte Shakespeare erhielt auch außerhalb der britischen Inseln einen Namen. Er wurde von Schriftstellern wie Voltaire, Goethe, Stendhal und Victor Hugo unterstützt.

Während der Romantik wurde Shakespeare vom Dichter und Literaturphilosophen Samuel Taylor Coleridge gelobt; der Kritiker August Wilhelm Schlegel übersetzte seine Stücke im Geiste der deutschen Romantik ins Deutsche. Im 19. Jahrhundert grenzte die Bewunderung für Shakespeare oft an Anbetung und Schmeichelei. „Dieser König Shakespeare“, schrieb der Essayist Thomas Carlyle 1840, „ist über uns allen, der edelste, sanfteste und doch starkste; unzerstörbar." Bernard Shaw kritisierte jedoch den romantischen Shakespeare-Kult mit dem Wort „Bardo-Anbetung“ (engl. Bardolatrie). Er argumentierte, dass Ibsens naturalistisches Drama Shakespeare obsolet machte.

Der russische Schriftsteller Lev Nikolaevich Tolstoy in seinem kritischen Essay „On Shakespeare and Drama“ basiert auf einer detaillierten Analyse einiger der beliebtesten Werke von Shakespeare, insbesondere: „King Lear“, „Othello“, „Falstaff“, „Hamlet“ , etc. - scharfe Kritik an Shakespeares Fähigkeiten als Dramatiker ausgesetzt.

Nach der modernistischen Kunstrevolution zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde Shakespeare in die Reihen der Avantgarde aufgenommen. Deutsche Expressionisten und Moskauer Futuristen inszenierten seine Stücke. Der marxistische Dramatiker und Regisseur Bertolt Brecht entwickelte unter dem Einfluss Shakespeares das epische Theater. Der Dichter und Kritiker T. S. Eliot griff Shaw an und sagte, dass Shakespeares „Primitivismus“ seine Werke modern mache. Eliot führte die Forscherbewegung an, Shakespeares Bilder genauer zu untersuchen. In den 1950er Jahren löste eine Welle neuer Kampagnen die Moderne ab und markierte den Beginn der „postmodernen“ Shakespeare-Studien. In den 1980er Jahren wurde Shakespeares Werk von Vertretern solcher Bewegungen wie Strukturalismus, Feminismus, Neuer Historismus, Afroamerikanistik und Queer Studies untersucht.

Zweifel an Shakespeares Identität

"Shakespeare-Frage"

Etwa 230 Jahre nach Shakespeares Tod begannen Zweifel an der Urheberschaft der ihm zugeschriebenen Werke geäußert zu werden. Alternative Kandidaten wurden vorgeschlagen, meist gut geboren und gebildet, wie Francis Bacon, Christopher Marlowe und Edward de Vere, 17. Earl of Oxford. Es wurden auch Theorien aufgestellt, wonach sich hinter dem Pseudonym „Shakespeare“ eine Gruppe von Schriftstellern verstecke. Die traditionelle Theorie wird jedoch in der akademischen Gemeinschaft allgemein akzeptiert, und das Interesse an der nicht-strafordschen Strömung, insbesondere an der Oxfordschen Theorie, hält bis ins 21. Jahrhundert an.

Die Nestrafordianer glauben, dass einer der Beweise für ihre Theorie darin besteht, dass es keine Beweise für Shakespeares Bildung gibt, während der Wortschatz seiner Werke nach verschiedenen Schätzungen zwischen 17.500 und 29.000 Wörtern liegt und sie auch ein tiefes Wissen über Geschichte und Geschichte zeigen Literatur. Da kein einziges handschriftliches Manuskript von Shakespeare erhalten ist, schlussfolgern Gegner der traditionellen Version, dass seine literarische Karriere verfälscht wurde.

Einige Gelehrte glauben, dass Shakespeares Familienmitglieder Katholiken waren, obwohl die katholische Religion damals verboten war. Shakespeares Mutter, Mary Arden, stammte aus einer katholischen Familie. Der Hauptbeweis für Shakespeares Zugehörigkeit zu einer katholischen Familie ist das Testament von John Shakespeare, das 1757 auf dem Dachboden seines Hauses gefunden wurde. Das Originaldokument ist verloren gegangen, und Gelehrte sind sich über seine Echtheit nicht einig. 1591 berichteten die Behörden, dass er nicht in der Kirche erschien. 1606 wurde der Name von Shakespeares Tochter Susanna in die Liste derjenigen aufgenommen, die nicht zur Osterkommunion in Stratford erschienen. Gelehrte haben in Shakespeares Stücken sowohl Beweise für als auch gegen seinen Katholizismus gefunden, aber die Wahrheit wurde nicht absolut festgestellt.

sexuelle Orientierung

Trotz Shakespeares Ehe und der Anwesenheit von Kindern gibt es in der wissenschaftlichen Gemeinschaft unterschiedliche Meinungen über seine sexuelle Orientierung. Gelehrte betrachten Shakespeares Sonette oft als autobiografisch, und einige schließen daraus Shakespeares Liebe zu dem jungen Mann. Andere betrachten diese Sonette jedoch nur als Ausdruck von Freundschaft, nicht von sexueller Anziehung. Die 26 sogenannten „Swarty Lady“-Sonette, die an eine verheiratete Frau gerichtet sind, werden oft als Beweis für seine heterosexuelle Orientierung angeführt.

Aussehen

Schriftliche Beschreibungen von Shakespeares Aussehen zu seinen Lebzeiten sind nicht erhalten, und es gibt Kontroversen über sein wahres Aussehen. Oft wird das wahre Porträt von Shakespeare als Droeshout-Porträt bezeichnet, von dem Ben Jonson als eine gute Darstellung von Shakespeares Aussehen sprach, zumal die Büste auf Shakespeares Grab diesem Porträt ziemlich ähnlich ist. Im 18. Jahrhundert wurden viele Versuche unternommen, das wahre Aussehen von Shakespeare festzustellen, was zu zahlreichen Fälschungen und verschiedenen Versionen führte.

Liste der Kompositionen

Spielklassifizierung

Shakespeares Schriften umfassen 36 Theaterstücke, die 1623 im First Folio veröffentlicht wurden, deren Aufteilung hier in Komödien, Chroniken und Tragödien gemäß dieser Ausgabe angegeben ist. Das erste Folio enthielt keine zwei Stücke, Zwei edle Verwandte und Perikles die heute als Teil des Kanons gelten, und Gelehrte sind sich einig, dass Shakespeare einen großen Beitrag zu ihrem Schreiben geleistet hat. Shakespeares Gedichte im First Folio wurden nicht veröffentlicht.

Ende des 19. Jahrhunderts stufte Edward Dowden 4 von Shakespeares späteren Stücken als romantisch ein, obwohl die meisten Gelehrten sie so nennen Tragikomödien, diese Variante ist weit verbreitet. Diese spielt und verwandt "Zwei edle Verwandte" sind mit (*) gekennzeichnet. 1896 prägte Frederick Boas den Begriff „Problemstücke“, um Shakespeares Stücke zu beschreiben, die schwer nach Genre zu klassifizieren sind: "Ende gut alles gut", "Maß für Maß", "Troilus und Cressida" und "Weiler". Dieser Begriff wurde viel diskutiert und manchmal in Bezug auf andere Stücke verwendet und wird dennoch in unserer Zeit verwendet "Weiler" oft einfach als Tragödien bezeichnet. Problemspiele sind mit (‡) gekennzeichnet.

Gilt ein Stück als nur teilweise von Shakespeare geschrieben, wird es mit einem (†) gekennzeichnet. Werke, die manchmal Shakespeare zugeschrieben werden, werden als Apokryphen klassifiziert.

Comedy-Schriften

• Ende gut alles gut ‡
• Wie gefällt es Ihnen
• Komödie der Fehler
• Die vergeblichen Bemühungen der Liebe
• Maß für Maß ‡
• Der Kaufmann von Venedig
• Frohe Weiber von Windsor
• Ein Traum in einer Sommernacht
• Viel Lärm um nichts
• Perikles *†
• Der Widerspenstigen Zähmung
• Sturm *
• zwölfte Nacht
• Zwei Verona
• Zwei edle Verwandte *†
• Wintermärchen *

• König Johann
• Richard II
• Heinrich IV, Teil 1
• Heinrich IV., Teil 2
• Heinrich V
• Heinrich VI., Teil 1 †
• Heinrich VI., Teil 2
• Heinrich VI., Teil 3
• Richard III
• Heinrich der Achte †

Tragödie

• Romeo und Julia
• Koriolan
• Titus Andronicus †
• Timon von Athen †
• Julius Caesar
• Macbeth †
• Weiler
• Troilus und Cressida ‡
• König Lear
• Othello
• Antonius und Kleopatra
• Cymbeline *

• Sonette von William Shakespeare
• Venus und Adonis
• Entehrte Lucretia
• leidenschaftlicher Pilger
• Phönix und Taube
• Beschwerde des Liebhabers

Verlorene Werke

• Belohnte Bemühungen der Liebe
• Geschichte von Cardenio †

Apokryphen Hauptartikel: Apokryphen von William Shakespeare

• Arden von Faversham
• Merlins Geburt
• Eduard III
• Locrine
• Der Londoner Verlorene
• Der Puritaner
• Die Tragödie des zweiten Mädchens
• Sir John Oldcastle
• Thomas Lord Cromwell
• Eine Yorkshire-Tragödie
• Herr Thomas Mehr

In Stratford-upon-Avon, Warwickshire, England. Das Kirchenbuch verzeichnet seine Taufe am 26. April. Sein Vater, John Shakespeare, war eine prominente Person in Stratford (laut einigen Quellen handelte er mit Lederwaren) und bekleidete verschiedene Positionen in der Stadtverwaltung bis hin zum Gerichtsvollzieher (Grundstücksverwalter). Die Mutter war die Tochter eines kleinen Landadligen aus Warwickshire, der aus einer alten Familie von Arden-Katholiken stammte.

Ende der 1570er Jahre ging die Familie bankrott und um 1580 musste William die Schule verlassen und anfangen zu arbeiten.

Im November 1582 heiratete er Anne Hathaway. Im Mai 1583 wurde ihr erstes Kind geboren - Tochter Susan, im Februar 1585 - Zwillingssohn Hamnet und Tochter Judith.

Es wurde populär zu sagen, dass Shakespeare einer der Theatergruppen in London beitrat, die auf Tournee in Stratford auftraten.

Bis 1593 veröffentlichte Shakespeare nichts, 1593 veröffentlichte er das Gedicht „Venus and Adonis“ und widmete es dem Herzog von Southampton, dem Schutzpatron der Literatur. Das Gedicht war ein großer Erfolg und wurde zu Lebzeiten des Autors achtmal veröffentlicht. Im selben Jahr trat Shakespeare der Truppe Lord Chamberlain von Richard Burbage bei, wo er als Schauspieler, Regisseur und Dramatiker arbeitete.

Theateraktivitäten unter der Schirmherrschaft von Southampton brachten ihm schnell Reichtum. Sein Vater, John Shakespeare, erhielt nach mehreren Jahren finanzieller Schwierigkeiten das Recht auf ein Wappen in der Heraldischen Kammer. Der verliehene Titel gab Shakespeare das Recht, „William Shakespeare, Gentleman“ zu unterzeichnen.

1592-1594 wurden die Londoner Theater wegen der Pest geschlossen. Während einer unfreiwilligen Pause schuf Shakespeare mehrere Stücke - die Chronik "Richard III", "Die Komödie der Irrungen" und "Der Widerspenstigen Zähmung". 1594, nach der Eröffnung der Theater, schloss sich Shakespeare der neuen Truppe des Lord Chamberlain an.

1595-1596 schrieb er die Tragödie Romeo und Julia, die romantischen Komödien Ein Sommernachtstraum und Der Kaufmann von Venedig.

Dem Dramatiker ging es gut – 1597 kaufte er ein großes Haus mit Garten in Stratford, wohin er mit seiner Frau und seinen Töchtern zog (der Sohn starb 1596) und sich niederließ, nachdem er die Londoner Bühne verlassen hatte.

In den Jahren 1598-1600 entstanden die Höhepunkte von Shakespeares Schaffen als Komiker – „Viel Lärm um nichts“, „Wie es euch gefällt“ und „Zwölfte Nacht“. Gleichzeitig schrieb er die Tragödie „Julius Caesar“ (1599).

Wurde einer der Besitzer, Dramatiker und Schauspieler des eröffneten Theaters "Globe". 1603 nahm König James Shakespeares Truppe unter direkte Schirmherrschaft – sie wurde als „Diener Seiner Majestät des Königs“ bekannt, und die Schauspieler galten als Höflinge als Kammerdiener. 1608 wurde Shakespeare Teilhaber des lukrativen Londoner Blackfriars Theatre.

Mit dem Aufkommen des berühmten „Hamlet“ (1600-1601) begann die Zeit der großen Tragödien des Dramatikers. 1601-1606 wurden Othello (1604), King Lear (1605), Macbeth (1606) geschaffen. Shakespeares tragisches Weltbild prägte auch jene Werke dieser Zeit, die nicht direkt zur Gattung der Tragödie gehören – die sogenannten „bitteren Komödien“ „Troilus und Cressida“ (1601–1602), „Ende gut, alles gut " (1603-1603), Maß für Maß (1604).

In den Jahren 1606-1613 schuf Shakespeare Tragödien basierend auf antiken Themen „Antonius und Kleopatra“, „Coriolanus“, „Timon von Athen“ sowie romantische Tragikomödien, darunter „Das Wintermärchen“ und „Der Sturm“ und die Spätchronik "Heinrich VIII".

Was über Shakespeares Schauspiel bekannt ist, ist, dass er die Rollen des Geistes in Hamlet und Adam in dem Stück As You Like It spielte. Er spielte eine Rolle in dem Theaterstück von Ben Jonson „Everyone in his own way“. Shakespeares letzte beglaubigte Aufführung auf der Bühne war in seinem eigenen Stück The Sejanus. 1613 verließ er die Bühne und ließ sich in seinem Haus in Stratford nieder.

Der Dramatiker wurde in der Holy Trinity Church begraben, wo er zuvor getauft worden war.

Mehr als zwei Jahrhunderte nach Shakespeares Tod zweifelte niemand an Shakespeares Urheberschaft. Seit 1850 sind Zweifel an der Urheberschaft des Dramatikers aufgekommen, die noch heute von vielen geteilt werden. Die Quelle für Shakespeares Biographen war sein Testament, das sich auf Häuser und Besitz bezieht, aber kein Wort über Bücher und Manuskripte. Es gibt viele Befürworter der negativen Aussage - Shakespeare aus Stratford konnte nicht der Autor solcher Werke sein, weil er ungebildet war, nicht reiste, nicht an der Universität studierte. Stratfordianer (Anhänger der traditionellen Version) und Anti-Stratfordianer haben viele Argumente vorgebracht. Mehr als zwei Dutzend Kandidaten für "Shakespeare" wurden vorgeschlagen, unter den beliebtesten Bewerbern - der Philosoph Francis Bacon und Shakespeares Vorgänger in der Transformation der dramatischen Kunst Christopher Marlowe, auch Earls of Derby, Oxford, Rutland genannt.

William Shakespeare gilt als der größte englische Dramatiker, einer der besten Dramatiker der Welt. Seine Stücke wurden in alle wichtigen Sprachen übersetzt und bilden bis heute die Grundlage des weltweiten Theaterrepertoires. Die meisten von ihnen wurden viele Male gefilmt.

In Russland ist Shakespeares Werk seit dem 18. Jahrhundert bekannt, es ist seit der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts zu einer Tatsache der russischen Kultur (Verständnis, Übersetzungen) geworden.

Das Material wurde auf der Grundlage von Informationen von RIA Novosti und offenen Quellen erstellt

(Handschuhmacher), oft in verschiedene öffentliche Ämter gewählt. Er besuchte keine Gottesdienste, wofür er hohe Geldstrafen zahlte (es ist möglich, dass er ein heimlicher Katholik war).

Shakespeares Mutter, geborene Mary Arden (1537–1608), gehörte einer der ältesten sächsischen Familien an.

Es wird angenommen, dass Shakespeare an der Stratford "Grammar School" (englisch "Grammar School") studierte, wo er eine ernsthafte Ausbildung erhielt: Der Stratford-Lehrer für Latein und Literatur schrieb Gedichte auf Latein. Einige Gelehrte behaupten, dass Shakespeare die Schule von König Edward VI. in Stratford-upon-Avon besuchte, wo er die Werke von Dichtern wie Ovid und Plautus studierte, aber die Schulzeitschriften sind nicht erhalten, und jetzt kann nichts mit Sicherheit gesagt werden.

Büste von Shakespeare in St. Dreifaltigkeit in Stratford

Alle erhaltenen Unterschriften von Shakespeare auf Dokumenten (-) zeichnen sich durch eine sehr schlechte Handschrift aus, aufgrund derer einige Forscher glauben, dass er zu dieser Zeit schwer krank war. Shakespeare starb am 23. April 1616. Traditionell wird angenommen, dass er an seinem Geburtstag starb, aber es ist nicht sicher, dass Shakespeare am 23. April geboren wurde.

Shakespeares Autogramm auf seinem Testament

Drei Tage später wurde Shakespeares Leichnam in der St. Dreieinigkeit. Auf seinem Grabstein ist ein Epitaph eingraviert:

guter Freund, um Himmels willen, lass es bleiben, Um den hier eingeschlossenen Staub zu graben. Gesegnet sei der Mann, der die Steine ​​verschont, Und verflucht sei er, der meine Knochen bewegt.

In der Kirche wurde auch eine bemalte Shakespeare-Büste aufgestellt, daneben befinden sich zwei weitere Epitaphien - in lateinischer und in englischer Sprache. Das lateinische Epitaph vergleicht Shakespeare mit dem weisen Pylos-König Nestor, Sokrates und Virgil.

Shakespeare wurde von einer Witwe, Anne (gest. 1623), und beiden Töchtern überlebt. Der letzte direkte Nachkomme von Shakespeare war seine Enkelin Elizabeth Barnard (1608-1670), Tochter von Susan Shakespeare und Dr. John Hall. Drei Söhne von Judith Shakespeare (verheiratet mit Queenie) starben jung ohne Nachkommen.

Schaffung

Shakespeares literarisches Erbe ist in zwei ungleiche Teile geteilt: poetisch (Gedichte und Sonette) und dramatisch. V. G. Belinsky schrieb: „Es wäre zu kühn und seltsam, Shakespeare als eigentlichen Dichter einen entscheidenden Vorteil gegenüber allen Dichtern der Menschheit zu verschaffen, aber als Dramatiker steht er jetzt ohne einen Rivalen da, dessen Name neben seinem Namen stehen könnte ” .

Dramaturgie

Englisches Drama und Theater in der Zeit von William Shakespeare

Zu Beginn der Regierungszeit von Elisabeth (Elizabeth I. von England, 1533-1603), die 1558 den Thron bestieg, gab es keine speziellen Gebäude für Aufführungen, obwohl es damals schon ziemlich viele arbeitende Schauspieltruppen gab. Für diese Zwecke wurden Gasthäuser oder Säle von Bildungseinrichtungen und Privathäusern genutzt. 1576 baute der Unternehmer James Burbage (1530-1597), der als Schauspieler in der Truppe der Leicester's Men begann, das erste spezielle Gebäude für Theateraufführungen - The Theatre. Es wurde außerhalb der Stadt am Stadtrand von Shoreditch (Shoreditch) errichtet. William Shakespeare war seit mindestens 1594 Teil von Burbages Chamberlain's Men, das sich aus Schauspielern zusammensetzte, die zuvor drei verschiedenen Kompanien angehörten. Als James Burbage 1597 starb, lief der Pachtvertrag für das Grundstück aus, auf dem sich das Theater befand. Während die Entscheidung über neue Räumlichkeiten getroffen wurde, fanden die Aufführungen der Truppe im nahe gelegenen Curtain Theatre (The Curtain, 1577-1627) statt, das von Henry Lanman gegründet wurde. Inzwischen wurde The Thearte demontiert und Stück für Stück auf die andere Seite des Flusses transportiert. Anfang 1599 wurde der Bau abgeschlossen und ein neues Theater eröffnet, das sie The Globe nannten. Burbages Söhne Cuthbert und Richard (Cuthbert Burbage und Richard Burbage, 1567-1619) wurden Eigentümer der Hälfte des Gebäudes, sie boten an, den Rest seines Wertes unter mehreren Aktionären der Truppe zu teilen. So wurde Shakespeare einer der Miteigentümer des Globe. 1613, während der Aufführung von „Heinrich VIII.“, brach das Strohdach des Theaters ein und brannte bis auf die Grundmauern nieder. Ein Jahr später wurde an gleicher Stelle der „zweite Globus“ (The second Globe) mit Ziegeldach errichtet. Die Entstehung neuer Stücke erfolgte damals im englischen Theaterumfeld oft auf der Grundlage vorhandener Texte, die verändert und ergänzt wurden. Auch William Shakespeare verwendete in seinem Werk diese Methode und verbesserte die in verschiedenen Quellen gefundenen Materialien. In der Zeit von 1595 bis 1601 gibt es eine aktive Entwicklung seiner schriftstellerischen Laufbahn. Shakespeares Können bringt Ruhm in seine Werke und seine Truppe.

Englische Dramatiker, Vorgänger und Zeitgenossen von William Shakespeare

In der Shakespeare-Ära gab es neben dem damals erfolgreichen Globe Theatre in London mehrere andere bemerkenswerte Theater, die miteinander konkurrierten. Theater "Rose" (The Rose, 1587-1605), erbaut vom Geschäftsmann Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). Das Swan Theatre (The Swan, 1595-1632), das vom Juwelier und Kaufmann Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602) erbaut wurde, das Fortune Theatre, dessen Bau 1600 begann, und andere. Einer von Shakespeares berühmtesten Dramatikern war der begabte Dichter Christopher Marlowe (1564-1593), unter dessen Einfluss Shakespeare zweifellos gleich zu Beginn seines Schaffens geriet und dessen Stücke damals alle im Rose Theatre aufgeführt wurden. Er war einer der Dramatiker - "Akademiker" mit Oxford- oder Cambridge-Diplomen, zu denen auch Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567- 1601), George Peele (1556–1596) und Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558–1625). Neben ihnen arbeiteten andere Schriftsteller, die keine Universitätsausbildung hatten, deren Schriften Shakespeares Werk auf die eine oder andere Weise beeinflussten. Dies ist Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558–1594), der ein früheres Stück über Hamlet, John Day (John Day, 1574–1638?), Henry Porter (Henry Porter, gest. 1599), Autor des Stücks „Two Spitzmäuse von Abingdon“ (Die zwei zornigen Frauen von Abingdon), auf deren Grundlage Shakespeares Komödie „Die lustigen Weiber von Windsor“ (Die lustigen Weiber von Windsor, 1597-1602) entstand.

Theatertechnik in der Ära von William Shakespeare

Theatertechnik in der Shakespeare-Ära - das Shakespeare-Theater entspricht zweifellos dem System des Schauspiels, ursprünglich inszeniert von Gruppen umherziehender Komödianten in Gasthöfen und Hotelhöfen; Diese Hotelhöfe bestanden normalerweise aus einem Gebäude, das im zweiten Stock von einem offenen Balkon umgeben war, entlang dem sich die Zimmer und Eingänge zu ihnen befanden. Eine wandernde Truppe, die einen solchen Hof betreten hatte, inszenierte eine Szene in der Nähe eines der Rechtecke seiner Wände; Zuschauer saßen im Innenhof und auf dem Balkon. Die Bühne war in Form einer hölzernen Plattform auf den Ziegen angeordnet, von der ein Teil auf den offenen Hof hinausging und der andere, der Rücken, unter dem Balkon blieb. Vom Balkon fiel ein Vorhang. So wurden sofort drei Plattformen gebildet: die vordere - vor dem Balkon, die hintere - unter dem Balkon hinter dem Vorhang und die obere - der Balkon über der Bühne. Dasselbe Prinzip liegt der Übergangsform des englischen Theaters des 16. und frühen 17. Jahrhunderts zugrunde. Das erste öffentliche stationäre Theater wurde 1576 von der Schauspielfamilie Burbage in London (oder besser gesagt außerhalb von London, außerhalb der Stadtgrenzen, da Theater innerhalb der Stadt nicht erlaubt waren) gebaut. 1599 wurde das Globe Theatre gegründet, mit dem die meisten Werke Shakespeares in Verbindung gebracht werden. Shakespeares Theater kennt den Zuschauerraum noch nicht, aber den Hof als Reminiszenz an Hotelhöfe. Ein solcher offener, dachloser Zuschauerraum war von einer oder zwei Emporen umgeben. Die Bühne war überdacht und repräsentierte gleich die drei Tribünen des Hotelhofs. Der vordere Teil der Bühne verkeilte sich fast zu einem Drittel in den Zuschauerraum – ein stehendes Parterre (womit der Name „par terre“ wörtlich auf dem Boden ausgeführt wird). Auch der demokratische Teil des Publikums, der das Parterre füllte, umgab die Bühne in einem dichten Ring. Der privilegierte, aristokratische Teil des Publikums ließ sich - liegend und auf Hockern - an den Rändern der Bühne selbst nieder. Die Geschichte des Theaters dieser Zeit weist auf die ständige Feindseligkeit und den Streit zwischen diesen beiden Zuschauergruppen hin, der manchmal sogar in einen Kampf überging. Die Klassenfeindschaft der Handwerker und Arbeiter gegen den Adel wirkte hier ziemlich laut. Überhaupt war diese Stille, die unser Auditorium kennt, nicht in Shakespeares Theater. Die Rückseite der Bühne wurde durch einen Schiebevorhang abgetrennt. Dort wurden in der Regel intime Szenen aufgeführt (zum Beispiel in Desdemonas Schlafzimmer), sie spielten dort auch, wenn es galt, die Handlung schnell an einen anderen Ort zu verlegen und die Figur in einer neuen Position zu zeigen (zum Beispiel in Marlos Drama „Tamerlane“ dort). ist ein Hinweis: "Der Vorhang wird zurückgezogen, und Zenocrate liegt im Bett, Tamerlan sitzt neben ihr", oder in Shakespeares "Das Wintermärchen": "Pauline zieht den Vorhang zurück und enthüllt Hermine, die in Form einer Statue steht." ). Das Vorderdeck war Hauptbühne , sie wurde auch für Prozessionen verwendet, damals beliebt im Theater, um das Fechten zu zeigen, was zu dieser Zeit sehr beliebt war (eine Szene im letzten Akt von Hamlet). Auch Clowns, Jongleure und Akrobaten traten hier auf und unterhielten das Publikum zwischen den Szenen des Hauptstücks (im Shakespeare-Theater gab es keine Pausen). Später, bei der späteren literarischen Verarbeitung von Shakespeare-Dramen, wurden einige dieser clownesken Zwischenspiele und clownesken Bemerkungen in den gedruckten Text aufgenommen. Jede Aufführung endete zwangsläufig mit einer „jiga“ – einer besonderen Art von Lied mit einem von einem Clown dargebotenen Tanz; die Szene der Totengräber in Hamlet war zu Shakespeares Zeiten eine Clownerie, später war sie voller Pathos. Im Shakespeare-Theater gibt es noch keinen scharfen Unterschied zwischen einem dramatischen Schauspieler und einem Akrobaten, einem Narren. Es stimmt, dieser Unterschied wird bereits entwickelt, er wird gefühlt, er ist im Entstehen. Aber die Kanten sind noch nicht gelöscht. Die Verbindung, die den Shakespeare-Schauspieler mit dem Possenreißer, dem Histrion, dem Jongleur, dem clownesken „Teufel“ des mittelalterlichen Mysteriums, mit dem Possenreißer verbindet, ist noch nicht gebrochen. Es ist durchaus nachvollziehbar, warum der Kesselschmied aus „Der Widerspenstigen Zähmung“ beim Wort „Komödie“ zunächst an die Tricks des Jongleurs erinnert. Die obere Szene wurde verwendet, wenn die Handlung durch die Logik der Ereignisse oben dargestellt werden musste, zum Beispiel auf den Mauern der Festung ("Coriolanus"), auf Julias Balkon ("Romeo und Julia"). In solchen Fällen hat das Skript einen Vermerk "oben". Zum Beispiel wurde ein solches Layout praktiziert - die Oberseite stellte eine Festungsmauer dar, und der Vorhang der hinteren Plattform, der unten zurückgezogen wurde, bedeutete gleichzeitig, dass sich die Stadttore vor dem Gewinner öffneten. Ein solches Theatersystem erklärt auch die Struktur von Shakespeares Dramen, die noch keine Akteinteilung kennen (diese Einteilung erfolgte nach Shakespeares Tod, in der Ausgabe von 1623), weder exakten Historismus noch bildnerischen Realismus. Die für elisabethanische Dramatiker so charakteristische Parallelität der Handlungen in ein und demselben Stück wurde kürzlich durch die eigentümliche Struktur der Bühne erklärt, die von drei Seiten für das Publikum geöffnet ist. In dieser Szene dominiert das sogenannte Gesetz der „zeitlichen Kontinuität“. Die Entwicklung einer Handlung ermöglichte es der anderen, sozusagen „hinter den Kulissen“ fortzufahren, was die entsprechende Zeitspanne der „Theaterzeit“ zwischen den Segmenten dieser Handlung ausfüllte. Aufbauend auf kurzen, aktiv spielenden Episoden wird die Handlung mit relativer Geschwindigkeit von Ort zu Ort übertragen. Dies spiegelt sich auch in der Tradition der Mysterienszenen wider. So deutete ein erneuter Abgang derselben Person oder auch nur ein paar Schritte entlang der Bühne mit entsprechender textlicher Erklärung bereits auf einen neuen Ort hin. Zum Beispiel sagt Benedikt in Viel Lärm um nichts zu dem Jungen: „Ich habe ein Buch am Fenster in meinem Zimmer, bring es hierher in den Garten“ – das bedeutet, dass die Handlung im Garten stattfindet. Manchmal wird in den Werken von Shakespeare ein Ort oder eine Zeit nicht so einfach angegeben, sondern durch eine ganze poetische Beschreibung davon. Dies ist einer seiner Lieblingstricks. Zum Beispiel sagt Lorenzo in „Romeo und Julia“ auf dem Bild nach der Szene einer mondhellen Nacht: „Ein klares Lächeln eines grauäugigen Düsternis treibt bereits die Nacht und vergoldet die Wolke des Ostens mit Streifen des Lichts ...“ Oder die Worte des Prologs zum ersten Akt von „Heinrich V.“: „ … Stell dir vor, dass sich hier die Ebenen der beiden Königreiche weit ausdehnen, deren Ufer, sich so nah aneinander lehnend, trennen der schmale, aber gefährliche Mächtige Ozean. Ein paar Schritte Romeo mit Freunden bedeuteten, dass er von der Straße zum Haus zog. Um einen Ort zu bezeichnen, wurden auch "Titel" verwendet - Tafeln mit einer Inschrift. Manchmal zeigte die Szene mehrere Städte gleichzeitig, und Inschriften mit ihren Namen reichten aus, um den Betrachter bei der Aktion zu orientieren. Mit dem Ende der Szene verließen die Charaktere die Bühne, manchmal blieben sie sogar - zum Beispiel verließen verkleidete Gäste, die die Straße zum Haus der Capulet ("Romeo und Julia") hinuntergingen, die Bühne nicht, und das Erscheinen von Lakaien mit Servietten bedeutet, dass sie bereits angekommen sind und sich in den Kammern der Capulets befinden. Drama wurde zu dieser Zeit nicht als "Literatur" angesehen. Der Dramatiker strebte keine Autorenschaft an, und es war nicht immer möglich. Die Tradition des anonymen Dramas kam aus dem Mittelalter durch Wandertruppen und wurde fortgesetzt. So taucht der Name Shakespeare unter den Titeln seiner Stücke erst 1593 auf. Was der Theaterdichter schrieb, wollte er nicht veröffentlichen, sondern hatte ausschließlich das Theater im Sinn. Ein bedeutender Teil der Dramatiker der elisabethanischen Ära war einem bestimmten Theater verbunden und verpflichtete sich, diesem Theater ein Repertoire zu liefern. Der Wettbewerb der Truppen erforderte eine große Anzahl von Spielen. Für den Zeitraum von 1558 bis 1643 wird ihre Zahl in England auf über 2.000 Namen geschätzt. Sehr oft wird das gleiche Stück von mehreren Truppen verwendet, wobei jedes auf seine Weise überarbeitet und an die Truppe angepasst wird. Anonyme Urheberschaft schloss literarisches Plagiat aus, und wir konnten nur von „Piraten“-Wettkampfmethoden sprechen, wenn ein Stück nach Gehör gestohlen wurde, gemäß einer ungefähren Aufzeichnung usw. Und in Shakespeares Werk kennen wir eine Reihe von Stücken, die verwendet wurden von Handlungen aus bereits bestehenden Dramen. Das sind zum Beispiel Hamlet, King Lear und andere. Die Öffentlichkeit verlangte nicht den Namen des Autors des Stücks. Dies wiederum führte dazu, dass das geschriebene Stück nur die „Basis“ für die Aufführung war, der Text des Autors während der Proben in irgendeiner Weise verändert wurde. Die Darbietungen der Narren werden oft mit dem Vermerk „der Narr sagt“ bezeichnet, der den Inhalt der Narrenszene dem Theater oder den Improvisationen des Narren selbst zur Verfügung stellt. Der Autor hat sein Manuskript an das Theater verkauft und in der Folge keine Urheberrechtsansprüche oder Rechte daran geltend gemacht. Die gemeinsame und damit sehr schnelle Arbeit mehrerer Autoren an einem Stück war sehr verbreitet, einige entwickelten zum Beispiel eine dramatische Intrige, andere - einen komischen Teil, Possen von Narren, wieder andere stellten allerlei "schreckliche" Effekte dar, die sehr waren damals populär, etc. e. Am Ende der Ära, zu Beginn des 17. Jahrhunderts, begann das literarische Drama bereits seinen Weg auf die Bühne zu finden. Die Entfremdung zwischen „gelehrten“ Autoren, säkularen „Amateuren“ und professionellen Dramatikern wird immer geringer. Literarische Autoren (z. B. Ben Jonson) beginnen, für das Theater zu arbeiten, Theaterautoren wiederum beginnen zunehmend zu publizieren.

Die Frage der Periodisierung

Forscher von Shakespeares Werk (dänischer Literaturkritiker G. Brandes, Herausgeber der russischen Gesamtwerke von Shakespeare S. A. Vengerov) stellten Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts, basierend auf der Chronologie der Werke, seine spirituelle Entwicklung von a "heitere Stimmung", Glaube an den Triumph der Gerechtigkeit, humanistische Ideale am Anfang des Weges zur Enttäuschung und Zerstörung aller Illusionen am Ende. In den letzten Jahren wurde jedoch die Meinung vertreten, dass der Schluss auf die Persönlichkeit des Autors aufgrund seiner Werke ein Fehler ist.

1930 schlug der Shakespeare-Gelehrte E. K. Chambers eine Chronologie von Shakespeares Werk nach Genre vor, die später von J. McManway korrigiert wurde. Es gab vier Perioden: die erste (1590-1594) - früh: Chroniken, Renaissance-Komödien, "Tragödie des Grauens" ("Titus Andronicus"), zwei Gedichte; die zweite (1594-1600) - Renaissance-Komödien, die erste reife Tragödie ("Romeo und Julia"), Chroniken mit Elementen der Tragödie, antike Tragödie ("Julius Caesar"), Sonette; der dritte (1601-1608) - große Tragödien, alte Tragödien, "dunkle Komödien"; das vierte (1609-1613) - Märchendramen mit einem tragischen Anfang und einem glücklichen Ende. Einige der Shakespeare-Gelehrten, darunter A. A. Smirnov, kombinierten die erste und zweite Periode zu einer frühen Periode.

Erste Periode (1590-1594)

Die erste Periode ist ungefähr 1590-1594 Jahre.

Nach literarischen Methoden es kann als Nachahmungszeit bezeichnet werden: Shakespeare ist seinen Vorgängern noch völlig ausgeliefert. Nach Stimmung Diese Zeit wurde von Anhängern des biografischen Ansatzes zum Studium von Shakespeares Werk als eine Zeit des idealistischen Glaubens an die besten Aspekte des Lebens definiert: "Der junge Shakespeare bestraft mit Begeisterung das Laster in seinen historischen Tragödien und singt mit Begeisterung von hohen und poetischen Gefühlen - Freundschaft , Selbstaufopferung und vor allem Liebe" (Vengerov) .

Wahrscheinlich waren Shakespeares erste Stücke die drei Teile von Heinrich VI. Holinsheds Chroniken dienten als Quelle für diese und nachfolgende historische Chroniken. Das Thema, das alle Shakespeare-Chroniken eint, ist der Wandel in einer Reihe schwacher und unfähiger Herrscher, die das Land in Bürgerkrieg und Bürgerkrieg führten Bürgerkrieg und die Wiederherstellung der Ordnung mit dem Beitritt der Tudor-Dynastie. Wie Marlowe in Edward II. beschreibt Shakespeare nicht einfach historische Ereignisse, sondern untersucht die Motive hinter den Handlungen der Figuren.

S. A. Vengerov sah den Übergang zur zweiten Periode „in Abwesenheit Spielzeug Poesie der Jugend, die so charakteristisch für die erste Periode ist. Die Helden sind noch jung, aber sie haben bereits ein anständiges Leben geführt und die Hauptsache für sie im Leben ist Vergnügen. Die Portion ist pikant, lebhaft, aber schon die sanften Reize der Mädchen der Zwei Veroner und noch mehr Julia sind darin überhaupt nicht enthalten.

Gleichzeitig schafft Shakespeare einen unsterblichen und höchst interessanten Typus, der bisher in der Weltliteratur keine Entsprechungen hatte - Sir John Falstaff. Der Erfolg beider Teile Heinrich IV» nicht zuletzt das Verdienst dieses Hellsten Schauspieler Chronik, die sofort populär wurde. Der Charakter ist zweifellos negativ, aber mit einem komplexen Charakter. Ein Materialist, ein Egoist, ein Mann ohne Ideale: Ehre ist nichts für ihn, ein beobachtender und einsichtiger Skeptiker. Er leugnet Ehre, Macht und Reichtum: Er braucht Geld nur, um sich Nahrung, Wein und Frauen zu beschaffen. Aber die Essenz des Komischen, die Körnung des Bildes von Falstaff ist nicht nur sein Witz, sondern auch ein fröhliches Lachen über sich selbst und die Welt um ihn herum. Seine Stärke liegt in der Menschenkenntnis, alles was einen Menschen bindet ist ihm zuwider, er ist die Verkörperung der Freiheit des Geistes und Skrupellosigkeit. Als Mann der vergangenen Zeit wird er dort nicht gebraucht, wo der Staat mächtig ist. Zu erkennen, dass eine solche Figur in einem Drama um einen idealen Herrscher fehl am Platz ist, in " Heinrich V Shakespeare entfernt es: Das Publikum wird einfach über Falstaffs Tod informiert. Der Überlieferung nach soll Shakespeare auf Wunsch von Queen Elizabeth, die Falstaff wieder auf der Bühne sehen wollte, ihn in „ Die lustigen Weiber von Windsor» . Aber das ist nur eine blasse Kopie des ehemaligen Falstaff. Er verlor sein Wissen über die Welt um ihn herum, es gibt keine gesunde Ironie mehr, kein Lachen über sich selbst. Nur ein selbstzufriedener Schurke blieb zurück.

Wesentlich erfolgreicher ist der Versuch, im Schlussspiel des zweiten Drittels zum Falstaff-Typ zurückzukehren - "Zwölfte Nacht". Hier haben wir in der Person von Sir Toby und seinem Gefolge sozusagen eine zweite Ausgabe von Sir John, wenn auch ohne seinen sprühenden Witz, aber mit der gleichen ansteckenden gutmütigen Ritterlichkeit. Es passt auch perfekt in den Rahmen der „falstaffischen“ Zeit, die größtenteils ein derber Frauenhohn ist "Der Widerspenstigen Zähmung".

Dritte Periode (1600-1609)

Die dritte Periode seiner künstlerischen Tätigkeit, ungefähr abdeckend 1600-1609 Jahre nennen Befürworter des subjektivistisch-biografischen Zugangs zu Shakespeares Werk die Zeit der „tiefen spirituellen Dunkelheit“ und sehen das Auftreten der melancholischen Figur Jacques in der Komödie als Zeichen einer veränderten Weltanschauung "Wie du es magst" und nannte ihn fast den Vorgänger von Hamlet. Einige Forscher glauben jedoch, dass Shakespeare nach dem Bild von Jacques nur die Melancholie verspottete und die Zeit angeblicher Enttäuschungen im Leben (laut den Befürwortern der biografischen Methode) durch die Fakten von Shakespeares Biografie nicht wirklich bestätigt wird. Die Zeit, in der der Dramatiker die größten Tragödien schuf, fällt mit der Blüte seiner schöpferischen Kräfte, der Lösung materieller Schwierigkeiten und dem Erreichen einer hohen Position in der Gesellschaft zusammen.

Um 1600 schafft Shakespeare "Weiler", laut vielen Kritikern, ist sein tiefstes Werk. Shakespeare behielt die Handlung der bekannten Rachetragödie bei, richtete aber seine ganze Aufmerksamkeit auf den seelischen Zwiespalt, das innere Drama des Protagonisten. Ein neuer Heldentyp wurde in das traditionelle Rachedrama eingeführt. Shakespeare war seiner Zeit voraus - Hamlet ist nicht der übliche tragische Held, der Rache für die göttliche Gerechtigkeit übt. Als er zu dem Schluss kommt, dass es unmöglich ist, die Harmonie mit einem Schlag wiederherzustellen, erlebt er die Tragödie der Entfremdung von der Welt und verurteilt sich selbst zur Einsamkeit. Nach der Definition von L. E. Pinsky ist Hamlet der erste „nachdenkliche“ Held der Weltliteratur.

Die Helden von Shakespeares „großen Tragödien“ sind herausragende Menschen, in denen sich Gut und Böse vermischen. Angesichts der Disharmonie der Welt um sie herum treffen sie eine schwierige Entscheidung - wie sie darin bestehen sollen, sie erschaffen ihr eigenes Schicksal und tragen die volle Verantwortung dafür.

Zugleich schafft Shakespeare ein Drama, das im First Folio von 1623 als Komödie eingestuft wird, kaum Komik gibt es in diesem ernsten Werk über einen ungerechten Richter. Sein Name bezieht sich auf die Lehre Christi über die Barmherzigkeit, im Verlauf der Handlung schwebt einer der Helden in Lebensgefahr, und das Ende kann als bedingt glücklich bezeichnet werden. Dieses problematische Werk passt nicht in ein bestimmtes Genre, sondern existiert an der Grenze der Genres: Zurück zur Moral, ist es auf die Tragikomödie ausgerichtet.

• Sonette einem Freund gewidmet: 1 -126
• Einen Freund singen: 1 -26
• Freundschaftsversuche: 27 -99
• Die Bitterkeit der Trennung: 27 -32
• Erste Enttäuschung bei einem Freund: 33 -42
• Sehnsucht und Ängste: 43 -55
• Wachsende Entfremdung und Melancholie: 56 -75
• Rivalität und Eifersucht gegenüber anderen Dichtern: 76 -96
• "Winter" der Trennung: 97 -99
• Feier der erneuerten Freundschaft: 100 -126
• Sonette, die einem dunklen Liebhaber gewidmet sind: 127 -152
• Fazit - die Freude und Schönheit der Liebe: 153 -154

Sonett 126 verstößt gegen den Kanon - er hat nur 12 Zeilen und ein anderes Reimmuster. Manchmal wird es als Abschnitt zwischen zwei bedingten Teilen des Zyklus betrachtet - Sonette, die der Freundschaft gewidmet sind (1-126) und an die "dunkle Dame" gerichtet sind (127-154). Sonett 145 in jambischem Tetrameter statt Pentameter geschrieben und unterscheidet sich im Stil von den anderen; manchmal wird es der Frühzeit zugeschrieben und seine Heldin wird mit Shakespeares Frau Anna Hathaway identifiziert (deren Nachname, vielleicht als Wortspiel „hate away“, im Sonett vorkommt).

Dating-Probleme

Erste Veröffentlichungen

Es wird geschätzt, dass die Hälfte (18) von Shakespeares Stücken zu Lebzeiten des Dramatikers auf die eine oder andere Weise veröffentlicht wurde. Als wichtigste Veröffentlichung von Shakespeares Nachlass gilt das Folio von 1623 (das sogenannte „First Folio“), herausgegeben von Edward Blount und William Jaggard als Teil des sog. "Chester-Sammlung"; Drucker Worrall und Col. Diese Ausgabe enthielt 36 Shakespeare-Stücke – alle außer „Pericles“ und „Two noble relative“. Es ist diese Ausgabe, die der gesamten Forschung auf dem Gebiet von Shakespeare zugrunde liegt.

Dieses Projekt wurde durch die Bemühungen von John Heminge und Henry Condell (1556-1630 und Henry Condell, gest. 1627), Freunden und Kollegen von Shakespeare, ermöglicht. Dem Buch vorangestellt ist eine Botschaft an die Leser im Namen von Heminge und Condell sowie eine poetische Widmung an Shakespeare – Zum Andenken an meinen Geliebten, den Autor – des Dramatikers Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637), der war gleichzeitig sein literarischer Gegner, Kritiker und Freund, der zur Veröffentlichung des Ersten Folio, oder wie es auch genannt wird, "The Great Folio" (Das Große Folio von 1623) beitrug.

Kompositionen

Stücke, die allgemein als Shakespeare angesehen werden

• Die Komödie der Irrungen (z. B. - Erstausgabe, - wahrscheinliches Jahr der Erstproduktion)
• Titus Andronicus (g. - Erstausgabe, Urheberschaft ist umstritten)
• Romeo und Julia
• Ein Sommernachtstraum
• Kaufmann von Venedig (r. - Erstausgabe, - wahrscheinliches Entstehungsjahr)
• König Richard III. (r. - Erstausgabe)
• Measure for Measure (G. - Erstausgabe, 26. Dezember - Erstproduktion)
• King John (r. - Erstausgabe des Originaltextes)
• Heinrich VI. (r. - Erstausgabe)
• Heinrich IV. (r. - Erstausgabe)
• Love's Labour's Lost (g. - Erstausgabe)
• Wie es euch gefällt (Schreiben - - gg., d. - Erstausgabe)
• Zwölfte Nacht (Schreiben - nicht später, d. - Erstausgabe)
• Julius Caesar (Schrift -, g. - Erstausgabe)
• Heinrich V. (r. - Erstausgabe)
• Viel Lärm um nichts (r. - Erstausgabe)
• Die lustigen Weiber von Windsor (g. - Erstausgabe)
• Hamlet, Prinz von Dänemark (r. - Erstausgabe, r. - Zweitausgabe)
• Ende gut, alles gut (Schreiben - - gg., g. - Erstausgabe)
• Othello (Erstellung - spätestens das Jahr, Erstausgabe - Jahr)
• König Lear (26
• Macbeth (Schöpfung - c., Erstausgabe - c.)
• Anthony und Cleopatra (Schöpfung - d., Erstausgabe - d.)
• Coriolanus ( r. - Schreibjahr)
• Perikles (g. - Erstausgabe)
• Troilus und Cressida (gest. - Erstveröffentlichung)
• Tempest (1. November - Erstproduktion, Stadt - Erstausgabe)
• Cymbeline (Schrift - g., g. - Erstausgabe)
• Wintermärchen (g. - die einzige erhaltene Ausgabe)
• Der Widerspenstigen Zähmung (gest. - Erstveröffentlichung)
• Zwei Veroner (gest. - Erstveröffentlichung)
• Heinrich VIII. (r. - Erstveröffentlichung)
• Timon von Athen (gest. - Erstveröffentlichung)

Apokryphen und verlorene Werke

Hauptartikel: Apokryphen und verlorene Werke von William Shakespeare

In einer Shakespeares Unterschriften sehr ähnlichen Handschrift sind drei Seiten eines gemeinsamen, nie inszenierten Theaterstücks „Sir Thomas More“ geschrieben (unzensiert). Die Rechtschreibung des Manuskripts stimmt mit den gedruckten Ausgaben von Shakespeares Stücken überein (zu dieser Zeit hatte sich noch kein gemeinsames System der englischen Rechtschreibung herausgebildet). Bestätigte Shakespeares Autorschaft und stilistische Analyse.

Es gibt auch eine Reihe von Theaterstücken und Gedichten, die Shakespeare (oder Kreativteams mit seiner Beteiligung) zugeschrieben werden.

• The Reign of King Edward III, möglicherweise gemeinsam mit Thomas Kyd (1596) verfasst.
• Love's Efforts Rewarded (1598) - ein Stück, das entweder verloren gegangen ist oder unter einem anderen Titel bekannt ist ("Ende gut, alles gut" oder "Der Widerspenstigen Zähmung").
• Cardenio ("Double Lies, or Lovers in Distress") - gemeinsam mit John Fletcher verfasst (1613, Hrsg. 1728 von Lewis Theobald). Nach traditioneller Ansicht ist die Veröffentlichung von 1728 eine Fälschung, während der Text, an dem Shakespeare mitgewirkt hat, verloren ist. In letzter Zeit glauben jedoch einige Forscher, dass der bekannte Text "Cardenio" keine Fälschung ist und möglicherweise Shakespeare-Zeilen enthält.
• Yorkshire-Tragödie (n / a, Hrsg. 1619, Jaggard)
• Sir John Oldcastle (n/a, Hrsg. 1619, Jaggard)

Fälschungen

• Vortigern und Rowena - Autor. William Henry Irland

"Shakespeare-Frage"

Shakespeares Leben ist wenig bekannt – er teilt das Schicksal der überwiegenden Mehrheit anderer englischer Dramatiker dieser Zeit, deren persönliches Leben für Zeitgenossen von geringem Interesse war. Es gibt eine Sichtweise, den sogenannten Anti-Stratfordianismus oder Nicht-Stratfordianismus, dessen Anhänger die Urheberschaft von Shakespeare (Shakspere) aus Stratford leugnen und glauben, dass „William Shakespeare“ ein Pseudonym ist, unter dem eine andere Person oder Personengruppe steht versteckte sich. Zweifel an der Gültigkeit der traditionellen Sichtweise sind seit mindestens 1848 bekannt (und einige Anti-Stratfordianer sehen Hinweise darauf auch in der früheren Literatur). Gleichzeitig besteht unter Nicht-Stratfordianern keine Einigkeit darüber, wer genau der wahre Autor von Shakespeares Werken war. Die Zahl der möglichen Kandidaten, die von verschiedenen Forschern vorgeschlagen werden, beläuft sich derzeit auf mehrere Dutzend.

Der russische Schriftsteller Lev Nikolaevich Tolstoy in seinem kritischen Essay „On Shakespeare and Drama“ basiert auf einer detaillierten Analyse einiger der beliebtesten Werke von Shakespeare, insbesondere: „King Lear“, „Othello“, „Falstaff“, „Hamlet“ , etc. - scharfe Kritik an Shakespeares Fähigkeiten als Dramatiker ausgesetzt.

Bernard Shaw kritisierte den romantischen Shakespeare-Kult im 19. Jahrhundert mit dem Wort „Bardo-Anbetung“ (engl. Bardolatrie).

Shakespeares Werke in anderen Kunstformen

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